一个视频作品好不好，是由多方面决定的，而调色则是在我们后期处理视频中不可缺少的一个部分，在pr，ae，final等各类视频制作软件中，都有着丰富的LUTS调色预设，如今随着数字摄像机的发展，LUT的使用也变得越来越普遍，使用LUT可以转换色彩空间，进行色彩管理，也可以利用LUT进行风格化调色。下面就给大家科普一下到底什么是LUT。一、什么是LUTLUT是Look- up Table的简称，Look- up Table的意思是查找表。简单来说，从本质上可以将LUT视为一个函数，也就是给LUT一个输入值，LUT可以返回一个输出值，可以呈现一一对应的关系。比如在某个lObitRGB的色彩空间1中，一种红被表述为"R=640,G=102,B=94"，而这个红在另一个lObitRGB的色彩空间2中也存在，但被表述为"R=600,G=90,B=145"，那么将色彩空间1转换为色彩空间2的LUT在读取数据:"R=640,G=102,B=94"后，返回的值一定是："R=600,G=90,B=145"。二、1D LUT与3D LUTLUT可以从结构上分为两种类型，一种是1D LUT，另一种是3D LUT，即俗称的一维查找表和三维查找表。两者在结构上有着本质的区别，应用的领域也不同。如下图所示。1D LUT的输入与输出关系如以下公式：Rout= LUT(Rin)Gout= LUT(Gin)Bout= LUT (Bin)该LUT输出的三个色彩分量仅与自身分量的输入有关，而与另外两个分量的输入无关，这种分量之间一一对应的关系就是1D LUT。对于10比特系统来说，一个1D LUT包含1024×3个10比特数据，总的数据量为1024×3×10=30Kbit，可见一个1D LUT的文件量是相当小的。因此1D LUT具有数据量小、查找速度快的特点。3D LUT输入与输出关系如以下公式:Rout=LUT(Rin,Gin,Bin)Gout=LUT(Rin,Gin,Bin)Bout=LUT(Rin,Gin,Bin)3D LUT主要用于校正数字配光所用的显示器画面与最终胶片影像之间的差距，理论上讲，如果最终影像仍然在普通显示器上播放，譬如DVD和广播影像，1D LUT完全可以胜任。如果最终影像在数字影院播放，要看使用什么类型的数字放映机，如果放映机使用DCI标准，理论上讲应该使用3D LUT进行校正，因为DCI标准采用CIE XYZ色彩空间，并不RGB色彩空间。但是在实际工作中使用1D LUT也能使DCI模式的数字放映达到不错的效果。二者之间的区别1D LUT与3D LUT的本质区别就是转换后的色彩空间的RGB三通道是否与转换前的RGB三通道单独关联，如果单独关联，1D LUT即可适用，如果不单独关联，则需要使用3D LUT。在实际应用中3D LUT被广泛应用，理论上讲，3D LUT可以代替1D LUT，反过来，1D LUT不能代替3D LUT。三、LUT的功能分类LUT从功能上可以分为三类。一是色彩管理了，确保影响在各个不同系统中保持视觉上的一致；二是技术转换LUT，多用于不同色彩空间不同特性曲线下的转换，例如从Log映射到Rec709的LUT就属于技术LUT；三是风格LUT，用于制作特殊的影调风格。功能一：色彩管理在电影技术数字化的今天，影像在拍摄、后期处理以及终放映的过程中会由于不同的系统处理，会以不同的形式出现，电影的色彩管理就是要确保影像在各个不同的体系中保持视觉上的一致，而LUT（查找表）在色彩管理的过程中起了非常重要的作用，它是统一不同系统、不同设备的色彩空间的重要工具。从影像的获取到最终放映，影像会经历不同的系统，比如用数字摄影机拍摄的画面，需要经过调色系统来调色，然后需要通过胶片记录仪将影像记录到胶片上，最后通过放映系统投射到荧幕上。每一个系统都有其独特的色彩空间，也就是说同样的影像在不同的系统中表现是不一样的，色彩管理的任务就是要让不同的系统的色彩空间统一起来。简单的讲就是需要保证制作过程中监看的画面与最终的银幕效果的一致。LUT在色彩管理系统中的应用有很多种，比较常见的有以下几种：校正监视器，校正监视器与胶片之间的差距、白平衡处理以及调色。LUT的特点之一，就是它可以在不改变原始文件的情况下对不同的显示设备进行颜色校正，这样做的好处就是不对原始影像处理，也就不会带来任何损失，而且不改变任何原始影像，意味着节省了大量的渲染时间。功能二：技术转换理论上，符合Rec.709标准的视频信号只能在同样标准的显示器上正常还原，我们工作和生活中接触到的电脑显示器、电视机以及手机、Pad等的颜色标准与Rec.709很接近。某些设备的颜色还可以校准成Rec.709。所以，我们把这些设备笼统地称为Rec.709设备。几年前，大多数的摄影机和照相机所拍摄的影像还都是Rec.709标准的，所以在Rec.709设备上观看的话，看到的就是正常的影像。而如今，大量摄影机甚至单反都可以拍摄对数（Log）影像了。如果将对数（Log）影像送给Rec.709标准显示器监看的话，你看到的效果如图所示。