全部忽略

提示

你是否要取消绑定(第三方名字)账号?

确认 取消
取消 确认
         浏览器版本过低,为了正常使用请升级浏览器,推荐使用Chrome浏览器
全部文章
  • 8K到底是未来趋势还是性能过剩?

    4K还没用热乎,8K的话题却被炒得愈演愈烈一部分人鼓吹“8K趋势不可阻挡”,另一部分人则乐于抨击“8K带来的性能过剩”就连小编也时常被追问:“你们什么时候能改名为Oh8k?”就在最近,一篇讨论“8K在未来势不可挡”的文章,在国外引起了一场不小的争论本着不吹不黑的态度,小编也专门把文章搬运过来,供大家讨论你怎么看?可以在评论区告诉我们以下为原文:你想在影视行业处于落后地位吗? 过去20年里,人们关于分辨率的争论从来没有停止过,只要提到4k/6K/8K,你会马上听到很多不同的声音。这本身并不是一件坏事。但现在,是时候该抛开不同的声音来接受8k时代的到来了,8K已经成为无法阻挡的趋势。作为制作者,现在应该对高分辨率工作流程有个清晰的认识。只有这样,当8K广播和电视成为主流时,你的制作内容才不会落后,对于我们来说,8K的到来只是个时间问题。诚然,一个片子的好坏核心在剧本上。从这个角度来说,摄影机的规格,不管是传感器大小、色域、颜色还是分辨率,都不能改变一个糟糕的剧本。但从历史来看,标清到高清的飞跃是影像最大的变化之一,然后是高清到4K。而4K到8K,也是一个趋势。目前,我们在讨论4K及更高分辨率的意义时,大家的意见出现了分歧。有人说我们不需要这么高分辨率的东西。有人说,我们人眼只能感知到有限的分辨率。还有人说,高分辨率带来的收益很低,观众不会注意到分辨率上的差异。文章链接:华纳兄弟最新研究得出惊人结论:观众看不出8K和4K的区别!还有些人说现在很多电视都是720P分辨率,或者干脆认为分辨率是无关痛痒的东西。但是,无论你作为个体做出什么选择,制造厂商和技术行业都是向前发展的,看新发售的摄影机,哪一款不是6K/8k起步?很多上市公司也在坚持不断地创新和进步,因为他们想要在证券交易所能有更好的数据。他们不会这么轻易地停下来说,我们现在已经干得足够好了,而是会去想如何更好的去运营,让每个人都去接受,去享受更高的分辨率。作为创作者,如何面对8K的发展趋势? 一方面是需要去接受和改变,生命很短暂,接受改变对我来说很容易。我愿意在有生之年,尽我所能地向着未来前进,而不是满足于现在已经足够好的东西,这不仅仅与电影制作有关,这是我对生活的看法。这也是我为什么一直无法理解有些人,总是带有偏见的去鄙视某些品牌。只有在我们购买和使用了之后,才会知道这东西是否合适我。不管是ARRI与RED比、Mac与PC比、iOS和Android比、索尼与佳能/松下/尼康比,当你没有去用过时,你就没有资格去评论好坏。要注意的是,“8K”带来的技术进步,不仅仅在分辨率,还有更大的色彩空间,更小的编解码器,更快的传输速度,更高的动态范围,更快的云存储等等。它们的改进,可以极大地改善工作流程以及讲故事的方式。奇怪的一点是,我们为什么从来没有听到有人抱怨摄影机的动态范围越来越大、或色彩空间太大、或文件大小没有占用足够的空间呢?为什么总是分辨率在饱受争议?这与消费者和产品背后的营销有很大关系。4K已经逐渐普及,现在去提8K,很容易让人们产生反感。而且现在4K已经有十多年的历史了,大家对它有了更好的了解,4K也已被广泛接受甚至是成为强制性要求。现在,8K正经历着几年前4K经历过的一样的情况,历史总是惊人的相似。很多人在说“我拍摄4K最终还不是在高清的屏幕上播放?” “我的客户只需要2K,所以我只需要拍2K。”这两种观点看似有道理,但却造成了一种只看眼前的惯性思维。只考虑眼前的东西是会阻碍我们发展的,正如前面提到的,制造商永远不会坐以待毙。行业专家对高分辨率工作流程怎么看? 《八面埋伏》的幕后摄影师Erik Messerschmidt曾在访谈中说:“观众去电影院是为了逃避现实。他们需要更加惊艳视觉体验,而我们有义务给予他们这种体验。因为观众已经习惯了在家里看4K图像,所以我们必须追求这一点,当他们去电影院的时候,我们有义务给他们看更高分辨率的图像,8K拍摄就是一种方法。”Messerschmidt还讲到:“对我来说,我更希望光学成为瓶颈,而不是传感器的分辨率。最高的分辨率和最清晰的传感器对我来说很重要,因为那可以看到光学系统极限的地方。我觉得在那种情况下,我可以根据视觉效果给观众做出更优质的选择。”Frame的Michael Cioni提出了另一种观点来解释人们为何反对8K。“很多人问过的一个问题是,如果大家只是在手机或电视上观看,那为什么会需要8K?该论点的问题在于它永远不是绝对的。”Cioni说音乐产业就是一个很好的例子。“如果音乐产业像视频产业一样,他们将在MP3中播放和录制歌曲。但如果每个人都在质量上不太好的Airpods上听音乐,那为什么还要录制比这质量更好的录音呢。”Cioni提到音乐产业,是想让大家明白,你投入越多,那么你就会得到越多。“人们对8K的分辨率和清晰度进行争论时,他们没有去思考,即使你打算在手机或移动设备上观看影片,但当影片从源头上就是高分辨率时,画面在信号的传输链条中就更经得起衰减,最终呈现出来的结果也更好”Dan Duran在当年,建议使用RED拍摄《老友记》、《星际迷航》或《x档案》。“虽然当时的标准是标清,但他们最终是在35mm胶片上拍摄的。他们其实不需要这样做,因为没有人可以看到35mm胶片的所有细节。但当你用它拍摄,最终呈现标清的效果是更棒的。时间会证明他的选择是对的。这些素材在之后都可以很灵活地进行再创作,也能够更好的适应现在的各种新技术(比如HDR等)”。RED最知名的产品就是Helium 8K S35和Monstro 8K VV,当然像是Phantom和佳能等公司也在开发8K,并想使之成为影视工作者的工具。据报道,ARRI还在开发一款新的S35相机。可以想象,如果它不能提供高于4K的分辨率或超采样话,很多人会失望的。超采样是也不算什么新鲜事了。广播电视一直采用35mm画面拍摄,并在4K之前以640px传输出去。Cioni说:“超采样的一个好处是,当实际尺寸缩小时,还能够保持高质量。”Cioni认为,在曝光方面,高分辨率具有较大优势。如果你以8K拍摄并且计划以4K播放,你是可以将光线调弱的,因为从8K切换到4K时,噪点水平会降低。超采样的好处已得到充分证明。这就是HD的IMAX影像和HD的S35影像看起来不一样的原因。IMAX影像将以更高的速率超采样,并且看起来会更好。在电影之外,你也可以在互联网上找到示例。Marques Brownlee(简称MKBHD)在他的YouTube频道上评价了这个技术。除了照明的重要性外,他还以高于必要的分辨率去进行拍摄,从而提高影像的整体质量。IMAX的Bruce Markoe表示,不是每个电影制作人都了解超采样的好处。“我们经常在IMAX上看到电影摄制者第一次在大屏上看到他们作品时的情景,这也揭示了问题所在。”Markoe说,在前期准备工作中指出这些事情比较容易。“他们可能想要一副看起来有些陈旧或漫反射的镜头。但等他们在更大的屏幕上看到片子的时候,就会意识,高质量影像在前期真的非常重要。”超采样好处不止于此,尤其是在演播室和网络环境中。Cioni在导演Todd Douglas Miller 的《Apollo 11》纪录片中找到了一个真实的例子。阿波罗11号在1969年发射升空,地面上的飞行记录只有70毫米。这个素材已经被我们找到,我们用更高的分辨率对其重新扫描。“发射的瞬间,我差点从椅子上摔下来。它看起来像是一种视觉效果,虽然它显然是老式的,但他的质量却很现代。” Cioni说。现在的每个项目都会在未来进行验证吗?也不是这样的,观看8mm、超16mm和其他的老格式会让人产生怀旧情绪,当我放VHS录像带时,也会带我回到过去的感受。这不是也正是一种艺术选择吗?一个讲述故事的视觉工具?但为什么有些电影制作人完全没有使用高分辨率的想法呢?Messerschmidt说:“一些制作者信奉够用就好的教条主义。“他们会认为交付标准就是拍摄规格,也是工作流程规范,如果网络或电视的交付标准是1080P,那么就没有理由拍摄高于1080P的任何东西。因为他们没有考虑过将来,也没有考虑超采样、或后期裁切。在《心灵猎人》第一季中,摄影师用RED拍摄了6K,第二季,他开始探索使用Helium传感器以8K拍摄。“我们进行了测试,并准备将RAW压缩率从6K的4:1提高到8K的8:1,”Messerschmidt说。“我们在各种分辨率下进行了对比测试,发现不仅颜色、保真度和降噪质量都有了显着提高,而且也没有改变文件大小。毫无疑问,就存储而言,是没有额外成本的,因为它的空间需求是相同的。”Duran提到了另一个观点:“你的素材是8K的,并不意味着你必须一定要使用8K。你可以在内部设置框架参考线。你可以平移和扫描图像。对其进行稳定的时候,你不必担心会丢失任何分辨率。高分辨率给了我们更多的发挥空间。8K也可以转码为4K或其他格式。你可以轻松地从8K转到2K,但从2K转到8K几乎是不可能的。Cioni也表示同意,现在人们听到8K时仍会畏缩。“多年前他们在4K上也是这样的反应。很多人就是“哦,所以呢?” ,虽然现在他们还是真香了。一旦人们开始理解如何使用它并加以利用,它就会改变他们的想法。我们有义务去提供最好的质量。这是我们制作内容并吸引观众观看时所进行的交易的一部分。找出最低的公分母或平均分母是完全错误的逻辑。”诺兰的《敦刻尔克》中约有70%是在IMAX上拍摄的我们如何开始接受变化?首先需要一个开放的心态。当你对流程进行更改时,很容易对自己产生怀疑。我采访过的数百名电影摄制者都愿意开放合作或成为导师。后者是关键。教会那些不懂的人可以帮助整个行业发展。8K的普及不会在一夜之间发生,但总会到来的。从黑白到彩色,从标清到高清,我们有什么理由止步于此呢?电影也一样。电影投影正从4K投影仪发展到8K投影仪。IMAX摄影机为15英寸65毫米负片。IMAX上的所有内容均以8K扫描,并在IMAX投影机上以4K播放。Markoe说,你可以看到区别。“从拍摄画面一直到超采样都是显而易见的。而且,即使你继续坚持使用高清技术,分辨率也是会提高的。”接下来如何做?不是每个人都需要或想要在8K或更高分辨率上工作,这是可以理解的;有些人喜欢某种特定的外观、格式或风格,这也是可以理解的;并不是每个人都能负担得起新技术的成本,这也可以理解。但高分辨率是一种选择,它不应该被忽视。不管你有什么理由,请不要把使用8K以及更高分辨率的这扇大门关上。当客户说他们想拍摄1080时,这是OK的。但也许你可以与他们分享一下拍摄更高分辨率格式的优势。客户也许就会在下一个项目上使用8K。而不是说我不需要8K。那如何去为后代奠定基础呢?如果制作人说广播规范是2K,那也OK,确定了就去做。但是可以向他们建议用更高的分辨率拍摄的好处,这是会有帮助的。所有这些中最大的问题在于成本。高层决策者将不得不为此进行改变。联邦通信委员会(FCC)已经提出4K UHD将成为下一个广播标准。电影公司和网络公司必须决定是否要立即进行投资,还是让下一代来承担这个繁重的工作。硬件、GPU和其他技术已经走了很长一段路。从4K升级到8K现在更加容易。你可以以低于1,500美元的价格获得可播放8K的笔记本电脑。Markoe说:当然会有成本和时间上的问题,但是我们开始做的越多,我们对工作流程的适应程度越高,我们就越快地从效率中受益。”作为创作者,重要的是不要将眼光仅限于分辨率。色彩科学、位深度、更好的RAW或更好的传输对于我们现在及未来的交付都是很重要的。电影制作人喜欢谈论过去以及历史的源头,也许现在该是时候着眼于未来并拥抱它了。原文链接:https://nofilmschool.com/stop-debating-8k-start-embracing-it

