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  • 干货丨从剧本策划到拍摄制作,剧情片的6点注意事项

    点击图片,了解课程不久前和大家分享的文章——《花费2万才能学到的纪录片拍摄技巧,我先告诉你了》,介绍了新片场学院线下实训《影视编导创作就业班》(后简称“编导班”)第二周的教学实践重点,即纪录类短视频的拍摄干货。编导班共4周。第一周为基础摄影灯光操作,奠定学员们基本的影视拍摄逻辑;第二周为纪录类短视频拍摄,涉及采访的大纲和简单的采访光,初步运用第一周的摄影灯光知识,学会如何讲好一个故事;第三周为剧情类短视频拍摄,循序渐进地加入了剧情创作、导演调度、演员指导和灯光设计等内容,综合运用视听语言,掌握短片创作的工业化流程;第四周是电商类短视频拍摄,在前三周的实战演练后,加入产品的“命题创作”,锻炼学员们的商业思维,增加他们的就业竞争力。课程花絮如何从零到一,构思创意?如何将剧本用视听语言的形式呈现?今天继续和大家分享剧情片拍摄注意事项。01策划:由点及面,构思创意前期策划上,大家要先找到有意思的创意点,由点延伸,逐步发现主题,切忌主题先行。举个例子,你先想到具体的场景画面——“父亲迈着蹒跚的步伐去买橘子”,自然而然升华到亲情的主题,而不是先确定亲情的宏大母题再去填充故事细节。学员讨论说实话,构思故事创意的能力很难在一朝一夕内有飞速提升,但编导班老师会从自己经验出发,教授学员们如何去寻找灵感,积累素材。丰富的阅片量能提高我们的审美能力和对镜头语言的敏感度。拉片的时候可以去分析这个片子是如何拍摄的,找这些剧情片的共同点,包括题材、手法、娱乐性、制作方面。老师会让学员们挑选出自己感兴趣的短片,带着大家分析其中的拍摄方法。同时,老师分享了自己的创作习惯,除了阅片外,小说、音乐等都能给你新的感悟,要学会观察生活,并随时做好记录。老师拉片分析02剧本:注意规范,掌握撰写技巧剧本作为视频拍摄的文本有固定的格式规范,老师会直接分享范本,告知剧本撰写技巧,比如,先定结局。记住,观众是顺着看故事,编剧是倒着写故事,当我们有了结局,有了目的地,剧本走向就会变得清晰起来。老师在学员群分享范本老师和学员围坐着讨论剧本,不时地启发学员们的创意思维,一直陪着学员们苦战到底,“逼”他们写出满意的剧本为止。老师强调,在前期阶段就要有导演意识和剪辑意识,为后期留有发挥空间。老师与学员交流拍摄方案期间,编导班老师会穿插讲解视听语言的理论知识,分镜头制作,帮助学员们建立影像思维,将文本顺利转化成拍摄文案。老师讲解分镜脚本03摄影:进阶用光技巧,增强灯光意识摄影上,用什么机器是次要的,打光的方法才是主要的。拍摄现场要先把底子光布置好,场景亮起后,再根据拍摄物体的重点,选择主光、辅光、背景光、轮廓光等。老师演示采访光经过前两周的灯光设备练习,编导班的学员们已经具备一定的实践基础,剧情类短视频拍摄环节,课程安排不同场景的布光,利用灯光营造氛围,烘托剧情。日内戏和夜内戏经常在学员作品中出现,同个场景里的日景和夜景的拍摄方法得到运用和实践。学员采访拍摄老师会现场演示讲解,拆解布光位置,然后学员们分组自主练习,最后老师再依次检查修正,这样能真正加深学员们对灯光的理解和实操。学员拍摄现场灯光知识的补充大大提升了学员们的专业水平,学员们纷纷表示这是收获最大的地方之一。学员反馈04前期筹备:利用好预拍摄为了提高正式拍摄时的效率和镜头素材的可利用率,课程中设置了预拍摄,这有利于学员们提前咨询老师,解决拍摄中可能遇到的问题,实际掌握剧情类短视频的拍摄技巧。预拍摄相当于正式拍摄的彩排,要重视每一环节的准备,确定好每个镜头的场景布置、机位布置和布光方法。制片上,做好各部门的分工,时间和金钱管理,同时做好分镜头场次制片表。学员预拍摄注意,这里说的不是分镜表,是rundown。