可以看到，此时的影调不能得到正常还原。对数影像在Rec.709视频监视器上显示，其影调具有如下特征：► 影调、色调还原失真;► 画面反差大幅度降低，画面整体偏灰;► 画面色彩饱和度降低。对数（Log）影像在标准Rec.709显示器上不能够正常还原，其根本原因在于二者的伽马差异很大。理论上，对数（Log）影像必须在具有电影伽马的显示系统中才能够正常还原。但是没有任何一种显示器的自身伽马是电影伽马，所以要人为地将其校正为电影伽马。最常见的改变显示系统伽马的方法是使用LUT。经过LUT转换后，你就能在Rec.709显示器上看到正常的效果了。既然使用LUT能够把Log转换为709，那么能否把709转换为Log呢？答案是肯定的。不过要注意，709素材在拍摄的时候就没有记录到足够的宽容度，即使将其转换为Log也不会增加宽容度。但是这种转换还是有意义的，例如施加一些电影感的LUT，往往需要先把709素材转换为Log素材，然后再添加相应的LUT，或者找到针对709素材的LUT。功能三：影像风格LUT的另外一类用途就是对影像进行创造性和艺术化的处理，这类上LUT也被称为艺术LUT或风格化LUT。达芬奇软件自带了“Film Looks”（胶片风格）系列LUT。其作用就是把符合对数色彩空间的素材转换成富士胶片或柯达胶片的效果。小提示：风格化LUT被很多用户喜欢，因为很容易，“出效果”。但是如果要成为职业调色师不可因为一时之利而忘记基本功的训练和职业素养的修炼。掌握了LUT的一些基本知识才能更好的为后期使用它打下基础。

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MG动画受到越来越多的大企业青睐，在三星、苹果等数码产品的广告，肯德基、麦当劳等餐饮行业的广告都能看到MG动画的身影，MG动画其实已经不知不觉的融入到我们的生活中。苹果点线创意广告肯德基MG创意广告一、MG动画到底是个啥所谓MG动画，英文全称为：Motion Graphics，译为动态图形或者图形动画。通常指的是视频设计，多媒体CG设计，电视包装等。MG动画侧重非叙述性非具象化的视觉表现形式，可以赋予平面设计元素生命力与表现力。目前制作MG动画主要会用到的软件工具是AE、PS、AI还有C4D。AE可以说是做MG动画较好的工具，AE自身的运动图形模块功能非常强大。C4D运动图形模块也是很强大的，在AE中进行最终的渲染才能输出。二、MG动画与传统动画、3D动画的区别1. MG动画VS传统动画最大的区别：传统动画的制作效率远低于MG动画。传统动画的制作工序繁琐，一分钟的动画整体下来，制作出来也是要数十万元。随着时间和科技发展，很多传统的动画制作方法及技巧慢慢已经被现代的动画人淘汰了，8/9个人一个月不一定能出一分钟的动画。而MG动画，全电脑操作，动画速度是传统动画的数十倍，2-10个人一个月可以制作100分钟甚至以上的内容。如今更讲究效率的时代，没有效率就没有生产力，但是不管什么方法和技巧，动画的内容才是整个动画成功的关键！2. MG动画VS 3D动画最大区别：3D动画制作难度高于MG动画制作难度三维动画要经过建模、绑定、材质、灯光、渲染等步骤，二维动画则要经过美术、动画、合成等。从步骤上来看，三维动画制作就明显比二维动画制作繁琐，所以相对应的，制作时间也相对更长、需要的人员也更多。而且，三维动画制作对于电脑等设备要求更高——低配电脑根本带不动三维制作软件，所以三维制作的成本费用也更高。三、MG动画的宣传领域MG动画应用领域很广，在品牌、产品、活动、公司团队等领域均有涉及。1.品牌宣传①讲述品牌故事许多的电影/电视/微电影里，通过MG在其中扮演传递信息或者营造氛围的角色。例如 007的经典片头便是一个很出色的MG片头，树立起007这个热门IP。2.产品宣传①介绍说明产品特点通过精准的定位，来表现产品的特点，采用MG动画的特性来说非常适合，可以让观众感受到产品的特点，利用图形与音效的组合，呈现出一个优秀的MG成品。例如：美年达的小短片，短短20多秒，运用MG动画的特点，将扁平化图形重新组合，再加上符合产品调性的配色和音乐，呈现出产品的特点。②讲解说明产品相比于密密麻麻的文字说明，人们更喜欢有图片，有声音的视频说明。对于许多信息量大，而且极度抽象的内容，MG动画是一个很好的承载形式，一份1万字的产品说明要读20分钟，MG动画5分钟搞定，且不丧失趣味。有些产品介绍甚至不需要文字说明，观众就可以理解。3.活动宣传①线上/下活动视频开场如今许多MG动画正在作为发布会，线下交流会，线上直播的开场视频。4.项目宣传①客户项目展示传统的ppt向客户展示内容的方式费时间，客户也没有太多时间一点点听你去讲，将重点浓缩在简短的MG动画中，可以节约彼此的时间。但MG动画的运用远不止上述这些领域，如产品的动态LOGO、APP产品展示、ICON动效设计、电视节目包装、自媒体展示等都可以通过MG动画来实现。四、MG动画为何成为市场宠儿1.大量的承载信息通过MG特有的形式对大量碎片化的信息进行处理，让多而碎的信息更容易看，然而节奏较快，即便在有限的时间内也可以承载非常大的信息量。在这个惜时如金的时代，在同样的时间MG动画可以让你获得更多的知识普及。2.多样风格，新颖形式，超强的互动感满足于不同表现需求的定制，风格多样化以及具有吸引力的新颖形式，极大的增加了信息的转化率，实现超强的互动感。插画风格、线条风格、动画风格等不同风格在内容呈现上更容易被大众接受。3、质量、成本可控性强，成熟的制作体系由于制作流程已经相对标准化，质量可控度很好把握，相对于真人演绎的视频，MG动画内容不需要投入太多的演员费用，在价格方面可以根据实际只做需求来控制成本的投入，而且制作团队市面上也是比比皆是，在无形中也压低了制作的成本。

