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综述
  • 《黑镜:潘达斯耐基》到底是什么?

    在北京的小伙伴们,我们将在北京朝阳区高碑店,每周日14:00举办电影主题放映活动,每月一个电影主题。欢迎大家关注影映营获取更多放映资讯!最近在网络上几乎都是关于电影《黑镜:潘达斯耐基》的宣传,“黑镜系列的拯救者”、“新式电影开拓者”、“盗版大救星”、“世界首部互动式电影”都成为了这个黑镜系列首部电影的“身份标签”和宣传噱头。但是,对于一个从事影视制作的游戏爱好者来说,这部挂满头衔的《黑镜:潘达斯耐基》到底代表了什么?我觉得关于这三个问题大家需要思考一下:1. 互动式?电影?游戏?到底是什么?2. 对于观众与玩家来说体验感受有哪些不同?3. 这部电影能带给创作者哪些灵感与启发?《黑镜:潘达斯耐基》 宣传海报1.互动式?电影?游戏?到底是什么?关于其定位到底是什么?我们有必要先了解一下“互动式”在现代影像娱乐行业中的历史,也就是我们所说的游戏与电影、电视剧。1958年10月,诞生了世界上的第一款互动式模拟电脑游戏,同时也是第一款拥有图像显示功能的电子娱乐游戏——《Tennis for Two》(双人网球),并且它的开发者还参与了世界上第一颗核弹的研发工作。在用来显示导弹轨迹的示波器上运行的《Tennis for Two》同样在1958年,诞生了电影史上第三次具有世界影响力的电影运动——法国新浪潮电影运动。打开了低成本电影制作的大门,让电影业余爱好者得以成为电影的创作者,也让更多的年轻人得以与电影产生“互动”。法国新浪潮“五虎将”“互动式”这个概念从游戏的诞生之初便已存在在20世纪80年代,相较于欧美对于图形处理技术的深入开发,日本的游戏业却另辟蹊径,结合其成熟的漫画体系创造出一种日本独有的游戏类型——Galgame,一种通过选项的选择来触发不同剧情发展的美少女互动式游戏。百度百科中对于Galgame的描述 在一段时间内Galgame更是成为各国游戏爱好者对日式AVG类型游戏的定位认知(AVG:Adventure Game,冒险类型游戏)。甚至时至今日,图片+文字也依然是Galgame的主流呈现方式。而Galgame不只代表了日本“宅”文化、二次元文化的标志,也是“通过选择来决定剧情走向”这种互动方式的重要代表形式之一。日本著名游戏厂商Konami出品的《心跳回忆》系列,早期Galgame的代表游戏之一随着电脑图形处理能力与游戏引擎的不断开发,游戏的画面从原来的图片、二维动画衍生出2.5D、三维动画等表现形式,让电子游戏的画面效果能够接近动画电影的质量。并且随着近十几年来兴起的影游联动的市场推广策略,也使得电影与游戏之间产生了更多的交互。而提到互动式电影游戏,大家或许还有些费解,不过美剧《行尸走肉》的同名游戏应该有人了解过或听说过。其实这部游戏便是互动式电影游戏,游戏行业更确切的定位叫做剧情体验式冒险游戏,该游戏与剧集一样都是通过原版的漫画改编而成,相较于漫画与剧集那种被动式的娱乐感受,互动式的游戏方式让你可以更加深入故事,获得更多信息来形成更为完整的世界观念。《行尸走肉》 实际游戏画面《行尸走肉》系列游戏的开发者是有着欧美地区“剧情向冒险游戏领军者”称号的Telltale游戏工作室,自2010年起推出过《回到未来》、《侏罗纪公园》、《蝙蝠侠》、《银河护卫队》、《权力的游戏》、《行尸走肉》等多款影视类游戏,然而因为游戏引擎的画质一直保持较低的质量水准,游戏内BUG和卡顿又多,使其推出的游戏口碑不断下降。最终,在2018年9月宣布公司倒闭,由此也可以见得画面质量是衡量互动式电影游戏的重要指标之一,其核心其实与Galgame的满足二次元审美需求相同,电影游戏便是要满足电影级别的画面质量。可在所有平台运行的互动式电影游戏《奇异人生》而说起成功的互动式电影游戏,就必须提到Quantic Dream,一家一直在尝试打破影视与游戏界限的游戏工作室,从初试锋芒的《幻象杀手》,到2010年使用真人表演动作捕捉技术完成的《暴雨》,再到2013年推出由艾伦·佩吉、威廉·达福出演的《超凡双生》,凭借精美的游戏画面、精良的视听语言与剧作水准,Quantic Dream成功的让大众了解了什么是互动式电影游戏。游戏《超凡双生》 游戏海报在2018年5月推出的《底特律:成为人类》更是成为互动式电影游戏的标杆,也将该类型的内容推向了互动式电影与游戏的临界点,可以说《黑镜:潘达斯耐基》与《底特律:成为人类》是彼此的一面镜子,成为了“互动式”概念的两大承载媒介的先锋军。最接近游戏的电影——《黑镜:潘达斯耐基》最接近电影的游戏——《底特律:成为人类》在未来可能会结合VR技术成为一种独立的娱乐形式,“互动式影像”(Interactive Pictures)或许将成为这种形式内容的代名词。《底特律:成为人类》 实际游戏画面2.对于观众与玩家来说体验感受有哪些不同?我觉得首先要了解什么是电影,什么是游戏。电影业内有两句名言,正好从两种不同的角度解释了电影带给观众的体验感受:“摄影是真理,而电影是每秒24格的真理。”这句话出自让·吕克·戈达尔,新浪潮运动的代表人物,同时也是用电影来对抗好莱坞的世界仅存的电影大师。解读一下这句话就是“摄影是通过影像媒介来记录真实,而电影便是通过每秒24格的影像来展现真实”,不过过度解读一下或许也可以解释为“呈现创作者所想要表达的真实”。那么,从观众的角度来看,电影便是将创作者精神世界中所构建的“真实”呈现出来,告诉观众“我”想表达的内容。《黑镜:潘达斯耐基》 影片截图而游戏最初便是为了娱乐而生、为了展现现实之外的幻想而生,随着计算机数据处理能力的进步,使游戏从最初给予玩家互动权力的传统型游戏,发展到由玩家自主选择互动形式的沙盒型游戏,也为很多独立游戏注入了精神内核,成为“不再单纯”的有价值的游戏。创作者构建世界观、故事与道德行为框架,通过玩家的自主选择行为产生互动,从而构成完整的互动式体验。不同于电影的是这种主观的选择可以让玩家从更多的角度,获取到相对客观的立体式感受,体会创作者所呈现的完整的精神世界。在这里,电影与游戏的不同在于观众/玩家接受信息的方式的不同:电影,是在获得中体会:“主角不是我,面对抉择我可能会怎么选择?我在幻想”游戏,是在探索中体会:“主角是我,面对抉择我这样做会发生什么?我在感受” “电影是一门遗憾的艺术”这句话没有找到具体的出处,但是却很好的阐述了电影“点到即止”与“意犹未尽”的技巧,创作者讲述“遗憾”让观众产生憧憬与幻想,让画面外的故事比画面内的还要吸引人。而对于创作者而言,总会认为自己的电影只要还有时间,就一定能做的更好,始终觉得是一部遗憾之作。正所谓“金无足赤,人无完人”,遗憾也是一柄“双刃剑”。信息交代的过多便会扼杀想象,而交代的过少便会产生破坏情绪的连贯性、破坏节奏、破坏电影的体验感。电影《爱乐之城》 影片截图然而对于游戏来说,这种遗憾便显得弊大于利。因为绝大多数游戏世界都是构建于现实之上,呈现的是非现实的故事内容,玩家因为缺少对陌生环境的认知信息,所以渴望获取更多关于“这个世界”的内容,了解更多关于“这个世界”的故事。并且“恐怖谷”效应也使得玩家无法产生信服感,而游戏无法获取如真实世界般庞大的信息支持,只能获取视觉、听觉的感官信息与少量的、非对称的触觉反馈,无法引起心理或生理的共鸣。因此内容的缺陷、情节的缺失,都将严重影响游戏体验效果,破坏玩家在过往的游戏体验中所建立的世界观、精神意象与操作习惯,进而破坏玩家继续进行游戏的欲望。关于“恐怖谷效应”的图示在这里,电影与游戏的不同在于观众/玩家对“那个世界”的认知与需求的差异:电影,是在83%的已知中寻找那16.66%的未知:“主角虽然不是我,但是我知道那些是什么感觉”游戏,是在不足33.33%的已知中寻找66%的未知:“主角是我,但我想要知道那些是什么感觉” (假设人有6种感官,100%时为全知状态,那么视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉、心觉将分别占比约为16.66%)而回到主题《黑镜:潘达斯耐基》上,该片会让人在享受获得的时候出现分支选项,打断你的观影体验,把你甩回现实让你把它当成游戏,而这样反复的体验会让人觉得“烦躁”,有种在电影院安静享受观影的时候,突然你的前方出现了一个卖报纸的把屏幕完全遮住,伸出两只手问你买还是不买,买就拍他的左手,不买就拍他的右手,并且只有在你拍了他的手后才能继续观影。如果有意念分析控制器请给我来一套!精神控制选择绝对会有助于观影体验。3.这部电影能给创作者带来哪些灵感与启发?我个人觉得《黑镜:潘达斯耐基》是一部先锋式电影的融合性尝试,毕竟只有实际测试过才能获得足够的反馈信息,来进行下一次的改进型尝试,改来改去没准儿会出个旷世奇作也是有可能的。所以从现在我们大众所能够感知的反馈有哪些呢?如果它注定是一个孤本,那么就自带了“旷世奇作”属性,所以从负面影响说起吧。第一点,会影响叙事的连续性。电影的发展一路走到现在,视听的技巧使用一直在围绕“如何将观众更好的带入故事情景之中”、“如何让观众对剧中人物的情绪感同身受”这两个点做“8”字形的回环运动。而在某些时间点上出现能够影响剧情走向的选择题,势必会将这个“8”字形运动拆解成互不关联的两个“0”,进而影响观众的代入感或是影响观众对人物情绪的感知。第二点,制作成本与收入将不再对等。原本90分钟的影片变成了312分钟,拍摄、制作的时间与成本都将成倍数的提升,但是现有院线与未来很长一段时间内院线都不会提供这类型的观影服务,毕竟屏幕只有一块,如果人人一块屏幕,电影院的放映优势又在哪里呢?并且在网络平台进行播放,预计也只有少部分人会完整观看所有分支内容,除非包括每次选择在内的镜头都由不同的方式呈现,否则重复感将会让观众失去新鲜度产生厌倦,但按此方式1部电影将变为至少3部电影。再就是普通观众很少会为已经付费的影片在短时间内继续付费观看,如果以吸引VIP付费用户来衡量,花3部电影的钱拍1部电影,平台因此而入不敷出只是时间问题,该类型内容的付费形式有待改善与创新。 接下来说说这种类型的优势:第一点,与剧作内容的关联互动。《黑镜:潘达斯耐基》之所以选择互动式电影这种游戏式的观影形式,很大程度上是因为与剧情故事有着高度的关联性,影片讲述的就是一个游戏开发者将交互式小说《潘达斯奈基》开发成一款游戏,然而很快现实和虚拟世界混合在一起,让他的选择也开始影响现实生活造成混乱的故事。通过与剧中人物类似的互动形式,强化了观众与剧中人物情绪的关联,让观众产生期待,并且在观影结束后产生想要浏览其余分支走向的情节,体验不同的故事的冲动。第二点,防止盗版。这一点毋庸置疑,简直就是影视行业的最佳优势了,还有什么能比防盗版更吸引人呢,平台独播也是能因此而扩充一大波VIP用户付费,这一箭,好雕!第三点,感恩大礼包。作为口碑日渐衰落的《黑镜》系列,一部这样形式的电影的出现就是一部满足各类观众需求的观影大礼包,也成为了《黑镜》系列观众的一针强心剂。看过的会期待下一季,没看过的会回览前几季,这模式做的,好雕!所以回顾国内电影,基础的剧作、视听都不过关,更不可能有这种能够让电影、平台双赢的创新性想法了。 回归正题《黑镜:潘达斯耐基》其实本质上是一部电影,其余内容则是包裹了能够辅助营销宣传的互动式游戏。然而这部电影却是一部强互动的电影形式,联结了电影、游戏与平台,三维式的互动让形式与内容得以相互支撑,这一箭,真的好雕!反观国内不争气的剧作与视听,到现在连营销手段都落后不知几百公里了。竟然还依然兴高采烈地抱着IP不撒手、有特效就想比拼阿凡达和指环王,累不累?毁书不倦乏不乏?电影《阿丽塔:战斗天使》 影片截图 醒醒吧!电影特效都已经到这种级别了!别沉浸在自己的幻想中做白日梦了,梦想网大与院线“互动”吗?最后,敢问各位兄弟姐妹们,对于网大式的院线电影咱能先看看预告片了解下不?都说新年新气象,万一疏忽了看了这片子,新年这开门儿彩可真是不可描述呢?到底是怒不可遏?火冒三丈?勃然大怒?还是痛不欲生啊?高能预警提示!.预警提示!.提示!.!不可描述的IP良心巨制在北京的小伙伴们,我们将在北京朝阳区高碑店,每周日14:00举办电影主题放映活动,每月一个电影主题。欢迎大家关注 影映营 获取更多放映资讯!如果您对我们的内容认可的话就转发分享给更多朋友吧!每月1个电影主题,每周举办1次电影放映活动!感谢您的关注,有想看的电影可以告诉我们呀!影映营

