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  • 干货丨输出成片的旅程,一个完整作品要走这9步

    很多新手朋友在学会剪辑软件后,还是不知道该怎么剪出一个完整的视频,今天我们就帮助大家梳理下视频剪辑的整个流程,不仅是新手朋友,对于专业的的剪辑师,剪辑的流程也都是大体按照以下的环节进行的。1熟悉素材剪辑师拿到前期拍摄的素材后,一定要将素材整体看一到两遍,对每条素材都要有大概的印象,熟悉前期摄影师都拍了那些东西。比如有哪些镜头是专门拍摄的,有哪些镜头是关于专业领域的画面,比如工厂的设备、专业的文件等等,在不了解的情况下分不清素材的作用。2镜头分类筛选素材分类是在剪辑过程很重要的一个环节,在大致了解熟悉完素材之后,接下来我们就需要将素材进行筛选分类,需要建立相应素材的项目文件夹,将不同场景的系列镜头分类整理到不同文件夹中,这个工作如果工程量较大可以提前分好,也可以在剪辑软件的项目管理中完成,分类主要是方便后边的剪辑和素材管理。可以按照以下的一些分类标准进行素材分类(1)按照剧本、脚本结构分类(2)按照逻辑分类:人物、场景、空间等(3)按照时间分类:早上、上午、中午、下午、傍晚等。(4)按照人物动作分类:跑、跳、挥拳、走路等。在这里注意一点:大家进行素材分类时,先不要删除哪个镜头或者片段,有可能你觉得用不上的素材,或许在最后成片中还比较好用。3思路整理剪辑师拿到前期拍摄的素材后,一定要将素材整体看一到两遍,对每条素材都要有大概的印象,熟悉前期摄影师都拍了那些东西。在熟悉完素材后,剪辑师需要结合这些素材和剧本整理出剪辑思路,也就是整片的剪辑构架,这个工作可能会和导演或编导一起探讨完成,沟通一下拍摄内容和需要注意的素材,剪辑师会提一些建设性意见,方便剪辑师接下来配合剧本整理出剪辑思路。4粗剪(框架、情节完整)粗剪是电影,预告片或商业广告的原始版本。因此不必进行非常细致的调整,如音乐、节奏甚至是剪辑点等因素,主要关注影片的逻辑及前后场的连接,它是通过将原片的最佳构图组合成一个简单的时间线而创建的。通常,这是一个故事第一次在现实世界中比较完整的呈现,这个故事以前只存在于作家和导演的头脑中。将素材分类整理完成之后,接下来的工作就是去掉多余的重复镜头、去掉废镜头,挑选合适的镜头将整个影片的故事线先搭建起来,将每一场戏份镜头流畅的剪辑下来,然后将每一场戏安装剧本叙事方式拼接。这样整部影片的结构性剪辑就基本完成。粗剪的主要目的在于搭建整个影片的结构。5精剪(节奏、氛围)确定了粗剪之后,剪辑师还需要对影片进行精剪,这一步就是在粗剪的基础上对影片的细节部分进行打磨,对影片做减法和乘法,减法是在不影响剧情的情况下,修剪掉拖沓庸长的段落,让影片更加紧凑,乘法是使影片的情绪氛围及主题得到进一步升华。精剪这一步是需要新建一条时间线的,不要在粗剪时间线上直接去动镜头,如果精剪时觉得某个位置缺镜头,就可以回到粗剪时间线里去寻找,粗剪时间线没有就去分类里找,精剪并不是一遍就能完成的,都是需要反复剪辑调整,才能剪出满意的作品。精剪最好是按照剧本先挑出第一个小情节,然后在这个小情节下每次只剪辑一个镜头,再去剪辑一组镜头,再去剪辑一个情节。一步步往上走的,一定是你小的部分剪好了,再去往大了走,每个细节都是经过你”精雕细琢“的镜头,最后给观众呈现的效果也是精致的。精剪完成的时间线一定要很整齐,这样,你自己去修改的时候也会方便很多。6添加配乐、音效合适的配乐可以给影片加分,配乐是整部片子风格的重要组成部分,对影片的氛围节奏方面也有很大影响,所以好的配乐对于影片至关重要。而音效则使片子在声音上更有层次。7制作字幕及特效包装影片剪辑完成后,需要给影片添加字幕及制作片头片尾特效。当然特效的制作有时候会和剪辑一起进行。8影片调色那在精剪完成后需要对影片进行颜色统一校正和风格调色,就要剪辑师输出一条时间线给到调色师进行调色。对于大制作的视频,一般情况下会有专业的调色师来完成。9渲染输出视频成品最后一步是将剪辑好的影片渲染输出,也就是导出视频成片。这里呢你就要把影片用到的包装、调色等等所有部分,合成到一起,调整完成后,输出成片。输出时就需要注意格式编码和像素分辨率等等,输出前后最好多看几遍成片,如果有问题还需要再返回去修改。丨本文部分图片素材来源于网络,如有侵权,请联系删除剪辑师需要在无数的历练中强化自己的剪辑思维,并且配合导演的意图,与摄影师的拍摄手法则可以将其功效发挥至最大程度。一支短短的vlog也可以培养自己的剪辑思维。如果你想从事后期行业,学习更深层次的剪辑技巧、想要通过剪辑剪出一份光明的未来,那么《75天剪辑实战培训班》便是你的不二选择。课程从零基础到业内提高全部涵盖,教学内容以剪辑思路、剪辑技巧及各类真实类型片案例制作为主,帮助您成为一名专业剪辑师。2020年,75天剪辑实战培训班新加入Vlog单元学习和实战《旅行的意义》。这并非是普通的vlog形式与实战素材,我们邀请到全球旅拍摄影师陈西川(8K RAW pre签约摄影师和DJI签约摄影师),和他带来的拍摄作品和素材助力75天线下剪辑课程 。所有《旅行的意义》实战素材陈西川老师经历了长达5年时间拍摄,所耗材成本已经超过百万(新加入单元单个课程成本超过500万),拍摄素材超过3T。《旅行的意义-冰岛篇》《旅行的意义-意大利篇》

  • 9.1!今年国产第一神剧,这配乐是要闹鬼吗?