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学习调色，理论永远是一个绕不开的知识点，有的同学可能认为这个学了也不懂，懂了也难以指导调色，还不如直接上手凭感觉去调，这种观点有它的道理，但是不学色彩理论肯定不利于我们的调色，下面就给大家普及普及你必须要了解的色彩科学基础。一、从光与色的关系打开调色大门在这个世界上，没有光就没有颜色。任何颜色的产生，都是由光线的刺激而产生的，目前达芬奇调色研究的光主要是自然光，自然光又以太阳光为主。1.光的色散复色光分解为单色光的现象叫光的色散，牛顿在1666年最先利用三棱镜观察到光的色散，把白光分解为彩色光带（光谱）。色散现象说明光在媒质中的速度随光的频率而变。光的色散可以用三棱镜，衍射光栅，干涉仪等来实现。白光是由红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫等各种色光组成的叫做复色光。红、橙、黄、绿等色光叫做单色光。2.光是一种人类可见的电磁波光线都可以被设备所捕获，捕获就可以成像，作为调色师一般对可见光为（400nm-700nm）这一部分进行操作。随着科技的进步，我们通过特殊设备可以捕捉肉眼看不见的光。热成像：本身是热量，看到的这些颜色是人们赋予给他的，白色是热的，黑色是冷的。例如：吸管凉的（黑色）脸很热（红的）3.人类感受颜色的必备要素：如果没有物体的话，光线直接照进眼中，我们依然能够感觉到亮度和颜色。①光源：没有光源，我们什么也看不到，光源有两种，自然光源和人造光源，太阳是最常见最重要的自然光源，人造光源也就是我们常说的灯光。②接收器：人类的接收器是眼睛，摄像机的接收器是胶片或CCD。③处理器：人类的处理器是大脑，摄像机的处理器是芯片。二、色彩模式与色彩空间1.RGB的前世今生在1931年，国际照明委员会规定三基色分别为：700nm的红色光，546mn的绿色光和435nm的蓝色光。为了确定三基色的单位，我们设定单位三基色光混合后可以生标准等能白光E白，实验表明，配出等能白光的红、绿、蓝基色单位强度之比约为1:4.59:0.06。其中红色曲线出现了负数，负数说明在配色实验中在待配色彩一方增加红色光。在RGB混色曲线中三条曲线所包含的面积是相等的。当R=G=B时，混合出等能白光E白。2.RGB vs CMY①加色模式—色光三基色(RGB）RGB色彩模式是工业界的一种颜色标准，这个标准几乎包括了人类视力所能感知的所有颜色，是目前运用最广的颜色系统之一。人的眼睛是根据所看见的光的波长来识别颜色的。可见光谱中的大部分颜色可以由三种基本色光按不同的比例混合而成，这三种基本色光的颜色就是红(Red)、绿（Green)、蓝（Blue)三原色光。这三种光以相同的比例混合且达到一定的强度，就呈现白色（白光）：若三种光的强度均为零，就是黑色（无光）。这就是RGB加色模式，这种模式被广泛应用于电视机、显示器等主动发光的产品中。②减色模式—色料三原色(CMY)在打印、印刷、油漆、绘画等靠介质表面的反射被动发光的场合，物体所呈现的颜色是光源中被颜料吸收后所剩余的部分，所以其成色的原理叫作减色法原理。减色法原理被广泛应用于各种被动发光的场合。在减色法原理中的二原色颜料分别是青（Cyan)、品红（Magenta)和黄(Yellow)。这三原色可以混合出多种颜色，不过由于颜料纯度不可能是百分之百，所以难以调配出纯黑色，只能混合出深灰色。因此在彩色印刷中，除了使用CMY三原色外还要增加一版黑色（K)，才能得出更纯正的颜色。因此，在印刷中常常会听到CMYK的称呼。3. 色立体学说色立体：色彩的体系就是将色彩按照三属性，有秩序的进行整理、分类而组成有系统的色彩体系。这种系统的体系如果借助于三维空间的形式，来同时体现色彩的明度、色相、纯度之间的关系，则被称之为“色立体”。4.HSL(色相、饱和度、亮度）/HSV——感性的色彩模型HSL(色相hue，饱和度saturation，亮度lightness）也称HLS或HSI（i指intensity）与HSV非常相似仅用亮度代替了明度。二者的区别在于，一种纯色的明度等于白色的明度，而纯色的亮度等于中度灰的亮度。