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  • 上周最受欢迎的十部作品 | 新片场周榜单

    新片场周榜单是由新片场社区推出的一项作品榜单。我们通过统计站内外各项数据综合得出排名,精选出每周社区里最受欢迎的10部作品,推荐给大家,让你不落下每一支好片子,也希望好作品能让更多的人看见!新片场周榜单 | 3.11-3.17上周在新片场社区,最受观众喜欢的10支作品,有讲述父子关系的外国剧情片和国内温情广告,有堪比电影大片的加州旅拍,更有2019最新科幻电影混剪,以及让人称赞不已的药科大学毕业生动画作品,每一部都十分精彩!1NIKE CHINA特效/动画师/调色:MPC这部短片中,NIKE对未来的足球场展开了一系列想象2033年,中国足球终于杀出重围成为世界足球界的一匹黑马赛场上遇到中国球队就等于进入了死亡之组对方球迷只有扼腕哭泣的份儿中国球员也一跃成为球探新宠一个欧洲俱乐部最多只能签约三位德国人玩VR足球游戏,争先选择中国球队中国足球终于站上了世界巅峰......有人说,梦想总要有的,万一实现了呢但更多人相信,不论任何领域给中国一点时间,我们终将做到最好!2他为生活不断加分导演:周宁 剪辑:乔琳(八爪乔工作室)我们常对电影里舍生忘死的爱情羡艳不已路遇白发苍苍的年迈夫妇携手散步也总是忍不住热泪盈眶或许你早已发现找到愿意分享成功的人很简单但荆棘丛中努力向上攀爬的你,却鲜少有人陪伴很多人前半生不辞辛苦执意寻找属于自己的爱情城堡却没想过别人的城堡也是从一砖一瓦搭建而成这部滴滴打车的广告,走最平凡感人的温情路线也戳中了人内心最柔软的角落让人不得不感叹,无论经过多少世俗琐事最终依然会被这种最质朴的情感所打动3国外获奖短片微电影 家庭剧情短片《剪》制片人/导演/编剧:李牧青一辈子从事理发师职业的父亲退休后将自己为之奋斗二十年的店铺交给了儿子没过多久,当他想要重回岗位却发现理发店已经被他儿子改造成了复古沙龙而他与这间相处了二十多年的店,竟有些格格不入于是这对父子之间的实力角逐正式展开本片剧情立意代入感极强,光线与色调的处理也十分细腻让人回想起年少时与父母争执的日子看似桀骜的儿子选择特殊的方式,表达对父亲的爱4Vogue HongKong 2019創刊號导演:石腾帅 摄影:宋志超又是一部帧帧精彩,好看到让人不想眨眼的作品服装道具十分考究将港式复古风格玩到出神入化让人仿佛置身于上个世纪的香港观看一场国际尖端的Fashion show5Audi Cheng Congfu | 奥迪 程丛夫策划/编剧:Campfire Couple这部短片利用动画版微观场景与现实结合的手法讲述了赛车冠军程丛夫的成长历程小时候父亲带他坐过山车他第一次体验到速度的神奇之处从此便在心里种下一颗种子随着他逐渐长大,这颗种子也不断生长终于他凭借热爱与努力,成为了首位勒芒赛中国车手获得了无数掌声与荣誉并将赛车梦播撒到无数少年人脑海中只待长成参天大树开花结果6LEE 牛仔裤导演:Marcos 马克 剪辑师:宋暘假日与恋人享受轻松惬意的相聚时光滑板、街舞、跑酷换个新发型参加party打台球、泡夜店闹市中不顾行人眼光放声大笑约一群朋友尽情玩耍,随心所欲享受青春当你置身以上这些场景当你想穿什么当你不知道穿什么最佳选择当然是——牛仔裤!快节奏剪辑与洋溢着欢快的BGM让人忍不住跟着节奏雀跃起来7「2019新片踩点混剪」2分钟看完2019科幻电影新作!!剪辑:张某超燃节奏的科幻大片混剪将无数经典的精彩镜头衔接起来每个点都踩得十分精准每一句台词都让人心潮澎湃科幻元年终于到来也许热爱科幻电影的人都曾有一个拯救地球的梦想8晨光文具《Father and Son》导演版导演/监制:朱昊 调色:光耀哇 执行导演:平坦 摄影指导:摄影师阿才 美术:吴健彰 灯光师:刘银松 制片人:张天羽 剪辑师:蓝雪人 策划/编剧:卫衣领 演员:黄垲翔一年又一年时间像巨大的齿轮轰隆隆向前滚动着带走无数人的青葱岁月留下一片时光易逝的叹息但开学前夜的古老神秘仪式却始终没有改变它似乎总有着特殊的魔力让一代又一代学生党为之挑灯夜战,不眠不休9旅拍 | 像电影般,我们在加州一号公路飞驰导演/摄影/剪辑/调色:周于斯海浪冲刷着礁石山鹰肆意翱翔在阳光下我们开车在加州一号公路上飞驰远处海滩上孩童堆砌沙雕城堡年轻人踩着水互相追逐帆船远远点缀在水天相接之际夜幕将至开两瓶啤酒坐在山顶看夕阳看繁星一点点亮起来,看万家灯火你穿梭在树林里,像一只长着鹿角的精灵美丽至极,却又神秘莫测这一幕幕如同电影里的场景拼凑成我们如梦境般的旅程10 毕业设计动画短片《着陆》导演/策划/制作方:姚东东本片讲述了一个十分有趣的小故事小宇航员初次登陆外星兴致勃勃插好旗子准备跟自己的飞船来张合影正在这时飞船舱门突然关闭而他却惊恐地发现,自己竟然忘带钥匙了......回不去飞船的他又会有怎样的遭遇呢?这部短片是一位药科大学毕业生的作品其展现出来的实力却远超许多专业人士正如这部短片所蕴含的寓意一样生活处处有惊喜-end-