    最近几天网友热议的声浪中,除了《乘风破浪的姐姐》还有什么?毫无疑问,是《隐秘的角落》。作为爱奇艺迷雾剧场的又一部悬疑力作,《隐秘的角落》在6月16日刚刚开播便斩获了不俗的成绩。豆瓣评分9.2,被奉为“2020国剧TOP1”。不少人为这部剧贴上了“ 此生不能错过系列 ”标签。故事高能、环环相扣、节奏紧凑、演技爆棚。无论从什么维度来说,都是妥妥的爆款。故事改编自悬疑小说家紫金陈的《坏孩子》。原著是一部基调阴暗的小说。从三个孩子在游玩过程中意外目睹一场凶杀案展开,由此揭露了孩童内心不为人知的“恶”。《隐秘的角落》的主体情节延续了小说。虽然三个小孩的人设做了大的改动(弱化了悲惨的成长经历),但也依然尽最大可能保留了这部作品的黑暗底色。比如第一集开头几分钟。秦昊饰演的数学代课老师张东升,将其父母(之后观众才知道是岳父岳母)推下了山崖。看似知书达理的中年老师竟然会做出如此举动。让人惊愕之余,又不寒而栗。悬疑气氛拿捏得十分到位。不得不说秦昊演得真好。他在人前表现的温文尔雅,实则生活一地鸡毛。曾作为“上门女婿”入赘,却已和妻子感情破裂,事业被亲戚瞧不起,又不受岳父岳母待见。内心早已扭曲走向了极端。他故意在电梯中吓哭陌生的小孩。又在空无一人的家中突如其来卸掉假发。当看到秦昊的秃头,V姐整个人都不好了。印象中,还没有在哪部剧中看过这么真实的秃法......而此时,镜头特意给了假发片一个特写。从侧面点出了“凤凰男”张东升在斯文面具下隐藏的不堪和自卑 。这场戏没有一个多余的镜头和台词。仅凭借生活中微小的细节和造型的设计,就让观众深刻理解人物内心。高,实在是高。犯案后,张东升谎称岳父岳母是坠崖意外身亡。面对警察的盘问,痛哭流涕的对妻子表现出愧疚。可回到家,却开始有心情一边哼着小曲一边赏花。脸上也开始有了笑容,隔着屏幕都能感受到岳父母的死让他如释重负。如此一来,这前后对比,任谁都会对张东升这个人心生恐惧。张东升以为自己所做的一切无人知晓。但没想到,他将两位老人推下山崖时的场景,却恰好被三个孩子用相机记录了下来。更没想到的是,这三个未成年的孩子也并非善类。他们非但没将所拍到的证据交给警察,反而找到了张东升,借此对他敲诈勒索。一场孩子与杀人犯之间的角逐就此开启......而除了被网友夸上天的演技、画面质感、拍摄手法。能将悬疑气氛营造的如此成功,在V姐看来片中的配乐起了很大作用。随便点开一集片头,都能让人起一身鸡皮疙瘩。不信?点开下面这段视频:听完你就知道什么是听着感觉能把人送走的音乐......也难怪一到剧中配乐响起,网友就会在弹幕上刷屏:能不能整点阳间的东西?说来,这还要归功于导演本人的品味。导演辛爽,曾是不折不扣的摇滚青年。担任过Joyside乐队鼓手,在北京的地下摇滚圈里摸爬滚打过几年。之后,他在影视公司做音乐总监,又做起了广告公司,参加过芒果台的《幻乐之城》,一步一步走向导演之路。也正因此,他更加关注音乐的在影视作品中呈现的作用。在《隐秘的角落》中,整部剧的配乐和片尾曲大多自国内的独立音乐。后海大鲨鱼、木玛、小娟&山谷里的居民、PK14、发光曲线、Joyside乐队......整部剧12集,一共安排了11首片尾曲。其中还有一首是导演自己作词作曲。根据每集所展现的故事主题,选择用不同的片尾曲来契合。还有片中不断重复的那首小时候都会唱的《小白船》。“蓝蓝的天空银河里有只小白船船上有棵桂花树白兔在游玩桨儿桨儿看不见船上也没帆飘呀飘呀飘向西天”明明是一首温馨童谣,到了这部剧里总出现在惊悚的画面中。谁听谁害怕。看到最新的一集,V姐已经对《小白船》产生PTSD了。这首童谣第一次出现时,是三个小孩在山上用相机录像自拍,他们同时唱起了这首歌。回去看相机中的录像,才发现背景里两个老人被推下了山崖。配合着儿童的歌声,反差格外阴森。到了第五集的最后。敲诈勒索凶手的事终于告一段落,夜晚,三个孩子开心的在海边船上赏月。岁月静好。此时,配乐又出现了这首歌。当唱到“飘向西天”时。画面一转,海面上正飘着一具女尸......至此,本集结束。片尾曲《人间地狱》响起。这首电音来自国内知名DJ,音乐制作人Anti-General。歌曲中用了大量的采样和飘忽不定的旋律片段,以及诡谲的人声,制造出一种迷幻又异域的感觉。用来当第五集的片尾曲,多了几分命运的意味。女尸是谁?凶手又是谁?相信看到这里的观众已经有所预料。而故事接下来的发展,也与歌名完美贴合。对于片尾曲的选择,辛爽曾在是媒体采访中说:“(片尾曲)是对整个故事的一个补充,所以建议大家要听片尾曲,它是戏剧的一部分。比如说《小白船》,大家知道它是一首儿歌,但其实它本质上是一首爱魂曲,是跟死亡相关的一首歌。再比如说第二集结尾木玛的《犹豫》,这两个字也代表了一些东西。《犹豫》的歌词里边其实已经讲了朱永平最后的结局。”用片尾曲补充剧情,这样的设计非常用心。剧中补充剧情的配乐还有很多。就拿第一集来说。开场张东升将岳父母推下山,随着两声尖叫,镜头对准一只蜥蜴。此时配乐响起,一段尖锐的高频音后,缥缈的人声有节奏的逐渐增强。张东升将半个身子探出悬崖,嘴上喊着“爸——妈——”,实则想确认两位老人是否已死。让人寒毛直竖。到了岳父岳母的葬礼时,诡异人声哼唱再次响起。配合着岳父岳母下葬时的镜头画面,让人感觉仿佛下葬的是自己一样.....之后,张东升杀了岳父岳母后在阳台上吃苹果.悠扬的钢琴曲传递出他内心的狂喜。事情败露。张东升意外找到三个小孩彼此对视时的电子乐.让这场荒诞情节多了一分反叛的气质。当然,并不是说好的影视作品都必须要有配乐。纵观影史,很多伟大的电影深圳从始至终没有配乐。而《隐秘的角落》中配乐深入人心,不仅仅只是导演对音乐的品味和选择,更是因为这些音乐出现的恰到好处。不会过分抢戏,又能将氛围营造到极致。让整个故事更加丰满,跟随者剧情发展,角色的心理变化,精准控制着观众的情绪。再加上好的故事,演员的表演、镜头调度,后期制作。每一个环节缺一不可,才让这部作品有了爆款的潜质。《隐秘的角落》的出现,也证明我们并非拍不出好的片子。还是有这样一群人,对国产剧抱着热枕,愿意大胆的去突破、去创新,去仔细的打磨每一个镜头。目前爱奇艺已经上线6集。想来点刺激的朋友可千万不要错过~