  • 刚拿下《隐秘的角落》话剧版权的女老板:后半年,没戏

    “大家都觉得这下就完了,包括我一个朋友,他发了朋友圈,说这下民营公司肯定就死掉了。我心想,怎么会这么悲观?”“卖樱桃确实是为了自救,毕竟戏剧这块太小了,这个行业本身它能够发出声音的机会是特别小的。”“《隐秘的角落》不是普通意义上的悬疑剧,是一个社会剧。我们昨天获得了原著版权,未来会做这个戏。”电影院都大残血了,剧场还活着么?前些天,南方一些城市逐步恢复了剧场演出。6月18日,南京保利剧院上演了《白鹿原》,主办方派发蜡烛灯,邀观众在鸣钟前为舞台“掌灯”。但令人心寒的是,北京疫情又发生了,北京剧场的灯光依然灭着。他们是不是比我们更绝望?节前,第一导演跑了一趟鼓楼西剧场,采访了它的创始人李羊朵。鼓楼西剧场鼓楼西剧场开业于2014年,如今六年了,已是北京戏剧地标。而它的创始人、资深戏剧制作人李羊朵老师,被誉为“绽放在鼓楼西的戏剧之花”。李羊朵疫情来了,她没那么悲观丧气,她用一种温厚的力量在坚挺着。剧场没收入,她想办法,她卖樱桃了。她往线上找路子,做起线上剧本演读。甚至在这节骨眼,她还招演员了。她想的长远,剧集《隐秘的角落》刚播了两周,里面角色死没死还没讨论清楚呢,她已经获得原著《坏小孩》的话剧版权。如果《隐秘的角落》有电影版,那不好意思,这个话剧版应该是比电影版先上了。01.疫情来了,我们也没停下脚步第一导演:剧场从什么时候停业的?李羊朵:过年回来。过完年回来后就再没上过班,基本都是在家里做一些工作。第一导演:停业后,你在疫情期间的生活是怎样的?李羊朵:回深圳过完年,我是3月1号回来的,家里电视没有开过,但是我以前很喜欢看电影,不知道为什么,这次疫情一点都没有想看电影。我很喜欢看一些经典的电影,比如大卫·里恩的作品,这一次不知道为什么就不想看,就想看书,这个也是很奇怪的一个问题,跟以前不一样的生活方式。疫情期间就是看书,看剧本。看电影跟看书是不同的体会,看书能够让你静下来,但看电影不是。鼓楼西剧场里的樱桃园书店第一导演:回来后剧场、电影院这些场所都无法营业,经营还挺难的。四月时候,你这边公号发了卖樱桃的推文,并起名“鼓楼西樱桃园樱桃”,最初是怎样的想法?李羊朵:“樱桃园”那篇文章是我写的,当时跟朋友商量这个名字叫什么,其实这个行为本身的确是一个自救行为,我们就起了一个副标题,叫《鼓楼西非常生存计划》。当时做这个活动,一个是自救是一种方式,还有一个是我希望能够发出声音来,因为毕竟戏剧这块太小了,这个行业本身它能够发出声音的机会是特别小的。第一导演:那“樱桃园”对剧场的帮助大么?李羊朵:营收这块很有限,杯水车薪、九牛一毛。但我觉得还好,因为更重要的是发出声音来了。大家看到了我们努力地想做一些事情,想通过这样一个方式让更多的人知道这个行业在这个期间它所面临的困境。同时让政府看到,整个戏剧行业,都遇到了非常艰难的困境,而作为民营剧场的话,这个时候我们真是更难了。鼓楼西剧场外景第一导演:剧场还再做一些别的工作吗?李羊朵:虽然疫情期间大家都是停滞的状态,但是我们一直在积极备战,就是未雨绸缪,因为我们对今年下半年能够正式演出的话,不抱期望的。我觉得作为这种高度的集中的室内的演出,自己应该有一些未雨绸缪的心理准备,如果说它能够开放的话,那自然好了,如果不能够开放的话,我们是否在这个时候就要做一些准备。我是希望鼓楼西未来在内容呈现上可以就戏剧而言往线上推一下,这是我的一个想法跟愿望。戏剧有现场性,这个现场艺术的本质,就是我在剧场,我在现场。但是我在想,目前的这种状态,以及互联网的发达,我们是否可以想一下这种艺术它是否可以有在线上呈现的方法?它可能没有现场性,但是没有现场性的时候,那么从剧本的本身、剧本的文学性来讲,它是否有呈现跟推广的方式?比如说我们的剧本演读,它其实更突出了剧本的文学性。我们在剧场里的时候,我们跟演员之间是一种互动,我把它形容为“一呼一吸”的关系。在那个当下的话,我们体验更多的是艺术性,它除了文本之外有表演、有灯光、有舞美、有音乐,然后有那一刻我在现场的感觉,这种是现场艺术的魅力。但是其实我们被很多东西分散了对文本的体验,文本的体验是很精妙的一件事情,如果你换一种方式去阅读它,集中去聆听它,感觉是不一样的。第一导演:那线上它还有表演吗?李羊朵:有,所以为什么叫演读,就是读的话大家在空间里围坐来读,我把它正常读出来,但是这里边有演的成分。我们演员有调度,演员有表演,他表演的部分不是说像平时那样更丰富的,或者肢体动作很大,这个是有小小的,身体配合剧本的一些呈现。我们有灯光,也有音乐。不同的是什么?我们只是没有舞美,然后我们是拿着剧本来读,它跟正式的演出之间的区别就在这两点上。意味着你看的话,它其实相当于一个演出了,但是它让你所有的注意力更集中在剧本上。第一导演:戏剧的魅力在于现场性,线上会破坏这样一个魅力吗?李羊朵:我觉得不会破坏,它是两种呈现方式,就一种是我在剧场里,你在剧场里,我演给你看,你要给我你的反馈,我们来交流,这是一种方式。还有一种方式你可以坐在荧幕前,看我读给你听一个剧本,你带着我给你读的剧本,你去想象这个剧本所发生的故事。这是两种完全不同的体验。我们前面做了一个《断手斯城》,大家的反馈非常好,他们说这个比很多正式演出还精良和好看,它相当于一场正式演出。但是作为制作者来讲,我们知道它是有区别的。所以我觉得不是破坏,反而觉得这个是让观众更深入地进入到剧本的文学里去想象一些东西的方式。第一导演:这个是疫情期间突然的想法,还是一直想去做的?李羊朵:我们在疫情发生之前就一直想做这件事,鼓楼西的Slogen是传播戏剧文化,就剧场而言的话,剧场的传播是很有限的,其实我们更希望能够通过线上的方式把优秀的剧本,把戏剧的魅力传播出去,让更多的人知道。毕竟再怎么样,在剧场看戏就是有物理空间的限制,大剧场也就是一千多人。《断手斯城》整个流量是80多万,你演一场的话才1200人,所以这个区别太大了。所以如果从传播戏剧文化这个角度来讲的话,线上是比较合适的一个平台跟载体。第一导演:它的盈利在哪?李羊朵:我们原来就想做公益,但现在会考虑收费,因为毕竟鼓楼西现在目前的经营状况跟其他行业是一样的,受到了非常大的影响。所以,我们会把这个作为“鼓楼西非常自救计划”的第二个项目来做。第一导演:很多影院工作者快过不下去了,有些已经离开了,你想过离开剧场吗?李羊朵:我从来没有想过因为疫情会离开这个行业,这个是从来没有出现过的想法。第二的话我觉得我们可以生存下去的,只是说在目前的状态之下,应该做一些什么样的应对。的确我们现在每天都有经济压力,这个会让你变得很烦燥,但是在这种烦燥的情况下,我也从来没有想过离开这个行业。我想了想,我们可能和电影院是不一样的,我们有内容,可以自制内容往线上发展,但电影院是一个空间,它需要有播放资源,这是需要电影公司提供的。第一导演:有内容的话,剧场还是可以保持的。李羊朵:这个保持是很艰难的,我们在这个时间,有什么样的一个力量能够让你在这里坚持下去,并且你觉得是可以度过这个难关的。这个来源是你对拥有内容的一个信心,包括你还能够在这个时间做什么,你能够通过什么样的方式扭转这个局面。这种信心在于我们有内容,包括我们这段时间在招演员,相信你也知道,那么我们招演员来干嘛?我们招演员就是希望还能制作内容,我们这些内容直接是线上输出的,哪怕到年底可能都未必能够演出的情况下,我们仍在采取一些行动。第一导演:我有朋友看到觉得很奇怪,大家都这么难了,为什么鼓楼西还在招演员。李羊朵:对,很多朋友觉得鼓楼西为什么这个时候还会这样?我就说是逆风飞翔。其实,发布那天我心情特别不好。我们准备发另外一篇文章的,本来是发28号要做的线上第二次自救计划,结果北京就出了新发地那个事情。因为我们这次线上朗读的演员是周一围,他在杭州,肯定来不了北京了,所以那个瞬间其实让我挺绝望的。但是我觉得不能够这样下去,我一乱的话,或者陷入非常被动的一种局面,或者沉沦在一种情绪里的话,我觉得可能就走不出来,所以我就想我一定要做另外一件事情,让这件事情本身的力量让我的信心再生长起来。我就想做一个逆向的东西。大家都觉得这下就完了,包括我一个朋友,他发了朋友圈,说这下完了,民营公司肯定就死掉了。我看完后,心想怎么会这么悲观?当天晚上发这篇文章也是在想挑战,就是要挑战它的不可能,就是要让它这种精神的力量散发出来。我不知道它会怎样,但是其实这次演员招募,起码已经收到了两百五六十份的简历。02.我的力量,是戏剧带给我的第一导演:我刚进来觉得你很温和,但发现你很有力量,这种力量的根源是从哪里成长出来的?李羊朵:我是一个比较乐观的人,这种乐观让我在一些很被动的局面里面,能够迅速地捕捉到它能够发光的那个地方,那个发光的地方可能就是解决问题的一个方法,或者说那个光可能它会指引你去到一个正确的方向。李羊朵第一导演:在做剧场的这几年形成的?李羊朵:对,跟这个行业是有关系的。这个行业,如果你真的沉静下来去做它的话,其实这个行业里的很多作品它是可以滋养你的。经典文学的魅力,跟经典优秀的文学剧本,它的滋养是很深厚的。我们很多剧本得过普利策奖,或者奥利弗奖,这些作品本身非常厚重,当我在看这些剧目的时候,我一遍一遍不断重复去看它的时候,每次都能够从中间又捕捉到一些新的东西。真的优秀的文学剧本里面,它给你提供的东西非常多,包括我性格的变化,以前我其实比较容易浮躁,在这个过程中,我好像越来越能够沉静下来了。第一导演:做鼓楼西剧场这六年,最委屈的时刻?李羊朵:最委屈的时候可能还是你觉得这件事情做的是正确的,是为更多人考虑的,但是不被理解。第一导演:最高光的时刻?李羊朵:现在!我觉得是现在面临这些事情的一些状态。第一导演:最强硬的时刻呢?就是这个事就是我做主。李羊朵:我在一些事情上都会这样子,我在很多事情上其实蛮主观的,不太听别人的一些劝告。但我会听不同朋友给的一些建议,我会分析它是否正确,在分析完后,如果我觉得我是正确的,依然会按照我的想法去做,朋友的建议是有益的,我一定会改,一定会把朋友的建议拿出来执行。在这整个过程当中,其实我挺在意自己的想法。我自己的想法是基于整个事情这么多年的经验,这种经验给了我一种触觉,这种触觉是对正确的敏锐度,那个敏锐度是一直有的,那个敏锐度让我非常迅速地捕捉到事情哪一些是正确的,哪一些是错误的,在整个做事情的过程当中,我是蛮坚持自己的。第一导演:你其实很叛逆的。李羊朵:我觉得这个东西是一直有的,只是年轻的时候比较小,没有注意到,但是慢慢在这个过程当中,自己变得内心不断强大的时候,那个东西也同时在不断地长大。你明白我的意思吗?第一导演:是说有能力去叛逆了?李羊朵:一定要说能力吗?还是什么呢?你是说把线上的这种演出,变成是作为一种行业的叛逆,我倒觉得这个不是一种叛逆。因为这个本身是有的,其实我并没有真正的去叛逆它。叛逆是更反着来的,那种反着来是加倍的反着来的,所以我觉得如果这是叛逆,也是一种很温和的叛逆。但是我的个性当中是有叛逆的性格在里面的,我从来都不太安稳于一些能够让我安稳的东西,反而总是希望能够有些不同的东西出来。03.话剧版《隐秘的角落》,我们未来要做第一导演:刚才说到周一围,他是什么事情?李羊朵:周一围是我们《枕头人》线下演出的男主。2020年《枕头人》周一围排练照 摄影/王犁第一导演:《枕头人》是鼓楼西的第一出戏,这会是疫情过后鼓楼西的第一出戏吗?李羊朵:它是大剧场的第一出戏,不是在鼓楼西剧场演的第一出戏,但是你提供给我了一个灵感,疫情之后我是否要用这个戏在鼓楼西剧场做第一个戏,做一个新生的开始。是不是疫情过后我们又等于是重生?是否把这个剧放在鼓楼西剧场演?我觉得你给了我一个灵光一闪的想法,等于说是这是第二次生命,重生了一次。看来疫情之后,我们鼓楼西开场第一个戏就要用这个戏了,这个意义是不一样的,非常感谢!第一导演:这个戏你对它的感情是不是很深?李羊朵:对,很不一样。它是鼓楼西剧场的定位,剧场的定位跟着这个戏的方向走的,然后这个戏是鼓楼西诞生的第一个戏,它一直作为鼓楼西的NO.1,从票房,到人气,没有超越这个戏的,一直到现在为止。第一导演:从《枕头人》开始奠定了鼓楼西去做严肃戏剧这样一个定位?李羊朵:其实我一点都不觉得我们是做严肃戏剧的,我觉得严肃戏剧是别人给它的一个标志,或者概念。因为戏剧本来它就是一个比较小众的现场艺术,当你赋予给它更多的高大上或者严肃或者什么样的一种概念之后,它会跟一些普通观众产生距离感,观众会觉得我要进入这个门槛,要先有一些什么条件。但其实我不喜欢是这样的,所以不太定义它是严肃戏剧的剧场,倒觉得它是一个文学剧场。因为我们每一部剧的文本,文学力量都是很强大的,就是一剧之本。剧本的魅力就体现在文学性上,所以我觉得我们从来不用严肃戏剧这个概念来做这个剧场,或者来定义我们的某些戏。第一导演:这几年你个人很喜欢的剧有哪些?李羊朵:我们有一个戏叫《那年我学开车》,我最喜欢的剧本是这个,讲的是一个女孩的成长史,因为身材过于丰满,她在这个过程当中跟普通女孩成长经历是不一样的,面对了很多普通女孩不会经历的事情。这个让我看到的是什么?人性的复杂性,就是我们在看人的时候其实是更单纯的,更简单的,看到一面的,但是当不断地看这部戏之后,每次都会有新的发现,你会发现人性真是太复杂了,你完全没有办法单一的去看一个人的一面。这个戏看完,包括有些戏看完,让我变得更宽容了。这个宽容是你对人性的认知,但是如果没有这样的作品,你思考不到人性的那种丰富性跟复杂性的时候,人是简单的,思想是简单的,因为你没有认知,你不知道人性是多么复杂,反而那个时候,当你知道人性的丰富性之后,反而会变得宽容了。《叶普盖尼·奥涅金》这个戏对我的影响蛮大的,扑面而来带给我的那种美极其震撼,我知道美是有力量的,但是这种美从艺术角度来讲,会发现舞台可以有那样的的无限性,可以展现人跟人的空间,人跟物体的空间,导演在传达空间,传达观念的时候,会发现这个剧场真是一个“空”的空间,这个“空”就意味着无限,《奥涅金》给我的这种传达力量是非常无限的,到现在为止它是我所有国外的剧、国内的剧里的NO.1,我太喜欢那个剧了。《叶普盖尼·奥涅金》剧照 摄影/塔苏第一导演:还有什么剧想推荐一下?李羊朵:看《枕头人》,《枕头人》一定要看,还有《奥涅金》,还有孟京辉的《茶馆》。孟京辉的《茶馆》是有现代性的《茶馆》,原来的《茶馆》是老舍的《茶馆》,老舍《茶馆》里的精神意义被孟京辉放到我们当今的时代语境之下,它是一个被解构了的现代主义的茶馆。他这个作品受到了很多批判,但我觉得它是非常有意义和有价值的。第一导演:剧场的魅力对你来说是什么?。李羊朵:我自己的体会是什么?就是每当我坐到剧场里的时候,所有的事情都跟我无关了,我就享受剧场的氛围,剧场带给我的是特别安宁、特别安静的一个地方,我真是把它作为桃花源的地方。就比如我经常去的国家大剧院,我们鼓楼西剧场,这个剧场本身是有那种力量在的,那种力量就是沉静,我非常享受那一刻。网友评价第一导演:最近在看《隐秘的角落》,等疫情过后,会多去看看戏。李羊朵:我们剧场里的人也都在看这个剧,他们看到有观众说,这个剧跟鼓楼西出的那些剧目的气质很一致,我已经获得了原著的话剧版权。第一导演:什么时候获得的?你看完后感觉怎样?剧集《隐秘的角落》海报李羊朵:昨天。我看完这个剧,觉得它不是普通意义上的悬疑剧,是一个社会剧,造成的悲剧都与社会有关系。这个社会缺少爱,其实剧里的角色都在寻求爱,小朋友之间,父母之间,孩子和父母之间,包括张老师,因为想获得爱,所以才去做了一些事。另外一点,作为父母的话,如何教育孩子跟这个世界相处,包括父母带给孩子的是什么,这也是非常引人深思的。它用悲剧去表达生活的时候,给我们观众的是一种反思和反省。我们看完后,被深深刺痛,我们是否要改变自己,改变我们跟自己、跟孩子、跟社会的关系,这是我看完后感受最强烈的。真的特别感谢紫金陈,他把《坏小孩》的话剧版权交由鼓楼西剧场来制作完成,我也非常期待这个故事在话剧舞台上的呈现。鼓楼西未来会做这个戏。第一导演:好期待,等上的时候一定要来看。采访、撰文/君伟

  • 干货 | 低成本电影的制作秘籍,20条拍摄低成本影片的建议!