HSV（色相hue，饱和度saturation，明度value），也称HSB（B指brightness）是艺术家们常用的，因为与加减法混色的术语相比，使用色相、饱和度等概念描述色彩更自然更直观。HSV是RGB色彩空间的一种变形，它的内容与色彩尺度与其出处——RGB色彩空间有密切联系。三、调色公式在讲解调色公式之前，先问大家一个问题：液晶屏幕上的像素是怎样构成的呢？其实液晶屏幕是由三个次像素构成的一个像素，一个液晶发光体背后是三个小的发光体。当三个液晶发光体：红绿蓝融合后，这时我们会看到的文字是白色的。这样就引出了我们的调色公式了。RGB—加色三原色模式RGB色影模式是工业界的一种颜色标准，是通过对红（R）、绿（G），蓝（B）三个颜色通道的变化以及它们相互之间的叠加来得到各式各样的颜色的，RGB即是代表红、绿、蓝三个通道的颜色，这个标准几乎包括了人类视力所能感知的所有颜色，是目前运用最广的颜色系统之一。当RGB相等时形成无彩色，也就是没有任何颜色倾向。三原色RGB：使用三原色可以混合出二次色，这和观察距离以及像素大小都有关系。 二次色CMY的混合：使用三原色可以混合出二次色，这和观察距离以及像素大小都有关系。 因此RGB的加色模式，其公式如下：R（红）的反色是C（青）G（绿）的反色是M（品红）B（蓝）的反色是Y（黄）ps：反色也称互补色，增加R（红）就意味着减少C（青）。如果画面偏C（青）,你就可以通过增加R（红）来减少偏色。根据以上公式我们就可以推导出调色的基本规则了。例如，我们要为图像增加红色，则至少有两种方法可以实现。方法一：只增加R（红）通道的数值，由于每一个像素的R(红）通道的数值都增加了，整个图像就会偏红，当然，这会同时增加整个图像的亮度。方法二：降低R（红）的反色C（青），但是达芬奇软件不让我们直接操作C（青）颜色通道，不过没关系，不要忘了C（青）=B（蓝）+G（绿），我们可以同时降低B(蓝）和G（绿）的数值，这就等于降低了C（青），同时也就等于增加了R（红），画面同样会偏红，不过由于B（蓝）和G（绿）的数值降低了，画面的亮度也会降低。通过上面的介绍，你完全可以推导出增加或减少某种颜色的方法，进而根据自己的需要来调整软件所提供的滑块或者旋钮。

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AE中的分形噪波（Fractal Noise）相信对于会AE的我们来说并不陌生，经常用它制作各类烟、火、扰动效果等等，有些版本会翻译成分形杂色，它是AE内置的一个效果，不过它只是基于二维的。而该插件允许你创建基于三维的噪波，受摄影机及灯光影响，并且还具有“遮挡图层”，根据Depth Map与3D渲染的图像进行合成等功能。今天给大家分享一个星云制作效果，主要用到的是AE自带的Fractal Noise效果 。效果如下：那么这个效果是如何做出来的呢，今天小编就手把手教你制作星云特效第一步，打开AE,新建一个合成，并且添加一个图形层。第二步，添加fractal noise调整对比度等参数到如图效果。第三步，减去上下部分（这个部分很重要，否则后面星云的尾部会显得十分单调）。第四步，建立一个如图的shape图层，这里主要是作为蒙版使用。第五步，alpha蒙版预乘以后得到现在的结果。第六步，添加twirl特效，则可以得到一片星云。第七步，打开合成，开启三维层，并添加turbulent displace，这样可以防止边缘过于生硬。第八步，重复前面的步骤，选择不同的fractal noise则可以获得更多的细节。第九步，做同样的扭曲变形。第十步，两个图层叠加效果，这样细节会明显增多。 第十一步，重复之前的步骤，多做几层，继续相叠加。第十二步，为了凸显中心更亮，需要单独做一个高亮的shape图层。第十三步，添加一个调整图层，利用curves曲线给黑白图上色，并添加glow，增加画面光感。第十四步，最后添加粒子，就完成了，自己可以根据情况做不同的摄像机动画。这个小技巧，只是AE里面的冰山一角，本套课程主要为零基础学员打造，通过真实的商业案例来学习PR、AE、C4D，非其它枯燥的软件说明书形式课程，其中涉及到的案例90%为老师做过的真实一线商业项目。

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2010年8月24日，日本动画导演今敏因患胰腺癌不幸离世，年仅46岁。2020年8月24日是日本著名导演今敏逝世十周年的日子。观其一生，如果用一句话来评价今敏那就是：擅长通过模糊幻想与现实的边界，达到超越动画效果以外的影像叙事天才。你可能不知道今敏，但是你一定能从许多电影中都能看到今敏作品的影子，达伦·阿伦诺夫斯基导演的《梦之安魂曲》，照搬了今敏作品《未麻的部屋》中浴室一幕的分镜。同样由阿伦诺夫斯基导演，让娜塔丽·波特曼封后奥斯卡的《黑天鹅》里，也有和《未麻的部屋》中相似的画面。《红辣椒》对克里斯托弗·诺兰（代表作《盗梦空间》）也有一定影响。