  • 我去,世间还有这么好的电影礼物!

    2018年就要结束了,又到了储备明年日历的季节。这篇文章告诉还没有添置2019年日历的你:等待是值得的。即使你已经手握某街、某宫、某豆也不要紧,因为爱电影的你,一定还需要一本有趣又好玩的只为影迷打造的日历。不是一个物种和别的电影日历“我去2019”凭借独特造型在一众电影日历中独树一帜。从365张卡片整整齐齐开启全新一年,到最后一张卡片伫立到最后一天,送走一年,有始有终。连日历卡片都这么坚强,我们有什么理由不努力做个争气的影迷? 图片是社交平台上另一个重要的组成元素,基本以自拍和非自拍两类为主。这个年代,为什么你还要用自拍和无关的文字搭配出新的蒙太奇意义呢?这个年代的自拍和本人的差距真的地球到月球一样远了。不如,找张电影图,合理地传达更多信息。我相信每个人心里,都有自己恋恋不忘的经典镜头,以至于产生了一种迷影人士互相残杀的游戏——看剧照猜电影。大部分迷影人士也很爱用电影海报、剧照做头像,这也是一门大学问。总有些电影你再喜欢,也常被人一眼就认定你只是个豆瓣top250的水平,就像大多数人身边都有一个用《这个杀手不太冷》做头像的朋友。《这个杀手不太冷》最常见的海报就是里昂戴着墨镜、小帽子四十五度角仰望天空。墨镜、手枪、盆栽、娜塔丽·波特曼的bobo头,都是这个电影的标志性符号。但是抛开这些,还有一个最重要的元素,洛丽塔情结。于是当你拿出这样一张海报的时候,是不是瞬间把那些简单的符号元素给间离开了?大家也不会看不出是《这个杀手不太冷》,但也觉得你要表达的东西,就是很内涵,不简单。但是没有办法,你就是喜欢这些片子,毕竟人家能够成为大众经典,有足够的底气。与剧照相比,电影海报会融合更多的信息,牛逼者还会体现出艺术设计感。今天和恋人吵架,发一个《蓝色情人节》,明天真的分手了,发一个《情人节大屠杀》,不仅清楚传达了信息,体现了情绪氛围,还成功装得一逼。“我去2019”日历是一个可以帮助你的小道具,每天一部电影,用台词、海报局部、关键词线索分别呈现。从具象的词、画面到抽象的关键词,逐步推进训练,增强观看和解读电影的能力。这种能力最终可以应用到实处,更高级的以电影之名,在社交平台展现自己的迷影魅力。掰下一片日历,一部好电影与你相遇,一年365部,用起来绰绰有余啦。一日一撕掌上小卡片有别于其他小本本形状的日历,我去2019从产生之初走得就很有设计师思维。正面是当天日期信息+全年倒计时,实用性与仪式感兼具。撕下来的卡片可用日历自带的盒子收集整理。从“我去2018” 到“我去2019”,这款产品已经拿到了专利哦!我撕我撕我撕撕撕为什么要做好收集整理?因为这可不是一撕一忘的日历,在过好日子的同时,“我去2019”让你在新的一年成为影迷中的收藏家、活动家,真玩家。撕下来的卡片也可变身桌游道具,真影迷聚会的时候,甩出几张便知对方几斤几两。 强大出题阵容奉上365道电影谜题 这本日历的背面非但不是设计死角,反而是重中之重。每一张日历卡片背后都有一道题目,指向一部久经考验的佳片。题面分三种:三个关键词线索、一句电影台词,一张电影海报的局部。有些日子,题目带你发掘一部冷门佳片;有些日子,题目引出一段影史沉钩;有些日子,题目本身就是一种重看经典的思路和眼光……“我去2018”日历曾被网友戏称为“北电考研真题指南”,题目线索信息量和开发影迷大脑的程度可想而知。365道题目,365部影片。365天过完,期待它从纸上走到你的心里。每日九点恭候大驾全新答题系统请将答题规则牢记于心,它能帮助你在每日的竞猜中脱颖而出,顺利开启全年的优质迷影生活。而且,想象一下,一旦把我去2019这样的新玩具摆上桌,你还要在周围小伙伴无数次的饥渴求问中一次次向他们传道授业嘛。配合我去2019日历,SAME开发的全新在线答题系统正式上线。扫描包装上的二维码,你可以在线答题、查看当日及往日答案、求助/帮助他人、关注当日/当月排行,还可以当家作主——在线出题,有可能你出的题就会在下一年日历中出现哦。所有互动都能获得SAME系统积分奖励,一定数量的积分可以兑换SAME观影券或周边产品的购物券。每天上午九点,当日竞猜答题准时在平台上开启。祝愿大家多多积累Bingo!,龙虎豹榜上有名!在家撕日历—网上答问题—影院看电影—躺着领周边——多位一体的美好迷影生活就从我去2019出发吧。 秀出你的友邻这些走心买家@K.作为市面上造型最另类的日历,SAME的我去在我的桌面上就像是一座岛屿,每天揪下一片解锁一部电影,随着时光的流逝,岛上的卡片越来越少,恰似中年男人的头顶……不过偶尔把已经揪下来的小卡片整理堆叠,感觉就像是一片片与电影相关的记忆碎片摞在了一起。是啊,时光的流逝是很让人惆怅的一件事,但如果这些时光与电影相伴,似乎又美好起来了呢@汪金卫以前从来不买日历/挂历,去年没忍住买了两种,一个是台北故宫狗年大月历,另一个就是SAME电影日历。每天早上撕下一块,绞尽脑汁回答当天的猜电影题目,成为每日上班地铁途中难得的乐趣。日历中还暗藏放映活动优惠券,相当于白送嘛!电影赋予我们无上的自由,在时光中自在穿梭。希望这本日历背后的365个电影故事,能帮你我重新点亮记忆和想象中的角落,享受那些在电影时光里闪闪发亮的时刻。真正地,进入一个迷影的世界。点我查看宝贝详情PS:转发并评论这篇文章,我们将在未来2周选取评论获赞前三名送出SAME精美电影周边。手速快者获奖几率更大呦!

  • VLOG不完全盘点:换个角度,让生活大有不同

    在短视频市场饱和、大家都审美疲劳的今天,VLOG的悄然兴起让人眼前一亮。VLOG,就是video blog的缩写,视频内容都是以制作者为主角,像记录日记一样,用视频把自己的生活经历记录下来,然后通过拼接剪辑,再加上字幕和音乐,制作成具有个人特色的视频生活记录。这种节奏平缓的内容,没有花哨华丽的画面,但能唤起大家的共鸣。本期新片场专题将推荐5部VLOG,从技巧和手法上分析,怎样才能拍出一部深入人心的VLOG。 VLOG Plus | 杰西传奇:韩国吃鸡之争 创作人:阿米这部用IPHONE拍成的VLOG在拍摄初期做了充足的准备。首先是规划好主题和内容。其次是踩点,对所到之处进行场景预览,确保拍摄效率。最后进行脚本设计,策划好每个镜头的内容,拍摄时查缺补漏,然后调整策略,力求完美。整部VLOG还采用大量旁白,讲述主人公的心路历程,使主人公的思想和心路历程与社会中普遍的价值观发生碰撞,达到叙事、抒情、表意和纪录四者结合的化学作用。这样的VLOG,做不到量产,却成为了难得的精品。 VLOG002 | 夜行重庆 创作人:赵勃云、慢慢秋这部VLOG跟上一部截然相反,没有前期充分的策划,它是由商业短片用剩下的素材制作而成的。但在后期剪辑方面,依然可以看出创作人的匠心。整部片子的基调是赛博朋克和上世纪90年代的复古风,在VLOG中,创作人很好地把这两种元素融合在一起。老电视的效果,既传递出复古的感觉,又能让所有素材以合理的方式呈现。浓郁的色调、怀旧的场景,配上创作人慵懒的声音,把重庆人惬意闲适的生活表现得恰到好处,让人意犹未尽。 8号香港创作人:程亚楠 JerryCheng这部VLOG同样是用IPHONG拍摄而成,忧伤的配乐加上文艺的旁白奠定了整个片子雨天阴郁的基调。整部VLOG采用大量的前景与模糊的特效,给人虚实相生的感觉。以固定镜头拍摄为主,穿插镜头抖动制造出光绘的效果。延时摄影表现出时间的流逝,使片子呈现出静中有动的效果。对于片子的灵感,创作人表示:“雨天人和事物都躲了起来更有故事感。台风过境的香港,就像一场永不落幕的光影诗篇。” 魔力印尼 创作人:CHAO与上一部VLOG安静的风格迥然不同,这部VLOG的风格特别活泼跳跃。视频的开场用相反的表述勾起人的兴趣,黑场过后使用大量跳切将人的注意力集中在视频上。说唱般的表述烘托出欢乐的氛围。整个片子在说唱般 的表述中一气呵成,极强的代入感和有趣的内容,总结起来就两个字——带劲! Choose life 创作人:嘴大戴口罩这部VLOG看上去没有什么精心的编排,没有太多高大上的拍摄技巧与手法,场景切换也异常简洁,但它的随意表达出的感觉,恰巧就是几个年轻人说走就走所展现出的不羁与自由。3个人,32个国家,48113公里,171天。记录旅行,留存回忆,这正是VLOG的意义所在。看完这个短片,让人热血澎湃,想马上翘班,跟随他们的脚步一起出发。正如创作人所说,世界并不大,路也没那么难走。 拍一部出彩的VLOG其实并不难。也许你的日常生活平淡无奇,也许你已经被烦人的工作磨没了激情。就算这样,也愿你能拿起身边的拍摄工具,去感知,去记录,你会发现,这个世界,终将因你而美好。