    来源|导演与制片在以前,一个新人进入这个圈子,你会发现这个圈子最大的问题是信息不对称。忽悠,骗子,水分都太多。刚入行的新人能接触到的大多是一些竞争中的失败者,他们并没有退出,而是成了寄生在这个行业的职业骗子。都是能耐人,都是万事通,不经意间透露自己昨晚又跟哪个大导演吃饭,随后又给你看和哪个女明星的亲密合影。然后又你一本正经的谈上亿票房的大项目。这个问题困扰了行业很多年,都没有办法解决,因为外行和热钱太多,这些人总能扎一笔钱活三年的。但是,如今影视行业互联网化后,信息变得透明化。说不定马上会有一个APP就像淘宝一样,把整个行业的人和公司以及剧组都搬到了网上,大家每个人都有公开的信用评级,一搜索这个人就能把他参与过的业绩都在线匹配,并有合作过的人的点评打分,让骗子无所遁形。以后随着信息越来越公开,行业门槛越来越低,这个行业会把这一类人新陈代谢出去。不要膜拜精英,你要相信自己可以进入这个行业首先要有自信,信心是你进入行业的第一个要剧本的技能。这个行业很多非科班出身的大佬都是野蛮生长出来的。阻碍你在这个行业提升和发展的不是你不懂导演和不懂行情,而是你不自信,被别人牵着走。在以前,做一个电影项目只能去依赖一个导演,虽然导演也有很多局限性,但你只能是完全信任他,影片的命运也完全依赖在他的身上。你跟这个行业的各个专业工种都无法顺畅沟通,你自己也生怕是被人诟病你越权了,或挑战导演权威了。所以你经常如履薄冰,还要经常采取迂回战术。而现在和未来,这个行业讲究的是大家参与的产品经理模式。整个行业的趋势正是由于专业门槛的降低,各个工种会聚合到一个人身上,例如你要懂创作,懂宣传,懂发行,懂导演,懂制片,懂设备。等等。以前你是不得不干,现在是理所当然要干。以前是你不得已而必须全面掌控,结果干着干着不小心成了全才。而现在是你一开始就要学着全方面掌控,没有什么不好意思的。以前你懂得多,干得多会有舆论压力,说你外行指挥内行。现在随着信息的透明化,破解了导演等专业知识的垄断权力,做一个全产业链管理者是每一个出品人、制片人的必备技能。并且这个技能很有用,能让你走一条小成本逆袭的道路。小成本网络电影是对传统大片的“破坏性创新”!以前如果你运作了一部小成本电影,你可能会觉得低人了一等。殊不知对于刚入行的新人和新公司来说,你必须使用“破坏性创新”的策略,才是对抗大公司的唯一正确路径。学会了“破坏性创新”,你在商业模式上就变成了高人一等!记住,重点不是“低成本“,而”破坏性创新“。传统大片模式已经走到了尽头,正面竞争没有成功机会。就连阿里巴巴这样的超级大土豪也是花了200亿,却没仍然没占据电影产业的话语权。因为大家只是把你当做是金主,你只是跟着影视大佬后面的跟投者,并没有主控。那么是否你主控一部大片就可以了?还是不行,因为你主控的项目有很大概率不是好项目,你面临与主流传统大片的正面竞争,亏损的几率很大,结果你还是亏了更多钱却掌握不了话语权。就连阿里巴巴都是这样,那么作为一个“四无新人”的你呢?所以你要避开与主流公司的正面竞争,其实电影市场的各个细分类型片市场远远没有得到满足。例如90后网生代观众,例如三四线城市和农村观众,例如儿童电影,青春期少女电影,等等,很多类型都是空白的,或者说接近空白。其实恐怖片就是对主流电影的破坏性创新,网络微电影也是一种破坏性创新。你不要想着去和大公司去正面竞争,也不能按照传统导演的思维去投资他们所谓的低成本,这种用二流明星三流团队做的电影血本无归的几率更大!所以你不要去抢大家都看得见的一线市场,你要专门去服务一个新市场,例如网络市场的年轻观众和三四线城市和农村观众,他们对你的作品要求较低。也就是我经常说的“用二流人才,在三流市场,做一个一流公司”。从一部20万到50万的低成本网络电影做起互联网让电影拍摄设备大大降低,一个全民拍电影的时代已经到来,摄影设备和后期设备都不再是限制你创作的因素。今天的一两万的相机都比十年前的胶片摄影机像素要高,随便一台笔记本电脑都比93年《侏罗纪公园》的特效处理效果要强大。可以说现在唯一考验的是你的想象力和你对市场的洞察。例如笔者在2013年运作的一部60分钟的网络电影《几宗罪》,就是10万的现金成本,基本上采用单一场景,3天的拍摄时间,成片后就在各大视频网站上发行,总点击量过亿。拿到了进入这个圈子的入场券!当然,并不是每部微电影都是10万块钱能拍下来,现在主流的网络电影(60分钟)的制作费在30万左右。作为第一部电影,你尽量要让投资人收回成本,大家还有下次合作的机会,信息社会你最大的资产是你的信誉。我也经常看到有很多人都在做着一开始就注定收不回成本的电影,并且给投资人大包大揽。这是一个恶性循环,这样做了就注定了以后你将长期混在三流的圈子里。随着互联网时代信息越来越公开化,扎钱这种行为会越来没有市场。如果是为了保本和赚钱,并锻炼和实践行业经验。那么你花个30万以内拍摄一部60分钟到90分钟的网络大电影,拍之前可以跟“一起拍电影”咨询一下,我将免费帮你解答各种问题,帮你找到影片定位,我敢80%以上确保你的投资安全。成片后可以到各大视频网站进行全网发行,现在各大视频网站都在扶持这一业务,盈利模式主要是第一个月的5块钱一次的付费点播,和一个月之后的CPM分账模式。一般来说,优秀的网络电影都能有几十万的发行收入。但我也见了太多的影片颗粒无收的情况,拍的也不错,但就是因为不了解市场,不知道观众为什么会买单。所以一定要先了解市场,找准定位,多学多问。否则你亏了钱,和合作伙伴翻了脸,也没获得一丁点经验。学会提前判断市场其实做市场调研很简单!如果你是土豪不在乎钱,可以一边拍一边总结经验教训。但是如果电影的赔赚对你很重要,那么你一定要先了解市场,其实做市场调研也很简单。例如去爱奇艺、优酷等几个主流视频网站的电影频道去观察,首页都是哪些网络电影在给大图推荐?播放排行榜上的网络电影都是哪些类型?为什么是这些题材的会火?它们拍的怎么样?为什么有的拍的很糟糕,点击量却很高?都是哪些元素吸引了观众?例如海报、片名,或者某段剧情、某个演员。为什么有的拍的还不错,但是点击量却低的可怜?想一想都是那些人在看这些电影?是一二线城市还是三四线城市?或者是县城农村的小镇青年。等你观察一段时间,再多和人请教交流,你会了解市场规律的。一般情况下,导演的处女作都是导演自己最想拍的本子。而对一个制片人或一个影视公司来说,第一部片子一定是要去选择市场上缺少但观众却刚需的电影类型,这样才有可能保本。等你如果你成功运作了几部30万的网络电影,那么你就可以进阶到下一步,从一部300万到500万的低成本院线电影做起了。有些人认为低成本影片的投资范围介于500万—1000万美元,有些人则认为介于2000-30万美元。但是不管成本到底是多少,有些基本概念是相同。制片人是否对剧本拥有所有权?剧本版权是否已经注册?剧本格式是否适合拍摄?是否已经处理好许可证、协议和版权事宜?是否已经购买了保险?预算和拍摄进度表是否已达成共识?除了需要考虑的这几个基本问题外,预算成本越高,对工作人员的能力和经验、演员的阵容、拍摄场地、特效和设备的要求也就越高。如果你能够承担,那么影片的制作效果就会越好。一般来说,成本越低,你越需要做好准备。(1)对制片团队的建议严格组织一个纪律性强的工作团队熟悉整个流程做好万全的准备工作具有高超的谈判技巧足智多谋,能够化解一切危机敢于打破常规思维进行思考,为了获得最好的市场回报,不管是五分钟的短片还是两小时的长片,都要制作出令人赞叹的成品。(2)对低成本影片制作的建议1、首先要清楚市场上受欢迎的是什么。熟悉各种类型片,不管是剧情片、浪漫喜剧片、动作片还是惊悚片,市场竞争很激烈,敏锐的嗅觉是拍摄类型片的关键。2、找到好的题材是至关重要的。即使题材以前已经拍摄过,但是可以寻求不一样的侧重点。还有一点,剧本越好,就越有可能吸引好的演职人员,有时候还会节省一定的制作成本。3、资金有限时,要记住你要寻找的项目就不能要求有好几个不同的外景地、豪华的演员阵容和昂贵的设备。尽量做到简单和低成本地操作这个项目,只要能提供好的故事(越具有商业性、创造性和话题性,故事越能够吸引人),加上精湛的表演、精心的拍摄和有质感的画面与音效,这部作品看起来就会像大制作。4、影片的声音很重要,不管是现场录音还是后期混音,要确保音效师能够圆满地完成他的工作。糟糕的声音会以最快的速度毁掉一部影片。5、对于每一笔经费都要仔细考虑。哪些可以削减?哪些话费可以起到画龙点睛的作用?只购买剧组确实需要的物品,并为一些不可预期的情况和花费留有余地。如果你不得已要削减预算,可以调整剧本、演员、工作人员、拍摄场地和设备。6、在聘用任何人和使用任何外部服务之前,都要事先做好调查。7、制片工作需要用到大量的合同和表格,从线上下载后再交给代理律师检查,可以比起聘请律师准备相关合同表格可节省不少时间和预算。8、超低预算时,如果演员、导演或摄影师等非常欣赏和看好影片,他们可获得利润分成或成为联合制片人。9、演员和工作人员想作出另外的尝试,例如拍厌了广告的导演想尝试剧情片,摄影助理想成为摄影师等。10、免费工作的人愿意放弃酬金的可能:积累工作经验、字幕署名、创造机会或建立人脉。11、最好寻找有自己设备的工作人员,因为他们很了解机器的性能,也会对操作格外留心。同样如果他们的设备都已经购买了保险,这样又可以省去一笔预算。12、不要因为预算低就试图省去购买保险的过程。购买一些必须的而且你可以承担的保险项目,正确地签订演员合同、场地租赁和免责合同,以及处理版权事宜(包括音乐版权),否则这些问题将成为不定时的炸弹。13、不要忘记将营销、保险和音乐使用权的费用纳入预算之中。14、和设备供应商保持良好的互动关系,一般来首,他们会给学生、新手和低成本预算的制作方提供折扣。15、创立展示作品的网站。16、为影片制作一份精美的海报挂在推荐网站上,需要想一条绝妙的宣传语引起观众对影片的兴趣。17、善于利用网络资源宣传影片,在参加电影节或发行前。18、印制包含影片宣传内容的名片和明信片,将其发送给你认为会对影片感兴趣的人,把他们引向你的网站。19、为了应对发行商或代理商关于其他作品的询问,你可以准备一些制作过的影片、短片、广告和纪录片的相关材料。20、不管你是在准备融资计划书、新闻报道材料还是影片的宣传网站,都要确保所有的陈述内容要专业紧凑,包含所有的重要信息而又不显得拖沓。