  • 为阿凡达续集试水?!阿丽塔制作技术深度详解

    编译/索菲亚·嘟胖文章共计4648字,预计阅读时间11分钟早上好哇~关于电影《阿丽塔:战斗天使》幕后的制作技术,我们真是看的太多了,相信大家背着都能说出个一二三点吧:“将阿凡达技术升级,把动作捕捉升级为表演捕捉”“800位艺术家、三万台电脑参与特效制作”“4.32亿个小时的渲染时长”“卡神写了600页拍摄笔记”“鬼才导演57天结束拍摄”…不得不说,这部电影技术方面确实比剧情方面更胜一筹。而卡神在接受媒体时透露,这么庞大制作体量只是《阿凡达》续集电影技术的试水过程。Weta Digital视效总监 Eric Saindon也表示,《阿丽塔》对于阿凡达系列来说,确实是一个很不错的技术测试环境。用一部电影试水另一部电影,这操作也是很6了。目前,《阿凡达2》《阿凡达3》和《阿凡达4》其中一部分的“主要捕捉”拍摄已经结束了,在新西兰实景地拍摄了4个月。和阿丽塔不太一样,新的阿凡达电影只涉及到很少一部分实拍,差不多是几个实拍角色贯穿到大量CG场景中;而阿丽塔是一些CG角色和实拍场景交互到一起。Saindon还提到,在新的阿凡达电影中人类角色会融入到Na'vi雨林、海洋、山脉等场景,使用3d手法进行拍摄,看起来会很壮观。诶,好像说了很多关于阿凡达的内容,这并不是今天的重点啊。之前的内容我们只是很浅显的介绍一些阿丽塔的特效制作,那么今天的文章会让大家对Weta制作阿丽塔有一个更深层次的认识。我们尽量把复杂的技术内容解释得简单清晰,可以方便萌新小伙伴和专业人士阅读~ Weta Digital面部捕捉流程 我们都知道,阿丽塔是Weta第一次制作的全CG类人角色,眼睛大嘴巴小的特征,突出了角色来源于漫画人物。他们在尝试表演捕捉时采用的新方法之一,就是让一位女演员佩戴头盔相机装置(HMC)以及包括手臂在内的全身动捕装置。配备的两个相机是标准高清款,可以为表演捕捉提供各种客观且可靠数据信息。此外,团队还在她的脸上设置了可用于深度学习工具的标记点,很显然,他们已将几个重要的深度学习工具纳入到面部捕捉流程中。表演捕捉结束之后,他们并没有立刻开始关于阿丽塔的制作。而是将女演员的动捕结果投到了一个和她长得差不多的数字模型身上。团队先是研究这个模型的动作数据,再和实际捕捉数据进行横向比较,观察这样的方式是不是能够准确呈现演员面部肌肉的各种运动细节。直到实现了一比一完全真实还原以后,团队才将这些数据重新定向到阿丽塔模型身上。 改进FACS流程 Weta是最先将FACS(面部行为编码系统)应用于VFX行业的,现在他们的流程也都是基于这个基础之上的。原来的FACS表情是用0-1的范围来表示的,0就是没有任何面部肌肉张力,1就是极度夸张的表情。而阿丽塔面部表情太丰富了,这就要求每个面部肌肉都要相应地有所反应,因此团队重新定义了FACS。比如想要获取演员类似于嘴角微微上扬这种细微表情的数据,就需要提高面部捕捉的敏感度。此时我们用100%来定义FACS范围的话,那这里的细微变化可能就是0.1%,可能是0.5%,也有可能是0.3%,这样一来,你就明白这个动作是有多么细微了!除此以外,为了提高面部捕捉敏感度、改建FACS交互方式,团队还进行了大量工作来改进面部绑定和建模,咨询整形外科医生,了解面部细微结缔组织和肌肉是如何分部的。相机捕捉系统 在制作过程中,Weta用自己的相机捕捉系统替代了制作逼真人脸模型的特殊技术Light Stage和美杜莎Rig。拍摄棚内有60台相机,全方位覆盖演员周围180°的各个角落,这套相机系统可以捕捉4D数据,对于一些关键情节和序列的表演,团队让演员在这套系统中进行重现,它会为深度学习过程提供参考和其他补充数据。 此外,Weta团队还获取了演员的一系列对话参考,其中包含了讲话时的各种面部表情,有助于完善数字角色和她唇形同步的过程。ADR(Automated Dialog Replacement)自动对话重置,根据同期声参考声带进行对白重置的技术FDR(Facial Dialog Replacement)面部对话重置,是ADR的面部版本说到这里,我们要引入两个专业术语,就是上面那两个。阿丽塔制片人表示,在捕捉过程中,他们特别注意避免发生FDR。没有身体动作配合的第二次面部表情,和之前是肯定是不同的。就算是把面部表情捕捉和第一次身体捕捉相结合,也还是会破坏表演的完整性。头部脸部,以及脖子和肩膀,哪怕有一处不是真实拍摄时发生的,就会产生完全不同的表现。所以团队会尽可能保持同一种情绪的表演捕捉。Weta动画总监Mike Cozens 然鹅,HMC头戴相机的面部捕捉数据在某些情况下有很大的局限性,为什么这么说呢?有下面这两个原因。首先是在一些动作序列里,装置本身会给演员表演带来不便。虽然技术团队在尽力避免因装置不平衡而对演员脖子造成的损伤,但它本身的重量还是会影响演员表演的幅度范围;第二就是剧本中设计到的动作远远超过了演员本人的可操作性,比如对于一些跳跃挨打等极限动作的面部反应,出于安全考虑是不会让演员真实表现的,只能是由动画师来完成一个相对可信的效果。比如机动球游戏序列,她没办法真实表现穿着旱冰鞋环形面跳跃的效果,只能通过肌肉模拟和手部动画来实现那个状态下的面部动态。在演员脸上加入肌肉模拟,实现撞击地面、被机动球砸到和高速运动下的各种效果。说到面部肌肉模拟,那么就意味着要估计演员脸上独特的带状肌肉,毕竟每个人的脸都是不同的,又没办法好像法医一样,把脸切开看看里面到底是什么样子。在此之前,Weta都是利用一些x光数据来解决类似于这样的问题,但是这回是依靠模型师多年行走江湖的经验,从普通的头骨开始,根据演员个人的实际情况进行调整。这种头骨拟合的方式更适用于艺术行业。 除了头骨之外,他们还利用演员牙印来创建牙齿并精确估计舌头的位置。在Weta,如果想要创建一个精准角色,首先要做的就是模拟舌头,因为它会影响整个动画和灯光效果。角色在讲话的时候,舌头反射的光是非常复杂的,如果无法正确预估舌头的位置,最终渲染出来的就是一个黑洞。读了上面的内容我们了解到,尽管FACS对于项目制作很有很大的帮助,但想要实现真人和角色的完美匹配,还是需要艺术家们高超且丰富的制作经验和艺术功底。 新的深度学习工具 面部肌肉识别 “深度学习”“机器学习”和AI是目前很多行业都在运用的前沿技术,之前CG世界介绍过很多基于人工智能的软件,Weta也一直致力于这方面的研究。他们所运用的人工智能,不单独指某种解决方案,而是包含了多种工具。比如这次阿丽塔的项目,他们就把面部标记点运用到了深度学习中。他们是如何应用的呢?团队先是导入演员面部表情的信息(可以称为训练数据),标记点可以通过深度学习的方式,让计算机识别处在不同脸部肌肉的不同标记点是如何运动的。这里并没有把深度学习当作跟踪工具,而是用作了合理的表情空间。比如下面的这个镜头,雨果抚摸阿丽塔的脸,相当于一部分脸被遮挡起来,演员面前也没有那根相机支撑臂,系统还是可以推断或“识别”标记点。与其说是重现表情,倒不如说是实现表情。深度学习将演员面部表情进行分解,激活与之相对应的面部肌肉,驱动面部模型自己产生表情。利用这种方式将会更有助于重建数字角色。 深度学习对皮肤的应用 Weta用于生成阿丽塔皮肤的新工具也用到了深度学习,是他们一直在开发的一款用于绘制和识别皮肤区域的新方法,可以真实合理地生成皮肤和毛孔的大小和走向。这种方式避免了把一块面部细节复制到另一块的常规做法,而是利用深度学习技术在面部合适的位置设置毛孔,或者是使皮肤毛孔自然而然地呈现在正确的位置上。虽然在程序模型上基于表面法线利用算法绘制毛孔也能实现,但深度学习是直接获取训练数据,结果更为准确。不仅改进了传统方法,且一种非常巧妙的程序性方式。Weta之前用过森林生长工具,也用过类似于今天AI编程简单版本的群集代理模拟工具Massive 。但使用深度学习这种很特别的方法还是第一次见。如今,他们在特效模拟和高级植被工具等多种领域都用到了机器学习技术。 阿丽塔&阿凡达水下皮肤模拟 提到阿凡达续集,我们最先想到的是Weta会肩负起多个序列的制作任务,却很少有人了解卡神竟然动了潘多拉星球水下世界的主意。卡神非常擅长水下世界的拍摄和探索,从他1989年的作品《深渊》中我们就能发现这一点,那是一段关于太平洋底部马里亚纳海沟最深处的真实体验。Weta为阿凡达续集开发的新技术,就拿阿丽塔来练手了,也就是在影片中阿丽塔跳进湖中,在水下行走到达那艘坠毁沉船的序列。阿丽塔从水中走出进入船舱的镜头非常完美,而从多种技术角度来看,这种全水下镜头也标志着制作水下动画新技术的诞生。这部分能有啥技术性?咱们慢慢分析。如果演员是在陆地上进行水下行走表演的动作捕捉,那么肯定没办法解决人在水下会受到浮力的这个事实,因为水下会缓和重力对人的影响。就算是演员在一根钢丝上站立,他四肢的支撑以及晃动的感觉,在平地上也是没办法模拟的;其次是阻力的问题。在水下行走的真实情况中,水的阻力是会很自然地改变身体行走的倾斜方式;还有就是涉及到水下流体动力学的力量,和陆地空气的感觉是截然不同的。综合考虑上面说的这三个问题简单讲就是,人在水下会有这样的情况:因为浮力,脸部受到重力影响的向下幅度会减缓;手在脸边活动,水流压力会影响面部表情;向前行走,水还会给人一个向后的阻力。这些都是在陆地上实现不了的。面对这些问题,Weta的解决方案是多方面进行组合,将流体模拟、肌肉模拟、头发模拟、布料模拟结合在一起,为角色和相应体积创建出一套复杂而又具有完整功能的方案。使这些元素交互在一起,不必每次只处理一个方面,而是以整体进行解决。从以往的制作经验来说,没有过在同一时间解决所有模拟的情况。一般情况下先模拟皮肤再模拟布料,接着头发和水的传统过程。但这种流程一旦出现问题,只能是一个环节一个环节返回去解决。而新的技术是获取演员在水下的动作,导入到角色的数字骨骼上,在同一时间搞定所有方面。 在了解了这么多技术点之后,突然发现短短两个多小时的电影竟然包含了这么多出现问题和解决问题的过程,很显然,这次“试水”过程也是非常成功的,那我们更加有理由相信阿凡达续集会再次实现VFX技术的重大突破。一起期待吧!好啦今天的内容就到这里了,可以把你的看法告诉我们哦。欢迎留言和转发~内容整理自:https://www.fxguide.com/featured/weta-digitals-remarkable-face-pipeline-alita-battle-angel/

  • 专访《过春天》导演白雪,硬核大女主重新定义国产青春片?