也就是说,我们拍摄的顺序不是看剧本的分镜顺序,而是按照现场灯位、场景分布、先大景别后小景别的原则,重新安排实际拍摄顺序。学员拍摄现场05现场执行:严格按照前期策划学员们正式分组拍摄前,编导班老师会现场演示拍摄剧情片段,示范如何和演员沟通,如何完成摄影和场景的调度,让学员们直观了解现场拍摄时正确的执行流程。老师讲解调度作为导演,在现场拍摄时,要注意画面的可实现性,严格按照分镜执行,清晰地知道自己想要什么样的镜头画面,及时做出判断。不要突发奇想,犹豫不决,耽误整体的拍摄进度。作为摄影,前期拍摄能完成的工作不要拖给后期。比如拍摄较暗环境时,可以尽量提高一点曝光,后期将画面压暗,如果前期拍摄过暗,后期再想提亮时,可能会出现非常多的噪点。学员拍摄现场06后期:整理有序,控制短片节奏后期剪辑时,学员们面对众多的素材犯了难,老师直接用2小时剪出了一个版本。“老师对素材肯定没有我们熟悉,原来是我们工作方法有问题......”经过老师的操作演示,学员们在不断的后期修改中又收获了实用知识。学员后期剪辑在前期策划阶段就对短片有整体的把握,拍摄时知道自己想要什么画面,减少无用素材,同时提高剪辑效率,一切都是一环接一环。这里给大家分享一下老师课上的正确剪辑流程:①建立工程文件(设置所需格式)②整理素材(转码、声画同步)③粗剪(根据场记本、剧本初次排序)④选取音乐、制作特效⑤精剪(调整片子整体结构、节奏)⑥二次构图、调色⑦制作片头片尾、添加字幕(审核字幕准确度)⑧渲染输出剪辑还可以通过筛选拍摄素材,选择背景音乐,控制剪辑节奏来带动故事的发展。一般来说,片子的前30S至关重要,利用延宕主角的出场营造悬念,同时还可以将惊艳的镜头放至开头。至此,一条剧情类短视频制作完成,老师还会逐一点评每组学员作品,总结拍摄时出现的问题及时给予解决方案。编导班学员们在理论和实践中掌握了剧情类短视频常规制作方法与流程,全面提升了自己拍摄、布光、沟通的能力。学员合影

  • 质疑往脸上怼,《演员请就位2》扒开了影视圈的残酷

    文 | 龙承菲、江宇琦编辑 | 吴燕雨马苏已经很久没有演过主角了。在新一季《演员请就位》的采访中,这位摘下过华鼎、飞天、金鹰“三料视后”桂冠的女演员,坦诚地表示自己两年前还是个可以大把接到剧本、很抢手的女演员,经常演完上一部戏就拖着行李赶往下一个剧组。但在她最近一部播出的电视剧里,她却只出演了一个五番开外的女配,甚至在制片人于正分享剧照的九宫格里,都很难分到一张单人照片——而这样的窘境,其实已经持续一段时间了。她不是唯一一个感受到正在被“抛弃”的成名演员。早在《演员请就位》第一季时,诸如明道这样曾经红极一时的演员,都表示自己能得到的机会正越来越少;更是有相关报道显示,有65%的演员2019年没有在任何影视作品里露过脸,20%的演员只演出过一部作品(包括客串),其中不乏一些大众皆知的明星。现实中的窘境,也让马苏等资深演员在《演员请就位》第二季里遭遇到了挑战:本季节目采取了一种颇为残酷的评级模式,每个演员在进场之前都会收到由多位一线制片人根据自身感受评出的“市场定级”,分为S、A、B三个等级。结果,包括马苏在内的很多资深演员,都只得到了B级,而一些戏龄可能只有两三年的新人演员,却拿到了A级甚至S级。但这其实正是最真实的影视行业。00后易烊千玺,已经接连拿下金像奖和百花奖两座最佳新人奖杯了;新生代演员代表刘昊然和彭昱畅,今年各自在两部国庆档影片里,担任了分量颇重的角色;新一代“谋女郎”刘浩存,18岁时担纲女主的电影《一秒钟》进入了柏林电影节主竞赛单元,随后又与张艺谋二度合作了电影《悬崖之上》……这些被行业与市场所认可的人,正获得越来越多的机会与资源倾斜。而在毒眸(微信ID:DomoreDumou)看来,这种换代其实只是表象,更深层次的原因其实在于大环境的变化:影视行业已不仅仅被演员的表演资历、流量所限制,而是变得更加敏锐和“主动”。