  • 干货丨如何让pr自己拿起剪刀剪辑,三步搞定

    时间就是金钱,效率就是生命。当你在没日没夜没有效率的肝视频时,懂得这些剪辑技巧的小伙伴可就早早完成自己的作品,上传到各大网站收获网友的称赞了。那么在pr剪辑中如何提高自己的工作效率呢?下面告诉你一个让pr自己拿起剪刀剪辑的窍门。你一定遇到过这种情况:在你剪辑一个混剪踩点视频的时候,是不是要将下面的音频轨道扩大,然后一点点的去看着音频的高低起落,来确定自己视频的位置,随后把素材一个个拉到序列里,这的确是个方法,但不是最好的方法。这种步骤繁琐也浪费时间。快速和高效是你快速做出作品的关键部分。如何让画面自动匹配到序列里面呢?第一步:听音乐,打标记将选好的音乐拖入序列中,利用pr里面的标记快捷键【M】,来给你的这段音乐打上标记点,点击播放音乐,根据音乐的节拍和节奏给时间轴打好标记。第二步:【I】和【O】框范围导入你所有剪辑的视频素材,在素材栏里给你的每段素材设置入点和出点,保证选取的画面可以从入点开始播放,也可以用快捷键【I】和【O】设置出入点。第三步:自动剪辑选中素材箱里的所有素材,点击顶部【剪辑】中的【自动匹配】,这里需要注意,在【放置】这里是“在未编号标记”而不是“按顺序”,点击确定。注意:如果有的小伙伴的【未编号编辑】是灰色的选择不了,说明你在标记的时候选择了音频,所以是灰色的。因此在进行这步操作的时候是不能选择音频的。这样选中的素材就按照标记自动插入到序列里。此时视频已经自动填充到标记点之间的间隔之中。在匹配完成之后,自己可以进行一些微调。另外,如果我们还想给我们的视频之间的添加一个淡入淡出的转场过渡,不需要挨个点击每个视频之间的缝隙,加入淡入淡出效果,最简单的方法全选所有视频或者需要添加这种效果的视频,快捷键:Ctrl+D,这样就可以了,效率又可以提高不少,而且也为整个视频增色不少。今天介绍的这个pr技巧也十分适合自己剪辑vlog片段,配上自己喜欢音乐,挑选自己拍摄的画面,剩下的就交给pr让他自己剪辑吧。

  • 干货丨匹配剪辑用好,这6个剪辑技巧必不可少

    影视画面中的形态、色彩、影调、运动等构成因素的综合演变,是形成视觉连续感的基础;这些因素的冲突对比或大幅度变化,形成的则是视觉上的冲击。所谓匹配原则,就是指前后镜头中包括色彩、影调及运动的方向、物体的相对位置、视觉的注意中心、视线的方向诸要素,均保持统一并前后呼应。景别、位置、方向以及影调色彩与相似类别的匹配原则,体现剪辑的基本功。因此剪辑匹配原则:逻辑性的基础上人物匹配或景别匹配。那我们如何进行匹配剪辑呢?首先根据类别我们可以把所有人物匹配在一起,那我们应该把以下几点匹配在一起:1 人物的景别最好一致2 人物的角度最好一致3 人物的在画面的位置一致如果素材杂乱,那我们应当设法去寻找相同的景别匹配在一起:例:1 近景 – 近景 – 近景 – 近景 2 特写 – 特写 – 特写 – 特写建议:多可以去寻找近景,特写这两个景别去匹配简单来说,有可能在一部60s或者30s的短片中,你的影片音乐风格和节奏也许很合适,但是从镜头和画面上却感觉非常变扭,杂乱,看不懂,这时候你可以试试匹配剪辑。匹配剪辑其实就是用镜头中的逻辑、类别、景别、角度、动作、运动方向去匹配,这样画面看起来就不会杂乱无章,而且表述清晰。匹配剪辑更适合summary的短视频。相似性匹配以前后镜头间的相似因素(主体形象、声音、动作等)为中介实现镜头的流畅转接。相似因素转接镜头常常用于前后镜头与场面之间的过渡镜头,又称相似体转场。1、主体形象的相同或相似2、声音元素的相似3、动作的相似4、相似元素转接的特例:遮挡或挡黑镜头转换斯坦利·库布里克导演、雷·洛夫乔伊剪辑的《2001:太空漫游》中有一组镜头,可能是电影史上最有名的镜头切换。在战争的最后一组镜头中,一只猿朝上扔了一根骨头,下一个镜头就到了太空中的宇宙飞船。这个匹配剪辑非常巧妙,而且对比清楚地表达了导演要表达的含义:人类起源时期的工具或骨头,已经被宇宙飞船所替代。《2001:太空漫游》类别匹配类别匹配主要指的是比较广泛的类别组接,同一类别的镜头主题或者主体可以组接在一起,这样让观影者看起来思维不会跳跃或者杂乱,类别匹配可以按整片匹配,也可以按环节匹配。例如:整片匹配:钢铁侠 – 蜘蛛侠 – 绿巨人 – 美国队长环节匹配:钢铁侠1代 – 钢铁侠2代 – 钢铁侠3代摄像机运动及方向匹配如果给素材多是运动镜头,推、拉、摇、移、跟、升、降。那我们可以设法去寻找相同运动方式和方向的素材去匹配组接,这样组接起来的镜头对于影片富有流畅性,同时也会具有规整性1 移 – 移 – 移 – 移 – 移 :代表空间的移动2 推 – 推 – 推 – 推 – 推 :代表剧情的推进或开始3 拉 – 拉 – 拉 – 拉 – 拉 :代表剧情的结束主体动作及方向匹配如果素材中,人物动作偏多,这时候我们应该设法寻找人物相同动作去匹配在一起。当然我们也可以配合单个动作剪辑方法来进行剪辑。单个动作剪辑就是把相同的两个动作全保留,也就是A动作和B动作一样,我们只留下A动作的前半部分,B动作的后半部分,两个镜头组接在一起好处就是保留一个完整动作同时,不产生重复感,而且动作还能匹配归类在一起。景别匹配当然我们也可以从素材中找出相同的景别把他们匹配在一起,但是还是要保持他们的类别最好一致。例如拍摄一个人物景别包含可能全、中、近景别并且涵盖多种角度,那我们一般如果把人物都匹配在一起,我们最好用人物的所有近景去匹配同时要注意人物的画面的位置和角度一致。如果是针对于产品,我们可以利用他们的景别匹配在一起,例如,一个手机宣传短视频,那么一般这个影片的开篇都是以手机外观的局部特写作为开篇,并且是成组性的镜头。华为p40系列宣传片固定镜头匹配会有这么一类素材全部为固定镜头,也就是摄像机没有任何运动方式的镜头,尤其是介绍环境和交代环境的表现。这时候,固定镜头本身就偏向于枯燥,如果组接镜头不好,影片会更加的枯燥,这时候固定镜头组接我们要注意以下几点:1 影片的逻辑 – 叙事和时间逻辑2 影片的每个结构的类别3 每个类别中的镜头尺数长短相似