    厂花对国产青春片的印象,还停留在《匆匆那年》和《同桌的你》的懵懂深情,或是《小时代》的夜夜笙箫、纸醉金迷。可近年来,更多诸如《嘉年华》《狗十三》这样的青春片讲述的都是很现实的问题。去年,《过春天》横空出世,在第43届多伦多电影节上首映,就大获好评,紧接着又在第2届平遥国际影展上斩获最佳影片和最佳女演员两项大奖,掀起了国产青春电影的新浪潮。《过春天》预告、白雪导演向新片场粉丝们问好跨境学童的“过春天”之旅与国内大多数的青春片不同,《过春天》中没有期待爱情的傻白甜女主,没有车祸、堕胎的套路式情节,配有抒情的bgm搭配人物含泪的面部大特写。影片聚焦“水客”“跨境学童”“身份焦虑”等现实问题,节奏干脆利落,风格明快甚至有些硬核。片名“过春天”是一个双关语,它既奠定了影片青春的基调,又是水客描述“成功过海关”的行话。水客走私是非法行为,但因为利润颇高,有不少人铤而走险。片中的女主角佩佩就是水客中的一员。佩佩是个身材瘦弱却拥有坚定眼神的16岁少女。她的身份有些特殊:在香港上学,家在深圳,没有香港户口。她每天不断穿梭于深圳、香港,过着两点一线的生活。佩佩 黄尧饰好友Jo渴望能有一趟泡温泉、欣赏樱花的日本之旅,为了和Jo一起去,佩佩开始打工存钱。她在餐厅打工,拿着微薄的时薪。后来,她认识了Jo的男朋友阿豪,并找到了一种适合挣钱的方式——“过春天”。左起:Jo 佩佩 阿豪走私水货这样的题材,经常会出现在香港警匪片中,青春片中出现这样的题材实属异类的。为什么选择导演白雪认为,走水货和电影主题、人物的状态是紧密相关的。关于创作的灵感,白雪说:“这个话题是我自己想的。佩佩每天往返于深圳香港之间,在这无数次这种划线的过程当中,她似乎画出了一些轨迹。这些轨迹里面有什么事情能让她找到存在感和价值感、最得心应手?在深圳香港那种商业特别发达的城市,大家想挣钱、想被认可,确实有一些年轻人会干这样的傻事。”你或许不曾做过水客,也不是跨境学童,但却能在佩佩身上找到一种共鸣,那就是导演想探讨的另一层主题——身份认同。“无论是你在北漂还是在上海工作还是港漂,还是你在国内,就是你出国读书都会面临这个问题,你会跟佩佩一样,我到底是哪里人?我到底怎么样来面对自我价值。”从全职妈妈到新锐导演其实白雪的人生就是对”身份认同“的探讨,《奇葩说》曾有一起讨论的主题是:读那么多年书,回家当全职妈妈浪费吗?白雪亲身的经历或许可以给这个辩题一个更新颖的观点:读了那么多年书,回家当全职妈妈不浪费。全职妈妈既可以照顾家庭,也可以追求梦想,坚持自己的事业。2007年毕业于北京电影学院导演系(故事片方向)的白雪,选择了结婚生子。婚后,她一边带孩子一边学习,考上了北京电影学院导演系MFA艺术硕士。期间,她没有去拍商业广告挣钱。她说,拍了那些,就离拍电影的梦想越来越远了。2016年,白雪的剧本入选“青葱计划”五强,并有了拍摄成型的机会。后来,《过春天》收获了第2届平遥两项大奖,又入围多伦多国际电影节新发现单元 、第69届柏林国际电影节新生代单元。对于这些奖项,白雪的内心非常平静。《过春天》主创亮相柏林“入围柏林电影节,当天发宣传物料的时候,我在厨房里洗碗,想躲起来,没有想到会有这样的一个结果,但是我时刻告诫自己,不忘初心。”2年多的剧本沉淀塑造出独有风格《过春天》故事的诞生跟白雪自身的个人经历和情怀也密不可分,所以她只花了一周时间就写下了《过春天》的剧本,但前期的构思、酝酿长达两年。为了走进影片中的世界,她经常去香港、深圳找感觉。“我从小是在深圳长大的,一到那就能闻到海的味道,这种感官刺激能把我拉到故事的环境中。街上形形色色的人都会带给我很大的创作上的帮助。慢慢的,我会对这些人物饱含深情,产生悲悯之情。慢慢的,这些东西都会具象化。”《过春天》的成功离不开白雪为这部电影付出的一切。在成型的过程当中,白雪会有针对性地进行采访、看大量的介绍香港历史、社会背景的书,还会去去香港博物馆看展览。在不断的聚焦的过程中,剧本逐渐成型。在剧本创作的过程中,她会按照好莱坞的那套模式去做。“可能有人也会觉得说这个电影挺好看的,没有那么多的门槛。我觉得这种基本的戏剧规则不要去打破,你就去学习人家的这个好的部分。”挑选演员的过程也很不容易,白雪坦言,佩佩这个人物必须非常准确,这个演员选对了,电影才能成。“直到我看到黄尧,她真的是各方面条件都符合吧,她的粤语的能力、普通话、形象、演技,我觉得都是最佳人选。她眼神是很坚定的,又比较显小。”拍摄筹备了两三个月,在深圳香港拍摄一共三十八天,十一月底杀青。在拍摄过程中,白雪有许多享受的瞬间。“有一场戏是阿豪在一间很暗的屋子里用胶带帮女主角绑准备走私的手机。拍那场戏的时候我也很很享受,我让他们把我放在一个黑漆的布里,我就躲在那里面,很靠近那个监视器看,真的有一瞬间我就看进去了,觉得没在拍戏。”厂花对这场戏的印象也非常深刻,小黑屋子里充斥着红色的光线,交代撕扯的声音、呼吸声、电风扇声等在那一刻交织,氛围感简直了。“拍摄时主创都有一个共识就是想要表现炙热的荷尔蒙,我不觉得他们两个人是爱情,就是年轻的荷尔蒙的那个状态。荷尔蒙通过红色的光,通过脸上的汗和油、电风扇、冰冷的可乐、各种声音去表现,是一个特别综合的感官体验。”片中还有许多给人新意又值得细品的地方:长达几秒钟并出现好几次佩佩的定格画面、风格浓烈的电子音乐、时不时弥漫的摇滚味道,这些都是《过春天》独特的味道。白雪也成功地用她自己的方式把国产青春片带向了一个新的维度。比起《过春天》获得诸多奖项的成就,白雪认为更可贵的是获得观众的认可。“《过春天》在多伦多电影节放映作为discovery单元的开幕影片放映,我没想到效果会那么好。观众都看懂了,而且觉得非常有共鸣,他们觉得在欧洲和北美现在的青少年都是这样的,就是这个话题我觉得是引起了大家的共鸣,我觉得这个是特别让我开心的,因为我觉得电影拍出来就是要见观众的。”