符合市场期待、人气和实力兼具的人,哪怕是初出茅庐也很容易在短时间内成为市场的宠儿,相反不为大众所认可的人,即使资历再深也难有空间。尤其是在后疫情时代,越来越多人意识到,资源必须匹配给最合适的人,才能做出为市场所认可的作品。残酷吗?但对于演员来说,这就是影视圈最真实的模样。残酷的“市场定级”“(选择)张铭恩没有风险吗?”不久前,有网友发现在《演员请就位》第二季放出的物料里,作为制片人参与节目录制的张萌,对被负面新闻缠身的演员张铭恩提出了质疑。此言很快在网上引发了热议,不少微博网友都表示:在节目里这样公开怼,真的没问题吗?但在节目放出后观众们发现,虽然张铭恩的演技、潜力得到了广泛认可,但对于他抱有质疑的并不只有张萌,究其原因主要是他在“大众舆论”这一项上的认可度较低较差。最终,经过制片人们的考核,曾因私生活问题饱受争议的张铭恩只得到了B级评价,在40名演员中排名后端。像张铭恩这样拥有知名度,却只在节目里拿到B级的演员其实还有很多。与一般的演技类综艺多以演技高低来作为单一评价标准不同,《演员请就位》第二季中,将个人魅力、代表作品、商业价值、大众舆论甚至是否符合预算,都囊括进了制片人评级考量的范畴。最终,一套完全颠覆大众刻板印象的评级结果,被展示在了观众面前。当演戏经历都长达十五年以上、演技也受到过广泛认可的马苏和唐一菲,纷纷走向B级选手们所坐的区域时,录制现场响起了不少选手的惊呼:“走错了吧?”就连在屏幕后观察的陈凯歌和赵薇,也忍不住对这个结果发出感慨,而马苏自己也坦言:“(对于这个评级)说实话还是心里比较难受。”但在毒眸看来,如果按照评价张铭恩时的标准,这样的结果其实也在情理之中。除了二人许久没有热门作品外,马苏在李小璐事件与刘洲成事件受损的风评、唐一菲与凌潇肃的婚姻造成的影响,或多或少都有可能会被制片人认为存在一些舆论上的不稳定性。实际上,比起这类有负面舆情的演员的评分,更值得让人琢磨的其实是一些风评上佳的实力派的遭遇。在电影《过春天》中饰演男主阿豪、播放片段时被陈凯歌导演称赞“演技不错”的演员孙阳,最终却只拿到了B级。原因是《过春天》这部电影本身仅仅收获900万票房,制片人们认为孙阳自身的流量和知名度略逊一筹,还没有展现出足够的市场吸引力。“那一瞬间我觉得心里特别尴尬。”同样出演了《过春天》的“祝无双”倪虹洁也只在评级中拿到了B,打开手卡的那一刻,她的表情管理瞬间都失效了,满脸都是不解。而在得知结果后,场内的演员同样惊呼不可思议,感慨“倪虹洁起码应该是A”。 面对这样的评级,后采中的倪虹洁虽然面带笑容,但其实暗藏着不少委屈:当年一起演《武林外传》的很多朋友已经功成名就,但已经迈过40岁门槛的她,却没有在之后的这么多年里找到新的立足点,诠释出其他为观众所熟知的角色。而就在不少资深演员为评级苦苦纠结的时候,一些表演经历尚浅的演员却不断“爆冷”,一个接一个的获得了S或者A级评级。在爆款剧《想见你》中饰演男二号莫俊杰的施柏宇,因剧中角色的超高人气和尚可的演技被评为S级;现象剧《三十而已》中被骂上热搜的“林有有”扮演者张月,出道不到三年,却已经收获了S级的评级;在《二十不惑》中饰演段家宝的董思怡虽然表演经历不多,但也被评为了A级,甚至有制片人透露现在有一部进行中的剧,正在与董思怡的团队接洽。这种颠覆大家认识的排名结果一经公布,立刻在录制现场引发了不少的火花。当张月在全场瞩目下走向了S级区域时,比她资历更深但却身处B级的唐一菲,感慨的语气中不乏酸楚和欣羡:“她出道到现在两年还是两年半,在这么短的时间内,她的运气就这么好,碰上了一部特别大热的戏,所以她就变成S级了——这就是命。”但也不怪唐一菲如此“不忿”,因为在节目中S、A、B三个等级并不仅仅代表制片人们对演员的评价,也为演员们带来了不一样的待遇:入场后,S级演员能在沙发区落座,A级演员的座位是有扶手的椅子,而B级演员就只有坐在没有靠背的、硬邦邦的苹果箱上——在这块舞台上,没有资历和面子加持,演员的市场价值、商业前景,直接决定了他能在这里得到多少“尊严”。