  • 影视摄影光色应用的深层干货,看这一篇就够了

    本文已获得作者@侯咏 (中国内地摄影师、导演、编剧、制作人)授权转载。今天我在这儿讲的并不是电影摄影的基础理论,而是针对摄影专业观念的较深层次的探讨。它是我多年来关于电影摄影的思考和感悟,也可以称作我的摄影观念。有些观点可能令人感到惊奇,甚至改变“三观”,亦或不以为然。无论如何,仅作为一家理论,供大家参考。由于时间关系,我只讲几个观点,并简单解释一下为什么。而详细的论据和论证就不能一一展开。01两个根本性话题1、摄影的本质究竟是什么?教科书上传统的摄影基础理论对摄影的定义是:摄影是使用专门设备对实物进行其影像记录的过程,是一门真实记录现实的艺术。也就是说纪实性和真实性是摄影的本质。但是有一天你会突然意识到,摄影艺术更为核心的真谛其实并不是仅仅复制和纪录现实,反而恰恰是改变和创造我们眼中的现实。当你认识到这一点的时候,你才是小学毕业了。2、摄影师应该具备哪些素养?“书到用时方恨少,捡到篮里都是菜。”所以说,素养多多益善。这里别的不说,只谈绘画的修养,这是最最基础的,也是摄影师能否成为研究生的必要素养。你不一定会画画,但一定要懂得绘画原理,比如素描的影调原理和色彩的冷暖关系原理。当然,如果不经过绘画的实践,你是不会对这些原理有深层的体会和感悟。如果你对这些影像原理的理解不深,你就基本上不可能达到一个至高的摄影水平。02光色应用是四大摄影造型手段之一我们先画出一个框架,弄清光色应用在摄影造型中所处的位置。教科书将摄影造型手段分成四大类,而划分的方法有两种:1,构图、光线、色彩、运动;2,构图、光学、光色、运动。第一种方法是传统的分类,我们读书时就这样学的。第二种方法认为光和色是一种无法分割的手段而将光和色合而为一。另外增加了光学。光学主要指摄影的成像元件,也就是属于实体工具的镜头、滤色镜等。同时也是指在摄影创作中使用这些光学工具的方式方法。其实,造型手段就是指方法和技巧组成的技艺总和而并非实体工具。因此第二种划分中的光学造型手段,不包括定义为实体工具的光学部分,只指向非实体的方法、技巧所构成的手段。这样的分类似乎不够严谨。另外就光色一体的概念而言,虽说有光才有色,有色必有光,光色是不可分离的。但在教学上还是将光线和色彩分别分析和讲授才更加方便,才更有利于理解。因此,我们可以暂且折中地划分为五大摄影造型手段:光学、光线、色彩、构图、运动。我们在此所谈的“光色应用”就是其中的“色彩”范畴。03摄影光色应用中,应该改变和抛弃的常规概念和习惯用法1、白平衡白平衡是光色造型的基础概念,是摄影光色控制的前提。它是针对技术基准控制方面的概念。例如光学镜头色差和感光元件的感光度、显色性等等,都是为摄影师提供的摄影工具所必须制定的技术标准。就像我们要为地球制定海拔高度和格林威治时间以及摄氏0度一样。但在进行创作的时候,我们必须要把它忘掉。为什么?现实中不存在纯白的色光和纯白的物体,画面中也不存在纯白的颜色。“标准白色”是一个相对的概念。即使这个相对的白色概念有具体的控制方法,摄影师在进行创作时也不要将它作为色彩运用的标准。因为摄影师运用色彩造型就像用不同温度的水来营造不同感受一样,而不能将现实中不同温度的水都控制在0度左右。再用绘画来举例:梵高并不是用纯粹的蓝色画出天空的颜色,而是用其它不同的颜色画出蓝色的感觉。同样,摄影师的创作并不只是为了还原物体和环境原有的色彩,而往往要通过改变原有的色彩来表达摄影师各种不同的色彩感受。以前胶片时代有一个固定的标准概念就是“色彩还原”,是指彩色胶片在生产、拍摄和洗印加工过程中,其色彩与原景物色彩的一致性标准。它是胶片研发、生产厂家和洗印厂专门为控制胶片感色性而设定的专业技术概念。也是与现在“白平衡”相类似的概念,应该在摄影创作中忘掉的。设想,如果摄影师们在每个画面中都严格地还原了物体的“原本色彩”,所有的白色都一律控制成“标准白色”(如果物体的“原本色彩”和“标准白色”能够真正确定的话),那岂不是自动放弃了摄影创作的色彩表现手段,真正成为“一张白纸”(调白平衡)走遍天下了?2、CTO、CTB和色温概念CTO、CTB这两个系列的色纸是我们以往最常用的,也是可以走遍天下打通关的。其实它们并不是调整光线色彩这一概念的色纸,而是胶片时代为了灯光型和日光型相互转换而出现的,也就是说它是专门用于色温调节而设计生产的。英文Color Temperature Orange、Color Temperature Blue就说明了它们的原始功用。色温的概念和白平衡一样,也是一个技术标准,用于表示光源颜色的物理量。从色彩的角度来说,色温的高低仅仅包含了暖黄色域和冷蓝色域,而绿色、紫色、红色等色彩却很难用色温的数据来准确表示。所以,我们在运用色彩进行创作时,要丢弃色温的概念,将所有颜色的色纸都当作绘画调色板上的颜料看待。虽然CTO和CTB都有不同深浅的型号(全、1/2、1/4、1/8),它们所矫正的色温数据均有所不同,但是它们的差异并不改变光的色相。而调色板上的颜料则是具有不同色相的。我们要使用具有不同色相、明度和饱和度的色光来完成摄影光色的创作,这也是摄影“用光作画”的意义所在。“用光作画”不仅仅是指光影。比如我们需要使用偏绿的黄光或偏紫的蓝光这种微妙的色光造型的时候,CTO、CTB以及色温的概念就根本帮不了你。它们只能作为色彩缤纷的调色板上的个别颜料偶尔被使用,而不能让调色板上只有CTO和CTB这两种颜料。我们仔细想一想,全世界有太多太多的影片其实就是只用了CTO和CTB这两种色纸拍摄完成的。对于电影的色彩这应该是一件很恐怖的事情,而更恐怖的是我们还有很多摄影师、灯光师没有意识到这个问题,继续只扛着这两卷色纸闯天下。3、色温平衡、统一色温的概念类似上面所说的另外一种习惯性做法也是相当可怕的,就是将一个场景中的所有光源统一成一个色温数据进行拍摄,这种做法相当普遍。以前很多技术控的摄影师和灯光师严格地检查每个灯泡发光的色温数据,努力将其统一在一个数值上。这个行为应该是灯泡制造厂进行的产品质量检验环节,而不是摄影师要做的。造成这种错误做法的根本原因就是统一色温的错误概念,严格地讲应该是对“色温平衡”的概念错误地理解造成的。以前教科书教我们严格控制光源的色温,将色温控制在一个条件下。后来发现现实中没有色温完全一致的光线环境,绝大多数场景的光线都是混合色温照明。不是有其它光色的光源,就是有不同光色的反射光(受不同色彩的物体或环境影响)。摄影光色应用的根本任务就是寻找现实光线中丰富多彩、变化多端的光色变化,而不是将光色统一成一种单调的色光。这与白平衡的概念相似,都是与摄影的光色创造原则相违背的。我们可以看到很多欧洲的低成本影片的摄影光色自然而生动,层次变化丰富,冷暖关系无比美妙。我们同样可以看到中外很多影片中的场景却都是在统一色温的条件下拍摄的。特别是一些好莱坞商业大片。也许因为条件太好,使用大量大功率的人工光源,将自然光光色中微妙的冷暖关系一扫而光,画面中仅剩下物体固有色。这种光线条件下暗调或高调的画面色彩表现很难有透明感,就是正常影调下的光色表现也趋于单调乏味。我将此类风格称之为“彩色素描摄影”。4、习惯性色温设定大部分摄影师的习惯做法是:日景环境中将摄影机的色温设定在5400K左右,灯光环境中将摄影机色温设定在3200K左右。虽然摄影机的色温设定仅仅是为监视效果服务的,并不会改变所记录的画面数据的色彩表现。但作为现场监视效果来说,这样做会影响摄影师对画面色彩的掌控。就像曝光控制一样,应该把基准曝光点放在动态范围的中部或中部偏上的位置,而不应该放在顶端或底部。同理,色温的基准点也应该放在光色区域的中部,以便于更好地观察光色的变化范围,更好地安排不同光色在画面整体色域中的位置。而很多摄影师在所有日景场景中使用一个色温设定拍一天甚至几十天如一日,这就更有问题。问题不在这种做法本身,而在于对色温设定和光色表现的概念理解不清。5、泡沫板(米菠萝)作反光板泡沫反光板学名是聚苯乙烯泡沫板,又名EPS板,俗称“米菠萝”。由于它接近标准白色,反光率高,便宜轻便,所以经常被当作反光板使用。但是我要告知大家,我们在摄影创作时一定要慎用,而且不仅仅是泡沫反光板,所有的白色物体作为反光板都是如此,为什么?白色物体作为反光板,其作用和目的就是反射入射光,使物体的背光部分的亮度提高,同时对其进行结构刻画和光影造型。问题不在包括泡沫板在内的白色物体本身,而在于反射什么入射光。一般情况下,我们都是将物体的主光用反光板反射到暗部,这样做必然会在提高其亮度的同时,将原本的暗部散射光取而代之,同时就必然会冲掉原本散射光所具有的环境光色,这样就自然而然地形成了“色温平衡”的状态,而使主光与副光、物体的亮部和暗部的光色相一致,丧失了自然光中物体受环境光的影响所具有的微妙的冷暖反差和丰富的色光变化。造成物体脱离环境而孤立存在的失真效果。6、拍摄光色不足,后期调色弥补很多情况下摄影师在现场要么由于条件所限、要么是信心不足、或者懒得费事、或者掌控失误等种种原因,总会依赖后期调色来弥补现场拍摄时光色的不足。这也是一种较为普遍的心理模式。但真正有调色经验的摄影师都知道,后期调色实际上只能够“锦上添花”,根本无法“扭转乾坤”。也就是说,后期调色只能在很小的范围内进行一些修饰性调整,要想大幅度地改变原始画面的色彩倾向和色彩构成,可以说那只是没有办法的办法。如果硬要这样做,其结果将会是画面色彩失真、色调浑浊、色阶层次不清、冷暖比例失调、色彩与物体质地剥离。不仅如此,还会严重影响画面的影像质量。所以要记住,优美的画面色彩一定是摄影师先天造就的。再优秀的调色师和调色软件都不能成为大变活人的魔术,用来挽救先天不足的摄影画面的色彩缺失。04几种摄影光色应用的典型效果分类及案例1、 单一色光(白平衡):《年轻气盛》、《越界》2、 单一色光(偏色):《美错》、《万物理论》3、 单一色光(消色):4、 冷暖对比色光(自然光):《荒野猎人》5、 冷暖对比色光(人工光):《巴黎五区的女人》、《真探》6、 冷暖对比色光(强化人工光):《激战柏林》、《恍惚》05画面色彩的构成与光色经营的核心就前期拍摄阶段而言,画面的色彩构成主要有两个方面:一是光色,二是物体固有色。物体固有色是由美术和服装等造型部门控制的因素,不属于摄影掌控范畴。摄影所能控制的就是光色。现实中物体的色彩永远是被光所影响的,也就是说光色决定物体的颜色。摄影的光色造型就是建立在光线改变物体固有色的基础上,通过调整光色来完成摄影的光色造型。借用解释构图概念的词汇“经营”来表示光色造型似乎更为贴切。那么光色经营的核心密匙是什么呢?我们用一把尺子来衡量那就是控制光色的冷暖关系。如果我们把一个环境中的光线统一成一个色温条件,那就丧失了光色中丰富的冷暖变化和对比,那光色中的色哪去了?画面上的色彩就只剩下物体的固有色而失去了色彩一半的意义。另一方面,大家还要了解色彩对人生理、心理和情绪的影响及其规律。不同色彩对人会产生不同的直观感受。低色温黄暖色光让人感到温暖,高色温青冷色光使人感到清凉。例如红色在中国代表喜庆让人感到兴奋,在西方代表扩张和暴力,使人产生焦躁和不安,蓝色表示希望,让人感到安静,同时也使人产生孤独和凄凉感。再比如法国国旗上的蓝白红三条色带的宽度是按37\33\30的比例制作的,但看上去感觉三色宽度相等。原因就是不同色彩给人的膨胀感和收缩感不同,三色等宽会让人觉得红色的面积最大,蓝色最小。这就证明色彩对感官和情绪的直接影响,有一整套惯例和规律。所有这些有关色彩的因素都将化为色彩的核心——冷暖关系。我们在经营光色的过程中就是在经营色彩的冷暖关系,大家一定要记住这一点,慢慢去体会。00作者简介侯咏摄影师、导演1960年9月生于陕西西安,毕业于北京电影学院摄影系,中国内地摄影师、导演。上海戏剧学院教授、硕士生导师。主要作品与成就1、作为摄影师1983年,首次担任摄影师拍摄影片《九月》,从而正式开始电影摄影师生涯。1984年,拍摄田壮壮导演的影片《盗马贼》。1985年,担任传记影片《孙中山(上下)》的摄影师,并凭借该片首次获得第七届中国电影金鸡奖最佳摄影奖。还拍摄了《一个都不能少》、《王朝的女人杨贵妃》、《夜色撩人》、《我心雀跃》、《泡芙小姐》等影片。之后,又因在影片《晚钟》、《鸦片战争》、《我的父亲母亲》中的摄影造诣,相继获得中国电影金鸡奖最佳摄影奖。成为中国唯一一位四次荣获金鸡奖最佳摄影奖的摄影师。2、作为导演1991年开始从事导演创作,执导影片《天出血》。2004年执导的影片《茉莉花开》荣获第七届上海国际电影节评委会大奖。2006年执导的历史剧《卧薪尝胆》获得第2届首尔国际电视节最佳长篇电视剧奖以及最佳导演提名。2007年,执导体育题材影片《一个人的奥林匹克》。2008年,执导年代剧《闯关东中篇》。2012年,执导年代悬疑剧《愤怒的摄影师》。