  • CG人物制作:虚拟与现实的结合

    文 / 路子杰在高速科技化的图像时代,CGI不仅一度介入到视觉艺术中,近日还甚至闯入了日常生活。它重新解构了虚拟与现实的隔阂,带给人们前所未有的体验。当CGI创造的虚拟形象真正参与现实生活时,他们会成为视觉世界的未来领袖吗?面对虚拟对现实的冲击甚至替代的现象,人们又应当做何反应?CGI,也即计算机生成图像。它自诞生之际就被运用于视觉艺术创作,如今已在电影、绘画等领域发展成熟。CGI技术的使用让人们的想象被最大程度地赋予了真实性,次元壁的界限得以突破,进而创造出令人惊叹的视觉奇观。大量使用CGI的视觉奇观式电影《阿丽塔:战斗天使》《头号玩家》《阿凡达》近年来,CGI模特逐渐进入人们的视野。她们拥有高度仿真的外表、完美的身材比例与极为灵活的活动空间。通过拍摄广告、参与活动和发布生活动态等方式,这些CGI模特也逐渐成为了社交网络上被广泛关注的意见领袖与网红,吸引了大批粉丝并成为网络造星模式的完美产品。CGI人物Noonoouri如今,CGI模特登陆社交平台并成为炙手可热的流量高地的现象,似乎昭告着虚拟与现实之间隔阂的更深层瓦解。CGI人物:完美产品与价值危机2007年诞生的“初音未来”是当之无愧的CGI虚拟模特鼻祖。早期受技术限制,初音未来只能以二次元形象和较为粗糙的3D形象存在。2016年,时任纪梵希创意总监的Riccardo Tisci为她打造了一套高定礼服。照片中,初音未来的形象极为逼真,完全与现实融为一体,这无疑昭示着CGI技术已然具备了混合现实的能力。第一位正式登上品牌广告的CGI人物是来自游戏制作《最终幻想13》的女主角雷霆。在2016年LV春夏包袋的广告中,她以品牌代言人的身份出现,使广告大片展现出强烈的超现实美感。2016年以来,CGI人物呈现出井喷式的增长态势。他们的工作不再囿于传统商业广告,经纪公司对CGI人物这一新兴业态展开了花式发掘,CGI人物纷纷登陆社交平台,在网络上积累自己的粉丝群体,成为新一代社交领袖。CGI人物的可控性特征赋予了他们很好的商业价值——永远不走形的五官和身材,随意切换的场景和状态。对于品牌方而言,代言费相对低廉,也无需承担种种舆论风险。此外,CGI人物本身还自带热点和流量,因此广告能够得到更加低投入却广泛的传播。Noonoouri代言Dior彩妆Shudu是英国时尚摄影师Cameron-James Wilson制作出的虚拟人物,她拥有光泽黝黑的肌肤和富有表现力的五官,被誉为世界上第一位虚拟超模。2017年,彩妆品牌Fenty Beauty官方ins转发了Shudu涂着FentyBeauty新口红Mattemoiselle的照片,让Shudu一炮而红。随后,Shudu成为Balmain虚拟军团的一员,与同为虚拟形象的Margot、Zhi一起拍摄了2018年早秋成衣广告。Margot、Shudu、Zhi为Balmain拍摄的大片Shudu的表情张力与感染力都堪比超模,五官与身材条件俱佳。其创造者Cameron-James Wilson表示,目前已经有数家时尚品牌找到他寻求合作。相信在未来,Shudu还会出现在不同的广告之中。造型多变的Shudu而Imma则是由CG制作公司ModelingCafe制作的虚拟人物,她的形象采用CGI制作的头部与实拍的身体融合而成,凭借日系甜酷风格吸引了不少拥趸。Noonoouri同样也是CGI模特,但与其它同行不同的是,她的外形设定并不着意于追求极度的真实性,创意团队把她打造成一位具有日本漫画Q版人物外形风格的时尚博主。她的Instagram主页中大多展示的是一个职业时尚博主的日常——看秀、拍摄、参加活动等。Noonoouri独特的形象也吸引了像Dior这样的“蓝血”品牌与之长期合作。Noonoouri参与Dior活动如今,CGI人物运作趋势更偏向于全方位的人格化与生活化,CGI业务也早已超越了最初简单的视觉形象提供。Lil Miquela是目前知名度最高的CGI人物。这位墨西哥裔的20岁女孩生活在洛杉矶,坐拥152万ins粉丝,还入选了《时代》周刊“年度网络最具影响力人士”榜单。她不仅能够穿上当季的潮流单品、与粉丝互动、发表对于社会热点的评论,还能够与其它CGI人物互动,也有自己的争议和困扰——她的CGI身份就是被当时与之“发生争执”的虚拟人物Bermula曝光的,后来两人又再次和好如初。Bermula曝光Miquela的CGI身份实际上,Miquela和Bermuda都隶属于Brud公司,该公司旗下还有男模特Blawko。Blawko的定位是“街头风”潮人,他从不露出全脸,总是一身街潮加持。目前,Blawko的商业价值还没有完全显现,时常作为Miquela和Bermuda的朋友出现在两人的Instagram主页中。Brud声称他们的宗旨是:通过促进文化理解和技术进步来构造一个更加具有包容性的世界。在这样的设想指导下,Brud试图构建起一个能够与现实生活深度互动的虚拟维度。CGI人物既能够彼此熟识、产生人际联系,也能够与粉丝互动、代言产品,形成网红经济的完整闭环。Brud公司员工与旗下的CGI人物们CGI人物展示了互联网造星的另一种可能模式——与真人KOL相比,CGI形象的养成更可控、更便捷,商业变现能力也更强。CGI公司能够操控CGI形象的一切,从中流量变现,牟取利益。对于经纪公司而言,CGI网红就是完美的互联网社交产品。但是,CGI人物对于现实边界的强势入侵也导致了人们的担忧。在原本就真假难辨的网络世界里,CGI的出现进一步深化了人们的信任危机——不少人在知道Miquela的虚拟身份后表示,他们有权利在一开始就知道屏幕上的人是真是假。未来还会有更多的CGI人物进入人们的视线,当拥有完美容貌和身材的虚拟形象成为我们视觉世界的重要部分,或许会潜移默化地传递出一种更为严苛、更为格式化的视觉尺度。对于大多数外在形象并不那么完美的人而言,新的视觉尺度会带来更大的心理压力和价值迷失感。CGI未来:虚拟革命与现实焦虑随着CGI技术的不断成熟,虚拟与现实的融合已经成为大势所趋。在未来,人类需要直面虚拟融合现实引发的诸多问题。日本艺术团队Telyuka利用CGI技术创造的校园少女Saya法国哲学家让·鲍德里亚(Jean Baudrillard)用“完美的罪行”来描述后现代社会计算机技术对世界的影响。他认为,“完美罪行是通过使所有数据现实化而得以实现的。通过改变我们所有的行为,所有纯信息的事件,无条件实现这个世界的罪行。总之,最终的解决方法是通过‘克隆实在’,和用现实的复制品消灭现实的事物,使世界提前分解。”直线网 www.linecg.com 专业的设计教程学习直线网公众号,第一时间学习最新教程,看最新行业动态!!

  • 干货 | 十种景别类型,你知道几个?

    景别是指由于摄影机与被摄体的距离不同,而造成被摄体在画面中所呈现出的范围大小的区别。通常有以下几种景别,我们逐一来看一下。我们可以看到全景中,人的头顶以上和脚底以下留出了充分的空间,画面的信息很多,包括空间结构,演员的大幅度动作等,并且相对开阔的空间也可以让多个演员同时出现在镜头中。和全景不同,头顶依然留有空间,而画面下方则是取到膝盖上方一点点,功能类似全景,只是取景范围相对小一点。中景另外还有一个洋气的名字,叫 Cowboy Shot。之所以叫这个名字是因为当年的美国西部片拍摄牛仔把枪时经常使用这个景别,因为取景的范围刚好在腰部以下别枪的位置而得名。拍摄手放下拔枪的镜头时,也不会裁掉手的画面。需要注意主体头部依然留有空间。画面底部要到腰往上一点,当你想让画面中的演员表现出更多情感,可以使用这个景别。它可以让演员在取景范围内,通过肢体语言表达出多种情绪,同时也能包含到其他演员和少量环境信息。这个景别中,人物头顶上方仍然需要留出一点点空间,可以充分调度演员使用面部表情,进行有效的信息传递,同时还能进行少量的动作表演。不过这时,画面的重心会落在演员的脸上,特别是眼神上。这个景别用来表达演员的内心世界再好不过,画面上方通常到演员头顶,底部刚好卡到演员肩膀往下,刚好露出一点点袖子的位置。我们需要特别注意这个景别,眼睛最好处于画面上方的三分之一处,头顶可以裁掉一部分头发,而下巴一下需要留出部分空间,另外还包含一点点肩膀。大特写时,头部上方裁掉了更多,而下巴则和画面底部有适当的间隙,这个景别可以更加深入地体会演员的内心活动。另外,在制作经费不足时,可以多用这种镜头,好处是因为几乎拍不到环境,所以在置景和打光上会更快,而且更简单、更便宜。镜头进一步靠近,画面中演员的下巴会被裁掉,只露出嘴唇周围的部分,这个是除了微距特写外,最大的景别。微距镜头可以让我们聚焦在身体特定的某个特定部分上,比如说单只眼睛、嘴唇、纽扣、鞋带等各种细节,这个景别我们在强调和放大局部时非常有用。常见错误最后我们来看看在拍摄这些景别时经常出现的几种错误。取景时头部空间太多,这样画面重心会比较靠下,让人在视觉上出现不舒服的感觉。拍摄时的大忌是裁到关节处,比如脚踝、膝盖、腰部、脖子等,这样的构图给人的视觉感受会非常奇怪。在景别较大时,头顶空间留的很少,或者裁掉了头发的部分,这样感觉这个演员顶天立地,没有多余的空间,画面看起来会比较挤。不过其实景别也没有绝对的规则,当你使用熟练后,可以自己进行简化,根据场景设定的不同,景别的定义也会不同。最后提醒大家,拍摄的时候一定要跟摄影师沟通好,确保你们理解的景别大小一致。这里还有更多往期干货:干货 | 不同角度的光线对人物塑造的影响干货 | 日光的特性以及日光下拍摄技巧干货 | 室内基础三点布光技巧百闻不如一见,百见不如一拍!学会这些技巧以后难道不想亲手试试吗!新片场学院 · 线下实训从零基础到自由创作,面对面帮你快速提升影视实战技能,还有更多优惠哦!↓↓↓↓点击课程图片,了解更多优惠↓↓↓↓扫描二维码关注“新片场学院小豆渣”微信咨询线下实训课程或拨打咨询电话17601029998