  • 76岁,赫尔佐格依旧凶猛

    赫尔佐格:我就是我的电影 尔东星请尊重原创文章,作者:尔东星他12岁才知道香蕉是什么,14岁开始徒步旅行,小时候差点误杀了自己的弟弟,也曾经见到“上帝本人”,曾经把一双皮鞋伴着啤酒吃下。在电影拍摄中,他曾经偷过摄影机,催眠过所有演员,曾经从亚马逊丛林中拖着一艘船翻过了一座山,在火山爆发前冲到山脚拍摄。他伪造文件的能力很强,曾经用伪造的文件自由进出秘鲁。在外人看来,他是一个极度疯狂的人物。他的名字“赫尔佐格”也时常带有某种寓言性质:疯狂的人,永远在冲撞常规的人,在“文明”中挣扎的人。 赫尔佐格说,太空旅行是他未竟的事业。孤独的徒步 赫尔佐格在长达五十多年的电影生涯中拍摄了70多部影片,至今仍在探索。前段时间,他来到中国。在采访中,赫尔佐格端着一杯白开水,黑框老花镜挂在衣领,没有一点驼背的迹象。谈吐之间并不像一个接近八旬的人,还是能捕捉到他身上生猛的生命感,还是一如既往的踔厉风发。 “赫尔佐格(Herzog)”,是他的自取名。在德语中的意思是“公爵”,充满着权力和支配的寓意,他说“这个姓保护我战胜了世上的邪恶。” 赫尔佐格没有父亲,或者说,父亲的角色一直都他的童年里缺位。“我过去大多数时间都是孤独的”。赫尔佐格在谈起他的童年时,最常提及到的词语,便是孤独。 大学时期的赫尔佐格1942年出生于德国慕尼黑(巴伐利亚北部),由于二战,家被摧毁,只能被流散德国与奥地利边境的小村庄扎赫兰。 二战的原因,小赫尔佐格经常接触德军丢弃的武器,丢掷从池塘里捡来的手榴弹,母亲还教他学会了用枪支。那是的情形,他还记得“当时完全被枪的暴力震慑住了,就此失去了对此类事物的好奇和关注。” 每天与扎赫兰的自然亲密接触,偶尔接触的“暴力”事件,贯穿了他的童年。他闻名于世的,不得不提及年少时期的徒步旅行,便是他14岁(1956年)开始的。 第一次徒步走到阿尔巴利亚的边境(但没敢跨进国界),“是我第一次真正逃离家庭生活。”希腊雅典—克里特岛—埃及亚历山大—苏丹—埃及阿斯旺—刚果西部,是他的首次旅行的足迹。 “世界之大,它的深度和强度,只能用脚走路才能体会得到。我从来没有当过观光客,因为观光客破坏文明。”徒步旅行的执念在之后他发出的《明尼苏达宣言》中也有所体现,“旅游是罪孽,徒步行走是美德。”青年时期的赫尔佐格 赫尔佐格在徒步中并不顺利,“去埃及的时候在仓库躺了5天,身无分文,老鼠啃噬我的手臂,发高烧产生幻觉,看到自己被大白鲨撕咬。”这种幻想和迷离的状态 ,一直伴随着他的独行中。 但是反倒因祸得福,看到了不少奇观。1961年前往希腊,到了克里特岛的一片平原上,有10000个风车。这个记忆的画面,到之后成为了他《生命的讯息》中重要的画面。 他脑海中的克里特岛的一片平原上有10000个风车徒步中一天天长大,一天天思考,后来他发现了,徒步中见到的或幻想的人和自然场景是在自己的文化构成里非常重要的部分,他后来拍摄的一系列电影,都与场景,以及人的生存状态有关。他后来的足迹甚至到达了南极。 《世界尽头的奇遇》剧照 ,2007年赫尔佐格足迹到达南极 发癫的计划 几乎他的每部电影都自带传奇。 拍《玻璃精灵》时自己催眠了所有的演员;拍摄《生命的讯息》时,希腊爆发军事政变,当局禁止拍摄,他则威胁要枪杀逮捕他的人;在《侏儒流氓》中,为了表示与侏儒演员平等,跳进两米高的仙人掌丛里;拍摄《卡斯帕·豪泽之谜》,提前六个月在花园里种下了草莓、豆子和花卉,还在开拍前明确每一颗植物和蔬菜的精确位置;《阿基尔,上帝的愤怒》的摄影机是从慕尼黑电影学院偷来;在拍摄《陆上行舟》时亲手在秘鲁伪造的一份四页文件,(上面还有共和国总统兼军队最高司令贝拉文德的假冒签名),靠着它,赫尔佐格自由进出秘鲁全国各地。谈到伪造文件的故事时,赫尔佐格笑言,“官僚主义最爱的就是文件”;在非洲拍摄《新创世纪》时,喀麦隆爆发政变,他被捕入狱,并染上了寄生虫病。 《玻璃精灵》剧照《玻璃精灵》中被催眠的演员,其中赫尔佐格还临时客串面前的这位以疯狂著称的导演,这个年老但仍强壮的巴伐利亚身躯正在冷静地讲述着以前的回忆。 他在很多次介绍自己作品时都提到了以想象力、生机、创造力为特征的“巴伐利亚文化”。 他最为人所知地电影《陆上行舟》,别名就是《丛林中的巴伐利亚》。 回忆起《陆上行舟》,赫尔佐格苦笑道,“几乎没有一天不是灾难。” 赫尔佐格说,动物也是他的角色之一 (《陆上行舟》剧照)《陆上行舟》剧照一条340吨重的汽船,将它拉动1600多米距离翻过一座陡峭的山,“原先最初的设计山的坡度是60度,后来改成了40度。”抛开电影来说,这个行为本身就带有一种伟大。“保证电影能拍完毕的东西是工作规则和献身精神。靠的不是钱,是信念。”《陆上行舟》的核心团队成员,当时用可口可乐盖子做快门拍摄此照这部电影的拍摄过程本身,无疑就是一次“费兹卡拉多”式的行为。我们甚至可以说,这种行为本身,就是赫尔佐格这个人。 “金斯基是个难搞的人,说要退出拍摄地时候,我很平静地告诉他我会向他开枪。之后在拍摄快结束地时候,印第安人主动请缨,愿意为我杀了金斯基。我拒绝了他们的好意。” 他对此是这样解释自己从巴伐利亚文化中得到的精神:“一种对理想国的绝望追求,几乎是以追求乌托邦的精神,来追寻合乎人类尊严的生存环境”。 谈到“最荒谬”的一次拍摄,赫尔佐格说是《苏弗里耶尔火山:等待一场无法避免的灾难》。 “科学家说那次火山喷发的能量将会相当于几枚广岛原子弹的威力。” 那时候“就是读了关于苏弗雷火山的新闻,科学家们关于火山喷发的预言,当地大规模撤离,但只有一个农夫拒绝了撤离。有人面对死亡给出了另一种态度,这让我觉得特别,我觉得我们可以在那里拍一部电影。”《苏弗里耶尔火山》中拒绝撤离的农夫《苏弗里耶尔火山:等待一场无法避免的灾难》片中有自我嘲弄的元素,原本看起来那么危险和注定是场灾难的事情最终却在极度的平庸中结束了。对此,赫尔佐格也不否认。 “其实这也是件好事情,如果我和另外的同时在拍电影时被一座火山炸得粉身碎骨,那才是天大的荒谬呢。”“最后决定我们是否留下的一颗,我们盲目地玩了个赌(硬币)正反的游戏。” 这样随机的赌注,还引发了另外一件很“荒唐但浪漫”的事情。他和好友艾罗尔·莫里斯打赌,“看到你出电影成果的那一天,我就把自己的鞋吃了。”之后莫里斯确实拍出了一部纪录片《天堂之门》。“无论如何,世界上应该再多些吃鞋这样的举动。” 之后赫尔佐格就在一家餐馆里面,将莫里斯的皮鞋用一锅鸭油煮,然后用剪鸡鸭肉禽的大剪刀,把鞋子剪开,伴着啤酒将它们咽下去。赫尔佐格笑了,“不用担心,皮革消化起来很容易”。 这样“荒唐”的事情背后隐含了赫尔佐格性格的另一面,他脸上也瞬间闪现了一丝坚定,这是“对所有想要拍电影却不敢上手的人的鼓励”——“无论如何,世界上应该再多些吃鞋这样的举动。” 诸如此类疯狂的计划,让赫尔佐格获得了“狂热的浪漫主义者”的标签,也为赫尔佐格“赢得了头脑发热、游戏人生的美誉”。但是他仍然坚持否认,“但其实我不是这样的,我是个很有条不紊很有规划的人。” 人是什么? 任何一篇文章、一本专著大概都不可能对赫尔佐格的体系进行完全清晰的梳理。 11岁的赫尔佐格第一次看到乡村放映员带来的电影。他说“(之前)我不仅是没看过电影,甚至不知道电影的存在,所以从某种程度上说我总是认为是我发明了电影。” 近年的赫尔佐格12岁才知道香蕉是什么,14岁时,赫尔佐格皈依天主教,并受到徒步旅行的精神洗礼。15岁开始尝试写剧本。17岁才第一次打电话。 一系列地成长过程,在战乱中出生,在战后成长,大自然生命力的奇观,与人的关系的体察,这类母题可能从童年就在他的心中驻足。 除了宏观的巴伐利亚文化根基,赫尔佐格还直述自己“个性安静又极度暴躁易怒,动怒的对象并不缺乏,”曾拿起厨房的刀子,差点误杀弟弟,当时整个家庭几乎瓦解。 对暴力高度的不信任感(不仅是物理的暴力,还有自然对人类的暴力,人类文明社会对个体的暴力)也擎始于此。 从童年的对待人类文明(至少是本民族文化)有着十分强烈的怀疑和不安,战争和显性暴力在他早期的作品当中频繁出现。他在以前的访谈里曾经直言,“十分痛恨学校教育,反对心理学。” 他的第一部作品《大力士》,赫尔佐格笑称是“烂片”。但这是他去定义“强者”的开端。 《大力士》剧照“强者”不只是身体强悍,有智慧、自信、独立的思想,自力更生的含义,还有点天真无邪的意味。这样的角色在他的一系列电影中一直都有出现:是狂热的西班牙征服者、在丛林里建歌剧院的狂想家、缺失所有感官的聋盲女子、与世隔绝在地窖中长大的卡斯帕·豪泽。 包括《雕塑家斯泰纳的狂喜》中的沃尔特·斯泰,《阿基尔,上帝的愤怒》的阿基尔、《沉默与黑暗的世界》里的芬妮·斯陶宾格、《史楚锡流浪记》的史楚锡和《卡斯帕·豪泽之谜》的卡斯帕·豪泽,都属于这种类型的人,还包括,《玻璃精灵》里的希亚斯、沃切克,《陆上行舟》的费茨卡拉多,《绿蚂蚁做梦的地方》中的土著,还有《新创世纪》中的人们,还有《生命的讯息》中经典的赫尔佐格式反英雄人物。 《阿基尔,上帝的愤怒》中阿基尔绝对的狂妄,以及反抗自然的疯狂状态《沉默与黑暗的世界》里的芬妮·斯陶宾格,她是一个又聋又瞎的人“我影片中的角色都来自一个家族,他们没有忧愁、没有过去,他们都从黑暗中浮现。我一直把我所有的电影看作是一部我已专注40年的大作。” 这宏观故事中的主角都是绝望而孤独的叛逆者。他们知道自己的反叛注定失败,但却毫不迟疑,再无人帮助的情况下带着创伤独自挣扎。 《雕塑家斯泰纳的狂喜》中,沃尔特·斯泰跳台滑雪不仅是运动的追求,也绝对是种精神所求,是个追问着如何征服死亡和孤立恐惧的问题。至少从某种程度来说,这是种自杀性行为,而且全然孤独。斯泰纳就像是《陆上行舟》中费茨卡拉多的亲兄弟,费茨卡拉多同样通过拉一艘船翻过一座山否定了地心引力法则。《雕塑家斯泰纳的狂喜》中沃尔特·斯泰的跳台滑雪同样的,赫尔佐格拍摄《陆上行舟》本身,实际上也是这样的行为。赫尔佐格是另一个费茨卡拉多。 正如他系列影片中的场景、生存状态和任务,都反映出极大的反抗,即便失败可能是不可避免的结局。这也呼应了他从巴伐利亚文化中得到的精神。 “当周围的每个人都令人厌恶地随波逐流时,他却成功保持了自己无暇地人格尊严。”这是强者,或者说,这才是人。 “我所有的影片都有着相似的对生活的感觉,因此我用这样或那样的方式形成了一个单独的个体,他们之间如此亲密,仿佛一个巨大躯体的不同部分。整体来看,说它们是一系列电影,不如说它们是有着不同方面的一部电影。”《史楚锡流浪记》剧照:三个人被生活所迫选择一个地方逃离 这样的思考不仅仅是个体,它的本质,是“关于我们日常生活要面对的所有问题,在这里能找到最基本最实在的人性尊严,和人最赤裸裸的痛楚。” 但在《沉默与黑暗的世界》中,我们看到了一种“赫尔佐格式的温柔”。拍摄期间,芬妮生日后,赫尔佐格安排了一次飞行作为生日礼物,还骑摩托车带她去乡下偷猎野鸡。 《沉默与黑暗的世界》剧照,聋盲人之间依靠手的接触来交流赫尔佐格回忆起拍摄的初衷,“这个56岁的又聋又盲女人让我开始思考以前从未想到过的一种孤独程度。如果有一天我自己又聋又瞎,我存在的本质是什么?我如何生存?如何和寂寞相处?如何让别人了解我?如何学习、沟通?”——“也许只有在极限的时候,人才会更了解自己,或者了解人类”。 “人是什么?人的处境是什么?”这样的母题,在赫尔佐格的电影中时常讨论,一种赫尔佐格式的鲜明风格也隐约可以被洞悉。 “一个人必须像考古学家那样,挖掘探索我们那已经被侵犯的风景,去发现新东西。有时候,发掘未开发的、新鲜的图像也是一场斗争。”赫尔佐格也正用他的电影来诉说着这一切。 “我就是我的电影” 一位德国记者采访赫尔佐格的时候,这样说,“我发现赫尔佐格充满矛盾,极端顽强又脆弱,深情且鄙视,头脑清晰却感性,没有准备好日常的压力却完全能接受极端的环境。” 赫尔佐格并不喜欢别人关注自己。《我就是我的电影》剧照,当时赫尔佐格37岁1979年,一部以他为主人公的纪录片《我就是我的电影》诞生。片中谈起赫尔佐格的秘密时,他说,“我的一切就躺在电影作品当中,我就是我的电影。” 他甚至不知道自己眼睛的颜色,直到它被写在护照上;他照镜子,但只是技术性的,他不喜欢直视自己的眼睛然后思考自己。 “我对人、人的处境更有兴趣,对自己的状况毫无兴趣。”但是要体察他的私人生活,还是能找到蛛丝马迹的。“通过我的电影所展现的风景,你可以看到人的灵魂。真正的风景并非只是一片沙漠或是一片森林,它应该是表现出人的内在心境的风景,或者说内在的风景。” 无论是《阿基尔,上帝的愤怒》中的丛林,还是《新创世纪》中的沙漠,或者是《黑暗的教训》中燃烧的科威特油田。热梦和超现实特质,深邃的生命力,狂热,生机勃勃。它们不只是一个地点,还是赫尔佐格的心态。《阿基尔,上帝的愤怒》中的丛林 这样子形容很抽象,因为赫尔佐格的影片总是能披上一层神秘的面纱,而在经历了无数手大众传播之后,各种神秘很大程度上又化为了他个人神秘的一部分。 他对童年时期印象最深刻的两个记忆中就有一个是关于宗教的——他曾经见过“上帝本人”。那时候,他看到了一个男人“一身褐色衣服,没穿袜子,双手还油油的。他看着我,神情温和而慈祥,我马上明白了,这就是上帝本人!”虽然他后来意识到此人只是一个电力公司的工人,但这一经历无疑也是他人生中第一次,也是最重要的一次神秘的宗教体验。赫尔佐格在2005年拍摄《灰熊人》时,始终和灰熊保持两公尺距离,并保持冷静正如《赫尔佐格谈赫尔佐格》的作者保罗·克罗宁所言,“大部分你听到的关于赫尔佐格的事情都是不真实的。有关这个导演和他的影片所散播的无根据的谣言和彻底的谎话,要比其他任何在世或已逝的导演都多。”但是我们可以确认的是,直到2018年,赫尔佐格还在拍摄他的电影。 ——“我曾经认真考虑过向美国国家航空宇航局申请参加某次太空任务,我确信哪里肯定有非常棒的素材。太空旅行是我未竟的事业。” 长文看得好累,来个赫尔佐格彩蛋吧