  • 干货丨《杀死比尔》分屏剪辑为何能让观众心慌

    分屏蒙太奇是一种特殊的视听语言技法,在很多视频中都有其独特的用法。其实分屏的概念其实在很早之前就已经出现,如今传媒行业也已经运用的非常广泛。1898年,乔治·梅里爱在其自导自演的电影《一个顶四》中完成了一项令人大呼惊奇的操作。在仅仅一分多钟的影片中,他使他自己的头变成4个。这里运用了数字绘景和多次曝光技术来达到了这一效果。受到乔治·梅里爱的启发,随后其他的电影制作人员也将多个画面结合起来运用,让影片来表达更加复杂的内容。在1902年,由埃德温·波特执导的《美国救火员的生活》(Life of an American Fireman)中就曾经出现过分割成左右两个区域的分割画面。画面的左侧是正在睡觉的消防员,构图接近三角形。画面右边则是使用了圆形遮幅的消防员的梦境。在这个场景中,分割画面同时展示了生活现实和心理现实,并将这两种情景并置起来。在影视剧,短片、宣传片中大家常用的分屏方式无非有以下几种:双画面分屏、三画面分屏、多画面分屏、不规则分屏。1.双画面分屏左右对称上下对称2.三画面分屏左中右对称左右三画面3.多画面分屏竖屏对称横屏对称4.不规则分屏画中画分屏无边缘分屏分屏的形式还可以进行更细的划分,用好分屏会带给我们意想不到的效果。1强化视觉感受在导演Alex Courtes为法国音乐唱片公司Ed Banger Records制作的疯狂联想分屏创意短片《万物皆有连结》中。镜头间的关联和转化十分巧妙,正如导演想要表达的思想一样万事万物皆有连结,这种表达方式使得整个短片趣味性十足,这种有联系的分屏会让影片画面的逻辑连接的更加紧密,当然,这在拍摄的时候就需要先定好思路,摄影师按照这种剪辑的思路去拍摄,剪辑师按照这种思路去剪辑,才能完成这种分屏的效果。2时空并置分屏的运用突破了以往电影单个镜头以平行蒙太奇进行衔接的常态,从而创造出“共时性”的蒙太奇手法,在电影《罗拉快跑》中,最后营救的“三分屏”更是让观众屏息。分隔左右的两个画面激发出更深刻的矛盾冲突,加强了悬念,中间时钟屏幕让大家感到争分夺秒的观感。在七夕异地恋短片供应《爱&距离》中,2个主人公通过分屏的方式,巧妙的衔接,给观众造成处于同一时空的错觉。也是分屏利用的典范。3强化对比、营造气氛在电影《杀死比尔》中有这样一个桥段,女主躺在医院,昏迷不醒,杀手来到医院准备将她杀掉,此时的镜头逐渐推向躺在床上的女主,第二幅画面平稳地进入,形成了左右两个分屏。左画中的布莱德静静地躺着,导演用特写镜头表现她的夹着心电监护仪的手指,正在打点滴的胳膊,紧闭的眼睛,柔光照射下无比细嫩的脸部肌肤,画面几乎完全处于静态。右边画中的女杀手慢慢的换衣服,准备杀人用的注射器,随后慢慢地向她走来,画面始终处于节奏缓慢的动态。在整个分屏的过程中,导演用特写镜头表现两个人的状态,其中一个人毫无任何招架之力,像是待宰的羔羊,另一个缓慢而胸有成竹。分屏蒙太奇手法把两个画面镜头放在一起,强化了这种对比。4转场作用如今分屏还有一个很好的用法,便是作为视频过渡的转场,在宣传片,还有节目片头动画中都有广泛的应用,分屏转场带给大家更多自由发挥的空间,素材的组合方式更加灵活多变。分屏的运用要根据影片的主题和节奏来灵活运用,不可为用而用,这样可能得到适得其反的效果。

  • 干货丨PR党集合,如何做出酷炫的开场字幕动画

    字幕对于一个视频来说是一个非常重要的部分,不仅仅可以出现于视频底部,在如今许多综艺节目中或热门的vlog视频中经常会出现手绘的字幕动画效果,趣味多多,B格满满。其实这种效果不难实现,PR字幕小技巧开课了,下面废话不多说,直接教大家在PR中如何做出【逐字出现效果】+【书写动画动画】。效果一、字幕逐字出现效果1.新建字幕文件点击pr上方菜单栏【字幕】,选择新建静态字幕,输入【漫威混剪视频】, 进行细节调整。2.选择【线性擦除】特效点击效果栏下的【视频效果】→【过渡】→【线性擦除】特效,把它拖拽到字幕文件上。3.参数设置在字幕开始的地方点击【过渡完成】前的码表设置关键帧,在字幕结束的地方也给其打上关键帧,【擦除角度】设置为【90】这样字体可以从左至右的进行擦除。【羽化值】设置为【48】(让字体边缘更加柔和)。最终效果如下:效果二、字幕书写效果动画1.新建字幕文件点击pr上方菜单栏【字幕】,选择新建静态字幕,输入I LOVE XPC, 进行细节调整。字幕属性:在右侧的属性面板选择一个合适的字体、字号、以及字幕颜色,这里我们选用白色作为演示颜色。字幕位置:点击垂直居中、水平居中,字幕会出现在画面中心。如果要要添加新的文字,可以将文字的对齐方式改成【水平居中对齐】,无论这么加字都是居中的。2.视频嵌套设置完毕后将字幕拖入到视频轨道上方。【右键】字幕,点击【嵌套】。3.选择书写特效点击效果栏下的【视频效果】→【生成】→【书写】特效,把它拖拽到字幕文件上。4.画笔设置在效果控件窗口中点击【画笔大小】,画面上出现一个锚点,调整画笔大小,这里设置的大小为【10】,画笔大小参数的设置根据上方文字大小来设置,这里稍微可以遮住文字就可以了,然后移动画笔位置到书写的起点处。记得要把【画笔间隔】设置为【0.001】(这里设置的原因是为了让书写效果更流畅)。5.绘制书写路径回到时间轴最开始的地方,打开画笔位置前的秒表,对画笔位置进行打关键帧动画,通过键盘上的右键,每移动3帧(键盘右键向右敲3下),通过移动画笔(白点)的位置,遮住笔画路径。沿着笔画顺序绘制动画,依次打完所有的关键帧,这个过程需要耐心。6.显示原始图像在【书写】下的【绘制样式】中选择【显示原始图像】,这样可以将画笔路径隐去。效果如下:是不是很酷炫呢?pr中还可以实现很多很有意思的字幕出场方式,本期盘点了2种字幕技巧,这两种字幕效果还可以结合起来使用,之后会和大家分享更多酷炫的字幕方式。

  • 干货丨《鬼吹灯》上线,调色师怎么也成了“摸金校尉”?