  • 上周最受欢迎的十部作品 | 新片场周榜单

    新片场周榜单是由新片场社区推出的一项作品榜单。我们通过统计站内外各项数据综合得出排名,精选出每周社区里最受欢迎的10部作品,推荐给大家,让你不落下每一支好片子,也希望好作品能让更多的人看见!新片场周榜单 | 3.4-3.10上周在新片场社区,最受观众喜欢的10支作品,NIKE 系列的超燃女性广告,也有鼓励女性活出自我的娓娓道来式画面。有超燃的混剪,也有文艺小清新范的旅拍。科技感、温暖向、纪录片,总有一款能让你Pick!1NIKE - JUST DO IT |越是被说过了,我们越是要继续声音设计/作曲/配乐/配音演员:big knows做女人多简单总有人教你做人做女人这也不行,那也不行可是那些萦绕耳边的说教真的重要吗不吧!这部片子通过七个女运动员的故事折射出新时代女性的独立性从而凸显主题“越是被说过了我们越是要继续”流畅的转场衔接快节奏的镜头剪辑层层递进的音乐让人大呼过瘾22018世界电影混剪策划/剪辑/声音设计:zit210那些自以为理解何为痛苦的人根本对痛苦一无所知我希望你永远对痛苦一无所知可生活向来都是如此不会有人永远一帆风顺谁都是在咬紧牙关苦苦坚持人前强颜欢笑人后打断牙和泪吞这部混剪看了后不能改变你生活的现状但能给你一点振奋激励着你继续前行几处节奏缓冲和音效设计无缝衔接全程毫无尿点看完直击你的小心脏3屈臣氏 | 38节女性态度短片:做自己,美有道理制片人/策划/编剧/剪辑:舞刀弄影 摄影指导:高远导演:梁琨只有1%的人愿意鼓足勇气追求自己想要的人生而这里面女性的比例更加少相对比男性,女性想要做自己好像更加难你会被家庭、婚姻、年龄、性别、职场所束缚你的人生好像只有一种可能读个大学,找份安稳工作年龄到了,找个差不多的人结婚生子你妄想冲出这个圈子做一回自己?那你要做好准备了因为前面困难重重、荆棘丛生片子中通过列比五种女性被束缚的人生来反映当下社会女性所受到的社会束缚叙述故事性强,转折巧妙自然文案、创意、配乐、色调都配合主题替女性发出呐喊做自己,没有道理41LIN1 从零到壹 PROJECT021 #贰 中国黑胶导演:LIN黑胶,又称电木唱片是立体声黑色赛璐珞质地的密纹唱片黑胶唱片是上个世纪占统治地位的音乐格式但时代发展,网络盛行的今日黑胶唱片已寥寥无几但黑胶唱片对于很多人来说是生活的一种仪式感从前的车马时光逝去那些或风花雪月或激情澎湃的岁月里少年们都已老去唯有黑胶唱片里记录着那些永恒经典将旧时光定格在回忆里这部纪录片记录了中国黑胶的现状老物件搭配创新的拍摄手法叙述故事的同时告诉我们一个现实黑胶,濒临消亡这个现状让人恐慌如果没有了黑胶我们想找寻旧时光又要去哪里5BliBli剪辑/调色:Craft Creations这部片子色调温暖,剪辑自然给人一种老电影的观感片子中的老爸带儿子去观看同学演出偶然看见了爸爸少年时期的演出照片从而掀开了一段老爸的往日时光儿子将老爸年代久远的磁带修复将父亲的声音上传到B站父亲通过链接听着手机传来的声音遥遥回忆着自己的往日少年时光在此刻爸爸和儿子的少年时期爱好合二为一爸爸是超人、是高山巍峨、是顶天大树可爸爸也曾有过风华正茂的年代也曾是很少烦恼眼望四周阳光照的小小少年愿你多懂父亲的心给他多点安心和陪伴6浅井 宣通- INORI (Prayer)制作方:PANGEA JAPAN最具现代感的技术现代感十足的舞蹈二者结合一起就是你看到的“INORI(Prayer)”片子利用3D投影技术在舞者的面部进行实时投影投影画面随着舞者的运动改变着位置不断创造出了骷髅、面部刻字、流血泪等效果从而跳出一段“祈祷”舞这个配乐让人联想到了破坏性、死亡、痛苦等众生百态,无边苦海喻意极深7Adidas SS19 WND系列导演/剪辑:Vico蒋委君 调色:王明辉阿迪达斯的系列广告转场节奏把控堪称完美不停旋转的画面现代感十足符合阿迪达斯一惯的创意风张均甯是属于复古温婉型的女神而在这里面却打破自己走中性运动风让人眼前一亮8【沈腾混剪】社会是个舞台,人生是场大戏剪辑:百万剪辑狮社会是个舞台人生是场大戏每个人都有自己的角色而沈腾的角色就是拯救不开心吧这部沈腾的剪辑没有太多的笑点百万剪辑狮通过大量的素材向我们呈现出一个有苦有泪的沈腾音乐代入感很强台词安排巧妙情绪层层递进让人观后忍不住会心一笑9曼谷之旅摄影/剪辑:叶灿塘我希望有个如你一般的人如山间清爽的风如古城温暖的光片子中的女主角就给我这种温暖、清爽的感觉色调、节奏都卡得精准拍出一个清新怡人的曼谷之旅让人看了忍不住想要来个同款旅行10重新出发找到那个自己摄影/剪辑:某小余十七岁的你曾弹着梦想遗忘现实而二十七岁的你嘲笑着别人遥不可及的梦想也被现实嘲笑着庸俗当阳光褪去你再次看到那个执着于做自己的人你决心找回那个被自己遗弃的最真实的你最后你们还是相遇了你和你曾遗忘的自己片子温暖的旁白和安静的音乐仿佛将你带回那个被遗失的十七岁-end-

  • 爆款预告片高产机器!这家公司是怎么做到的?