  • 秦昊:爬山吗?我当导游

    秦昊身上的标签,正变得“复杂”起来。时间如果倒回到十多年前,电影爱好者们听到“秦昊”的名字,首先想到的或许是孤傲的文艺片男神,足够倔强,也始终生活在“主流”之外。然而到了最近几年,在《欢乐喜剧人》《无证之罪》《声临其境》等一系列大众化的内容里,人们却意外地看到了一个不一样的秦昊;而近期热播的《隐秘的角落》,更是让他和“爬山梗”成为了时下网络上最热门的话题。是什么改变了这个曾经的文艺男神?有人说是他在向世俗妥协,有人觉得是成为父亲让他长大成人。而在2019年5月,毒眸(ID:youhaoxifilm)曾就“改变”和秦昊有过一次对话,关于这个“不一样”的秦昊,他本人是这么解释的——(本文首发于2019年5月10日)文 | 江宇琦编辑 | 吴燕雨“我真的是把脸面看得比钱重要,这么多年来接戏我都是以这个标准来接的。”熟悉秦昊的人,大概在过去无数篇关于他的专访里读到过这句话,而“任性”、“执拗”,也一直被圈内看做是他最显著的个人标签。尽管娄烨曾很多次表示,“昊子是个很逗的人”,但这些特质交织在一起,使得秦昊一度看起来和他在众多艺术片里塑造的边缘人物一样,有些难以言说的距离感。然而,曾经棱角分明的他如今却有了明显的改变。从2016年开始,他陆续出演了《火锅英雄》等与他过往银幕气质不太搭边的电影角色,也越来越频繁地在一些综艺上露面;等到2017年之后,他甚至出现在《无证之罪》《沙海》等网剧中,做着十年前的秦昊绝对不会做的事情。《沙海》中的秦昊5月4日傍晚,第13届FIRST青年电影展启动仪式开始前夕,作为本届FIRST竞赛单元评委团成员的秦昊接受了毒眸的专访。那天陆陆续续前去采访秦昊的媒体有很多,但聊到最后很多人的问题都回归到了同一个疑惑点上:秦昊为什么会做这样的转变?“你觉得这是一种妥协吗?”毒眸问道。“妥协也好,宽容也罢,其实只是一种说辞,但结果都是一样的,退一步海阔天空,看到更大的世界。”秦昊表示,之前他所处的状态是“世界不搭理他”、“他也不搭理世界”。“我选择戏的标准还是没变,还得是导演、剧本角色要好。只是我现在不再和外界较劲、不再非文艺片不拍,开始学着和自己、和周围的人和解,我觉得这是一个人成长的过程。”跟世界较劲18岁之前,秦昊还不懂得什么才是演员。上中学的时候,偶然看到了姜文执导的《阳光灿烂的日子》和主演的《北京人在纽约》,给年轻的秦昊带来了很大的触动,对他来说,这些作品里演员们的表现,是能打到他心里的表演。“姜文不是传统意义上的帅哥,但他的表演居然会这么有魅力。这些作品改变了我对很多东西的看法,甚至改变了我的审美,从那时候开始,我的梦想就成了要做一个特牛的演员。”曾触动过秦昊的《阳光灿烂的日子》当时的秦昊第一时间做了一个任性的决定,高三那年临时从理科转向了文科,志愿书上也只填了“中央戏剧学院”——那是姜文的母校。命运在这时候第一次垂青了“演员秦昊”,在连表演课都没上过的情况下,秦昊考上了中戏表演系,和章子怡、刘烨成为了同学。大学期间,秦昊遇到了中戏有名的严师常莉,她给学生们灌输的思想是“要好好学习、把基础打牢,除了斯皮尔伯格,只有陈凯歌张艺谋的戏,你们才可以出去拍,否则就要在学校排话剧”。96级的同学们听了老师的话,老老实实演了四年话剧。等到毕业时,章子怡接到了张艺谋的《我的父亲母亲》,刘烨也得到了出演关锦鹏执导的《蓝宇》的机会。只是这一次,命运的天平没有向秦昊倾斜,毕业前后他虽然也得到了不少戏约,但并没有张艺谋这样的大导演或大项目向他抛出橄榄枝。无奈之下,秦昊只得先从一些他并不够喜欢的项目中的配角开始演起,可结果却令他大失所望。毕业后的秦昊并没有大紫大红“演完后我再回过头去看,心里很不是滋味,心想‘这都是什么啊’。我觉得这不是我想要成为的演员,这不是演员要演的东西。”秦昊坦言,当时他觉得要像章子怡、刘烨一样,和优秀的导演合作、拍好戏,才是他上中戏、做演员的真正目的。坚定了这一想法的秦昊,心中的那股倔劲涌了上来,第一年连着拒绝了8部不满意的戏,第二年又拒绝了3部。第三年之后,开始有人都问他:“你还在演戏吗?”无奈之下他只得做生意、炒股票来维持生计,但结果也赔得一塌糊涂。被焦虑包裹着的他,甚至有过放弃做演员的想法:“我不理解,为什么我在学校那么用功,可为什么没成功?是不是只有我自己觉得我是一个好的演员,别人却不这么认为?”好在命运的转折来得十分及时,2003年前后,秦昊遇到了正在筹备《青红》的王小帅,并得到一个配角的试镜机会。曾被《十七岁的单车》所打动的秦昊,知道“这就是我要拍的电影”。当时,虽然也有朋友介绍了戏份不少的项目,但秦昊放弃了那个“更好的机会”,选择在《青红》这部小成本文艺片中演一个小角色。在《青红》中饰演李军的秦昊最终,《青红》在第58届戛纳电影节上大放异彩,秦昊也跟着剧组走上了戛纳的红毯。但比起聚光灯,对他而言更有价值的,是他有了重新认识电影表演的机会。他告诉毒眸:“从那时候开始,我才慢慢了解什么是新浪潮,什么是电影表演,并开始思考电影演员和话剧演员在表演方式上有什么不同。”王小帅对这个年轻的演员颇为赏识,开始带着他出入各种活动、饭局,在某一个饭局上,秦昊结识了他的另一位伯乐娄烨。尽管当时二人并无太多互动,可秦昊的言行气质还是给娄烨留下了很深的印象。几年后,娄烨在筹备《春风沉醉的夜晚》时,想到了这个有些不羁的年轻人。当时的娄烨也在职业生涯的相对低谷期,而《春风沉醉的夜晚》又是一部边缘人群题材的作品,家里人知道后,纷纷前来劝阻秦昊,让他不要拿自己刚有起色的职业生涯赌博。秦昊虽也担心可能面临的风险,但当时他心里只有一个声音:“如果错过这次机会,或许就再也没办法和娄烨合作了,所以爱咋咋地吧。”最终,他还是不顾家人的劝阻接下了这部作品。《春风沉醉的夜晚》拍摄过程中,娄烨找到秦昊,很认真地对他说:“昊子,拍这部电影是你做了一件特别伟大的事,很多人会感谢我们。”秦昊说,自己并不确定是不是做了一件伟大的事情,但是拍《春风沉醉的夜晚》却是他人生一个重要的转折点,不仅得到了更多认可、也找到了满意的创作状态。“我又可以每年推掉很多自己不喜欢的作品,任性地一年只接一部戏,不用很累,表演状态又很好。”如果说出演《青红》是一个巧合,那么,《春风沉醉的夜晚》之后,秦昊就开始有意识地只拍自己喜欢的艺术片、推掉了大量商业作品。其中也包括一些后来大热的电视剧,可即便是日后那些作品的男主角大红大紫时,秦昊也从没有因此而表达过任何的后悔。他坦言,当时自己确实有些赌气、较劲的意味在其中,,既然早些年主流电影市场不认可他和娄烨等人的片子,那他也“不把他们当主流”,“我玩我的,你请我我也不来”。“我开始学着和自己和解”《春风沉醉的夜晚》后的几年里,是秦昊在表演上最肆意的日子,他接连出演了《日照重庆》《浮城谜事》等经典的文艺片,并累计取得了四次戛纳影帝提名,和他有过多次合作的王小帅,更是直接称呼他为“戛纳的无冕之王”。早年的王小帅和秦昊秦昊也觉得,当时自己是处在一个很舒服的状态里,不管怎么演都不会出错,都能差不多达到80分。可在舒适区里待了几年之后,随着年纪的增长,他逐渐感觉到自己的演员生涯进入到了“死胡同”,有时只是在重复过去的自己,似乎总是没有办法触及90分、95分。“追求90分”这种想法的出现,也让他再一次思考演员这个身份的意义、并试图寻找突破的方式。拍《推拿》时,他放弃了一开始最想演的王大夫,选择了沙复明这一角色,原因是王大夫自由发挥的空间小,而沙复明有更多可供他去尝试的新方向。秦昊告诉毒眸,这也是他喜欢和娄烨合作的原因。“我想有更多的尝试和突破,而娄烨是一位我可以放心把自己交给他的导演,他能帮我拿捏好那个尺度,不至于说因为演的太过火而出错。”《推拿》中秦昊所饰演的沙复明而就在秦昊试图找寻突破的同时,青年导演杨庆找到了他,邀请他出演《火锅英雄》。这是一部用重庆方言表演的黑色喜剧片,无论从哪个角度来看都与生在东北的文艺片演员秦昊搭不上联系,但杨庆却这么解释自己想用秦昊等人的原因:“(一个导演)不能总做别人赖以成名的部分,这是对演员和表演的不尊重,你得看到人的多种可能性,没有人想看到那种一直演下去的演员。”秦昊曾直言,他并不喜欢杨庆上一部作品《夜店》,最初会选择加盟有很大一部分原因是因为陈坤的邀请。但当他和杨庆接触后,看到杨庆拍摄的一些视频、听了他的想法,才意识到这位年轻导演其实很有才华,这些都是看剧本时不曾了解的。演了十多年文艺片的秦昊最终接下了这个本子,并专门去学了重庆话。2016年《火锅英雄》上映后,取得了7.2分的豆瓣评分和3.7亿元的票房,成为了秦昊从业后出演过的最成功的商业片之一。参加《欢乐喜剧人》意外获好评也正是从这时起,秦昊对自己之前的一些执拗、偏执的想法,有了些许动摇。或许是因为这样一次尝试,之后的秦昊放开了自我,2016年里他还破天荒地参加了喜剧类综艺《欢乐喜剧人》,跨界演起了小品,令许多喜欢的影迷都吃了一惊,感慨秦昊“人设大变”。可秦昊倒是毫不在意,反倒是直呼“玩得挺开心,演得挺过瘾”。但在2016年,秦昊人生最大的转变不在于商业片成功或是参加了综艺,而是当年孩子的出生。如果说此前的十多年里,个人经历使他对外界充满了对抗和不信任,孩子的降生则很大程度上改变了秦昊看待世界的态度。他向毒眸表示,做了爸爸之后,想问题的方式开始变得不一样了。“我慢慢觉得自己以前有些太刚愎自用了,自己看世界的方式、对世界的认知未必是对的,开始有和自己和解的意识,对周围事物的宽容度也在变高。”孩子出生后有人问秦昊,如果他的女儿将来爱看好莱坞动作片,他会选择去拍那样的电影吗?秦昊笑着回答道:“我接受啊,不接受不行啊。娄烨也面临这个问题,他儿子看各种漫威的影片,还问他爸什么时候拍一个这样的电影。”心境发生变化后,秦昊逐渐看到了一个自己当初未曾察觉到的世界。在拍陈凯歌的《妖猫传》期间,秦昊结识了来探班的韩三平。韩三平告诉秦昊自己正在当一个网剧的制片,并硬把这个剧本发到了秦昊的手机上,叫他一定得看一看。就这样,长期对国产剧有着一丝不屑的秦昊,有些“无奈”地读起了《无证之罪》的剧本。“我被这个剧本打动了。坦白来说,之所以接这个项目,也是因为当时没有好的电影剧本给我选,我一看这个剧本实在太丰满了,很多电影剧本都比不上。”再加上好友周迅也在不断劝他,秦昊最终决定“越界”、拍起了网剧。《无证之罪》这一次,他又幸运地走在了对的路上:2017年前后,正值台网关系扭转的初期,大量精品化的网剧开始涌现,观众也越来越多向流媒体转移。《无证之罪》上线后,迅速成为了当时最热门的剧集之一,收官阶段豆瓣评分达到了8.3分、网播量接近5亿。而也正因为那些年找不到好剧本,秦昊慢慢感觉到了行业需要更多人才、更多新鲜的血液,于是他在今年做出了另一个当年的秦昊不会做的决定:到FIRST青年电影展当评委。“早些年很多年轻的导演找到我,我基本上是不会看他们的剧本的,因为我认为那不是我要的东西、对他们更多是不信任。可是时间教会了我很多东西,现在回过头来看,很多年轻导演其实很不错的。所以到了今天,我特别希望知道这些年轻人在做什么、拍什么,看看我们有没有合作的空间。并且我现在也有一定的资源,可以给予一些有才华的年轻人更多的帮助。”秦昊表示,现在来当FIRST的评委是一个特别合适的时间,此时的他对于和年轻人交流、合作“有特别大的渴望”。对于演网剧、当评委这些外界以为不“秦昊”的事,他称之为“秦昊会做的选择”——不考虑自己之前是否做过,只要喜欢就去做。就这点而言,此时的秦昊还和18岁那年、希望成为演员时的想法一样,只不过此时的他对于什么是演员、要当怎样的演员,有了不同的理解。“总是去做自己喜欢的事情、尝试和世界和解,不担心会出错吗?”采访的最后,毒眸问道。“会有这样的担心,往后退、退多了可能就是悬崖。其实我也不知道我会不会掉下去,想要不掉下去一定得靠实力。”职业生涯中一直在遇到贵人、常常和好运站在一起的秦昊告诉毒眸,这也是他想要走出安全区的原因。“因为靠运气只能暂时规避风险,而我想要走到最后。我不知道我有没有不掉下去的实力,但我觉得我走在一条正确的路上。”

  • 遭删减10分钟的大尺度电影:这个世界,越瘦就越赢吗?

    200多斤重的人生是什么样子?去餐厅吃饭,常常被朋友劝“少吃一点”;坐公共交通,会被嫌弃占了两个人的位子;正常走在路上,都总是遭人白眼、被路人议论纷纷;……于是她决定开始减肥。最近一部话题度很高的台湾电影,就讲了这个减肥女孩的故事。区别于同题材的其他影片,它居然一点也不燃,不鸡血,不励志。还是我看过的唯一一部,结局是“减肥失败”的减肥电影——《大饿》 01 210斤大码女孩的日常 《大饿》是去年在台湾地区上映的,近期被爱奇艺引进内地。点击观看《大饿》预告 去年中旬,它在第21届台北电影节首次亮相,就一下子成了黑马。编剧兼导演谢沛如,凭该片获得了国际新导演竞赛观众票选奖;女主蔡嘉茵,因自然真实的演技斩获最佳新演员奖,还提名了金马奖最佳新演员。她饰演的阿娟,是一个210斤重的胖女孩。今年30岁,在妈妈的幼儿园中做煮饭阿姨,饭煮得又香又营养。但就像你见过的每一位“大码”女孩,她的身材、衣服都是大码的,所以生活有很多不顺。这不顺一部分来自日常的“磕磕碰碰”,在公交车上想献个爱心,不成想被迎头浇了一盆冷水。还有很大一部分来自其他人不太“友好”的对待。减肥产品销售不由分说塞过来的广告,学生没有分寸的玩笑,“大恐龙老师”的外号,被不懂事的小孩当做打赌和恶作剧的对象、莫名丢鸡蛋,都是真实到让人心疼的胖女孩日常。与其说不友好,不如说被习惯性地鄙视和瞧不起。因为在他们眼中,她不是一位厨师、老师、温柔的大姐姐、心地善良的姑娘;她只有一个身份——那个胖子。因为胖,她也不自觉地被人们和“就知道吃”“不自律”“失败者”划等号。于是,阿娟在妈妈的威逼利诱之下,参加了一个减肥班。她的妈妈是一位非常自律、每早都会做瑜伽保持身材的“冻龄女士”。可能实在忍受不了女儿给自己丢脸,才给她送了这份生日礼物。于是,阿娟的身份又多了一个——减肥训练营学员。02 被减肥“绑架”的中国女孩 训练营里的日子是漫长而艰辛的,一上来就被教练拿着“一公斤重的脂肪”恐吓,拼命做着大量运动,每天还要按照食谱来严格控制饮食,每个人都在吃苦,每天都要挑战极限。可这么辛苦地减肥,瘦了10公斤,依然要承受教练无时无刻的语言打击————你们还是一群超过80公斤的胖子!——没有人会透过你们肥胖的外表,去发掘你们的内在美!你说你想放弃?那他保证分分钟指着鼻子把你骂哭。当一个人的所有价值遭到质疑,自信心受到打击,拿她的自尊就很容易被摧毁。这些恐吓,侮辱,精神控制和压迫……不是PUA是什么?只因为身材不够好,或者说不够“瘦”,整个人就该被全盘否定吗?可这不仅仅是减肥训练营学员的现状,更是“被减肥绑架”的中国女孩们的现状。在“以瘦为美”的如今,所有人都在提醒你减肥的重要性——超市里放的歌曲,是“燃烧我的卡路里”,走进电影院,看的是《西虹市首富》,《丑女大翻身》,还有那些盯着过路者的健身房、减肥店销售,这些年流行起来的各种严苛的「身材测试」,如A4腰、反手摸肚脐、锁骨放硬币,也都是只有“瘦子”才能通过的考试……某女团选秀综艺里的“小蛮腰”测试当这个世界为“减重”着了魔,还有哪个女孩没减过肥的?身材丰满的,要减到清瘦;本来身材瘦削的,还想减到更瘦。所以才有很多人说,从电影中看到了自己——女主阿娟眼睛里流露出的疲惫和倦意,像极了自己内心的写照。可当减肥成了一个人的日常,不用说每天被体重秤和卡路里影响的心情,实在不好过了;即使锻炼身体、保持健康饮食是有益的,一旦超过了自己能承受的范围,带来的可能就是“病来如山倒”一样不可控的结果。有人,为了减肥消耗着自己的时间、金钱和意志力;有人,吃着三无品牌的减肥药幻想暴瘦;有人,做不到少吃就去催吐,严重透支着健康;还有一些人,像电影里的阿娟一样,心一横躺在了切胃的手术台上。作为代价,身为厨师的她丧失了味觉。现实中的女孩儿们要付出的代价呢?好端端身体出了问题,还变得脆弱、易怒、精神萎靡;而好端端的多样美,也被扼杀在了审美的源头。这个世界原本不该是环肥燕瘦,各有其独特的美感吗?什么时候,“瘦”成了衡量美的唯一标准了?况且,世界从未对“美”下过定义,任何人有什么资格去嘲笑别人“不美”呢。 03 身材羞辱,何时能停?电影的名字叫《大饿》,很有其意味。我理解的这个“饿”,总共有三重含义:第一层,生理上的饿。是以阿娟为代表的肥胖人群减肥时,身体会遭受一番的饥饿。第二层,心理上的饿。努力要达到世人眼里的“更好的自己”,与自己真正需求之间的拉扯。还有一层,是社会审美和认同感存在的“饥饿”。它体现在这个社会对少数“不符合主流价值观”群体的不理解、不包容、不尊重。这就要提到电影删掉的10分钟了。没错,内地引进的《大饿》是删减过的版本,没了足足10分钟的“异装癖”戏码。那个叫做小宇的小男孩,喜欢穿女孩子的衣服,本有一个他在卫生间穿裙子的镜头,还有在学校晚会上的片段也全被删了。听说6.12日发行的DVD和蓝光资源是完整版哦,感兴趣的可以等等看敏感吗,会让观众产生不适、造成负面影响吗?我不知道,只是剧情不连贯是真的,影响了电影主题的表达也是真的。虽然“异装”和“减肥”看似无关联,但它们都体现了社会的包容和接纳存在着的问题。同样作为社会的少数和弱势群体,大众对他们的偏见和隐形歧视,无处不在。可这个世界上,与众人不同的,就要被划分为异类吗?男孩穿女孩的衣服,就是对自己性别认同不正确,就要改,要被删。胖,就是好吃懒做,就是不自律。就要改,就该被骂。你有什么不完美,就该被一次次揭伤疤,承受外界对它满满的恶意。可体重210斤的女孩们,到底招谁惹谁了?这个世界的body shaming该停止了。极为苛刻的外貌要求,该以瘦为美的畸形单一的审美观,停止了。像碧梨Billie Eilish在自己的巡演短片《NOT MY RESPONSIBILTY》中,控诉社会对女性发出的身材羞辱时说的——身体是我们与生俱来的一部分,从来不用别人来定义!而允许多元美的存在、接纳与众不同的个体,正是我们需要共同去走出的一步。但如果改变世界太难,那不妨先改变自己吧,接纳自己的不同和“不完美”,与自己和解。借用女主蔡嘉茵在领奖时说的话:「我是个特别的演员,希望我的存在,可以让创作者有更多想像,更多元的选择。」而我们每个人都一样,是可以让世界更多彩更缤纷的人啊。所以,请记得要不顾一切地爱你自己。让那些嘲讽你的人,不尊重你的人,有多远走多远。