    寻龙分金看缠山,一重缠山一重关。最新的电视剧版《鬼吹灯之龙岭迷窟》定档4月1日,网大版《鬼吹灯之龙岭迷窟》也紧随其后,在四月我们即将可以一睹为快摸金校尉的风采。而在后期圈有这样一种说法,说调色师也被称为“摸金校尉”,为何会有这样一种说法呢?资深达芬奇调色师孙春星老师向大家解释,为何将调色师戏称为“摸金校尉”,因为他们两者的有许多相似之处。一、工作状态上的相似之处1、不见天日:为了避免外部过亮的光线干扰调色师对监视器上颜色的判断,调色师需要在较暗的环境中工作,一天工作下来再出门已是天黑,这一点与摸金校尉在地下“不见天日”的状态十分相似。2、收入颇丰:随着人们审美水平的不断提升,调色师在影视后期中的地位不断攀升,随之上升的就是调色师的收入,当然这一点主要是针对有了一定资历的调色师了。同时由于调色项目分成种类很多,而且影片的分辨率、时长、播放渠道等都有区别,再加上地域经济的差别,调色师能力的差别等,所以难以有统一的标准。下面根据不同的项目类型,列出的达芬奇调色报价单仅供大家参考。3、隐姓埋名:在电视剧或者电影片尾的工作人员列表中,很少会写上调色师具体的姓名,一般以某某公司一行代过。这里实名心疼下调色师~二、工作技能上的相似之处除了在工作状态上调色师们像“摸金校尉”,调色师们的调色功夫也不遑多让。1.眼力关。首先,最基本的要求是调色师不能是色盲。做调色师之前需要进行色盲检查,中国男性色盲概率为59%-~8%,女性色盲概率为0.5%~1%。从遗传角度来讲女性的色盲概率远低于男性。但这并不代表女性调色师一定比男性调色师更优秀。其次,调色师必须拥有一双很“毒”的眼睛。这双眼睛不仅能看出颜色的细微差别,还能“看出“某种调色风格的关键所在。2.手感关。调色师主要使用调色台工作,调色师必须精通调色台的使用。练习调色台就像练习弹琴一样,没有一定的时间是摸不出手感的。因此,调色也是一门手艺”,这门手艺越老越值钱。3.沟通关。调色是一门沟通的艺术。调色师需要具备良好的沟通能力,要不断深入研究色彩科学、视听语言和光影造型等学问,进而和导演、摄影师们根据具体项目进行快速有效沟通。4.板凳关。首先,初学调色的人在短期内会感觉进步很快,但是紧接着就会遇到一个漫长的瓶颈期。能够挺过瓶颈期的人才能够成为成熟的调色师。另外,调色行业的入职门槛高,绝大多数求职的调色师只能从助理开始做起。经过1~2年的考验,会有90%以上的调色 助理被淘汰掉了,真正坚持下来的并不多。行业内普遍的说法是,成为一名成熟的电影调色师需要5-10年的苦工。5.功利关。很多人学调色是奔着钱去的。从打工的角度来说,调色助理的收入并不风光,调色师的收入也不像传说中那样高。从调色业务角度来说,你应该明白调色业务是受市场规律支配的。如果准入门槛低了,竞争自然会更加激烈,如果恶性竞争加剧,就会造成劣币驱逐良币。所以,迈过了名利这一关才表示你是真的爱调色。最后一个不可回避的问题是做调色师还需要一定的天分,而天分不是靠勤奋努力就能够获得的。一切与艺术相关的门类,都看中天分,这也是艺术家和匠人的重要区别之一。因此,虽然整体环境看似宽松了很多,但是成为一名调色师的路仍然是坎坷的。虽然坎坷,但是仍有门路可寻。重点来了!