  • 奥斯卡最佳摄影提名《至暗时刻》摄影布鲁诺专访:“把摄影机推前,我不喜欢这样。”

    布鲁诺·德尔邦内尔 Bruno Delbonnel( 法国摄影师)主要作品:·至暗时刻 Darkest Hour (2017)·醉乡民谣 Inside Llewyn Davis (2013)·哈利·波特与混血王子 Harry Potter and the Half-Blood Prince (2009)·漫长的婚约 A Very Long Engagement (2004)·天使爱美丽 Amelie (2001)《至暗时刻》海报我一直都对导演和摄影师创作前期的探讨很感兴趣。您和导演乔前期对这个项目影像探讨是什么样的呢?首先他要做的是说服我来拍这部电影。这部电影有很多关于人们讨论英国政治的对话,以及如何拯救世界之类的东西。乔跑到巴黎找我,他告诉我他最感兴趣的是丘吉尔的两面性。这个人是一个领袖,但是他也会有很多疑问,并且他也有很多次失败的经历。这些东西突然让我醒悟“原来是这样,所以这个故事不仅仅是一个世界历史记录的某个瞬间那么简单。”这让我对这个项目产生了兴趣。然后我们开始讨论地图,他们是如何安排士兵和人类的命运的。我们试图从上帝视角来看待整个事件。这就是我们早期的一个讨论,我们对电影能拍成什么样子有了大致的概念。乔是一个很影像化的导演,他作品的摄影风格都很引人注目。但是在这个电影里面,都是一连串的人物在房间的对话。然而,我觉得你们做的很好,拍出了电影化的影像感,而不是让人觉得难以忍受或是说做的过头。可否聊聊你们是如何找到这样的一个平衡的?哦是的是的,乔很清楚我们有20分钟以上的场景是人们在那讲话,围绕着桌子大喊大叫,讨论着接下来该怎么办。所以他很清楚,这样的故事对观众而言,很容易出错。有一场戏大概有10分钟,剧本就有15页纸。于是我们俩开始讨论,我们该怎么解决这场戏?我们决定反其道而行之。我们开始思考如何让这个场景变得更有趣一些? 所以与其只是想着如何在屋内解决这个拍摄问题,我们也会想其他的办法。当人们就是坐着在那里说话的时候,从拍摄上你真的做不了什么,除非你用一种特别烦人的方式来运动机器,那没什么意义。当演员在说话的时候,我真的不太喜欢强行推进镜头。你就那样突然把镜头推过去,然后说“天啊,这人说的挺有趣的,所以我要把摄影机推前”我不喜欢这样。我更喜欢“还不如就是想办法让这些场景变得有趣有活力。”这些人在房间说话的时候,会有停顿,所以这更像是按照剧本,为这部电影作曲。我很好奇,你需要拍一个像温斯顿丘吉尔这样的伟人,饰演他的又是演技这么好的加里。你是如何设计这些镜头的呢?有时候感觉这个角色的爆发力会冲破银幕。这可不是一个普通的角色,他是一个名人。老实说,我并不会想他是不是名人这些事情。拍传记电影很容易有这样的担心,但是我们不是拍传记电影。我并不觉得这个电影是一部传记电影。这只是温斯顿丘吉尔两个月的生活。我并不知道他以前是什么样的,也不知道他以后会是什么样的。我感兴趣的只是他这两个月的生活。这是剧本上写的,从某种程度上说,这也可以是任何人的两个月。就像你说的,这个人是一个伟人。但是你也可以说任何一个别的人也是一个伟人。有趣的是这个人的两面性,甚至三面性。所以拍摄加里·奥德曼表演出来的丘吉尔会更复杂。这是一个挑战。你必须牢记,观众是看着加里·奥德曼在饰演丘吉尔,但是你必须帮助加里让观众忘记这一点。这是我的工作之一。所以问题就是,我该找到什么样的方式让观众忘记这是穿了变形装的加里·奥德曼呢?摄影师工作照这部电影里面我很喜欢的一个镜头是,丘吉尔坐在电话旁边,镜头后拉,强调他的孤独和被孤立的状态。为什么会拍摄出这样的一个镜头呢?这是乔的主意。这就是为什么我特别喜欢乔。当他对我说他希望人物的周边黑暗一点,我问他,你确定吗?这和我们之前做的很不同。他说是的,这就是他想要的,他觉得是可行的。事实上他说的是对的。他的这个想法很有趣,和一般的拍摄这类型片子的方式不太一样。就像你说的,拍摄这样的一个伟人。所以电影不一定非得跟现实是一样的,你明白吗?这是一种视觉感。是某个人对丘吉尔的一种特殊的理解。我也很确定历史学家们不一定会喜欢这样的理解。你们拍摄下议院的时候,有很强的光线透射进来,这应该是一个很大的技术挑战吧?你是怎么做到的?相对来说还是很容易的。我们有足够大的空间放任何我想放的灯。基本上就是用20K大灯,通过用柔光箱改变非常强且硬的光。所以,不算是特别大的挑战。 挑战大的是威斯敏斯特大厅,真的很难。最后丘吉尔离开的时候,这个场景我能做的不多。这个挑战很大。我知道乔是一个很有主见的人,他知道自己想拍什么。从这点来说,你和他的工作关系如何?他会不会比别的导演更有视觉想法?不会。他是的确会有很特别的视觉想法,但是他不会像蒂姆伯顿那样强势。蒂姆伯顿有他自己的一个世界,科恩兄弟也是这样。他们都有自己的视觉世界,而且各不相同,这就很有趣了。就是要跟有视觉想法的人一起工作,这些人都有。对我来说,如果跟没有视觉想法的导演一起工作就很难。倒不是说这个导演不好,他不是一个差的导演。只是他不能跟我分享视觉上的东西。所以我跟这样的人工作会遇到很多困难。但是乔有很强的视觉想法,蒂姆有很强的视觉想法,科恩兄弟有很强的视觉想法,大卫·叶茨有很强的视觉想法。这很棒!有时候你会不同意他们的想法。我经常会不同意乔的想法,我会说:“额,乔,我并不觉得这是一个好想法,我们应该可以做的更好。”而他也是一个很好的倾听者,有时候他会说:“不,这就是我想要的效果,”然后我也会说:“那好吧。”有时候他会让我演示给他看,然后他会说:“哇,是的,好的,这的确更有趣一些。我们就这样弄吧。”所以只要不是什么大的冲突,和他这样的工作过程也是很有趣的。时长:3分32秒《至暗时刻》幕后采访特辑扫码了解更多详细内容