    序言幻星Nurostar(以下简称幻星)原名叫张琪工作室,是预告片业内非常头部的工作室。打开幻星在新片场的页面,《疯狂的外星人》、《我不是药神》、《邪不压正》、《新喜剧之王》等耳熟能详的影片便映入眼帘。今年即将上映的电影《八佰》和《最好的我们》预告片也是由幻星操刀的。管虎战争片新作《八佰》首支预告↓↓寒冬腊月的一个午后,厂长拜访了幻星的大本营,和幻星联合创始人王思晓聊了聊国内当下的预告片行业。工作室位于北京北新桥附近的一条胡同里,北京很多胡同中的老院子隐蔽不好找,但进入幻星工作室院门后却古朴讲究、别有洞天。王思晓,八七年生人,河北秦皇岛人,和张琪(联合创始人)是老乡。在香港攻读研究生后,在港工作了四年。14年开始创业,同张琪一起创办了幻星Nurostar。走到院落中的一间会客室落座,厂长与思晓老师关于预告片行业的采访就开始了。关于预告片从无到有,预告片真的被套路了吗中国大陆的预告片行业,大约是始于十年前。在这十年之间,电影行业的各个细分领域都有了长足的发展。随着在线票务平台在近年成为观众购票最主流的方式,网络营销呈现爆炸性增长,观众在选择电影之前提前上网看预告片变得非常普遍。《中国电影网络营销市场白皮书》就已经显示,驱动观众购票的最主要依据就是预告片。因此导演、片方等也会迎合这一趋势,甚至很多营销策略都是配合着预告片来推进的。比如先看看预告片能做什么主题,推广配合着来进行。通常,预告片在制作上比较程式化,工作流程分为音乐挑选、电影选段挑选、预告片框架搭建、内容填充、词卡制作、混音等。对于一些预告片制作工作室来说,这些内容是按照流程环节划分后,由专人负责分段完成的。优势是速度快、可控,而劣势就容易套路化,很难出来独特的东西。这种标准化生产的过程也容易产生惰性,前一环节出现的问题,后一环节的人不一定会进行指正或补救。 另一类公司不是这样,你无法预估出他们做的预告片会是什么样,也没办法判断知道哪部预告片是谁做的。与此同时,你会很好奇,他给某部片子做预告会是什么样。 关于团队鼓励创意也制造压力幻星在接到一个项目后,大家会先聚集在一起观看素材,而后畅所欲言 。哪句台词触动你、哪场戏让你感动,都可以说。这里面不关乎你的想法适合先导预告还是终极预告,只要你有想法都可以说出来。之后项目组建立,项目这样产生。如何汇聚起一群创意能力很强的人,并且有一个特别好的创作氛围其实挺不容易的。这是一个与人息息相关的行业,让大家觉得每个人都是这支球队的一员是很难的。从公司角度来说,既要把大家团结起来,又要让大家有竞争的感觉其实是非常矛盾的。幻星的内部有严格的淘汰机制,目前剪辑师人数保持在14人,可以说每一个都是精兵强将。而每一年我们也会招募优秀的新人,所以哪怕是成熟的剪辑师也不得不去面对与新人的竞争,需要不断提升自己。对于幻星来说,创意永无止境,不进步就等于退步。(《科学怪人的新娘》预告片截图)多年来,预告片发生了翻天覆地的变化,营销公司发现只通过一支预告片很难覆盖到所有潜在受众人群。特别是当核心人群范围较大的时候,分阶段、有策略地投放效果更好。举个栗子!幻星为《我不是药神》做了全部的预告片共4支。先导预告是抛出一个概念,喜剧的含量较大,对社会话题的探讨相对较弱。发布的时候距离电影上映时间比较远。会关注先导预告的多为核心影迷。他们关注电影,关注电影产业,有重度的观影习惯。第二支预告片距上映时间也有一段距离,针对的也是相对于核心的观影群体。而第三支国际版预告的时候,幻星做了一个另一种尝试。无论是剪辑手法,还是整个预告的构思,字卡、文案、美术都与前作有所区别,艺术感被增强了。终极预告是在电影临近上映前推出的,目的是让潜在受众快速做出判断,这部电影他们喜不喜欢,想不想观看。他们可能不是深度用户。但是他们有观影习惯,每周会看一部或者几周会看一部电影。他们很可能只看终极预告,主要是为了了解这个电影是讲什么的。思晓老师回忆起当时选择去美国参赛预告片的情景觉得很有意思,大家坐在一起观看一整年制作的预告片,一起投票。用这样的方式,诞生了最终选送大赛的预告片。金预告片奖能够获奖对于幻星来说意味着很多,因为这是国内公司第一次拿到预告片本体的奖项。之前有拿过字卡效果(Motion/TitleGraphic)这种技术类奖项,而这是第一次拿到关于预告片本体、关于创作的大奖 。证明幻星摸索出的这套对中国预告片的解读和理解在国际平台上是被认可的。同样被提名的影片实力都很强,比如《罗马》《玉子》《教皇方济各:言出必行的人》等。于此同时还有意外惊喜。通过这次比赛,幻星得到了一本详尽的预告片获奖手册。里面有历年获奖预告片的制作团队和公司的信息。通过它了解了近年很多关注的预告片究竟出自谁家之手。它们的“风格”是什么样子,以及国内预告片行业与之相比的区别是什么。 关于行业想入行的你真的准备好了吗? 与广告相似,从营销角度去量化一条预告片是否成功是很难的。预告片成功的标志包括创意性、功能性(要体现这个电影最独特的气质)、话题性、传播的深度和广度,需要触及电影本体以及想要触及的人。另外话题性、点击量、评论数也很重要。预告片的好坏,其实目前是没有办法量化的。如果这个问题可以得到更好的解决,对预告片的提升是有帮助的。说回创意性和功能性。受众到底是一群什么样的人,喜欢什么样的接受方式,喜欢什么样的表达形式,他们更习惯在哪些渠道和场景下看预告(手机、电脑、电影院贴片预告等),说明在功能性上预告片是可以不断优化的。总的来说,想做好预告片不仅要对剪辑、混音等技术了如指掌,还要看准市场,了解受众群体和观众需求,更重要的就是创作思路啦。预告片采用什么样的结构,挑选什么样的配乐,值得花费更多的精力去思考。欢迎关注 幻星Nurostar 新片场个人主页

  • 专访 《流浪地球》视效团队MORE:别再说国产片都是5毛特效了!

    虽然春节档已经远去,但《流浪地球》这部电影成为了影视圈持续至今的热议话题,该片凭借好口碑,最终票房已高达45.58亿,豆瓣评分7.9。这部电影也顺理成章地成为了2019年中国创意文化产业的关键词,也成为了中国科幻片的未来风向标。这部被称为“国产首部硬科幻”的影片,开启了中国科幻电影的元年,影视行业冬天的一针强心剂。平日习惯于吐槽中国电影“5毛”特效的观众终于等来了这部抚慰人心,又具有里程碑意义的电影。 未来,太阳急速老化,人类唯一生存的办法就是逃离太阳系,前往4.2光年外的比邻星。中国人的解决方案是制造上万台行星发动机,把地球推走。《流浪地球》有75%的特效由国内团队完成,MORE VFX是国内的主要制作团队之一,负责CG大视效类的制作。(详情见MORE的新片场主页:@MOREVFX墨)MORE VFX公司前台MORE VFX公司展台《流浪地球》片尾MOREVFX工作人员表这家国内顶级的视效公司曾制作《西游记女儿国》《羞羞的铁拳》《悟空传》《记忆大师》,有北京、成都两个基地。MORE VFX参与制作的影片 厂长放弃了春节假期用来睡觉的一天,特意来到了位于北京朝阳区七棵树创意园的MORE VFX,采访了三位参与《流浪地球》项目的负责人。于淑 MORE VFX 高级视效制片人2009年进入电影行业,从业多年来,参与了《流浪地球》《悟空传》《年兽大作战》等近二十部不同风格的、国内一线电影的视效制片工作,具有非常丰富的项目制片和团队管理经验。刘汉隆MORE VFX CG总监2010年以特效师的身份参加工作,拥有多年的项目管理和制作经验,热衷于技术研究,现就职MOREVFX担任CG总监,解决项目中复杂的技术难题。魏玉青MORE VFX 制片统筹自09年大学毕业进入影视行业,参与了较多动画和影视后期的项目,在MORE VFX主要参与了电影《流浪地球》《西游记女儿国》《悟空传》《羞羞的铁拳》等多种风格、类型影片的视效制片工作,热衷于电影事业,对行业充满热情并且始终保有敬畏心。从97秒长镜头到大量细节处理厂长观影时看到了这处令人叹为观止的长镜头:画面从行驶中的运载车车轮的局部拉倒矿区全景,拉倒引擎腿的局部、引擎的全景,再到地球、宇宙。长镜头GIF制片统筹魏玉青表示,这条97秒的长镜头总共2300帧,过了48版。“整个资产量很庞大,有千亿面的渲染量。包括几百台车、几万个路面设施、一亿多个小石子,场景组装复杂。我们先从一个比较LOW的环境里来判断我们这个相机是否做的正确、整个环境搭建是不是导演想要的,用单帧的渲染图跟导演碰,单帧的渲染时间在10到20个小时。”大量的细节处理是片子品质的关键,有些甚至是观众注意不到的,比如片子中人们到地面后佩戴的头盔。CG总监刘汉隆说:“有的好莱坞的片子拍摄的时候是不戴头盔的,用纯CG制作。由于《流浪地球》拍摄现场有很多风雪,怕风雪灌到衣服里,因此决定戴头盔拍摄。头盔就会有反射、折射,演员拍摄时后面本来是绿布,怎么把绿布换成环境呢?需要进行大量匹配,把头盔在后期跟踪出来,渲染出光线的折射扭曲,再把背景合上。”于淑表示:“我们在初稿的基础上加了大量的细节处理,比如引擎腿的支架,开始设计是时候是由大块面板组成的,我们把设计细化再拆分,用无数小零件组成大面板,还给引擎加了释放压力的液压杆,使它更符合现代工艺生产逻辑的造型。”小事成就大事,细节成就完美,我们最终在电影院看到视觉效果,背后是幕后工作人员的细节控和完美主义。让我们一起来看看MORE制作的特效DEMO:跟着时代的发展,看清技术的走向,始终学习。基础一定要打好,一个是技术基础,一个是艺术的修养造诣。后者是决定你的上限、高度的关键因素。