  • 干货丨剪辑稳准狠,4种方法帮你找准“该下刀”的剪辑点

    一个好的剪辑师真正要做的事情,不是如何整理和挑选素材,而是:你要知道什么时候剪。所以今天我们来聊聊剪辑点,在剪辑视频时,为了传达出这个镜头所真正想传达出的内容,那我们应该在哪些地方进行剪切和连接呢?首先你要知道剪辑点是什么。一、剪辑点是什么剪辑点是两个镜头之间的转换点丨声音或者画面,在正确的组接点上切换镜头能使镜头衔接流畅、自然,因此,剪辑点的选择是视频剪辑最重要最基础的工作。剪辑点可分为两大类:a.画面剪接点丨动作剪接点、情绪剪接点、节奏剪接点b.旋律剪接点丨包括对白、音乐、音响效果剪接点1.动作剪辑点动作剪辑点是主体动作的连贯性,动作剪辑固然也是为了清楚的叙事服务,不过它更着眼于镜头外部动作的连贯,动作连贯性可以增加镜头间的流畅感。首先看一下动作剪辑中的基本之基本——"动作连接"。"动作连接"是指把一个动作用两个画面来连接的剪辑方法。从理论上不说,这两组影像只是画面大小上的差别,描述的是同一时刻的同一动作,所以从任何一点开始剪辑都可以。但是,这时会出现动作不连贯或重复的现象。最终剪辑出来的影像缺少节奏感。因此就需要动作的黄金比例:动作以7:3连接一般的影像剪辑方法是按照7:3或3:7的比例来连接动作,以达到动作流畅的效果。这样一来,不仅前后动作看起来连贯,节奏感和生动感也应运而生。当然,按照7:3的比例连接并不是绝对的真理。根据素材和剪切点的不同,人眼有时会产生重复、跳越的错觉。2.情绪剪辑点情绪剪辑点是以人物的心理情绪为基础,根据人物情绪的喜、怒、哀、乐等跌宕起伏的外在表情的表达过程为依据,结合镜头的造型特点而选择的剪接点。目的是激发情绪表现,造成一种情绪的感染和感情的发生。这是构成影视片内部结构连贯的重要因素。《The Graduate》被称为好莱坞的新浪潮,当然是由于其题材、主演、电影风格,尤其是出名的“泳池与睡床”分镜,已成为电影分析教材的“老脸孔”。其中的情绪剪辑点值得我们学习。延长镜头长度该固定镜头持续时间达70多s,体现了当时本内心的茫然、不知所措,同时将本的情绪传达给观众,可以让观众感同身受。镜头延续影片结尾,本和依琳坐在公交车上,镜头持续40s,让大家的情绪从抢婚的紧张中释放。3.节奏剪辑点节奏剪辑点是以事件内容发展进程的节奏线为基础,根据内容表达的情绪、气氛以及画面的造型特征用比较的方式来处理镜头的长度和剪接,其作用是运用镜头的动与静、快与慢、长与短等来创造一种节奏,或舒坦自如,或紧张激烈。杰里·格林伯格剪辑的《克莱默夫妇》中,有许多很讲究的剪辑,极大地突出了表演。电影中有一段是达斯汀·霍夫曼正在为他的儿子做早餐,这个场景中运用了插入镜头来展示吐司浸泡牛奶后放在煎锅上,这种插入镜头之间穿插较远镜头的方式非常令人赞叹,来回切换的剪辑建立了一种节奏,成功给影片营造了紧张焦虑的气氛。这种剪辑方式可以逐渐推进情绪,直到达斯汀·霍夫曼的角色彻底崩溃大声叫骂道“该死的”,体现了这个场景的潜台词——达斯汀·霍夫曼的角色想努力当好一个父亲,但却力不从心,他因此责怪到孩子的母亲。这不是场景中明示的内容,是一种通过剪辑来体现出的潜台词。4.旋律感剪切:旋律感剪切(俗称掐头去尾),也就是改变拖沓的镜头我们以看书的动作为例,看一下寻找剪切点的方法。如果从动作完全停止的状态开始拍摄,从起身拿起书、看书、翻书、再看书,这样观众一看就能知道是看书的动作。但是,仅仅让人看明白是无法体现出剪辑的美妙之处的,旋律感和舒适感同样不可缺少。那么究竟应该怎么做呢?若把看书这个镜头(起身-拿起书-看书-翻书-再看书)分解成1~24个画面,那么就把最前面的3~4部分剪切掉,作为开始的剪切点。把结尾3-4部分剪切掉,那么只留中间部分,我们同样知道这个镜头表示看书。这种改变对于理解镜头表示人物正在看书是没有任何影响。相反,还能表现出动作的旋律感和舒适感。其实我们的素材往往都是单个镜头实拍,那在这个镜头如何选取剪切的点也就很重要了。基本上任何常规的剪辑都需要旋律感剪切。拍摄单个镜头:准备-开始-过程-结束,可以去掉准备、开始、结束,只保留过程。

  • 干货丨AE表达式知多少?4大常用表示式解决80%难题

    许多小伙伴在学习AE的过程中,表达式是一个避不开的学习点,有些人听到这个知识点会完全没有概念,下面会来告诉大家如何学习AE表达式,以及掌握一些最基本的表达式知识和应用。在这里要注意一点,由于有些同学使用中文版本的AE软件,有时候会出现打开表达式的错误,在这里建议大家学习使用AE软件的时候,选择英文版去学习和使用。为什么建议大家用英文版:1、中文翻译不准确(很多特效插件翻译很不精确,不能正确表达其含义)2、中文版AE会因为某些代码,发生不可预知的错误3、很多专业教程都是英文版(国外教程)4、业界基本用的英文版,以后工作中,对接方便。一、什么是表达式:AE表达式是直接与源代码对话的一种语言,或者更简单的说,表达式是我们通过一些代码,去实现参数的转移、计算,帮助我们更有效率的去控制某个参数的变化,达到关键帧比较难实现的效果。二、什么时候我们需要用到表达式1 当我们想使用一个参数的数值去控制另一个参数的数值时,我们可以使用表达式将数值赋予另一个想要控制的参数上。2 在使用关键帧去制作一个视频效果的时候,容易卡顿且效率不高,这时候我们可以使用表达式去控制。如果要做一个回弹的效果,单纯自己去K帧效果会偏低且效果不容易做好,通过表达式效率会大大提高。3 如果你想使用一个数值对多个数值进行控制或者进行计算后赋值的时候,可以使用表达式去制作,不需要每个数值都单独去做关键帧的动画。三、表达式怎么用AE中的表达式怎么使用呢?第一,在电脑上打开AE软件,进入到工作界面中,点击【新建】,建立一个AE项目。第二,进入到AE工作窗口,双击素材面板,找到并打开想要添加表达式的图片、视频。第三,将素材(图片、视频)直接往下拖拽到下方图层面板,松开鼠标左键,将自动新建一个合成。点击图层前面的三角符号这时,可以看到【变换】,点击打开前面的三角符号。我们将可以看到变换下方锚点、位置、缩放、旋转、不透明度5个功能选项,按住键盘Alt键,鼠标左键单击所在功能前面的码表。如下图所示,我们就打开了该功能所在的表达式窗口,直接编辑表达式即可。四、AE中常用表达式下面分享几个AE中实用的表达式,给大家进行拆解分析,希望能帮助到你哟! 1.wiggle抖动表达式 wiggle(a,b) a代表震动的频率 b代表震动的幅度 此案例是直接加在的position位置属性上2.循环表达式loopOut(type = "cycle", numKeyframes = 0)Cycle是循环的方式当然还有cycle、pingpong、offset、continue其他的大家可以自己尝试。numkeyframes是循环的段数:0所有关键帧循环1代表只循环末尾的一段关键帧2就是末尾两段3.弹性表达式amp = .1;freq = 3.0;decay =6.0;n = 0;if (numKeys > 0){n = nearestKey(time).index;if (key(n).time > time){n--;}}if (n == 0){ t = 0;}else{t = time - key(n).time;}if (n > 0){v = velocityAtTime(key(n).time - thisComp.frameDuration/10);value + v*amp*Math.sin(freq*t*2*Math.PI)/Math.exp(decay*t);}else{value}amp代表弹力大小 数值越大 弹性越强freq代表频率 数值越大 频率越快decay代表阻力 功能与弹力相反4.手写光标表达式// 每秒显示字符charPerSec = 2;// 可自定义提示符号,预设为 "|"prompt = [ "|", " " ];// 目前打字显示位置typePos= Math.round( time * charPerSec );i = Math.round(time % 1);text.sourceText = substr( 0, typePos) + prompt[i];ae表达式利用得当,既省力又有趣。功能表达式已标注 大家可以自行修改,可以自己试试。

  • 用好这6大剪辑法则和混音秘籍,你的作品还怕没人看吗?