今敏导演以其天马行空的想象、神乎其技的剪辑和刻画入微的细节构成了他让人过目不忘的个人风格，看他的电影常有一种在虚实间游走，在时空中漫游的独特体验。下面看看今敏导演中都用到了哪些巧妙的剪辑技巧来展示自己天马行空的想象。1匹配剪辑匹配转场，简而言之就是建立前后两个镜头在某些元素上的相关联性，以此使得镜头之间的转换更加自然流畅。我们称其中相关联的元素为匹配元素，这些元素可以是图像构成，动作，声音，乃至画面颜色。在今敏导演的许多作品中都能看到通过相似的图像与动作为匹配元素的转场，这两者分别被称为“图像匹配”和“动作匹配”。匹配转场的作用主要有“跨时间”和“隐喻”。在他的处女作《未麻的部屋》中，今敏已经大量使用了匹配转场来强化时空的不确定性。图像匹配一般是利用相似的构图或者画面要素进行转场。在《千年女优》中，下面这组镜头很好理解，恐怕没有比它更简单直观的图像匹配了。拉钩动作的手是两个镜头之间的匹配元素，从作用上来说是“跨时间”与“跨空间”。这组镜头同理，女主角的脸是匹配元素，作用上来说依然是“跨时间”与“跨空间”。动作匹配在于通过镜头之间被摄对象的相似的运动规律来实现转场。下面这一组镜头：一个全景加一个远景，两个镜头之间的组接符合轴线规律。导演正是运用了轴线规律所形成的运动规律的相似性完成了转场。从前后镜头内角色的衣着来看，时间和空间发生了改变，但是观众却丝毫不感到突兀，可见今敏分镜功底之深厚。《红辣椒》这个作品围绕着几个简单的角色展开叙事情节，匹配性剪辑的巧妙连接，在视觉上、影片结构和内容上都产生了重要作用，在的开头三分三十秒里，今敏更是连续使用了五个匹配转场来完成不同梦境之间的切换，堪称后期剪辑的教科书。荡秋千动作匹配：挥动吉他动作匹配：走路动作匹配：2蒙太奇剪辑隐喻蒙太奇：通过镜头或场面的对列进行类比，含蓄而形象地表达创作者的某种寓意。这种手法往往将不同事物之间某种相似的特征突现出来，以引起观众的联想，领会导演的寓意和领略事件的情绪色彩。《东京教父》中的这一幕，老人死去，然后棚屋的风车停止了。发现他还活着，所以风车又开始转动。尾声，可以注意到风车停止了，这里的一幕隐喻老人已经去世。平行蒙太奇：称并列蒙太奇。两条以上的情节线并行表现，分别叙述，最后统一在一个完整的情节结构中，或两个以上的事件相互穿插表现，揭示一个统一的主题，或一个情节。它的表现形式可以采用依次分叙的方式，也可以采用交替分叙的方式。《千年女优》是运用平行蒙太奇的经典之作，故事先分别叙述了女主角藤原千代子在电影和现实中发生的不同经历，最后在一段经典的奔跑戏中，将她一生中发生的主要事件，一生追寻的经历全部串联起来。这一段是全篇的高潮部分，导演通过连续不断的镜头闪回打破了时间和空间，真实与虚幻，现实与电影之间的壁垒，让千代子一生的努力，一生积压的情绪在这一刻全部爆发出来。在这个片段里，我们能看见大量的动作匹配，图像匹配，越轴等技法的运用。这段将千代子一生以“追寻”的方式展示给观众，回忆、过往悉数呈现，现实与电影之间一幕幕的闪回，从北海道的雪原，平安京的马车，还是狱中的铁门，甚至是战火纷飞的城市，这一切都见证着她追寻的一生。3动作剪辑动作剪辑：当目标还处于运动状态时，我们将影片的一个镜头剪切移动到另一个位置的过程就叫Cutting on action。当然，并不是在每部动作片里都会看到这种剪辑手法，它也会用在其他很多不同类型的影片中。总之，这种剪辑手法会让镜头之间的转场看起来更平滑，在画面中的动作也会更紧凑。在《未麻的部屋》中看到用动作衔接式剪辑实现的景别、视角变换：这样的剪辑首先是让影片运动得更流畅，同时它也允许今敏紧致影片的节奏，精简那些只起描述作用的，与剧情不太相关的场景，让每个出现的场景都布满重要信息和危机悬念。除了以上的种种，还有一些其他的剪辑技巧，例如：在关键时刻/位置切换画面（越轴转场），从电视画面拉远。利用闪黑来跳剪利用物件划过画面来转换还有连续堆叠场景转换，你刚适应了一个场景又转换到下一个了。以上的这些手法，虽然在各类视频影片中都被广泛运用，而今敏导演的成功，就在于选择了一种适当的样式、手段、风格，并加以创造性地发挥来完成自己的作品。他总是竭力从实拍电影中汲取营养，不断呈现令我们耳目一新又独具个人风格的动画作品。与其说他是一个纯粹的动画制作者，还不如说他是力求把动画与电影结合，用电影的拍摄、编导手法来诠释动画的探索者。大师已死，但梦仍旧活着。丨文章图片来源网络，侵删