  • 《流浪地球》视觉特效总监丁燕来专访:中国特效必须经过锻炼和尝试,才能取得进步

    文/索菲亚·嘟胖要说今年春节假期无限刷屏的几个关键词,“流浪地球”必须算是其中之一。影院排片场场爆满,全家扶老携幼组团观影,很多已经看过影片的观众,还在继续二刷三刷。 之前有人曾在微博上质疑《流浪地球》特效制作团队并非国人却遭到实力打脸,霸气回应的其中一位就有《流浪地球》视觉特效总监丁燕来。前不久,CG世界采访了《流浪地球》影片视觉特效总监、橙视觉OrangeVFX视效总监丁燕来。 作为《流浪地球》的视觉特效总监,如何协调几个制作公司的?概念设计到后期制作如何顺利地进行衔接?在制作过程中遇到的最大困难是什么?别着急,我们接着往下看。从不认同中国特效的“低端感”?丁燕来毕业于中央美术学院,上学时,就喜爱电影并绘画分镜和概念设计。但是对于为什么在毕业之后跑去做特效的问题,他告诉CG世界,这其中的缘由,一方面是来源于对画画的喜爱,毕竟特效既能满足他对于画面的创作,还能满足对于技术的探索; 有一种声音认为中国人做特效始终透着一种“低端感”,对此他并不认同。再他看来,国内行业人和国外一样,都是具备创作力和艺术修养的专业人才,这群人更是不服输,不放弃,不低头,想要通过自己的努力,让中国特效受到全世界的称赞。橙视觉就是其中一个团队。橙视觉OrangeVFX成立于2014年,在北京、青岛和南京均设立工作室。作为橙视觉CEO及视觉特效总监,丁燕来代领整个团队参与制作了20余部电影以及30余部电视剧,并涉及广告,宣传片等制作内容。这次作为《流浪地球》特效制作主力军之一,更是为中国特效留下了浓墨重彩的一笔。如何从概念设计到后期制作?我们在之前的文章《《流浪地球》里的概念图咋设计的?概念艺术总监专访!》中介绍过,特效团队也是较早进入项目的部门之一,和概念艺术团队、制片团队和美术团队,作为影片初期主创一同开展影片前期的开发和筹备工作,与郭帆导演进行划分并梳理剧本,考虑CG制作方向和未来方案如何落地。 所以从概念设计到后期制作经历了怎样的一个过程呢?概念设计阶段主导的是整个世界观的建立,以及每个东西的造型和设计;确定之后就进入到制作资产阶段,比如发动机、车等;拍摄中后期就开始投入资产类的制作。影片视觉特效总监“回避技术”?丁燕来在接受采访时表示,对于像科幻类的某些类型片来说,有时候特效和美术的地位是相同的,《流浪地球》影片想要呈现给观众的是“表现形式”,团队用心程度、制作规模以及艺术&想象力的体现,以及表现出视觉主体位置、画面艺术效果和画面层次。对于中国的目前的特效制作水平来说,中国已经有了很具有能力的公司以及艺术家,如果未来中国电影还能够继续飞速发展的话,需要有更多的优秀的艺术家出现。多个制作公司如何协调?正如大家已经了解过很多次,《流浪地球》全片数字特效是由墨MoreVFX、橙视觉OrangeVFX、Pixomondo和Dexter主要负责,以及其他一些中国公司共同完成。这么多公司参与项目制作,自然就会遇到流程、项目进度、镜头分配等诸多问题。丁总监介绍说,在整个后期阶段由郭帆导演和我在负责特效制作的内容方面,孙敏老师和她的后期制片团队在负责整体的后期制作进度控制以及对接工作,在需要共享的资产阶段,资产最基本的是要统一所有公司制作软件的版本。尽量不使用各自公司自己研发的插件,制作时一定要使用软件的基础功能。选择公司时要提前沟通,每个公司的制作流程是什么样的,他们各自使用的渲染工具是什么等等。这样可以保证各个公司在资产共享的时候把性价比提升到最高。但是每家特效公司都有各自的流程并不能完美的统一,但是4家公司在最初的合作模式建立后在后期管理的统筹下花了些时间进行商议,并统一尝试进行多次流程方案的测试,根据自身及各方的情况,讨论出比较合适的特效制作流程及资产共享模式及优化配合方式,经过一段时间磨合,慢慢建立其有效对接机制,搭建出属于《流浪地球》制作需要的统一流程标准。在选择镜头分发给各个公司的时候也是有很大的考虑,最终采取了“场景切分”的分配方式。一个场景只需要在一个公司内部完成,不需要把资产共享给其他公司。逆向思维想一下,这个方式就是再科学不过的了。影片涉及到大量的资产,如果拿整体资产进行打包再到各个制作公司进行展开,势必会影响项目进度,耗费大量的时间和沟通成本。镜头的分配和制作是有技巧的据了解,《流浪地球》特效制作涉及到大量的纯CG镜头,在制作开始之前,导演、视效总监、后期制片和各个公司召开制作会议,讲解制作需求,讲制作技术,看大量参考,先定制方向/风格,尽量保证每个公司的镜头制作标准是一致的。但是对于贯穿于影片的发动机或车这类共享资产,不可能每个公司都出一版,所以在资产制作确认之后会做技术绑定,之后会有一些动态测试,包括车辆的减震、压过路面车痕的宽窄等,在一个制作团队设置好,再传达给其他的制作团队。尽量把所有的数据都能实时的共享给各个制作公司,保证大家的信息一致性,在这点上《流浪地球》的后期制片团队花费了大量的时间和精力保证项目的正常运转。制作过程中渲染是个难题? 《流浪地球》项目从开始到结束,时间已经跨进了第四个年头,而特效制作也经历了近1年的时间。在这个过程中,由于缺少对这种类型电影的制作,制作中会不断的出现问题,在《流浪地球》的整体制作周期内就是在出现问题和解决问题中度过的。例如渲染其实就是个难题。 对于《流浪地球》的制作渲染量可以说是巨大的,据丁总监介绍说,由于国内目前都很难有如此大体量的特效电影制作出现,对于各个制作公司来说此次制作的经验都是非常宝贵的。由于《流浪地球》大规模重资产的三位场景非常多,制作初期甚至出现了20几个小时渲一帧的情况,这对于这么大体量的电影后期来说简直就是灾难。在逐渐在优化场景并解决场景内部问题之后,时间也得到了大幅减少。如何进行场景优化、灯光优化以及场景灯光设置,如何做一个真实、光线丰富的场景,这些经验都是非常宝贵的。技术其实并没有特别困难和深奥,如何能够更加科学的制作,如何优化科学地配置资源才是重要的。中国特效行业人必须要经历这样的项目进行锻炼和尝试,才能不断取得进步。剪辑、DI和调色都面临挑战?据介绍,除了视觉特效制作,《流浪地球》对于剪辑、DI和调色环节来说都是很大的挑战,丁总监给我们大概讲了一下制作流程。 剪辑先出了150多分钟的动态分镜剪辑版本,配合剧本旁白;随着剧本调整,又做了关于重要场次的previz,时长大概是30分钟;剧本定稿之后,进行拍摄;再带着分镜/previz版本进行剪辑,进行重新调整,这也十分考验剪辑师的功底;之后将确定的特效Layout镜头填充到剪辑里,逐渐从线稿变成色彩、完整的动态版本,从而实现各个环节的平衡。如何实现我们自己的真正意义上的硬科幻电影? 概念设计和美术设计其实很难具体落实场景中的所有细节,所以就某种意义而言,特效是影片的第二次创作,每一个场景都要具体分析。这就涉及到了“特效风格”问题,在没有任何影片参考的情况下,如何实现,这也是在前期创作中的难点之一。 因为不能拿好莱坞式的影片进行照搬,制作团队也是花了很多心思来思考这件事情,并没有把科幻推到特别远的未来。因此在影片中有大量的东西都是我们身边可以见的到的。而正如《流浪地球》原著作者/影片监制刘慈欣所说,要真正找到属于中国厚重感的东西,尽量增加生活中所能见到的细节,大家看到之后会感受到这是我们自己的东西,而不是说照搬好莱坞未来科幻的感觉。 所以在制作中他们参考了大量现实的东西,比如在预告片我们看到的从三元桥到中央电视台那条主路的场景;再比如,影片中出现所有山形并没有像比如欧洲比如魔戒里面的那种山来设计,而是按照国内山形地形设计出来的冰原场景,让观众感受到这是我们中国的,不是好莱坞式的,找到属于中国的文化元素,一点一点的进行制作,而不是一味的照搬。《流浪地球》为何受到观众好评?在大年初一正式上映之前,《流浪地球》点映就收到了部分观众的好评。这和制作团队的用心是分不开的。丁总监介绍说,他们确实考虑了很久。 从技术方面而言,视觉特效要符合叙事节奏,技术制作和艺术设计不能让观众出戏,也不能感到违和感;从情感方面而言,要让观众觉得舒服,不是灾难片的那种恐惧,也不没有情感上的纠结和难受。这样才能让观众真正认同这部片子。截止到目前写稿时间为止,《流浪地球》内地累计票房已经突破26亿,而且数据还在不断增长。在和丁燕来总监交流的过程中,我们感受到了他对电影、对中国特效行业的赤诚之心和无限热爱,有这样无数的中国特效人对于技术和艺术的无限追求与不屑努力,一定会迎来中国特效的灿烂明天。本文gif均来自《流浪地球》橙视觉特效解析视频

  • 从"恐袭分子"到"摇滚天王",新晋奥斯卡影帝为何是他?