    生在数码时代的我们,在电影制作过程中是极其幸运的。为什么这么说?因为通过各种数字软件,和前人们做好的“预设”模板,我们甚至可以在很短的时间内,一键完成转场、调色、混音、抠像等复杂的工作。你只需要简单地拖拽一下,然后松开鼠标,就可以大胆尝试并即时预览到各种画面和声音特效。但是如果你生在上世纪70年代,这一切又是如何实现的呢?从胶片时代转向数码时代,下面这位大师绝对有资格跟你揭秘剪辑中的各种特效设计和声音效果是如何实现的。就是他——沃尔特·默奇(Walter Murch)。曾经为弗朗西斯·科波拉、乔治·卢卡斯等顶尖大师做过御用剪辑师的沃尔特·默奇,50多年杰出的电影职业生涯可以说是绝对剪辑领域的大师。他曾经9次被奥斯卡提名,并3次获奖,凭借《现代启示录》获得的最佳音效奖、凭借《英国病人》的声音设计和如诗一般的电影剪辑塑造,而史无前例地一人独得最佳剪辑和最佳声音设计两项奥斯卡奖。他也是第一位通过非线性剪辑(在Avid系统上完成的)获得奥斯卡最佳剪辑奖的人(之前获奖的都是用胶片剪辑的)。此外《教父》2&3,《天才雷普利》,《雨人》 等等,都是由他的黄金剪刀手一手打造。这位大师还干了一件改革电影工业的大事。从电影《冷山》开始,默奇开始使用苹果出品的电影剪辑软件Final Cut Pro进行电影剪辑,而那个时候,使用数码软件进行剪辑,被好莱坞从业者们视为低成本和“ 业余” 的。是默奇的坚持,才让这款软件被成功引进到好莱坞,而且直接影响和推动了全世界低成本独立电影的制作。有趣的是,默奇至今仍然保持使用旧式剪辑机那样的站立工作姿势,因为他认为电影剪辑是一种全身的舞蹈,“坐着是无法跳舞的”。今天,我们就结合大师以往的一些专访和书籍著作,为大家分享他的剪辑和声音设计经验,下面就是超级干货的内容啦!(建议先收藏再好好阅读)01 默奇的六大剪辑法则 电影究竟「应该在何处剪辑?」几乎没有哪位剪辑师像默奇一样严肃的思考过这个问题,他创立了一套按优先程度排列的等级体系,用来指导剪辑师「在何时何处将一个画面转向另一个」,正如默奇在他的著作《眨眼之间》中写道:“对我来说,一次完美的剪辑必须同时满足以下6项准则”:A.情感(51%)B.故事(23%)C.节奏(10%)D.视线跟踪(7%)E.二维画面特性(5%)F.三维空间连贯性(4%)而按此顺序排列的剪辑优先级,可以被当做你剪辑的一种模式或是剪辑计划以确保你电影的卖座。A.情感这种剪辑手法在影片中如何在特殊时刻影响观众的情绪?讲述故事所包含的情感是剪辑最重要的一部分。我们没剪一处,我们需要考虑它是否符合真实的故事情感。问问自己,它是削弱了还是加强了故事的情感?考虑清楚你的剪辑是否让观众从故事的情感氛围中抽离出来。默奇认为,情感是你该不惜一切代价去保留的东西。“你想让观众感知到什么?在观影时,如果观众从头到尾都能感觉到你所想表达的感觉,你所做的一切就都值得了。他们最终记住的不是剪辑手法,也不是摄影技巧,也不是表演,甚至没有故事,而是情感,是他们的感受”。B.故事剪辑是否推动了故事情节的发展?你每一次剪切都需要推动你的故事发展。不要让剪辑成为情节发展的阻碍,所有的次要情节都尽可能的减少,如果这个场景没有推动故事的发展就应该削减它。记住福克纳的话:“不能妇人之仁,该删就删”(他在谈论写作,但这确实也很适用于电影制作)。如果故事情节毫无发展,那么你的观众会感觉困窘心生疲倦。C.节奏你所剪切的这个点是否能让你的影片有节奏感?好比音乐,剪辑师的心里必须有节拍,要把握好节奏。时间就是一切。“它发生在一个有趣的富有节奏的并且是对的时刻。”如果节奏是关闭的,你的剪辑就会显得很松散,混乱的剪辑会让观众心生反感。尽量让剪辑保持紧凑而有趣。前三强:情感,故事,节奏 ,必不可少。“在实践中,你会发现这三项是紧密相连的,并且它们发挥的最用也非常之大D.视线跟踪剪辑如何影响观众对电影的场景和人物的运行的注意力?你要明白你想让观众把焦点放在哪里,并按照这个来剪辑。匹配框架形状或符号,剪辑时使用了符号的重复,从一个旋转的吊扇到直升机。将屏幕分成四个象限,并尽量保持只在某一象限运动。举例来说,如果你的人物所从左上象限开始延伸,他如果向右下象限,那么观众的注意力自然也会集中到右下象限。(如图)同时动作也尽量发生在这一象限,这能让剪辑更具连贯性。E.二维画面特性是否越轴?当然要做到尽量不要越轴。这将保证动作的正确运动路径以及运动的连续性。再看着你的象限,确保沿着相同的路径运动。这和上面那个画面的运动方向是相反的,会让观众产生空间错乱,这就是越轴。F.三维空间连贯性剪辑是否建立了正确的空间关系?在剪辑中要确保画面沿着轴线运动(即图中180的方向) 此规则应始终坚持,除非你有意打破它。对于二维和三维空间特性的不同,默奇也给出了解释:二维只是180度法则-由将三维现实(生活)转换为屏幕的二维而产生的问题。当你开始研究电影时,你必须让你的大脑做一些奇怪的事情,因为我们生活在一个三维世界里,但是我们并没有完全意识到这一点,因为可以说,我们总是通过自己的“相机”来观察。但是当涉及到双人特写对话场景时,然后切到一个与之相反的180度角,你所做的就是把一个三维现实压缩成二维。我们刚刚制定了一些规则,在很大程度上,我们遵循这些规则,使这两个人看起来像是在看着对方。02声音设计及Worldizing 通过默奇的六大剪辑法则,我们了解到,“情感”在影片的观影体验和剪辑中,是最为重要的元素,那么通过什么方式来影响电影传递的情感?就是声音。默奇在《现代启示录》的声音创作过程中创造了Sound Design(声音设计)这一概念,将电影声音从一种从属的、配合性的地位提升到了独具艺术表现力量的高度。他还发明了一个做电影混响的专业术语——Worldizing。简单来说,可以把它理解为“音效场景化”。默奇具体是怎样通过声音和这个“Worldizing”来影响电影传递情绪与情感的。