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Premiere制作素材的管理,这是必须了解的常识。好的项目是管理出来的，初期的素材管理是基础，不能忽视。下面告诉大家一些PR梦幻素材管理技巧，以后妈妈再也不用担心我的剪辑了。技巧一：快速隐藏多余素材如果项目板里有很多素材，很难看清楚哪些素材是已经用过的，哪些是没用过的话，除了可以点击右下角的蓝色标志处理，还可以指定任一素材右击选择隐藏，这样的话在后期制作时对素材的筛选会更加一目了然。技巧二：利用素材箱进行颜色标记现在vlog博主盛行，大家会拍摄大量的视频素材进行储备，视频素材中也有许多不同种类的镜头，例如：景色的空镜，美食的镜头，人物的特写等等。等到真正剪辑的时候会十分混乱，我们如何管理好这些素材呢？许多人都知道在素材箱里可以为视频打上不同颜色的视频标签。但是很多人不知道如何把在素材箱里打好的颜色标签，同步到时间轴上。素材箱里素材的颜色和时间轴上素材的颜色一致，方便我们后期剪辑时归类处理。点击文件下面的【项目管理】→【常规】勾选【针对所有实例显示项目的名称和标签颜色】此时时间轴上的颜色就会和素材箱里面的颜色一致，且随着素材箱标签颜色的变更而变化。技巧三：标记素材（标识帧）使用标识帧设置关键的画面，方便在素材库里面查找，素材窗口拖动素材时间轴预览，选择合适位置后右键设置标识帧（方便区分素材）技巧四：素材快速批量命名在我们导入上百的素材时，一个一个对素材进行名字更正十分费力，这时候就需要一款插件帮助我们批量更改素材名字。AEs Rename and Change Toolkit for Premiere Pro是一款由 Kabansky编写的PR素材批量重命名属性更改插件，可以在Adobe Premiere Pro快速对素材进行批量重命名和更改素材属性，如替换素材名字，添加添加前缀/后缀编号，更改素材分辨率或帧速率等等，可以说是后期剪辑师必备的一个PR素材管理插件。手动去更改20个文件夹的名字需要将近2分钟，利用插件40秒即可完成操作，这里需要注意的是这款插件支持的是Win/Mac:Premiere CC 2019。以上这些方法都是非常实用且好用的，用好了可以大大提升你视频制作效率。如果大家有什么更好的素材处理方式欢迎在评论区交流。

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剪辑的工作则是打破重组，体现出另一个观察角度和观察顺序。这里的重组不光是画面的剪切重组，而且还有音频的剪切重组。音乐对影片的作用实际上非常大，因为他属于视听语言范畴里听的一部分。因此想要做好剪辑，先要读懂音乐。如果不能读懂音乐它的带入，起承转合，副歌，高潮点，对应画面节奏是有很大问题的。那么剪辑师如何驾驭自己的音乐呢？1做好音乐储备分类音乐、音效的分类对于一名职业剪辑师非常重要，你需要建立自己的音乐库。同时在听音乐的时候也要在脑海里思考，这类音乐适合配合怎样的画面，多进行这样的练习，可以提升声画结合的能力。下面具体说说音乐和音效该如何分类。在剪辑“听”其中包含音乐、音效、人声人声又包括：独白、对白、旁白1.音乐分类方法：对于音乐的分类我更建议按照风格及情绪来分类，因为小白总是会出现一个毛病，这首歌好听就用它，或者这首歌节奏好就用它，不会管他是不是符合剧情需要和情绪需要。最后做出的影片就会不伦不类。| 史诗宏大类这类的音乐大家可以通过电影的原声带获取，很多史诗级别的好莱坞大片都会用，这类的音乐更适合史诗级别的大场面，比如万人开场的的场面、英雄出现的场面、史诗级别的大远景等等。| 流行类在剪辑一些旅拍、vlog影片，一般流行性的音乐节奏都很明显，动感的节奏配合你的旅行，可以给予更丰富的感官效果。| 清新类这类的音乐更适合做一些小清晰风格影片，小清新可以分两类：第一类就是拍摄画面清晰，更多出现在影视里，例如《小情书》中的配乐应用。第二类就是MG动画，很多MG动画风格实际上都很小巧类型，如果用到了史诗级别，就非常和画面不符合。| 科技感这类的音乐实际上更多可以用在广告宣传VC的广告产品上，比如某某科技公司发布了一款新的手机，那么画面都是围绕手机的特写和功能去展示，音乐的风格偏向科技感，那么就可以给予产品加重它的科技氛围。当然科技感的音乐可以用在多个地方，宣传片、剧情片也可以用。| 意向类这种音乐很难琢磨，你有没有通过镜头给予观众一种思想表达，而不是具体要告诉观众具体时间，比如一个动作，一个眼神，类似于行为艺术。那么这类的影片更适合意向类音乐，我们建议可以搜索关键词：北欧风格音乐。异域风情强烈，能感受到到当地的风俗。| 预告片类这类音乐比较特殊，原因在于有一类音乐专门负责电影预告片，这类音乐一般由特殊的音乐制作人制作，而他制作的音乐都是偏向于电影预告片的剪辑风格，优势在于音乐的结构和节奏很明显、重音突出、戛然而止的地方也非常明显。2.音效的分类方法一部影片没有音效，实际上很难有体验感，观众看影片更多的是体验感，而不是获取什么。举个例子，一部电影，只有音乐和人声，那么很多情节上的体验感无法真实的获取。1、动作音效：人行动所产生的声音（走路声、打斗声）2、自然音效：自然界中非人的行为动作所发出的声音（鸟语虫鸣、风雨雷电）3、背景音效：统称群众杂音4、机械音效：因机械设备的运行所发出的声音（汽车、火车、电话……）5、特殊音效：经过变形处理的非自然界音效（电影预告片多用）PS：在我们利用我们收集的音乐进行视频创作时一定要注意版权，尤其是商用的时候，分清是否是免费可商用还是收费商用，培养自己的版权意识。2学会用音乐辅助情节在一部影片中，音乐节奏对影片的影响很重要。