更让很多演员想不到的是,不同的座位仅仅只是一个开始,等级的差异甚至会决定其在节目里的命运。当所有演员入场落座后,节目会进行第一次表演的选角,而具体的选角规则,是按照市场定级由高到低的顺序,让演员自行进入角色长廊挑选,S级排行第一名的演员可以在40个角色里随意挑选,反之市场定级顺序靠后的演员面临的选择则会越来越少。如此一来,赢在起跑线上的演员,会始终拥有更多的机会。因为S级的演员选择了适合自己的角色后,将其诠释好的概率更高,从而更容易获得更大面积的肯定、获得更多资源,形成演艺圈里的马太效应。至于评级靠后的演员,很可能因为找不到合适自己的角色而在之后的“职业生涯”里,惨遭淘汰。在最初评级中S级排名第一、被制片人评价为“40个人中最想合作的演员”的任敏(此前饰演过《悲伤逆流成河》中的易遥),率先选到了适合自己年龄、戏路也较为贴合的《少年的你》的女主角陈念,并在第一次现场表演中受到四位导演的一致称赞,进而收获了陈凯歌和郭敬明的两张S卡。任敏、施柏宇出演《少年的你》在市场定级中被评为B级的张大大,只能选到并不适合自己的、《我和我的祖国》里的科研工作者高远,最终表现收获了四位导演的一致差评。当这套规则宣布后,唐一菲立刻便理解了其中的残酷:“突然就明白了,好演员为什么会更好,摆在他们面前的选择就更多,他可以选择他想塑造的角色,跟好的团队合作,这是个良性循环。像我们B级,放在你面前的,只有一盘花生米,你要么选择吃,要么选择饿着肚子离开。”这种看似残酷的“丛林法则”,其实正是现实里时时刻刻都在发生的事情。在大浪淘沙之后,任何人都很有可能就立刻被人所遗忘——从坐上各自座位的那一刻,演员们就被提醒着:这不只是一场综艺,而是你们职业生涯残酷“搏杀”的缩影。这么“残酷”,有必要吗?一档综艺节目,做得这么残酷、现实,有必要吗?实际上,很多身处其中的人,也对这种模式感到疑惑。就连作为导师的郭敬明,都忍不住在节目的后采中表示:“(我对于市场评级的结果)不认可。我觉得太把市场和他们(演员)演过的角色,跟这个演员本身的可塑性,混为一谈了。”但在毒眸看来,这固然有一定的道理,但从另一个层面来看,并不是制片人们不讲情面,而是因为所有这一切残酷的法则,都是他们在无数次吃亏中总结下来的“血的教训”。为什么张萌这么在意演员风评?因为张萌的耀客传媒,此前连番遭遇“出轨门”的吴秀波、“学术造假”的翟天临和“言论不当”的赵立新,导致公司出品的《无名侦探》《人民的财产》等剧集,都面临过无法播出的风险,也给公司后续的项目推进带来了影响,这笔损失已经很难简单用数字去衡量。因此如今她在选择演员时,不免会对有风险的演员慎之又慎。而如果说这类演员的受阻,有些咎由自取,那一些演技出色、但却缺乏人气的演员,在节目里评级不够理想、没有得到产业人的认可,其实折射出的正是他们职业生涯里,经常所要面对的、现实的无奈。打开评级卡后觉得“尴尬”的倪虹洁最近几年爆红的老戏骨张颂文,入行20年、演技精湛,却始终游离在大众认知以外,甚至买不起北京市内的房子;在《集结号》之前,张涵予已经在行业里摸爬滚打十余年了,开始的几年里都没有什么机会,更多时间都是在演配角;潘粤明年轻时也是知名演员,但因为个人原因淡出了一段时间,再度回归时也没有太多好片约,直到《白夜追凶》的出现才助他再度翻红……这无疑是市场残酷的一面。过去大众选择机会不多、片方话语权强势时,导演或许可以按照自己的喜好选择自己认为好的演员,且不论他们是否合适市场;但如今,当观众成为更主动的一方时,现实的考量使得制片人更专业、更市场化的视角越来越被重视,在有限的机会和从不间断的迭代面前,资历并不是一张通行证,想要得到机会必须要有代表作、必须得让观众认可。但值得注意的是,拿到了S并不等于高枕无忧。S级演员受到的关注度较高,导演和观众对其的期待也更大,一旦无法保持稳定的、优质的表演,就会瞬间从S级的“高位”跌入谷底。