  • 博观|导演们看闷片时,都会去看些什么?

    朋友啊,如果只给你5秒钟,让你用一个词来告诉我,你觉得电影的本质是什么呢?你会怎么去回答?相信这个问题,每个人心里都会有不同的答案,但是我会告诉你,我的回答是,求真。朋友,你此时也许会有很多的问号吧?电影难道不该是造梦吗?不是把一切我们在现实中未经历的故事拉到我们的面前,带给我们感动吗?但是在我看来,电影与其他影像作品最大的不同就在于,电影是对物质现实的还原,电影在反映现实,一旦脱离了真实,电影便会让人觉得悬浮,觉得雷。话有点扯远了,我们今天主要来说一说,《卢米埃与四十大导》这部闷片。这是一部闷片,但是凡是和编导相关的艺术生,都会在学校里被要求观看此片,有的还会要求写上个几百字的小作文。那么,这部影片有什么值得看的呢?这一切要从1895年电影诞生之初说起。1887年,有科学家提出一个设想,用一条连续感光的相纸连续拍摄,是否就可以拍摄视频了呢?第二年,大发明家爱迪生制作了一台Kinetograph摄像机,据称,该机器可在长达50英尺的软片上拍摄600多张画面,记录约1分钟的动态信息,被称为现代摄像机的雏形。1894年,在当年的世博会上,爱迪生向世人们展示了其“电影视镜”,虽然只能放映30秒的时间,但是由于采用了现代胶片的形式,电影技术已经趋近于成熟。时间来到了1895年的12月28日,法国的卢米埃兄弟拍摄完成了一部《火车进站》,并在这一天首次公映。在一个固定机位中,一辆列车从远处缓缓驶来,划过了银幕,驰向左下方,也向世人们打开了电影的大门。120多年前,首次见到这种动态影像的观众们可都吓坏了,以为火车将会冲出墙壁上的荧幕,恐惧的四下逃窜。现在想想,可真会觉得有些不可思议。而路易·卢米埃尔则发明了“活动电影机”,并拍摄了50多部短片,用以表现1900年以前资产阶级的生活,娱乐,和当时的风土人情。光阴荏苒,时间向前推进了一百年。为了纪念电影诞生100周年,全球的四十位大导演受邀,使用当年卢米埃兄弟当年制造的摄影机,一人拍摄一部短片,并且有三个附加条件,1.影片时长需要控制在52秒,2.不能同步录音,3.最多只允许拍摄3次。一切仿佛都回到了电影诞生之初,把创作条件人为限定在了无声电影时代,胶片时代。而这部影片也在一直试图去回答这样一个问题,电影,究竟是什么?在现如今看来,《火车进站》只是一段非常普通的记录影像,平平无奇,甚至,没有什么意义。但是在当年,这部影片却引起了极大的轰动。这揭示了电影的第一层面纱,只有进行过公开放映的影像才能被称之为电影,电影是一场集体性的社交活动,观众是创作的一部分,是创作的最后一环,好的影片能与观众产生共情,且,这种共情在集体聚集下会愈发的明显。所以,影片把第一棒交给了法国导演,帕特利斯·勒孔特(Patrice Leconte)。勒孔特用一段“动车进站”来回答了这个问题。作为卢米埃兄弟的法国老乡,勒孔特的这段画面放在开头显得尤为合适,他不仅迎合了电影学院派一直讲求的,师法传承,还揭示了电影的另一层面纱,时代的记录者。同样的一段主题,同样是火车进站,随着时代的变迁,火车头也在不断的更新换代,随之而来的,是熙熙攘攘的人群消失了,火车站显得尤为的冷清。有时候,你不得不去感慨,这究竟是时代的进步,还是人情世故的退步?电影,玩的其实就是光影和时间的艺术。我们通过蒙太奇去改写影像里的时间,并为之赋予我们想要的含义。既然说到了艺术,于是第二位导演Gabriel Axel便通过他的短片向我们展示了艺术的演进史。我们可以看到建筑、音乐、绘画、雕塑、诗、舞蹈、戏剧,以及电影。这正是我们所公认的八大艺术。同时,导演也向我们展示了这些艺术之间潜在的联系。每一个受邀使用卢米埃摄影机进行拍摄的导演在创作个人短片前,都要接受采访,回答这样的几个问题:你为什么要拍电影?而Claude Miller的回答是,我想要被爱。我犹记得在上大学时,在剧社里排大戏,第一次公演结束时,我的老师在黑匣子小剧场里,跟台下观众们分享时,说的话。他说,人这一生,如果从没有走进剧场里看过戏剧,那么他的人生并不算完整。老师还说过,女孩子们以后要是找男朋友的话,一定要找一个爱看戏,喜欢看话剧的人,因为这样的男生再坏,也坏不到哪里去。是啊,在戏剧里,我们学会了真善美,学会了爱与被爱。而至于戏剧和电影间千丝万缕的联系,以后有机会,我会另起一页再说。说回到这部电影,Claude Miller在他的短片里,也通过一个微型小品来回答了这样一个主题:爱与被爱。诚然不是每一个人都有能力爱人的,我们因为生活所迫,因为世俗红尘,我们总是会自私的想着先解决自身的问题,而对一旁弱小女孩的需求置之不理。但只要我们坚信爱,那么最终也一定会收获到一个爱你的人,他会为你停留,将你捧在手心里,让你肆无忌惮的骑在他的身上,无条件的信任他。接力棒交到了下一位导演Jacques Rivette的手中,而Jacques Rivette在拍完了他的短片后直呼,这太TM短了,太短了,完全不够拍啊!是啊,规则是,只允许你拍52s长的影像。因为回到电影之初,处女作《火车进站》影片的时长就只有52s。当时由于使用的是手摇的放映机,影片的帧率一直维持在12-20帧/秒之间,同时,一开始的电影,其实是没有声音的,在放映时,通常需要在现场再实时的进行配乐,有的还会再安排一名电影解说员,对画面里的故事进行配音或者是解说。由于有时候会存在词不达意,或者看图说瞎话的情况,这也造就了早期黑白默片一种特殊的幽默风格。甚至可以这样说,正是受这些技术条件的限制,才会诞生像卓别林这样的艺术大师。但是,同样身为创作者的我们,如果只给你52s,你能说一个怎样的故事呢?52s,甚至都无法完整的拍完一场戏,也无法展开来,做什么情节点的设置。但是每个受邀的导演们依然给出了他们心中的答案。Michael Hanekel的回答是,记录。他拍摄了一段电影诞生百年这一天的新闻集锦。而Fernando trueba则更进一步,他希望将之拍成一段证词,用以回答西班牙的某种社会问题。那么在这里,我们也能看出,电影作为文化产品,其实是一种特殊的商品,其除了具有经济效益外,还具有社会效益。好的电影作品往往具有极大的社会影响力。我国作为社会主义国家,一直坚持,文化产业,要把其社会效益放在首位。如果你理解了这一点,那么你对广电总局/电影局严格的审查和备案制度也就能试着理解一点了。来到Merzak Allouache,他的回答是,好奇。他将摄影机当成了一面镜子,那么行走的路人在看到这样一个新奇玩意时,他们会作何反应呢?Jaco Van Dormael则通过他的短片,向我们揭示了电影的又一层面纱,我们通过影像来塑造真实,而不是真的真实。需要注意的是,这里和我们一开始所说的,电影的本质是求真,其实并不矛盾。我们可以看到,在镜头下,这对恋人相拥亲吻了50多秒,而一旦离开镜头,我们通过照片,可能会得出两人可能素未谋生,背道而驰。那么也就是说,刚才的那段亲吻,其实是导演想向我们说的故事。这其实也揭露了摄影的三大要素:1,镜头所捕捉到的故事,2,具有纪念性的时刻,3,创作性和想象力。Hugh Hudson则在他的短片里,对广岛,二战进行了反思,这同样的展示了电影的另一个维度,关照和反映现实。我们总会在一些电影作品里,学会些做人的道理。而在这部电影里,我们不得不提的一个人,就是我们的国师,张艺谋导演,这也是整部电影里唯一一个受邀的中国人。但是,说实话,张艺谋的作品却是我在这其中看的最尴尬的一部短片,没有之一。首先,在影片中你可以看到,张艺谋像是接到了某种组织传达的任务,还专门带了一群人在会议室里讨论研究了好半天,大家一起围着这个卢米埃摄影机把玩,像是没见过什么世面的裹脚老太太。接着张艺谋导演所带来的作品,给人最直接的反映就是,用力过猛。他甚至是全片里唯一一个拿着打板,数着8场8镜3次的导演,拍摄的画面也了无新意的选择在了最能代表中华文化的长城上,影片甚至流露出了某种荒诞,两个身穿古装扮相的年轻人上一秒还在拉着二胡,翩翩起舞,下一秒就把衣服全部扒光,玩起了摇滚和霹雳舞。而画面外,张艺谋老师则一直在数着秒,26,28,30……这不得不说,是一种魔幻现实,其实也反映了我们的某种特殊的国情,我们一直崇尚集体,喜欢大操大办,一遇到什么事,总是乌泱泱的一帮人一拥而上。在面对卢米埃的这份命题作文的邀请前,作为唯一的中国人,张艺谋有太多的话想要说了,他想要向世界去展示中国,所以他选择在了长城拍摄。为了展示中国的过去和现在,他选择让两位演员在影片里完成了从古装到现代的换装。但是张的骨子里其实是具有反叛精神的,所以他还选择了摇滚,但是这样杂糅的结果就是,短片显得不伦不类,成为了整部电影里的异数。而反观国外的其他导演,他们则更多的把这次拍摄当成了一场游戏,最低只带了1-2名助手,协助拍摄,更多的,其实是导演自己一个人的创作。而他们的关注点也停留在了爱,希望,和平,生命这些人类永恒的话题上,不显山不露水,反而拍出了很多令人反思的作品。这种东西方创作上的异同,也是值得我们创作者们去思考的问题。我们有时候,总是太急于去说好一个中国故事了,到哪都是中国名片,文化国宝。到头来,也就留下了京剧,长城,功夫,熊猫这样的刻板印象,但这并不是文化的软实力。而在那些普世的命题下,我们留下的回答极少,这也就导致了在世界舞台的话语权上,我们一直相对处于劣势。(保命要紧,也给张艺谋老师道个歉,我只是就着作品就事论事,如果我们不急于去讲中国,而是回到故事本身上来,我们是不是能说一个更好的故事呢?那么到时候,我们传递中华文化的目的是否也能同样的达到呢?)相反的,Abbas Kiarostami的作品可能是这其中最好的一部短片。他通过煎鸡蛋这样一个平平无奇的生活中的日常情景,加上人物的对话(电话录音),向我们展现了一个完整的故事事件,同时制造了悬念,留给了我们无尽的遐想。和张艺谋老师的作品相比,是否就显得高下立判了呢?由于时间和篇幅的原因,还有很多导演的作品这里就没有再继续往下拉了。感兴趣的朋友们,可以自己去看一看这部闷片。它可以帮助你更好的理解,电影究竟是什么?最后想说一说,如果有一天有机会,给到了我一台卢米埃的摄影机的话,我会拍些什么?我想我会用这52s来说一个迎接新生命的故事。一个产房外,丈夫在焦急的等待,产房内,几经周折,孕妇终于将孩子生了出来,丈夫闻讯,兴奋又激动,夺门而入,并亲手给孩子剪下了脐带。以上。在新片场APP上关注我,合作交流