恐怖片之所以恐怖，音乐辅助作用是很大的，如果关掉声音看的话，就减少了一大半的恐怖感觉了。我们要学会利用音乐去辅助情节:1、要做好适当的留白有些混剪视频剪出来，BGM就没有停过。音乐的使用一定要注意适可而止，有些该留白的地方要留白，有时候留白可以更加突出主题。2、把握好音乐的出入口新手小白经常会的一个错误，就是音乐出来得很突然，结束的时候也是戛然而止，让人觉得很不顺畅。大家可以参考一下好的片子，音乐都是怎么开始怎么结束的。对于音乐如何组接才更加自然，可以点击参考：干货丨我为歌狂，视频音乐选取与组接7大妙招3、剪辑师可以为人物定制专属音乐就是我们常说的自带BGM，突出人物性格。现在很多电视剧都有采用这种方式，某一首歌就是某个人出来的时候才会出现。香港电影《黄飞鸿》系列，经典的电影配乐，每当音乐响起，观众的情绪就会高张起来，激昂的调子，起伏的旋律，强烈的节奏感，带给观众不仅是听觉上的，就连身体的血液都会沸腾起来。没有人能在《男儿当自强》的BGM下打败黄飞鸿。3将镜头剪辑点与音乐节奏点有机结合剪辑点与音乐节奏点结合可以使普普通通的画面有艺术感，有些时候需要将影片剪得松紧有度，有起有落，张合有力，和音乐配合。如《阿甘正传》中，阿甘的每次奔跑其实都非常普通，但是剪辑点与音乐节奏配合好了之后，无形的让角色变的伟大，感觉他跑的不是路，而是自己的执着，和坚持不常埋头苦干的精神。所选取音乐的节奏决定了整部影片的风格与基调，剪辑点与音乐节奏点结合的好，会让音乐的节奏与影片剧情节奏相协调。想要做好剪辑，先要读懂音乐以《西游记之大圣归来》真的玩家裘继戎广告片为例，①视频刚开始由弱的音乐增加带入感，并不是什么都是刚开始都是快切镜头，选择一些有代入感的音乐风格，不要通篇到尾都是很炸裂的节奏，那这样看似有节奏其实就是没有节奏了。想要做剪辑师，不要将音乐铺在下面，随着音乐去剪，这个是一个错误的剪辑方法。而是先要想好张合力，快和慢的对比在哪里，再去想音乐的组接。音乐包含节奏与结构的，去找有结构的音乐再找有节奏的音乐。②这里是视频中音乐较急的方面，其中用到了跳切的方法，也就是同人物同景别的时候进行切换。③最后视频中孙悟空拍金箍棒的那一帧画面，实际上是音乐的高潮点，观众会觉得非常匹配。并不是音乐急的时候都要快切，可以用一个有震撼力的镜头。所以说，制作影片并不是仅仅把画面对上音乐就行，一定要考虑画面本身的内容、节奏、人物的动作等因素，再配以选取得当的音乐，才能真正做到音乐节奏点和镜头剪辑点的灵魂合而为一，从而控制影片整体节奏。总之，快要快得有理，慢要慢得有理。丨文章图片来源网络，侵删

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对白是指影片中由人物说出来的语言。一部影片中存在大量的对白，对白是电影艺术主要的表现手段之一。所以除动作剪辑外，学会剪辑对白（对话）也是剪辑师必备的基本功之一。因此在我们剪辑人物对白时需要注意以下一些点，这样剪出的人物对白才会更加流畅。1镜头的切换点很多初学者在处理对话场景时，会简单的通过谁说话，就用谁的镜头这种方式来进行这种 一问一答的剪辑，其实这是错误的理解。 人物在讲话的过程中，另一方一般都会做出相应的反应，这种反应镜头可以传达情绪，可以将另一方的喜怒哀乐传达给观众，从而让观众产生共鸣，所以我们应该在对方有反应时去切换镜头。绝对不要为了一句台词就剪辑切换人物，而是要为了对方的反应去切换人物的镜头。图源：《无间道》2景别的切换在人物对话的过程中，不同景别能够传达出不同的内容。全景：能展现两个人物的关系， 以及人物与环境之间的关系。一般可以用在人物对话开始的第一个镜头或者最后一个镜头。 同时也有一个非常重要的置放点，就是当对话的话题出现了变化时，可以用全景作为两段 没有关联话题之间的过渡。 中景：一般用在表达重要内容之前，作为铺垫的语言段落处。近景：相对于前两种景别， 近景最能展现人物脸上的神情，在对话的过程中，如果产生了非常重要的信息或者反应，大多 数都会使用近景这个景别。一般来说人物提出疑问的话语时，也会上相应人物的近景。 图源：《中国合伙人》所以大家在切换景别时，需要按照人物说话的内容去适当的切换。3剪辑不同情绪的对话1.在剪辑紧张对话时，我们需要缩短对话之间的间隙，去制造紧张的氛围与真实感，因为在现实生活中，人物很紧张或者情绪很激烈时，语速会很快，话语之间的间隔会很短。 图源：《巾帼枭雄之义海豪情》2. 在剪辑抒情对话时，我们需要将对话之间的间隙拉开，无论是第一人称说话，还是倾听者，都要给予情感上的停顿，比如当有人说到情感的关键点时，不要下一句话接的非常紧， 应该给予这段情感点的话留出空白的停顿。这样的间隙也能给予观众接收理解情绪的时间。图源：《大鱼》4人物对话时话语的选取很多时候原素材里的拍摄话语会很多，大多数剪辑师在做内容的取舍时会出现迷茫的问题， 不知道该选择哪些话语。 那么如何在众多的原素材基础上最终剪辑成短短的一段对话呢？ 对于内容取舍上，没有确定的要求，我们需要培养正确的思维方式，要先抓重点，再抓情 感。