  • 一个日韩影迷的年度十佳·2017

    一年过去了,与去年的文章放在一起一看,才发觉真的又过去了一年,三百六十五天。同样的,纯个人喜好,希望在文章里留存每一年最喜欢的日韩电影。 Top 10:《玉子》奉俊昊新作,就是那个Netflix上的网络电影。虽然在豆瓣上评分不高,也被多数人抨击,但它依旧算是我今年的心头之爱。影片的整体感觉像是一个轻量级的商业大片,但是商业大导的戏依旧流畅好看,也小小地被感动到了。残忍残酷的成人童话世界,有变态的商人,奇怪的解救者们,和猪是好朋友然后吃鸡吃鱼的农民。可或许就是像这样,每个人都希望达到自己主观上的,认为对的目的,大家都是自私的吧。韩国翻译说女孩同意了,猪叫了,鸡也叫了。可能导演想要表达的就是这么多而已,关于生命,关于情感,是我们想要的太多了吧。 Top 9:《之后》洪尚秀一年两度,尬聊新作。这部片令我觉得有趣的自然还是与现实的呼应,只不过这次洪尚秀算是自黑,把男人写成了完完全全道貌岸然的角色,把金敏喜的角色塑造得令人喜爱,也因为她本身有自然细腻的演技。一对狗男女坐在出版社沙发上商议着怎么骗老婆的段落实在是太贱了。然而摄影和影像的处理,确是恰到好处。 Top 8:《圣之青春》松山研一演绎的将棋棋手村山圣的传奇传记片,这增肥了得有三十多斤吧,算是尽心尽力了。棋逢对手,惺惺相惜。一点不无聊的娓娓道来的正经传记片。导演似是真的拍出了如将棋长考般的“静”。几幅对局中的室内窗外景色,意境唯美。传记片拍完整了,其内容已然魅力无限。又是一波经由传记片的文化输出。 Top 7:《明日的我与昨日的你约会》清新动人的超现实爱情故事,撒了时间与记忆的毒。能够强烈感受到自己存在的是情绪,好的类型电影调动着这众多的情绪,讲情感的电影其实就该是最有的发挥的。你感受得到两人在时间差上进入爱情的不同时期,明知结局也义无反顾。日本电影就是好意思讲真善美,一本正经深情讲述着他们相信的美好,让你也相信。这部作品可以算是三木孝浩最好看可能也是唯一好看的作品,听说他的师生恋新作又扑街了。 Top 6:《家族之苦2》大师的庶民悲喜剧,举重若轻,嬉笑怒骂间平和地触碰死亡。这是我们这个年龄难以想象的一段人生主题,就连看,我都觉得承受不起。动人的家长里短,幽默的喜剧部分有十足的荒诞感,但现实的悲伤部分却有满满的真实感。每一场戏都栩栩如生,葬礼戏份竟也能演绎出各怀心思的众人,想必山田洋次已经真到了敢于讲述死亡的阶段了。最后火炉内爆开的银杏果,像是呼应了酒桌上那个老头对于美好逝世的期待。 Top 5:《出租车司机》类型确是类型,但它依旧是我今年心目中的最佳韩影。每一刻都精准,并非一件易事。少了惊喜,却能满足你对于通俗情感体验的高质需求。韩国人用商业片触碰重大事件,本就是值得我们学习的事情,政治层面暂且不谈。就如今年的《我能说》,用喜剧的方式讲述慰安妇,商业片能让大众更易接触到事件的核心,可看性增强之后,我们才有心思去思考背后的意义,这比怼到人脸上呈现痛苦要强得多。自然,《我能说》在拍摄上确实太过平庸。然而《出租车司机》通篇下来,几乎一点不落地达到了一个一流类型片的水准,煽情的部分全然没有令效果打折扣。结尾出租车的追逐戏,可以说是韩国影史上又一排得进名词的令人印象深刻的场面。 Top 4:《生存家族》想象力,可看性与现实意义齐飞。优质的超现实题材,明媚的轻灾难片。失去电力后,一家人难以生存,骑自行车出外寻生。抓猪斗狗,吃猫罐头,喝电池补充液。不仅想象力超凡,也把很多很硬的细节拍出来了。好看好玩之余,揭示了面对灾难的人性。也是题材开拓上的又一创新,灾难片也可以是日常生活电影。最后就是,饰演女儿的小演员葵若菜长大了哟,真可爱:) Top 3:《人生密密缝》影片讲的是性别认同,却不曾想是以孩子的视角来讲述。敏感题材的大胆假想,却足够打动人。毛线织成的性器官穿插着整部影片,关于器官与性别的探讨,形式与内在。这样一群本就无错的群体,莫名成为了被社会冷眼看待的人,令人心疼。因而看到类似作品的优质先行者,我就会给出极高的情感分,也可能是简单地因为,片中面对认为自己是女生的儿子,为其戴上胸罩的母亲。这部作品,在尝试着令你感同身受。生田斗真演技精湛,柔美成熟,比女人还女人,一举一动细致入微。这个角色的演绎,已经值得所有赞许了。只是如果有提名或者获奖,哈哈,这个该给最佳男主角还是最佳女主角呢? Top 2:《帝一之国》今年上影节最期待映画,改编自同名人气漫画作品。对于这部电影我本就怀着极高的期待,它却依旧让我惊喜。在一个将近千人的影厅中,全场观众从头至尾一起啪啪啪鼓掌十余次,真的是好笑又好看。争个学生会主席都能拍得这么劲爆。从去年看完《濑户内海》之后就开始钟情于这样的优质漫改。你可以很轻易地对着电影里的一帮人,说他们幼稚胡闹,但是能够让观众相信这么一个扯淡的世界,远没有你想象得那么简单。影片在富有漫画感的同时,并未丢失电影性,导演似乎已经有了自己的一套方法,用非常扎实的手段塑造了这样一群年轻的人物,且让人物的功能与漫改的气质浑然一体,弱化了观众对于功能性的反感。而后用无厘头的幽默让这种富有快感的题材点燃你心中熊熊的中二之火。如果单纯就本片的可看性而言,几乎可以满分。从此成为菅田将晖的脑残粉。Top 1:《乱莺》新感线剧团制作,将舞台剧摄制成电影。与上一部作品不同,我一开始并未抱任何期待,只是喜欢这样的题材,大隐于世的侠盗,想说就算是单纯地把舞台剧录制下来,这样成熟剧团的作品,肯定也不错,没想到它却会这样出人意料得好。它用极高的质量向我阐述了一个或许可以被叫做“剧场电影”的概念,它并非只是对于舞台的记录,它有电影语言的存在,电影的摄制方法令它锦上添花。导演在见面会时候说道,这部作品采用了18个机位,跟了好几场演出。另外,电影特效似的舞台特技也令人眼前一亮。而对于舞台剧来说,更多的当然是对于戏的强大把控力,以及演员堪称完美的表演,节奏把握非常精准,精气神俱佳。其实我想用某个精准之上的词来形容,却暂时找不出。或许可以说是,一般情况下,我们看的电影都是用非常生活的方式演绎的,创作者也反感将舞台的节奏代入电影创作之中,然而在这样一部“剧场电影”中,观影是游走在舞台与电影之间的,渐渐适应了强度极大的表演后,你会抛弃形式的枷锁,发觉自己尽情享受在这样的表演中。再加之音效、舞美的代入,氛围极富史诗感,真的太精彩好看了。有这样程度的佳作,管他到底算什么形式,它比许许多多的电影都要好看得多。其实,不论你如何创造电影世界,只要它引人入胜,调动了你的情绪,足矣。记录完毕,明年再来。作为冲田修一脑残粉的笔者已经看到了,2018年又有他的新作上映,预订了我的明年十佳。最后,祝大家新年快乐。

  • 分享 | 皮克斯动画人物幕后手稿!