    好消息!!!波西米亚狂想曲,国内定档3月22日了!皇后的死忠粉们终于可以走进电影院一睹“牙叔”的风采了。要说最功不可没的当属他了!主演拉米·马雷克在电影中对皇后乐队主唱佛莱迪·摩克瑞的完美诠释简直是神还原啊!第91届奥斯卡颁奖典礼上,当上届影帝加里·奥德曼宣布“the Osacar goes to Rami Malek”的时候,拉米·马雷克自己都没有想到,他在《波西米亚狂想曲》 中的精彩表现让他击败了其他资历比他老,实力同样强劲的对手,包括《一个明星的诞生》中的莱德利·库珀,《副总统》里的克里斯蒂安·贝尔,以及《绿皮车》主演维果·莫滕森等,一举拿下奥斯卡最佳男主的小金人。他是12年来首位非白人影帝,也是奥斯卡历史上第二位80后最佳男演员——另一位是“小雀斑”。拉米在饰演牙叔前,甚至还没被观众所熟知,颁奖典礼上念到他的名字,大部分外国观众都一脸陌生。为什么他能从一个默默无闻的龙套演员,一跃跻身奥斯卡影帝?从出道时跑龙套到奥斯卡影帝拉米在2004年通过美剧《吉尔莫女孩》出道之后,他已经在十四年里参演过多部电影和美剧,但在好莱坞一直处于不愠不火的状态,看他的履历的话你会发现他的作品简直是大片云集,个个都是热门,但他一直都不是镜头核心的那一个,他就是一位经常出现在热门美剧、美片中的“熟脸”。是个不折不扣的龙套演员,比如,在情景喜剧《家庭战争》里饰演搞笑出柜男肯尼;在《博物馆奇妙夜》中,他饰演的竟然是有喜感的法老王。《博物馆奇妙夜》中的“法老”拉米(右)而在《太平洋战争》《暮光之城4》等热门电影中,也都有他客串的身影。不过在主演《波西米亚狂想曲》之前,他获得最多奖项的作品,还是2016年的美剧《黑客军团》系列,他在其中饰演处理社交焦虑症的“警察黑客” Elliot Alderson,从而夺得当年艾美奖剧情类最佳男主角奖。《黑客军团》也即将推出第四季,仍由他担当主演。《黑客军团》剧照压力山大的角色却被他完美诠释作为全球著名摇滚乐队皇后的主唱,佛莱迪·摩克瑞在全球有数亿的粉丝,一旦演不好,或者诠释得气质形态不符,这部电影就会遭到吐槽,饰演这个角色对拉米·马雷克来说绝对压力山大。他自己戏称自己为无音乐天赋的演员,对唱歌舞蹈弹琴等根本没接触过,更别提在行了。所以在接到角色之后,拉米搜集了所有关于皇后乐队的书籍、影视资料、采访,并在开拍前便专门前往伦敦与皇后乐队的成员罗杰·泰勒、布赖恩·梅见面,融入乐队的氛围当中,了解当时发生的真实故事。片中的龅牙十分显眼为了演好弗雷迪,除了唱了六个月的卡拉ok、练舞、弹钢琴、弹吉他,甚至晚上带着假龅牙,他更从弗雷迪的家庭和成长经历着手,“我想知道是什么造就了他”。马雷克观察弗雷迪的母亲和妹妹,研究她们讲话时的面部结构变化,因为那是一个人的“根”。单从外形上,他就想尽办法来无限接近佛莱迪。从龅牙、发型、胡子,甚至是表演时的腋毛,都进行了99.99%的精准还原。拉米觉得光戴上假牙还不够,还需要不断地去模仿佛莱迪的独特口音。在每一场戏开拍之前,这都是他都要花一个小时去进入角色,心中告诉自己“我就是佛莱迪”。假牙几乎成为了拉米的“超级英雄套装”,戴上了就能让他找到佛莱迪的感觉,摘下后“觉得自己好像裸体了”。拉米·马雷克和佛莱迪对比图难度超高还原现场 诠释标志性动作光从形体姿态模仿佛莱迪还不够,最最关键的是不能让皇后乐队的歌迷们失望。他要试图做到将弗雷迪绝无仅有的现场表演感带入电影,让观众有身临其境,回到皇后Live现场的感觉。真实现场中的佛莱迪,动作表情极其夸张,然而极富魅力和感染力,能让场下观众为之疯狂。在影片最后13分钟的时间,就是赫赫有名的Live Aid公益演唱会,影片不仅从场景和制作上,对原版演唱会进行高度还原,就连上台前后遇到的其他明星,都进行了极为用心的还原。电影场景和剧照在原版演唱会中,佛莱迪振臂呼喊以及夸张的步伐,已经成为一种标志性动作。虽然拉米并没有真唱(电影中完全采用佛莱迪原声),但他的动作,口型和现场音乐的配合同样至关重要,几乎在每首歌的表情、走位上,都与原版演唱会别无二致,甚至通过电影的镜头与剪辑,带来了比原版演唱会更震撼的效果,将整部电影情绪带向了高潮。身份认同的挣扎是他和佛莱迪的共性说起来拉米·马雷克能饰演牙叔这个角色,还是跟佛莱迪有一定渊源的。拉米是历史上第一位赢得奥斯卡最佳演员的阿拉伯裔演员。他1981年出生于洛杉矶的一个来自开罗的埃及移民家庭,拉米在童年时期讲阿拉伯语,并在科普特东正教信仰中长大。他说他在圣费尔南多谷的一个多文化的社区长大,在拉丁裔,菲律宾人和亚洲人中长大,但他长大后发现在美国社会中“很难形成一种身份认同感”。那么,拉米·马雷克是怎么走上演员道路的呢?他的父亲是个保险销售,母亲是个会计,虽然在洛杉矶长大,但家庭环境与奥斯卡与电影没有任何关系。拉米喜欢表演,高中毕业后他进入埃文斯维尔大学学习戏剧,一脚踏进上演员这条不归路。但是学习戏剧,不代表有戏可拍,当拉米接不到角色,想要考房产经纪人证进入房地产行业时,却又意外接到选角导演的电话,就这样表演之路算是坚持下来了。刚刚入圈时的他曾接到饰演美剧《24小时》里的自杀式炸弹恐怖袭击分子。这种得不到身份认同的感受一直困扰着拉米,与少数族裔演员在好莱坞面临的问题相同,他们都被简单地归类了。通常他们能接到的角色要么是恐怖分子,要么就是是阿拉伯漫画大杂烩。从今以后再有这样的角色找到他,他一律拒绝。在获奖后他坦言为我们揭示了他为什么自信地出演了《波西米亚狂想曲》:“我更没想到自己能演佛莱迪·摩可里,直到我发现他的原名叫富鲁科·布尔萨拉(Farrokh Bulsara)(佛莱迪出生于东非坦桑尼亚,原为印度波斯民族,名字也是波斯语),这是我接收到的最具冲击力的消息,正是这一点让我敢说:‘我能做到’!”。导演性侵案阴影掩盖影片发光波西米亚狂想曲,一直处在导演布莱恩·辛格性侵事件长长的阴影中,不被各界影评人看好。据1月份外媒报道,辛格被四名未成年男子指控性侵犯。在指控之后,《波希米亚狂想曲》被从今年的GLAAD媒体奖提名中删除。辛格一口否认,“毫无疑问,波希米亚狂想曲是一部获奖的热门电影,这只是借助影片的成功和同性恋的题材进行的诽谤!”但早在2017年,辛格就被一个叫Cesar Sanchez-Guzman的男人起诉,后者指控辛格在2003年性侵了17岁的他。而那时,《波西米亚狂想曲》正在拍摄当中,于是辛格立刻被停职解雇了,电影制作也陷入了僵局。当消息爆发时,导演辛格和拉米·马雷克的矛盾也就此发酵。一个报道称,辛格跟马雷克曾就影片多次发生矛盾,而且辛格竟然朝马雷克扔东西!在拉米被采访时,他坚定维护影片的口碑,但也正直地回应了导演丑闻,“我们每个人都有权利对布莱恩的事件发声,呈现出事实的真相,让大众了解到实情。我也承认,我与布莱恩的合作并不愉快,但我并不希望这影响到这部电影!”最终的结果也如他所愿,电影效果非常成功,他也实至名归地拿到了小金人,这也是一个正直又努力的人应得的回报。影帝的未来刚刚获得奥斯卡影帝不久,拉米·马雷克就有了新片邀请。据悉,新晋奥斯卡影帝目前正在商讨加盟007新电影《邦德25》的事宜,并且可能出演片中的大反派。他也将出演预计在2020年上映的新版《怪医杜立德》,在其中扮演一个叫CheeChee的动物角色,该片由小罗伯特唐尼主演并担当制片。敬请期待他和小罗伯特的对手戏吧!对于年轻的拉米·马雷克,他的演艺生涯可能从今年才刚刚展开新的篇章,未来的他将会为大家带来什么样的角色,又能不负众望地有什么发挥,那会是属于他的舞台,就像他心中的佛莱迪:“那个男人透过每个观众的眼睛,看到真实的他们,这是因为他在为自己的身份认同而挣扎,所有这些力量、品质,在他体内燃烧…我为所有人表演,我们一起可以超越一切。因为这关乎的不是你的故乡,你的长相或种族,都不是!因为我们都是人类,我们都是冠军!”

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