  • 干货!Lightroom和Photoshop对水下照片进行后期处理的快速比较

    Adobe是水下摄影师的主要照片编辑来源。Photoshop早在1980年代就已存在,但不可否认的是Lightroom是当今最受欢迎的后期处理工具。直接从相机出来的水下图像通常需要某种调整。而且,原始文件无处不在,因为必须将其处理为可以看到并与他人共享的文件类型。Lightroom和Photoshop都提供了自己的重要功能,这使它们在水下摄影工作流程中彼此区分开。Adobe Photoshop CC的屏幕截图Adobe Lightroom和Photoshop-主要区别Photoshop和Lightroom都是功能强大的照片编辑软件程序。它们都提供了用于水下摄影最受欢迎的后期处理工具,例如调节白平衡,增加对比度,消除反向散射和修剪。强大的编辑与第三方插件兼容具有类似的流行编辑工具需要Adobe计划订阅有些摄影师彼此选择,但PS和LR都有非常独特的差异,因此值得在工作流程中同时使用。Lightroom是具有出色的导出和共享工具的多合一编辑和组织工作流服务。LR的简化版本适用于所有类型的设备,包括您的手机和平板电脑。借助移动应用程序,在潜水旅行中随时随地进行编辑变得非常简单!不论经验如何,LR在所有摄影师中都很受欢迎。Photoshop是更高级的编辑器,专门用于精确图形处理。与LR不同,它不允许批量编辑。尽管PS能够进行基本的编辑,但是它具有将图像完全转换为数字艺术作品的能力。制作合成照片以从头开始制作自己的水印都在Photoshop的范围内。在假定哪种程序对水下摄影“更好”之前,让我们看一下每个程序的一些更具体的属性。Adobe Lightroom移动应用程序的屏幕截图用于水下摄影的Adobe Lightroom一段小小的历史:Lightroom 1.0于2007年初完全发布,购买了软件,并于2017年演变为基于云的服务。它实质上对Adobe Bridge和Camera RAW进行了现代化和合并。今天有两种版本的LR。更新的完整版本“ Lightroom Classic”可与Creative Cloud之前的桌面软件相提并论,而“ Lightroom”是简化的版本,可在从台式机到手机的所有设备上使用。Lightroom最适合:批量编辑整理照片简化所有设备节省硬盘空间快速导出和共享随时随地编辑-非常适合旅行!全面,快速的工作流程以及易于使用的滑块工具桌面上的Adobe Lightroom Classic屏幕截图真正使LR与PS脱颖而出的是工作流程。以易于使用的可自定义的预设和滑块而闻名,Lightroom还涵盖了从组织,“开发”和导出到您的整个工作流程。添加元数据(例如关键字),将图像放入自命名文件夹,一次批量编辑多个图像并最终导出以共享,打印或保存,从未如此简单。Lightroom的“开发”模块包含水下摄影师所需的最常用工具,其中包括越来越受欢迎的工具(尤其是用于拍摄蓝色照片)– Dehaze。这些快速的滑块是一种有趣,简单的方法,可以为您的水下照片添加对比度,而在PS中手动完成则需要更长的时间。LR还提供一些深度调整,例如镜头校正,分别处理每个调色板以及在高光和阴影之间拆分色调。PS的一项重要功能与众不同,它是自动记录对图像的调整。与其他程序要求我们在完成后“保存”已编辑的文件不同,这可以节省大量的硬盘空间。水下摄影用Adobe Photoshop CCPhotoshop可以用来编辑图像,而Lightroom也可以这样做,反之亦然。相比之下,它更“手动”。如果可以更快地完成Lightroom编辑,则可以改进Photoshop的结果。总体而言,Photoshop是一种更高级的强大功能,能够从空白文档创建图形或将图像完全转换为人们想要的任何类型的数字静止图像。它可以在图层,蒙版和不透明度混合器中使用。PS具有丰富的工具,可以将图像裁剪,拼接,绘制,刷,克隆,擦除和扭曲成艺术品。这里有一些在Photoshop中编辑图像的快速提示。Photoshop最适合:进阶编辑去除颗粒(反向散射)创建合成图像调整图像以进行打印精确到像素级创建徽标或自定义水印等图形与图层一起工作以实现无限的艺术创造力在Adobe Photoshop CC中应用图层的屏幕截图从水下图像去除反向散射可能是艰巨的任务。依靠LR克隆或修复通常很耗时,并且由于产生不同的结果而缺乏精度。Photoshop的灰尘和划痕过滤器和/或噪音过滤器是一次清除大量颗粒的快速方法。但是最精确到像素级的是Photoshop的内容感知功能。它使消除顽固的反向散射变得轻而易举!在使用Photoshop的Content Aware消除背向散射之前使用Photoshop的Content Aware消除反向散射后将编辑后的文件保存在Photoshop中会占用宝贵的硬盘空间。如果要保存工作文件以备日后使用,请使用Photoshop文档.psd保留图层并将文件直接保存到您选择的文件夹中的硬盘驱动器中。与另存为分层的16位tiff文件相比,它可以节省更多的空间,并保留所有图层,因此您可以从上次中断的地方继续。快速提示:尽管您可以在LR中轻松编辑视频,但是可以在Photoshop中对水下视频进行一些有价值的调整!您想手动更改白平衡吗?在某些视频剪辑中突出显示高光并打开阴影怎么样?所有这些都可以在Photoshop中使用图层来完成。诀窍是在完成操作后,不要通过“文件”>“另存为”保存视频,而是导航到“文件”>“导出”>“渲染视频”进行处理。带有图层的有效视频文件也可以另存为同一Photoshop .psd文件,例如图像,以备将来编辑。在Photoshop CC中编辑带有图层的视频通过文件>导出>在Photoshop CC中渲染视频导出视频结论确定是否将图像带入Photoshop和/或Lightroom取决于所需的最终结果。除非我们有特定的需求,否则Lightroom和Photoshop的标签都不能比其他标签更好。他们共同为水下摄影工作流程提供了最强大的编辑系统。

  • 导演姚婷婷:电影,给人继续生活下去的能量

    “我希望大家看完电影之后,不管是‘爱’,还是‘正能量’,他都能获得一种继续他们生活的能量,这是我做导演的价值。”这话要是没有6000字铺垫,单独放这,你可能消化不了。谁啊这是,太正了吧。上礼拜,心情最down的那两天,我碰到了姚婷婷导演。姚婷婷很可疑,真的,第一眼看见她,我还以为她是姚婷婷导演接下来要合作的艺人。但她就是导演本人,一位某个角度有点王珞丹,浑身恬静,小短裙飒飒的女艺人模样的导演,根本不像扛摄影机的。她还有很多其它身份,比方说,九年义务教育学霸、超级DV少女、被建议转行的女纪录片导演,以及差点因为贫血而过去的正义女导演。她最大的名气,就是凭借网剧《匆匆那年》,改写了中国影视产业的方向,这剧至今豆瓣8.1分。网剧《匆匆那年》但我完全无法理解,她的研究生毕业作《顶缸》,竟然是在农村原生态上扎了一个猛子,说真的,还挺像《Hello!树先生》。她说:“五百导演也这么说,就不像女人拍的,我听了特——别——爽。”“特别爽”三个字,她念出来却很甜。我想找到这个女……这个导演身上正能量到底从何而来,她真的确信吗?在经历这么多2020黑天鹅事件,她还能继续确信吗?心境很快就up起来了。聊了一个下午,这是一个三句话不离“我就想做导演”的下午。关于一个正能量导演的诞生和存在性。01.启蒙:“死”与新生说起电影启蒙,有两个片子对我影响很大,一个是《大白鲨》,一个是《泰坦尼克号》。我现在正筹备的片子也和海难有关,也不知道是不是冥冥之中的影响。看《大白鲨》时特别小,好像也就六、七岁吧,我当时在我们家床上,看完不敢下床,明知道床下没有鲨鱼,但就感觉下床会被咬,它根植于你的潜意识里了。后来《泰坦尼克号》上映了,全国轰动,我是在电影院看的,觉得电影好神奇,好厉害。《泰坦尼克号》但我想从事导演这个职业,有拍电影这个梦想,是高二的时候。我学习一直很好,在辽宁省最好的高中上学,大家的目标都是北大清华,学校几乎没有艺术类考生。我记得特别清楚,小学五年级的一天夜里,躺在床上就突然想,人一旦死了会怎么样,“死”这个事对人来说意味着什么。想着想着我一个人就哭了,害怕,我的天,人生太短暂了,你一定要经历各种各样的事,才不算浪费这张人生船票。你说很多导演也在小时候想过“死”是什么,做导演是不是有共性?然后我看周围很多人,都在过一成不变的生活,我就有一种闯荡的念头。但是我又觉得,我也得谋生啊,得有自己生活的体系,那怎么办?所以未来从事的职业,最好是一个能让你有更多人生可能性,可以不断丰富自己的职业。姚婷婷要不做演员去演戏?我经常参加表演,小时候就会被电视台拽去演戏。但是我有一个特别大的障碍,管一个不认识的人叫“妈妈”,我叫不出口。在导演的训斥下最后还是叫了,但我很不舒服,她不是我妈,为什么要叫她“妈”?我不适合当演员。正好我们家买DV特别早,我经常拿着DV到学校乱晃,就玩嘛。我现在还有很多我小时候的影像。说回高二,当时我已经拍了很多同学和学校的素材。我那时候是班长,有一次主持班会,正好马上要经历一次大考试,想给大家加个油,突然想到可以做一个MV,当时用了许美静《阳光总在风雨后》,那种很励志的歌曲,我不会剪辑,就拜托我妈学校的电教老师,帮我剪了一个MV出来。我拍的是啥呢?比如说运动会的时候大家跑步,还有联欢会、自习课同学们的状态之类的。做完之后在班会上给同学们放,好多人都看哭了,大家突然产生一种凝聚力,就跟我说我们一定要努力,这次考试我们一定要考好。那是我第一次直观地认识到——影像真的有很强的力量!就觉得以后要做这个工作,我要做导演。但我连北电、中戏都不知道。02.学业:无知与感知那是还要拨号上网的年代,信息不好查,北电、中戏这种学校也不会来我们学校招生,但传媒大学来了,我一看简章,发现有“导演”专业!这不就是我想考的吗!然后我妈当时说,你怎么想学这个?你怎么回事?我妈是老师,她在我五年级时候自己出来办学,做校长。她对我的规划就是当老师,认为这个职业很适合我。后来她同意我上传媒大学,就是觉得你反正以后也能当老师,她觉得考啥都能当老师。我后来读研究生,她觉得那是离当老师又进一步。大学时期的姚婷婷但上了大学后,我其实是有一点自卑的。虽然我的成绩是班里最好的,但在电影专业上,我又觉得自己非常平庸。因为周围的同学都是从小就喜欢电影,对那些经典影片、导演都如数家珍,高中时我受的电影教育微乎其微,就有一堂心理课,老师给我们放了《沉默的羔羊》VCD,大尺度的地方还快进略过了,这就算对我很大的启发。我觉得和周围同学差距太大了,我只能疯狂地补片。以前我是特别爱说话的人,上大学后突然变得不爱说话了。大三的时候拍了一个短片,真事,北京郊区一个种菜的爷爷,他用种菜赚的钱供他孙女上学。他们家真的很穷,我真的从小没见过这么穷的,就在2007年,家里的床都是砖头和木板搭的,小土房旁边就是大棚。我那时对穷苦的理解是,穷苦等于不快乐。但是那家人却活得非常快乐,两个小女孩心态好极了!她们拽着我的手就到蔬菜大棚,指着西红柿说,姐姐你知道吗,这个西红柿红了之后,爷爷就能给我交今年的学费了。我当时眼睛一下就红了。我就写了这个小故事,拍了个作业,爷爷和孙女本人演的。所以我一开始拍的东西都很原生态,短片被老师在班上重点表扬了,同学们也说不错,现在回想起来这件事我都挺开心的。读研究生的时候,老师介绍我去《辛亥革命》剧组,这个机会特别好,对一个正在读研的人来说,我都有点懵了。我担任纪录片导演,每天拍花絮。第一次看真的剧组,这么大的导演,黎叔(张黎导演)现场指挥,一切都那么稳,都是大场面,打仗、爆破……还有很多大明星,成龙大哥就在我身边,我开始都不知道应该站哪,如果站到镜头里就会犯很大的错,然后成龙大哥就会告诉我,应该站在哪里拍。每天都是眼花缭乱的,当时确实萌生了一种感觉——我的天啊!这事我以后能干吗?当时研一,就很退缩,有种我是选错职业了吧,毕业可能就失业了,真的就是做个梦。挺迷茫的,谁的青春不迷茫?但是我自己比较坚定的是,我一定要找机会拍东西,只是那个机会在哪,并不知道。03.创作:处女作,但不是“女导演”当时《辛亥革命》组里有前辈问我,以后你想干嘛,我说我想当导演,他们说你还是早点转行吧,你看起来太不像导演了。因为我稍微有一点腼腆,不是特别能社交。对,就没人觉得你真能干导演。在毕业的那个节点,我已经读电影七年了,家里已经非常不同意我再做这行,觉得我特别不靠谱,干什么呢这么多年。所以我下了个决心,如果拍了这个毕业作品,没人喜欢,我就相信我真不适合这行。所以《顶缸》对我意义挺大的,它是我研究生作品,也可能是我最后一个导演作品,我确实也是抱着这是我最后一个片的心态去拍的。《顶缸》那时看了一个新闻,在深圳,一个富二代撞人逃逸了,他爸就从农村给他找了一个小伙去顶罪。当时我们沉浸在学术的环境里,你肯定会觉得这种现实批判的东西更值得做。我写了五个故事,《顶缸》是最难拍的,但我研究生导师一定要我拍这个,他说拍这个故事比另外四个更能让我找到不一样的表达方式。我对未来什么都不知道,有一种撒开了的感觉。我是东北人,就回到我奶奶老家的一个小村子拍,但我没在农村生活过,一些生活习惯和小细节,都是我老叔现场指导。手头就一台5D2,零下30多度,男主角是当时朋友介绍的辽宁大学的学生,其他大部分配角都是我亲戚,争顶罪名额的大姐是我老姑,跟她抢的那个人是我弟弟,然后我爸、我叔,基本全家就一起上阵了。大家都没有拿任何的酬劳,最后就一起吃个饭,在日后工作,你不会再遇到这样的一帮人了,他们真的全情帮助你来完成这个东西,即使到现在,大家还在一起工作。你说这片和《Hello!树先生》有点像,我研究生的论文写的就是黑色电影,《树先生》它在我拍《顶缸》前一年上的,肯定会对我有一些影响。但结局时我留了一个希望,就是那只鹅,从柴草垛里走出来了,它没有被吃掉,这个是我作为创作者的温暖遐想吧。《顶缸》《顶缸》出来之后,很多人没想到是我拍的。五百导演那时候也在拍短片,他说完全没想到这是一个女生的作品。我听了特——别——爽。有的时候我会觉得这个行业反而是公平的,就在于大家都是拿作品说话。可能大家会认为导演是一个男性职业,大部分女性不适合做这事,它当然和生理有关系,简单地说,我没有办法避免“大姨妈”,但在现场拍戏,我希望自己就是一个导演,而不是女导演。虽然《顶缸》拿了那么多奖,但我还是没说服我妈,完全没说服。04.和解:母女大战,特殊交易有一个前情我要说,当时拍《顶缸》前,我回沈阳探景,突然病倒了,贫血特别严重,血红素只有60多克,躺了一礼拜,我得把自己的血再养上去。我妈就坚决不让我拍,咱也不用毕业了,没啥必要,命更重要。当时我们家住六楼,没有电梯,我跟我妈说,如果我能从六层楼走下去再上来,证明我有力气,你就得让我拍。然后我就走了一趟,走回楼上的时候,我妈也被我这种执着感动了一下,我爸就请了假陪我拍戏,拍戏时每天给我吃中药。但拍完之后,我妈跟我同行的那些朋友说,你们以后好好干,好好拍戏吧,她就不用再干这行了。我妈感觉我就是在做梦,一没背景,二没资源,你凭什么能去干导演?谁能相信你?就一定要我回老家,要不然在北京找个公司,到点下班。《顶缸》之后那半年啊,我跟家里矛盾是最大的时候。有一次特别严重,他们俩来北京,让我一定得跟他们回老家找工作。我死活不走,在厕所里哭,我妈就在卧室哭,我爸就来来回回两个屋劝,就到了那个程度。后来没有拧过我,他们就先走了。那半年微电影浪潮正起来,《顶缸》获了好多奖,基本每个微电影节都得了,我就不停跟我爸我妈报告这件事,他们就觉得那又怎样,又能证明什么。那确实也是,当时拍《顶缸》还是花的家里钱,5万块钱,就是主角二宝蹲监牢能换来的5万块钱。后来和家里联系就少了,每天,我从家去MOMA的库布里克咖啡馆,在那写东西,有电影就去旁边百老汇看看。有一天,我妈突然给我打个电话,问我最近怎么样,态度好像缓和了一些,我妈说我给你讲一件事,是我们学校发生的一个故事,跟你分享一下。这一分享,其实我当时听了就很动容,跟我妈讨论半天,就构思了我接下来的短片剧本《特殊交易》。《特殊交易》她很会教育,知道什么时候跟你去对抗,什么时候给你适当的帮助,所以我很多力量的来源,其实是有点来源于我妈这。《特殊交易》的真实故事是,那个小孩的妈妈一直不在身边,都是他姥姥帮他去开家长会,时间长了,他就跟姥姥说,你能不能找一个年轻的“妈妈”来帮我开家长会,其实就是想让别的小朋友知道,他也有妈妈。然后他姥姥就真给他找了一个,当然她找的是一个超市的收银员,不是我电影里的陪酒小姐。结果,家长会那天,沈阳下大雪,会就没开成,但那个女人来了,来了之后那个小孩就拉着她,你能不能去我们班看看。我妈听到这件事,当时就哭了。我听完就有强烈的表达欲望,我非常理解小孩在童年的时候对妈妈的需要,因为我小时候每天上幼儿园对我来说都是一个酷刑——那就是要跟我妈分开了,我想把孩子的母爱表现出来。至于女主角身份,我第一个想到的就是陪酒小姐,制片还带我去认识了一些这个职业的女性,我特别想了解她们的母子关系,她们还批评我的剧本,说这要是找我去开家长会,小孩的一分钱都不会收,她怎么还收钱!所以在电影最后的时候,那个女人给家里打电话,其实她也有孩子。我相信这个情感,我为这个情感感动。但我如何把我的感动,准确地传达到观众那呢?我就研究了好多哭片,我看电影很难哭,如果这个电影让我哭了,我就会把它找出来拉片,它为什么从技术的手段做到让我哭?就研究这些片的人物是怎么埋的,怎么翻的,用它的一些技巧,再结合自己真的想表达的东西。你说《特殊交易》有工艺感,工艺感也是个技术活,你不能硬推给观众。所以就用到反转,它对我来说是挺有效的,事实证明对观众也是有效的——曾经你的一个微小的举动,拯救了我,那个点掀出来,就是会感动。当时粗剪出来的时候我就给我妈看了,她看哭了,但我妈泪点挺低,我当时还觉得,你看哭了,也不代表别人能看哭。我还问我妈,真感动吗?我妈说我拍的特别好,她对我做导演的认可就是从那个时候开始转变的。05.职业:有一种反抗,叫《青茫》《特殊交易》之后接了两个商业短片,赚钱了,赚的第一笔钱就带全家出去旅行了一次。但我突然意识到一个问题,我不能再这么拍下去,好像慢慢沦落到一个很套路的体系里,别人给我一个大概的需求,然后我给他出一个想法,状态不对。我的愿望是成为一个电影导演,之后再有找我的那种片子,我就没再接了。紧接着是一个关于选择的故事,当时有个电影想拍,同时《匆匆那年》网剧那边看了《特殊交易》后就找我,我也没有觉得这件事会最后会定我,我还给他们推荐了别的比较有名的80后导演。当时的制片人尚娜和朱振华,他们做事有胆识,敢相信年轻人。在那个时候,整个网剧市场没有体系,也没有审查,没有平台的各种要求,《匆匆那年》整个形态都是我们一起研究出来的。那个时候看韩剧比较多,我就说可不可以别限定单集时长,按单集讲的故事量去讲。没人知道做出来什么样。要说当时为什么想做这个戏,因为我觉得在我成长的过程中,没有属于我们内地小孩的青春片,能回想起来的还是《十七岁不哭》,都是我小学六年级看的,再往后就是台湾的青春偶像剧。《匆匆那年》有一个我的小私货,我现在记得还挺清楚,第五集,乔燃有一段旁白,他希望他喜欢的女孩能幸福,虽然这个幸福里没有我。其实这个是我以前给自己喜欢的男生写的——我拍爱情片最大的一个动力,就是在现实中找不到的理想爱情,可以把它塑造到影片里面。网剧《匆匆那年》《匆匆那年》是我100%全身心投入去做的,结束后会感到特别大的空虚,得有半个多月到一个月吧,缓了很长时间,觉得你的生命本来被这件事充盈着,突然就结束了。刚上线几天,业内很多人关注了这个戏,因为它是当时第一个网剧的形态,然后光线就找我聊《谁的青春不迷茫》,我拍这部电影其实有一个很大原因,就是它的原著不是小说,是散文,它没有故事的限制,可以做一个原创的东西,更自由的命题,迷茫也是我真实经历过的人生状态。《谁的青春不迷茫》《匆匆》的编剧跟《青茫》的编剧都是田博,这个问题我们俩也深聊过,就说我们都已经做了一个青春片,那为什么要再做一个?我们真正的理解是,它不是一个青春爱情片。它和我们成长的关联性更大,《青茫》从某种程度上有一种反抗精神,在学校飞啊,剃头啊,在大礼堂跑,还有放弃省三好学生——在成长中,到底谁来定义你的成功。我们应该有一个态度,那我们的态度就是,一定要做真实的自己,不要做虚假的人,要追寻自己内心真正的愿望跟诉求。片子上映后我收到很多微博私信,有一些是家长发来的,他们看完这个片子理解了孩子的选择,我特别高兴,我们的表达有人看得到。但你看我《青茫》后很久没出新作品,因为后来很多青春片来找我,但就和那时候我放弃拍商业短片差不多,我不希望自己被定型,直到江老板找我拍《我在时间尽头等你》,这部是爱情奇幻类型,跨时空的故事,对我来说很有挑战,我也被这个故事深深地打动了。现在这部《时间尽头》有我对爱情的理解,它给观众造了一个梦,会让人非常感动。现在大家都没看,不好聊,原定今年情人节上映的,但是……06.当下:疫情来袭,能量来兮过年我在三亚,本来待一个礼拜就回来,《时间尽头》的密集宣传期要开始了,结果到海南第二天疫情就爆发了。我们三亚的家离市区特别远,周围全是菜地,种的芒果、火龙果之类的,人很少。那时候也买不到口罩,超市完全断货,后来是我朋友寄了一些给我。但我们当时还没意识到这意味着什么。后来天天看新闻,很多事让你觉得痛心和不解,每天有很多复杂的情绪。我有个朋友就是心理医生,我经常找她聊天,有意识地去调整自己,比如说我感到很焦虑的时候,我就知道自己必须要调整,不然肯定会陷入到一个很重的状态里。春节过后,疫情还是没有得到控制,各个地方都在爆发,电影明确上不了情人节档。这是一个大环境,整个行业都要面对,自己的情绪其实不重要。那就等呗。后来觉得5、6月可以上了,但完全没想到国外还会爆发,还会延续这么久。不过我们这部戏从没想过线上放映,它是属于电影院的,那我们就发了改档海报,先做一个暂时性的停歇吧。所以疫情里一直在开发下一个戏的剧本,在创作里可以给自己的情绪找个出口。这段时间还是一个比较好的创作期,因为你的社交降低了很多,本来在三亚待一个礼拜,结果待了俩月。姚婷婷在片场我这两年也在逐渐梳理自己,我发现打动我的所有情感,它们是很相似,导演肯定还是会找到自己作品里表达那个东西的连续性。我想传达的东西都是比较向上的,比较有温度的,能感动到人心的。回头看,即便是黑色的《顶缸》,我还是放了一只鹅在里面。这个世界在发生什么?社会在发生什么?我想拍像《寻梦环游记》那样的电影,我希望大家看完电影之后,不管是“爱”,还是“正能量”,他都能获得一种继续生活的力量,这是我做导演的价值。对,我一直没变。采访、撰文/法兰西胶片