    1986年,一家年轻的动画制片公司凭借一部名为《顽皮跳跳灯》(Luxo Jr.)的三维动画短片向世界宣告着计算机三维动画制作的崛起。尽管当时的三维制作技术正处于发展阶段,这部动画短片还是凭借精湛的制作技术将两盏普通的台灯赋予鲜活欢快的生命色彩,完成了一部叙事流畅、节奏欢快的经典。后来这盏台灯成为了公司的标志,它身上带有的大胆、活泼、创新甚至少许嬉皮也被视为这家公司与众不同的形象,这家公司就是皮克斯动画工作室(Pixar Animation Studios)。皮克斯经典Logo在之后的三十年里,皮克斯创造了太多的动画经典,不论是以玩具视角观察孩童的《玩具总动员》,还是充满视觉感染力的《海底总动员》,或是凭借大开的脑洞席卷票房的《头脑特工队》,每一部皮克斯动画在大获成功之时,也深深嵌入80后、90后甚至00后的童年记忆当中。皮克斯动画之所以在迪斯尼这样的老牌动画制作公司手下异军突起,除了诙谐又不失温情的故事、简单流畅的叙事能够吸引观众外,先进三维动画技术制作出的细腻真实的场景也是皮克斯动画的一大卖点。可以说,皮克斯不仅是新生代动画的代表,更是世界计算机动画制作的领头羊。皮克斯动画人物大集合2015年10月8日到2016年8月7日,纽约库珀•休伊特史密森尼设计博物馆(Cooper Hewitt,Smithsonian Design Museum)正在举办的“皮克斯:故事设计展”(Pixar: The Design of Story)就为观众展示了皮克斯动画幕后的制作故事。在这里,高超的制作技术也不过是简单的手绘素描、鲜活的油画和栩栩如生的雕塑。“皮克斯:故事设计展”展览现场,观众正在体验数字交互装置在此次展览中,观众将如同置身于动画实验室,透过近650幅手绘电影效果图、人物原型和故事情节图,领略到皮克斯对每个动画人物性格表现和镜头语言上的精益求精。例如在这些手绘图中,观众能看到《玩具总动员》、《飞屋环游记》、《机器人总动员》、《勇敢传说》等经典动画片最初制作时的样子。对比最终在大银幕上呈现出的那些表情细腻、情感丰富的经典主角,观众们能了解到皮克斯在实现动画角色塑造方面的创新和努力。色彩捕获,2004超人总动员,Lou Romano作品,数位板绘画2008机器人总动员,Jay Shuster作品,纸本淡彩2008机器人总动员,纸本淡彩2007“料理鼠王”雷米动画造型2015头脑特工队,Ricky Nierva作品,纸本水彩正如,皮克斯动画工作室首席创意总监约翰•雷斯特(John Lasseter)所说:“在皮克斯,视觉设计(美术)和故事情节(编剧)从一开始就被融为一体,此次在库珀•休伊特设计博物馆的展出让观众更深入地了解皮克斯工作室是如何将上述两点融合的。”在视觉设计上,皮克斯对电影中的每一个细节都经过认真审核的,设计过程却基于几个简单的方法,美术团队使用的是最传统的素描、油画、雕塑技能。之后在编剧与美术之间反复探索、商讨和协作下逐渐明晰,最终由角色设计师绘制。胡迪制作过程此次展览以数码交互的方式再现了《玩具总动员》中的牛仔胡迪(Woody)是怎样通过“由内而外”的设计,演化成形的:胡迪最初的样子《玩具总动员》讲述了一群玩具之间关于友谊的故事,动画故事的独特叙事方式开了以玩具视角主导电影故事的先河,这就特别需要设计玩具之间彼此连接的关系,也正是这样,早期的胡迪像是一个提线木偶,他的造型灵感来自于人物玩偶查理•麦卡锡(Charlie McCarthy)和演员巴斯特•基顿(Buster Keaton)的组合。与此同时,皮克斯团队也在设想另一个角色巴斯光年(Buzz Lightyea,最初他的名字叫Lunar Larry),他们首先要在形象形成对立。为此,胡迪最初还有一只“缝纫”出的下巴,但在后期制作中,为了更突出胡迪的“手工化”,他变成了一只提线玩具。Jeff Pidgeon手绘稿这张手绘稿来自于杰夫•皮金(Jeff Pidgeon),他用乐观的精神赋予胡迪另一种性情。尽管以3D电影的角度看,杰夫的这张手绘稿并没有显而易见的风格和多维的视角,然后在当时,却成为了《玩具总动员》中胡迪最早的形象,通过这个形象,激发了创作团队关于电影的各种想法,也塑造了胡迪更多的性格。即使到电影的后期,胡迪的角色变得并不讨人喜欢,但这依旧要在他的身上找到吸引观众的地方,这也是对制作团队提出的挑战。Bud Luckey雕塑虽然,皮克斯公司特别强调用手绘制定人物的个性,但电影是三维的,这就需要用雕塑去完善形象。这个由Bud Luckey所创作的雕塑,有助于完善二维草图和手绘动画的不足,是电影细枝末节的造型和光影变化有更多的依据。Bud Luckey手绘经过多次试验和成千上万的草图的积累,创作团队终于渐渐开始清晰他们所需要的胡迪的模样——柔和、友好、热情,且认为自己是权威之一。Bud Luckey绘制的这张图成为了胡迪养成中关键的图像。这部电影邀请了汤姆•汉克斯和蒂姆•艾伦为角色配音,当时很多观众会以为胡迪的形象会接近配音明星,而事实上,动画师仅仅利用了汉克斯的身体语言,而没有使用他明显的面部特征。Bob Pauley手绘稿这张来自《玩具总动员》的艺术总监鲍勃•波利(Bob Pauley)的手绘稿几乎是最接近电影中胡迪和巴斯光年形象的一稿。图中还透露出在原始概念中主角的高度(巴斯3英寸,胡迪15英寸),然后,在一部电影中两个主角的高度差距,使摄影机角度出现了问题,甚至镜头会呈现蚂蚁和大象对话的画面感。最终,电影团队将巴斯光年的形象变大为6英寸。最终《玩具总动员》中胡迪和巴斯光年呈现的形象在故事情节上,整个电影制作过程是一个设计的过程,交替迭代的规划和实施都集中在讲述故事中。皮克斯动画工作室需要想象出一个世界,然后为它设计人物,让故事发生。在这个想象出的世界里,动画设计师们化身建设者,他们安排动画世界里的一切,然后把想象变为“现实”。2006年汽车总动员Ornament Valley场景为此,创意团队切身考察了许多生活案例。比如,《赛车总动员》中西方景象的颜色取材于66号公路的泥土样本。《飞屋环游记》中的屋子是基于加利福尼亚州伯克利的维多利亚式住宅,经过一系列精细工作和建筑细节成形的。卡尔的房子,2009飞屋环游记,Don Shank作品,数位板绘画飞屋环游记里卡尔的造型皮克斯代表的既是二维手绘动画时代的谢幕,也是计算机三维动画制作的起点。在电脑技术迅猛发展的当下,我们有理由相信掌握了先进动画制作水平的动画界将为人们带来更多视觉上的感染和冲击。然而,皮克斯之所以成为皮克斯,除了精湛的技术之外,或许正像展览所呈现的那样,是一张张用心创作的手绘稿,一次次匠心独运的设计,也是一个个孜孜不倦的创作人员,成就了三维动画的勃兴,也成就了皮克斯的今日神话。回忆走进电影院的经历,或是兴奋,或是惊喜,或是失望,其实一部好电影也许并非遥不可及,只要“好好讲故事”就够了,只是这五个字,字字珠玑。转自火星网

  • 幕后 | 我们能从皮克斯动画短片《鹞》中读到了什么?

    故事中感性的部分——相机组的运用与配乐的选择《鹞》这是皮克斯的动画师Alan Barillaro的导演处女作,是在他的工作室附近跑步时,在海滩上看到他发现很多小鸟捕食但不碰到海浪的情景,灵感由此而生。这片子我连着看了六遍。对导演Alan Barillaro的采访,我也是看了遍数。本片导演Alan Barillaro在接受访谈时曾说过这样一段话:如果你让画作本身或者电脑代替你来做决定,你就陷入一个“现实主义”的混乱里了。你会失去故事中感性的部分,那本可以是非常美的部分,你可以制作出非常美丽的画面。而且我认为,这样无法表达出你本来想表达的东西。失去故事中感性的部分,无法表达出你本来想要表达的东西。这可能解释了,为啥本土的动画电影画面已经非常美轮美奂了,但观众却总是觉得差那么点意思。也说明了,为什么《大鱼海棠》的画面每一帧截出来都可能是一个没有瑕疵的桌面,却不如《大圣归来》让人印象深刻。因为失去了故事中感性的部分。本片打动你的可能是那个萌萌的小鹞,可能是那只更萌的小寄居蟹;可能是这个励志的小故事,可能是故事本身带给人的思考;可能是美轮美奂的画面效果,可能是自然真实的特效制作。而整部影片最打动我的,是导演对相机组的运用和对亚德里安.比劳配乐的选择。故事发生在人们熟悉的沙滩上,导演却用微距拍摄长镜头的方法,给观众一个从未有过的新视角。开篇由一只鸬鹚通过焦距的变化,引导到两只鹞上。然后紧接着是一群鹞配合着潮起潮落进行运动,画面在打造野生动物纪录片的感觉。然而镜头随着一只鹞因为怕着水,向左侧画面飞起,引导出了小鹞所在的窝。导演再一次通过景深变化的手法,去模拟野生动物实拍是常用的微距拍摄的效果,整个故事的开篇一气呵成。导演这是在用相机画画,不断引导着观众的视线。在采访中,Alan Barillaro导演是这样表述的:我希望了解我的摄影机和镜头组,了解制作电影时用哪一个拍摄能给观众提供不同的观感。CG制作中令人兴奋的是这是个有电影制作者决定的领域,镜头和呈现的方式的选择让你可以看到一部完全不同的电影。而对于我来说,这是从一开始就想要做到的。同样是CG从业者的我,被这段话深深感动着!我们这一代人出生开始看的就是有声电影。虽然也在电视和一些视频资料中窥见过默片时代的精品。然而,在现今这个时代去制作一部令人感动的默片,似乎从骨子里就没有过这个想法。而《鹞》则是一个彻头彻尾的默片,整个影片没有任何一句台词,完全是再用音乐讲述故事。我们这一代人大部分是不听古典音乐的,因为觉得古典音乐木意思。真的吗?古典音乐是带有强烈的画面感的,亚德里安.比劳的音乐不单有画面感,而且有着强烈的个性。你可以试着点开影片,遮挡住画面,闭上双眼去感受音乐带给你画面感。你一定会被这段音乐深深的吸引,或者轻快、或者低沉、或者跳跃、或者激昂,生动有趣,活泼轻巧,用尽一切赞美之词都不为过。短短的六分钟,他可以让你感受到非常浓烈的情绪上的变化。快去感受一下吧。推送这部短片,我想表达的一个观念是,除了关注各种画面和特效的技术外,大家同样应该关注镜头语言的使用和配乐的选择。最后再给大家展示一小段影片幕后制作的解析。转自cg世界