我给大家举个例子：原素材是这样的:人物1：这几天我的睡眠不太好，半夜总是做梦，醒来很多次，严重影响我白天的精力和心情，你知道有什么解决睡眠不好的方法吗？ 人物2：我以前也有一段时间会这样，后来我尝试过一些方法，比如：你可以买一个睡眠 好的枕头，或者睡觉前听一些轻音乐这些方法，这样会让你的睡眠质量更高。 这是一组对话的原素材，但最终的成品可能就是两句话，通过不同的选取方式，我们能得 到不同的信息： 第一种：人物1：你知道有什么解决睡眠不好的方法吗？人物 2：你可以买一个睡眠好的枕头，或者睡觉前听一些轻音乐这些方法。 第二种：人物1：这几天我的睡眠不太好，半夜总是做梦，醒来很多次。 人物2：你可以买一个睡眠好的枕头，或者睡觉前听一些轻音乐这些方法。第一种其实就是常规取舍，最直接的因果关系，但是这种方式是体现不出来任何情感和情 绪的，所以相对来说剪辑会比较"水"。初级剪辑师经常会出现这种问题。第二种就是人物1出现了困惑，人物2主动关心，并提出了解决方案，这样更加能体现 出人物之间的关系和情感。 两种取舍的内容，表达的内在情感完全不同，你要做的最正确的思维方式是，最好既有第 一种抓重点的客观思维，同时还要有第二种主观的情绪带入。 那这些方法都需要大家在大量的剪辑过程中不断培养这些思维，大家可以结合我讲的内容 看一下下面这一小段人物讲话的片段。视频源：微电影《未完情话》这个例子中，其实就是一小段人物讲话，初学者往往觉得这种话语间的剪辑不需要注意什 么，直接切换镜头就好，但是其实并不是。 这一小段人物对白中，包含着人物镜头的切换、反应镜头的切换、景别的切换、对白之间的停顿，很多这种剪辑技巧，所以大家可以多琢磨一下，希望对大家有所帮助。

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5G时代到来，会剪辑视频的人，无论在校园还是未来步入职场都很吃香。对于普通人来说，视频处理也成为了一个通用技能。PR是我们大多数人剪辑中，经常会用到的剪辑工具，之前的文章中已经给大家总结了pr的一些提升效率的剪辑技巧，许多小伙伴呼吁要更多这样的干货，闲言碎语不要说，下面直接上干货。 技巧一、快速复制参数大家做视频时，想把一段素材上的效果转移到另一段视频上，只需要在第一段视频按CTRL+C（复制）再去下一段视频Ctrl+alt+A即可复制想复制的参数，这个效果大家可以根据自己的要求来进行调整，音频效果的调节也是同样的道理。技巧二、快速取消音视频链接在我们剪辑视频时，从素材栏拖入的视频文件时音视频自动链接的，我们做一些混剪画面的时候，可以选中所有素材，然后按住快剪辑：Ctrl+L，这样可以将所有视频的音频和视频自动分离开，方便我们的后续操作。技巧三、调整素材位置大家在做卡点的视频时，可能会遇到用鼠标一直拖素材对不准，每次都差几帧。这个时候只需要选定要卡点的视频按住ALT+左/右键即可往左或者往右移动一帧。技巧四、视频音量快速调节如何快速调节我们视频音量的大小呢？多段音频可以同时选中，快捷键“G”即可出现调节音量面板，统一调节这些音频的声音大小。技巧五、快速替换素材在轨道上想替换的素材可以直接按住ALT键再用鼠标拖动到原素材上就可以直接替换，原素材上的效果是不会消失的。技巧六、导出所选范围视频在我们做视频的时候，我们只想导出部分的视频看看渲染效果这时候，在你要导出视频的开头按I键，在导出视频的结尾按O键，然后Ctrl +M，就可以导出这部分视频。最后相信让大家最刻骨铭心的快捷键一定是：Ctrl+S。真可谓不按一时爽，工程火葬场。

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在《复仇者联盟3》最后，灭霸最终取得所有的无限宝石，一个响指，消灭了宇宙中一半的生物，绝大多数超级英雄，尘归尘，土归土，化成粒子飘散在风中，可谓赚足了观众们的眼泪。这次就带大家制作一个AE粒子飘散的小特效，这种效果在视频结尾时经常会用到，实用性很强。步骤一：使用一个LOGO或者文字作为发射样式打开AE新建合成，导入图片，这里就选取了“新片场学院”的logo样式给大家演示。步骤二：找一个渐变图片做一个alpha蒙版步骤三：制作遮罩扩展动画复制一个LOGO或者文字，做一个遮罩扩张的动画制作预合成，将它们三个打组，并添加效果block dissolve（块溶解），调节好关键帧并打开三维层，复制一层，向下移动，做个旋转，添加特效fast blur，在调整下透明度就好了。步骤四：粒子调节新建固态层，添加粒子效果指定发射层，并调节好粒子的生命周期与随机值，透明度与随机值，粒子透明度随生命变化。在添加一点风场控制飘散的方向，并给与一点位置上的干扰，粒子效果就完成啦。步骤五：入场动画为了使整个效果更加动态，最后利用Z轴的缩放功能，缩放上打上合适的关键帧，做一个从画面里砸进去的动画，打开运动模糊，效果就完成啦。最终飘散效果

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