  • XUE HUA PIAO PIAO BEI FENG XIAO XIAO

    文| 吴喋喋编辑 | 何润萱十分突然地,费玉清经典老歌《一剪梅》于6月15日出现在海外主流音乐平台Spotify 的 Viral 50 榜单,获得挪威第一、瑞典和芬兰第二的成绩,这项榜单算法的依据是歌曲的社交媒体热度,而非流媒成绩。这并不是华人音乐在Spotify上的最好成绩——两年前吴亦凡的歌曲《Like That》进入过14个国家和地区的 Viral 50 周榜,甚至进入当周的全球 Viral 50 榜第36名。但这一最好成绩歌曲伴随着粉丝刷榜争议,另一重要音乐榜单 iTunes 选择直接将其移出榜单。而反观费玉清,这位老牌歌手的粉丝以中老年群体为主,几乎不可能有粉丝打榜因素的干预——《一剪梅》在海外是真的火了。早在6月8日,已经有海外媒体报道了《一剪梅》在 TikTok 上走红的现象,当时有近1万支短视频关联了该歌曲, TikTok 话题 #XueHuaPiao 观看量超过400万,到6月16日,关联《一剪梅》的 TikTok 视频已经超过2万支。同时毒眸发现,《一剪梅》歌词“Xue Hua Piao Piao Bei Feng Xiao Xiao(雪花飘飘北风萧萧)”已经作为流行语被收录进了英文俚语辞典“城市辞典(Urban Dictionary)”并获得上千点赞,这是一款MAU超过1500万的在线辞典,用户以年轻的网上“冲浪”族群为主,与 TikTok 用户高度重合。辞典解释道:当“雪花飘飘北风萧萧”在英文中使用时,意义是模棱两可的,可以意味着任何事情(ambiguous and can mean anything)。换言之,雪花飘了个寂寞。“ Xue Hua Piao Piao ”在海外的走红至少经历了两轮发酵。今年年初,一位头形特别的网友“张爱钦”将自己的在雪地中唱《一剪梅》的画面上传到快手,大约一个月前,这支视频在外网火了,光是 YouTube上就有数十个版本,其中播放量最高的接近300万,其他的搬运视频也有数万到数十万不等的播放量。被搬运了无数个版本的快手版《一剪梅》外国人并不认识这位“ Xue Hua Piao Piao ”大哥(绝大部分中国网友也一样),但他们自发将其当做《怪物史莱克》里 humpty-dumpty 的中国版本,或者认为他与另一卡通形象蛋头博士(Dr. Eggman)有姻亲,甚至发挥无聊精神制作了“ Xue Hua Piao Piao ”家谱,其实就是拥有“蛋头”真人、卡通形象的集合。第二轮发酵的标志性节点,是《一剪梅》变为Tiktok“梗音乐(meme)”。5月26日,TikTok 网友@_Spalding 上传首个以《一剪梅》为背景音乐的短视频,视频内容是一则并不高明的、以对女性刻板印象为笑料的段子:“为什么历史老师多为女性?因为她们爱翻旧账”。这支视频带上了话题#xuehuapiao 并获得超过80万点赞——不同于抖音上火爆视频动辄数百万的点赞量,80万在 TikTok上已经可以算是很火了。从此《一剪梅》被带成了 TikTok 热门梗音乐,被数万人使用。但可以看到,无论是历史老师段子还是#xuehuapiao 话题下的其他短视频,内容都与歌词本意毫不相干,看不出什么文化交流层面的意义。具有意义的或许是华人 TikTok 用户就这首歌发起的“逗家长”大型行为艺术:孩子们把“雪花飘飘北风萧萧”写在纸上让父母念,但短视频中的长辈们,无一例外直接将歌词唱了出来。尽管客观来看,《一剪梅》走红的过程,是作为无意义梗音乐被洗脑传播的过程。但仍然能够看到,有小部分外国网友对这首华语歌曲产生了音乐层面的欣赏之情。随着“Xue Hua Piao Piao ”的走红,YouTube 上一则上传于2014年的《一剪梅》音源视频播放量激增至400万,其中一则热门评论表示:“抛开‘梗’的事儿不谈,这首歌是一部杰作(all memes aside, this song is a masterpiece)”。《一剪梅》自然是具备“神曲”素质的,它朗朗上口、旋律洗脑,在华语区成为经久不衰的经典老歌,近年来也重新走红过不止一轮。但中文歌曲在外网成为“梗音乐”似乎仍然是小概率事件。与《一剪梅》同期成为 TikTok 热门背景音乐的中文歌还有张艺兴在《我是唱作人2》中创作的《Joker》。这首歌偶然被用作 TikTok上 #magazine challenge(杂志挑战)话题的背景音乐,从而被 TikTok 用户使用了超过3万次。数据来自微博@张艺兴资讯台所谓“杂志挑战”,内容是人们装作不小心摔下楼梯,再迅速摆出拍杂志硬照的姿势,这时《Joker》副歌应声响起。或许与张艺兴出身韩国男团、在海外积累了知名度有关,使用《Joker》拍“杂志挑战”短视频的 TikTok 用户中不乏韩国的艺人和网红。而在抖音上,“杂志挑战”被汉化成“下楼梯的你”挑战,背景音乐依然是《Joker》,但影响力远不及“杂志挑战”在 TikTok 上所引发的那样大。也就是说,抖音用户与tiktok用户的趣味并不一致。据 SensorTower 数据显示,TikTok在刚过去的5月成为了全球下载量最大的app(非游戏类),安装量过亿。Z世代用户活跃、内容生态高度发达的TikTok上,展示的是外国普通年轻人的生活状态,在TikTok上,欧美明星也玩不过头部网红,TikTok的内容生态和中文短视频世界更是完全不同。因此,无论机械地搬运抖音快手热门梗出海、或是将TikTok热门梗汉化回国,其实都难以复制《一剪梅》的成功,《一剪梅》是无心插柳。距离找到华语音乐出海的方法或许还早,那么此刻,不妨让雪花再飘一会儿。

12 3 456 ...