  • ​《我是歌手》第三季总决赛宣传片创作手记

    Day1:谁是歌王?《我是歌手》导演组最初希望拍摄这支宣传片时,除了制作规格,更希望我们能够深挖这个节目里的观众需求,给予节目新的定义甚至是提升。把这档节目的情怀用画面和文案表现出来。而不只是简单的喊出“我是歌王”这个口号。所以最初我们想的是,在节目结束后,我们希望观众记住什么?不是记住某个特定的人、某首特定的歌。所谓歌王,不仅是歌曲之王、技巧之王,真正的歌王,应当能让人们去听到生活中美妙而微小的悦耳之音。于是,我们引力太空策划组的人坐下来,仔细地、反复地看完每一期节目,细到每位歌手说的一句话,每位歌手的表情。把他们所有的歌全部听一遍,一起来说每个人对于他哪首歌的情感表达最为喜欢,最被打动。甚至精确到哪一首歌的哪个旋律、哪一句、哪个词。研究每位歌手呈现出来的性格。把他们纪录下来。Day2:世界如果没有音乐,那会是怎样?这次,我很有幸的找到了吴梦知跟我一块来聊。聊这个创意的时候已经是半夜。最初我们讲的问题是:世界如果没有音乐,那会是怎样?梦知说她最近在看一本书叫《艺术让人成为人》。一些史学家认为,音乐的起源是人渴望模仿悦耳的自然之声。她就和我分享了其中一段:“大部分时间我们的生活环境都不是事先计划的,我们听到的声音都是碰巧出现,一架正在起飞的飞机,紧急的刹车,电吹风,或者是一列驶向路口的列车。在人类情感第一次觉醒之时,也许猛犸正在发出咆哮,世界上绝大多数人仍被讨厌的噪音所主宰。”后来人自己创造了选择的可能性,木棍和石块的敲击声触发了节奏,那节奏产生之后就产生了音符、音阶,于是他们把它融合在一起,就变成了旋律,然后就有了音乐的产生。聊完这些,我们都觉得非常的妙。为什么《我是歌手》这档节目被大家这么认同,其实很多的是因为,除了音乐和旋律之外,歌手富有情感的歌唱,让人之所以为人。Day3:声音的起源?于是,我确定要去做一个属于声音的短片。讲述我们与声音的关系。我首先从日常生活里挑出很多被讨厌的声音,例如人流嘈杂、相机快门、垃圾倾倒、齿轮转动、天灾人祸的声音;他们对抗着地球、太空舱、卫星等代表真空的沉默;又拎出很多被我们忽略的音效,例如水槽下水的声音、绳子抖动的声音、电话的忙音、甲虫爬行、鱼的游动、鸟扇动翅、冰块融化……这一系列画面里,存在着各式各样的声音,也许我们忽略它、讨厌它,但是,噪音对抗了沉默,节奏产生了音符、旋律,人们开始用三角铁、手鼓的声音表达情感,继而有了歌手的歌唱。图:被忽略的声音—绳子甩动图:被忽略的声音—水滴落下Day4:我们和声音有多少种关系?在歌手演唱的部分,我希望打造出几种极致的地貌跟他们的声音来配合。体现声音与歌者的关系。因为当你闭上眼睛去听歌手唱歌,他们的歌声在听者脑海中是有画面联想的。比如谭维维的灯塔之光、郑元淳的城市夜景……在韩红演唱时,我们希望做一座大家都没有看到过的山。虽然我们经常收集全世界各类影像,但实际上引力太空的很多人,包括国内的年轻人都很难得休假,很少真正能走出去看看冰岛那边的地貌是什么样子,去看看地球最北边的山是什么样子,所以其实这一点很惭愧,为此我们去翻阅了很多很多资料,加上我们的理解,由原画设定来创作全新的地貌影像。图:韩红《故乡的云》设定图图:韩红《故乡的云》成片截图Day5- Day6:最大的挑战?拍摄时长还挺残酷的,每个艺人也就给我们两个小时拍。前期得完全想好他们的表现以及现场跟他们的沟通方式。从长沙到北京,从北京到长沙。拍摄时间也就两天。片子最大的挑战其实是必须在很短的时间内,拍完很多个动物的运动画面。这次我们使用了Phantom v642高速摄影机,最高升到了1200格。但最难的不是技术方面,而是怎么去跟这些动物演员说戏。几乎就是三个字,“碰运气”图;鱼儿游动成片截图图:甲虫爬行成片截图Day7:拍摄宣传片的技巧?拍摄完成后,我们有不到10天的时间来做所有的后期。庆幸的是,这个案子上面没有遇到需要修改创意和颠覆想法的问题,并且,我以前但凡在后期制作过程当中,需要修改创意和颠覆想法的片子几乎都是失败的片子。后来有人问过我拍宣传片有什么技巧,我觉得其实没有技巧可言。不管是电影的拍摄,TVC拍摄,还是宣传片的拍摄,导演他一定需要对这个片子的各个细节,镜头衔接表达的内容了然于心,千万不能够拍脑门上阵,前期筹备的仔细,纠结,极致,是一个作品质量的唯一保障。如果想要通过后期来补充前期拍摄时没清楚或者缺陷的地方,这个作品一定会失败的。尽管《我是歌手》宣传片中使用了很多特效镜头,以至于后来许多网友问里面的特效如何制作的。但是我一直避免去强调技术。特效是画面实现的一个基本手段。技术的根本是感受,有了感受、才能用技术手段加以表达。感谢:洪涛、吴梦知、曲世聪、华晨宇、李健……《我是歌手》是我非常尊敬的一档节目,参与的歌手每一位都是大伽,他们在那个舞台上要接受观众的审阅,要被投票、被评判,被排名,我觉得他们有非常牛的心态。李健讲过一句话我觉得很能描绘这种心态。他说:老了,我希望越活越开阔,但仍然对世界充满好奇,对身份地位保有平常心。这两个关键词我很喜欢,有了开阔和好奇心,导演就可以去感受不停变化的时代,但是又能够很好的去接纳时代的变化,并且尊重新兴产生的艺术、文化,观点。这是我觉得作为一个创作人,能够创作出年轻内容、并且保持质感的心态出发点。图:与李健在拍摄中这次创作纠集了各个行业的各种大神来跟我们合作。比如音乐圈的曲世聪老师,湖南卫视鼎鼎有名的文豪吴梦知。还有最后被网友评为#最美声优#的华晨宇(其实最初曾想邀请洪涛老师担任旁白)。在和他们的合作当中,我和我们引力太空团队的小伙伴们学习到各个领域、各个专业“开挂的高技能”。我们的其他项目,也会根据项目需求,来和不同的专业大神合作。团队介绍:引力太空的“杂交基因”从创办引力太空工作室以来,我们的创意宗旨就是:做出这个市场上没有的作品。所以在创作时,我们的团队成员不是仅仅站在一个设计师,或者一个导演的角度。而是站在一个企划的高度来创作。比如做唱片视觉,我们会从视觉统筹的角度,把平面设计,插画设计,字体设计,MV拍摄,甚至企划概念全部放在一起。当站到这个高度来看纷繁复杂的设计种类,或者制作种类时,你会发现中间有很多共通的地方。现在我们常说:大屏时代,中屏时代,小屏时代,但是屏屏相连,谁也不敢保证往后的几年,电影是不是真的还叫电影,电视是不是还真的就叫电视,网剧是不是还是称为网剧。我们发现,很多网剧被拍成像电影那样子(像《纸牌屋》这种剧集,严谨的虚实结构超越了很多电影)。说得虚一点的话,我觉得影像的创作都是共通的,平面设计可以说一个故事,一张画可以说一个故事,一个短片也可以来说一个故事。这一次参与《我歌》宣传片的小伙伴,有设计师、插画师、字体设计师、原画设定,有导演,有很爱收集网络小说的人,有一心想成为制片人的人,有特别牛逼的摄像师,有原本是顶级吉他手出身,但是突然改行做剪辑师的人。杂家会聚、天马行空。大家集体头脑风暴,观众可以看到作为一个平面设计师对动态视效的理解、看到吉他手剪辑的节奏感,看到电视人出身的导演对当下文化的理解等等。这是引力太空的“杂交基因”。注:本文受v电影邀约,由彭宥纶录音整理,仅供v电影独家发布,如需转载请标明出处本站文字和内容均为作者原创或翻译,新片场不会对原创文章作任何编辑。转载前请务必通知本站并注明内容来源(新片场)附以原文链接( http://www.xinpianchang.com/e1837 )。 本站内容欢迎分享,但拒绝有商业目的的转载!