下面我们通过一个小短片来深入了解一下:默奇说:“我爱声音或音效中的回声,混响和环境音。它会告诉观众所处的空间,对于每一个从事声音工作的人来说,我们都爱有混响质感的东西。因为一开始在工作室中录制的声音是很“干”的,接着你可以在这个干声音周围创造一种模糊的“球状物”,这样就会令人感到你可能置身于一间浴室或一个圆形露天竞技场或者是一个山洞。而如今,你有数字化的混响设备,只需要按按钮就可以做到,因为它的编程可以创造出无限种类的回声。”举个栗子,在《现代启示录》这部经典作品中,默奇是最后一位加入剪辑团队的。科波拉要求默奇为影片的第一部分做剪辑,原则是让影片随着情节的发展逐渐变得奇特。而“具有讽刺意味的是,很多人认为开头部分是整部剧中最疯狂的一部分”。实际上,影片著名的开场片段是一系列缓慢而错综复杂的幻觉消解的过程,并呈现出噩梦般的丛林汽油炸弹事件,同时将身处西贡的酒店房间里的那位饱受折磨的梦想者韦勒上尉推到镜头前。而默齐为其所配的音乐和交织层叠的画面一样错综复杂,直升机螺旋桨的呼啸声和风扇的旋转声混杂在一起,伴随着乐队的《The End》渲染出的置身战场和被酒精麻醉的幻觉。韦勒上尉经历心理折磨的开场片段在拍摄时指示韦勒让演员进入角色而做的热身练习,最开始并没有计划将这段上映。但是科波拉发现这段素材实在是太引人入胜,无法割舍,而默奇为他找到了整合进影片开场的办法。03大师专访实录,实用经验分享 Q:什么才是真正的观影体验?A:如果有人能够准确地回答这个问题,那么他们成立的电影公司一定会赚大钱,每一部电影要花费一两年的时间来制作,而在这一两年间世界会有变化。电影制作过程中必须兼顾这些变化。电影被称为动画(Motion Picture),当然它也可以叫做情画(Emotion Picture)。情感是电影中潜在的内涵。在我剪辑的六大法则中,情感是第一位的。但情感和观影体验一样是一个捉摸不定的东西。当剪辑的时候,剪辑师通常是从三维空间开始,然后结合情感和故事,然后是背景音乐和音效。创造情感体验最好的办法定义角色。你必须进入电影角色的情感世界,感受他们在银幕上的定位,让每一个观众接受这个角色。了解角色是一个剪辑师创造情感的最重要方法。Q:在特定的场景下,您都是如何处理剪辑的?A:剪辑师就好像裁缝一样,当你第一次把电影场景组合在一起,你的工作就好像给那些电影里的角色设计裙子或者西服一样。当你完成了初剪以后,我的工作方式是把音效关掉,坐下来重新审视这段剪辑,就好像我在欣赏哑剧一样。剪辑不仅要注意角色的肢体语言和眼神,还要思考在没有对白的前提下电影剪辑能否和电影故事的有机结合。之后我会记录下我观看初检的想法,并重新对剪辑精简,让场景所传递出的故事和情感清晰明了。最后我会把音效打开聆听角色的对白,这样你就会对场景中有对白和没对白的两种状况的对比一目了然。Q:在您读剧本的时候会不会在脑海中先预剪一遍?作为一个剪辑师,您能否在没有任何素材的情况下有所构想?A:当然,我给自己的一项工作就是在脑中预演一遍影片。我坐在一个秒表前,然后尽我所能地去想象剧本中的影像。我并不知道影片在哪里拍摄,因为有时连导演也没有决定好。我并不知道演员究竟怎么表演,因为有的时候连导演也没有决定好。所以我只是在我掌握的信息的基础之上,简单地在脑中过一遍影像。Q:从胶片到数字,剪辑师的工作有什么变化?A:五年以内电影拍摄将从4K时代过渡到8K时代,并且以后12K或者24K也不是没有可能。每一个K的增加对电影剪辑师来说都意味着更大的挑战和更多的工作量。电影剪辑师的挑战来源于电影拍摄技术的革新所带来的艺术创作压力,电影剪辑必须学习更多的新知识以应对这种艺术挑战,过去的老的剪辑概念和逻辑将不再适应于新技术拍摄的电影。Q:您在《剪辑之道》中说:“首先,你必须对技巧有直觉。对我来说,开始于‘观众在关注什么?他们的想法?以及他们的感受。’”所以,你觉得剪辑师只假装成观众够吗?你只是观众的代理人吗?A:你接收的信息远比观众多。理想情况下,我认为你试图为观众创造的是一种持续的似曾相识的体验。如果你曾经经历过这样的事情,你会有一种不可思议的感觉:你不知道接下来会发生什么,但当它真的发生时,你会觉得,“是的,那正是发生过的事情。”所以观众不应该知道这部电影的走向。他们应该感到惊讶,但随着事态的发展,他们应该感到,“哦,剧情确实应该如此。”但你不能提前问他们,因为他们不知道。我们剪辑师知道,所以我们总是比他们领先一步,把他们引向更深入的故事。我们试图创造一系列不言而喻的惊喜。Q:你还说,“影片中响起的音乐,相当于带有情感的切换镜头。”你怎么看待它起了切换镜头的作用的?A:切换镜头是让你从不同角度看某个时刻。举个例子,一个广角镜头或者其他人的反应。甚至是人物行走的风景。当音乐出现时,它也给观众一个不同的视角来看待他们所看到的。在星球大战中,卢克的姑姑和叔叔去世后,卢克站在那里看着塔图因的两个太阳。这是一个完全可以理解的时刻。但当音乐出现时,它传达了更深远的含义。这是在暗示一个年轻人的命运即将发生重大变化。两个太阳给这一幕增添了一种异域风情,提醒着我们这不是在地球的沙漠上,而是在遥远的星系。(专访内容整理自外网资料)正如采访中提到的,直到今天,很多电影制作人都受到了默奇著作的深远影响,《寄生虫》的剪辑师杨劲莫就说过,“每当我陷入困境时,我就会打开《剪辑之道》这本书。我真的会告诉所有的剪辑师,都应该读他的书。”默奇这个老古董,从胶片时代走来,又经历了Avid系统,最终又到了今天我们同样的在用的Final Cut 和 Premiere平台。他的人虽然老了,但他留下的电影剪辑和声音魔法的魅力和思想依然年轻。“我们能接受剪辑,因为它跟我们做梦时图像的并置方式是一样的,剪辑师的任务,是不断提供另外的选择作为诱饵,来引导那些沉睡的梦境奋起自卫,从而更完全地展现自身。” ——沃尔特·默奇

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