  • 《银翼杀手2049》:并不是雷德利·斯科特的经典翻版

    对许多影迷来说,2017年最值得期待的电影是《银翼杀手2049》(Blade Runner 2049)。不知何故译名为「银翼杀手」的《2020》(Blade Runner,1982)是电影史上极重要的科幻电影,融会了黑色电影(film noir)的风格,越高峰、创先河,隔了35年开拍续集,自是万众瞩目。电影未正式上画,西方已是一片好评,有人大赞这是「杰作」,有人认为更胜原作,如英国《卫报》首席影评人Peter Bradshaw 就表示新作兼具讽刺、悲剧与浪漫,在原版之上作出了令人震惊的扩展和改进(a stunning enlargement and improvement),这就令影迷更期待了。可是电影公映后,票房竟未如理想,首周甚至大有滑铁卢之势。主要原因,是对普罗观众来说,《2020》只是遥远的经典(原作当年票房也不算好),年轻观众未必看过。而原作影响力虽然深远,却不像《星球大战》(Star Wars)一类作品家传户晓、深入民心。而且不论原版和新作,皆故事深奥且不以特技、动作招徕,加上篇幅长、节奏慢,取材、选角又不特别吸引观众。影迷说是非看不可,一般观众倒是呵欠连连。让我们回归基本︰在一众好评眼中,《银翼杀手2049》到底承传、发展了原作的什么?在摇头失望的观众眼中,这部戏的缺失又在什么环节?我们应该怎样理解两者的分歧?在网上,熟悉原作的影迷已有许多深入、精彩的讨论。大体来说,影迷都认同导演丹尼维尔诺夫(Denis Villeneuve)有野心,有强烈个人风格,敢挑战原作高度,却也没有乖离深沉的格调、玄阔的主题。原作透过生命有期限的人造人/复制人,诘问:人之所以为人的条件——既有玄之又玄的「灵魂」说,也有恻隐心的人禽之辨;质疑「记忆」的真幻——如果记忆可以挪移、植入,那「我」又如何确定什么是「我」;思索「爱情」的真谛——两情相悦到底是怎么回事?被需要的感觉会否也只是虚拟?抨击人类试图成为「创造主」的虚妄——操控生命的长短与活着的自由;批判资本主义的制造出来的贫富悬殊、奴役制度、族群分隔——也就是那眩目的上层光影迷幻下层雾霾湿冷对照的世界;人伦关系的重新设想——假如复制人可生儿育女,其子女到底是人类还是复制人?最后还有对抗命运安排的思索——无论是真人类还是工具人,在死亡的大限、绝对的荒谬面前,我们可如何面对、自处?议题相当丰富、复杂,供观众自行发掘和省思。在新版中,上述议题大体都保留下来,而且更有新加的发挥。例如关于爱情为何物的探索,新作就以Ana de Armas 饰演的虚拟人物程式Joi,继续向虚空处发掘。人工智能如果能够发展出阅读人心、回应需求的能力,能够作出度身订造的身心「照顾」,拟真程度又几达具象层次,那人类对之的依恋,是否算做「爱」?是自我麻醉的安慰,还是别问我是谁的沉溺?人工智能的关顾若能贴心如此,「直教生死相许」(不管是否只是预早设定了的程序),超越功利,真爱与虚情的分别到底在哪?又,复制人的思维(对创造者和上级极端服从)、肉体(即使重伤仍是面不改容)、情感(毕竟连系到性格发展的童年记忆都是虚构的)都与一般人大异,他们对「爱」的认知和需要可怎样理解呢?《她》(Her,2013)这显然是继《她》(Her,2013)后最令人印象深刻的探讨了。又例如新作所描绘的未来世界,在「大停电」事件后更见苍凉,树木几近消失(因此连木马小玩具都能卖出高价),许多地方都不见生物踪迹,食物要靠「蛋白质种植场」生产(吃蛆虫煮成、加工的食品?),受战争脏弹污染的地方则几若沙漠。地球资源消耗殆尽,唯有靠复制人到境外殖民地完成艰辛危险的开拓任务。这是《星际穿越》(Interstellar,2014)的科幻同宗了。至于「出生」于大停电后的新款「银翼杀手」复制人男主角K,在执行任务期间因为种种奇遇,对自我的身份和价值开启了思考,展开了「寻父」之旅,这则是《人工智能》(AI Artificial Intelligence,2001)的机械小男孩的变奏。这些都是原版电影没有触及,又或隐而未发的部分,难怪影评人称赞这是「enlargement」吧。拜服原作的影迷未必会认同这些发展。例如网上有篇文章《小K沦为跑龙套,49如何成经典?》,就全面、详细地搜括、分析、比较了原版与新版的内容,认为新版「众多被点出的主题,都非常有意义,非常重要。」然而电影只能做到网罗、陈列,例如上述两点可与近二十年的科幻大作的对应,便写得未若前人作品的圆熟、深入,因为新版导演未能「将诸多矛盾对立、针锋相对、似是而非的概念,穿插并列、融合交织,冲击我们既定的思维,逼迫观众重新分析思索」,因此未如原作,难成经典。那篇文章分析相当详尽,据他所言,新版的各处新旧元素确未能圆熟整合,但如果我们从另一角度看,也许有别的看法。文章副题为「小K沦为跑龙套」,他的批评有不少是围绕K这个角色开展的,如他从头到尾一直预设,K的角色有如耶稣,是「奇迹」之子(片中常提到的miracle),会带领复制人进行革命,解放同族,找寻救赎,但故事完全走往相反方向。「表面上导演想讲的是K以大爱征服小爱的悲壮故事,但实际上却把K的身分做小了……这并不是一个由冷感仿生人进化到感性仿生人的成长故事。K从头到尾,并没有太大的改变。」问题是,假如我们不作这样的预设,又或者开放地接受这层转折是导演的主题所在,结果又会怎样?新版的故事发生于「大停电」事件之后,世界更加苦困,环境更加恶劣;复制人在原版故事及「大停电」事件后遭勒令停产,后来才重新开发,新版能力更强,却也更为服从,若看过新版电影的三部先导兼宣传短片之一的《2036:复制人时代》(2036: Nexus Dawn),当知道新版复制人即使收到主人要求自虐、自杀的指令,也会毫不犹豫执行。这是个比原版更监控严密、人性苍白的时代,故此K的故事发展或许不似预期,但悲剧荒谬,其实更合符整体气氛。《2036:复制人时代》(2036: Nexus Dawn)事实上,我们不必视新版的K(Ryan Gosling 饰)为原版的Rick(Harrison Ford 饰)的延伸或对照,反过来,K的对照应是原版那充满诗意的复制人的Roy(Rutger Hauer 饰) 。「K原本就已经是个感性的仿生人」,事实刚好相反,K的设计先天就比Roy更不感性(原版的Rick是否复制人从来是影迷争相讨论的谜,写得神秘暧昧;K却在第一场戏已明白告诉观众他是复制人,两者的出场已不相同),所谓「从头到尾,并没有太大的改变」倒应从另一角度理解了。K并不是没有改变,但他的改变,不是从杀手变成耶稣,也不是从冷感到感性,而是一直介乎两者之间,并未完成。悲剧,才是新版的主旨,才是新版的力量所在。相对于原作电影的Roy,他早就找到至爱Pris,有一定艺术感知,懂得欣赏「美」,到最后还人性地拯救了Rick,坦然接受自己的死亡,有「爱」,有「诗意」 ,有「人性」,也有「生死观」,那是比许多人类更人类的表现了。新版的K呢?他对「性」无甚需求,即使是Joi为他找来妓女来了场兼具虚拟视觉和真实肉体的性爱(Mackenzie Davis 饰演妓女的造型相当像原版的Pris),作为他成「人」之礼,事后他也无特别喜悦的神情,而且他到最后是否仍爱着Joi,实是未知之数(在原版中Rick与Rachael的互动愈来愈亲密,情感在疑惑慢慢建立;K则在Joi 「死亡」后,对巨大广告定了神,似乎在质疑Joi的一切行为是否只是设计好的商业功能),无论是从「灵」或「欲」看,K的「爱」都不完整。K对音乐有一定认识和兴趣,但直到见到Rick,他才特别留意起音乐对自己情绪的影响,然而就像那忽现忽灭的猫王和玛丽莲梦露虚像,他的「艺术」感知仍未发展成熟,更不要说能够出口成诗了。他的「人」性呢,当他知道原来自己不过是「棋子」——记忆是植入的,希望是虚幻的,父母不存在,自己不是特别的一个,他本来想成真正的「人」的想法就已幻灭。他唯一能做的,就是掌握自己的「死亡」方式。革命军的反抗他看不到了,Rick父女重逢的奇迹他看不到了,「生」路不复再,人间的真善美他也只模模糊糊地有个大概印象。可是他仍选择拯救了Rick。Roy为何要救Rick?K的死再次回应了这问题。也就是说,K并不是Rick的再版,反而是Rick的「前传」。假如K能不死,他的爱、诗性、人性、生死观能发展下去,他也许会成为Rick,也许会成为反抗军领袖,甚至能成为完整的人。可是,K在结局只能看着灰色的雪雨,直至死也不知如何反应(或观众想见到的丰富脸部表情)。无论是从「灵」或「欲」看,K的「爱」都不完整。这是彻底的悲剧,如果我们要批评《银翼杀手2049》没有「灵魂」,从这个角度看,其实导演就是要塑造没有灵魂的世界,故此许多元素都是零碎的,无法发展完全的,连原版令人印象深刻的人声杂沓、马路泥泞的肮脏贫民窟都没拍,只是空虚的沙漠——其实在三部先导兼宣传短片之一的《银翼杀手2048:无路可逃》(2048: Nowhere to Run),是有呈现这些贫民窟的,可见是丹尼维尔诺夫刻意舍弃(上述两部短片都由Ridley Scott的儿子Luke Scott执导)。《银翼杀手2048:无路可逃》(2048: Nowhere to Run)正是这个趋近寂灭的世界,蜜蜂的生生之姿才显得重要(最近好像又炒起蜜蜂灭亡人类将灭绝的论调),也正是这个悲剧得令人茫然的世间,才会逼出复制人的革命大军来。这样看,新版的各处新旧元素其实并非未能融合交织,而是环环相扣令K的可悲更为升华了。只要我们不斤斤于要以新版的K对比原作的Rick,甚至不强求《银翼杀手2049》要继承的《2020》的诗性的味道和黑色电影风格,我们就能欣赏导演丹尼维尔诺夫的用心。他拍的是自己的作品,不是仿造Ridley Scott的原版经典。在主题上,新版中成为奇迹图腾之一的「隐型」生母形象(因为已经离世),她在生时的那份坚守,与及「奇迹之女」对儿时记忆的执念,不能说没有导演前作《焦土之城》(Incendies,2010)和《降临》(Arrival,2016)的母性元素。至于《银翼杀手2049》的疏冷氛围、孤僻人格、暧昧结局,我们也在《囚徒》(Prisoners,2013)和《宿敌》(Enemy,2013)中见到更全面的发挥。《降临》说起《宿敌》与《降临》,则不能不说其摄影风格。原版《2020》的摄影风格是很传统黑色电影风格的,烟雾弥漫、光线湿冷、画面明暗对比强烈,丹尼维尔诺夫虽不是完全扬弃,但明显有自己的创造和取舍。其实他不是不知道原版摄影的神髓的,原版像在暗室议叙一类情节时冷光透过窗户/百叶帘照得人一抹明一抹暗的画面,在另一套先导兼宣传短片(这次是动画) 《银翼杀手︰2022大停电》(Blade Runner Black Out 2022)其实也有重现(由日本导演渡边信一郎执导)。《银翼杀手︰2022大停电》(Blade Runner Black Out 2022)丹尼维尔诺夫却不喜欢将这样处理,他不要蓝调的阴冷,反而在一开场用了《降临》般全面的「灰」,在沙漠场景用上比《宿敌》更彻底的「黄」,画面更空洞、苍凉(有时候甚至没什么物件在内,只有一棵枯木,或几尊巨大的奇怪雕像),殿堂级摄影师罗杰迪金斯(Roger Deakins)居功至伟。《银翼杀手2049》的空虚感,正可见于丹尼维尔诺夫这次刻意地使用单点透视(One-Point Perspective)的构图,而且运镜相当平稳、缓慢,这本来是库布里克(Stanley Kubrick )的得意绝技,丹尼维尔诺夫学了个六七成,一片被死寂的空间包围的感觉却更为强烈。新复制人幕后主脑(Jared Leto 饰)的「宫殿」固然没有半点生气(除了首次出现,几乎每次都有人在内里死亡),而像K初遇Rick的古雅大宅,设色、装潢虽然与《 2001 太空漫游》(2001: A Space Odyssey,1968)里主角在变成「星童」前身处的诡异居室大有不同,但那种空冷无人住的感觉却也不无可对照之处。其实导演就是要塑造没有灵魂的世界,故此许多元素都是零碎的,无法发展完全的。常有西方影评人说诺兰(Christopher Nolan)是当代的库布里克,其实丹尼维尔诺夫学得更像,不单同样挑战过人性、战争、科幻议题的电影,连那份沉静的节奏、冷观的氛围,都显然受到大师的影响,不像诺兰般画面零碎、剪接频密。当然,这样的风格和节奏,对普罗大众是难以接受的。这不单纯是所谓步调缓慢、文戏为主的问题,而是整个氛围,加上故事的主题,连最后Rick父女重逢的感动,都消散在茫茫雪海之中,疏冷得令人无处感动。我们看惯传统阳刚英雄,看惯悲剧的神话英雄,也看惯近年常见鄙视世俗的反英雄,但K不是英雄,他只是个不完整的人,这也许才是观众难以投入、移情的原因。再者,一如上述,《2020》的影迷想重复原版的体验,无法接受以「这是丹尼维尔诺夫作品」先于「这是《2020》的续集」的角度观影,落差感就更加大了。《银翼杀手2049》到底是否经典,还待岁月印证,但这确是好莱坞近年处理最大胆、制作最精良(摄影尤令人印象深刻,那不是眩目,而是崇高感)的科幻片。无疑,影片也许仍难跟原作比肩,但只要找对角度,就会欣赏到丹尼维尔诺夫的用心——没有“灵魂”的电影,原来都可以令人看得出神——正是那份空虚,还有K的悲剧,逼着我们反求诸内心,反省自己是否完整的人啊。

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