就如同陈凯歌在后采中提到的那样:“今天的B级,可能变成明天的S级。”而在现实里,又有多少今天还大红大紫的演员,转头之间就被遗忘、泯然众人矣了呢?正是因为市场如此残酷,演员们才必须时时刻刻都有清楚的自我认识。赵薇在后采时虽然提到,“本来市场行为就是比较残酷的一种行为,(所有人都)应该尊重市场的规律”,但她同时也表示:“如果你清楚地知道市场对你的定位的话,你可能更清楚自己要怎么去改变自己,和怎么去证明自己。”对于各个阶段的演员来说,这种来自自身或者外界的敲打,是他们找到方向的关键。可遗憾的是,并不是每个人都能有这样清晰的认知。在现实的行业环境中,不少演员其实很难接受到市场和观众对自己的真实评价。有媒体人告诉毒眸:“有些我采访过的演员,接收到的信息基本全部是被过滤过的,他周边的经纪人、助理不会给他看恶评,只会说观众很喜欢他,所以这一类人往往也接触不到市场的反馈,也没有办法从中找到自己的问题,进行反思并不断提升。”因此毒眸看来,这也就是《演员请就位》第二季最大的行业价值所在。节目组看似无情,其实是在把演艺圈里最现实的规则,掰开了揉碎了放在大家面前,给成名已久的演员或初出茅庐的新秀们,都浇上“一盆现实的冷水”——对于刚入行的新锐和跨界的偶像来说,有流量、有外貌条件,短时间内能得到粉丝的追捧,但这不是少数人独有的优势,想要在影视圈这里生存下去,就得磨炼演技、找到自己的独特性,让观众们能尽快记住自己,不要只把表演当“玩票”与跳板。尔冬升直言:张大大 我对你很无语对于老演员来说,如果曾经有过荣耀、有过辉煌,那请不要沉溺在过往的资历和成绩当中了,江山代有才人出,只有放下包袱、积极学习,才能继续走自己的路;而如果还没有被更多人看到,也不要就此选择懈怠,甚至必须更加努力找准自己的位置,因为今天的困惑只是暂时的,而当机会来临的时候,一定要有抓住机遇的能力。过去行业里常常说,演员是被动的,只能等待着被挑选。但到了今天,不管是媒介的发展还是影视内容种类的增多与迭代,都给了多种类型演员表现的机会。关键就在于,你知不知道你是谁,你知不知道应该往哪里去努力。对于所有人来说,能够保持良好的风评、不断学习,永远是演员们在行业里最重要的立身之本。市场和观众不会因为过去的辉煌、其他领域的成绩而对一个演员无限宽容,只有跟得上行业进步与发展的人,认识到自己位置并不断去进步的人,才能始终走在时代的浪潮上——《演员请就位》第二季,就是将现实浓缩在了节目里,并不断提醒参赛者,应该回到“演员”这个位置上,做好本职工作。毕竟现实终究要比节目更残酷,演员请就位,请尽快找到自己的位置,并踏实向前。

  • 编剧应该如何进行视觉化写作?

    做给我看,不要光说给我听电影如生活,豪言壮语不如付出行动。某人可以对你说“我爱你”,而且很动听,但你会相信他吗?“我真的很爱你”,这句话说起来很美妙,但也很容易脱口而出。假如这个人示爱的方式是放弃一份好工作,离开他喜爱的城市和所有的朋友,追随你到别的州,你会觉得他离开你无法生活。这时候,你也许会想:“你这样做都是为了我吗?那你一定真的爱我。”当你写剧本时,应尽可能多地写行动。把感情、意图、人物特征都化作行动,行为是银幕戏剧的核心,是塑造一个难忘人物形象的根本。在影片《烤肉摊》中,阿米尔在警察驾车离去后又继续营业,这个似乎不经意的行动,告诉了我们这个人物的基本特征,例如:他对待法律有多少畏惧?他觉得需要如何做他的生意?他每天工作的基本内容是什么? 让我们举例说明通过行动展示人物要遵循什么原则。这里注重的是视觉化写作的技巧,通过观看来揭示内容,以及如何展现。我们用一个简单的段落来说明,取材自泰德·格里芬(Ted Griffin)为编剧的《十一罗汉》(图 2-7 和图 2-8) 用词要准确首先要记住,当你写作剧本时,你是一名作家。作为作家,你的工具是文字。因此需要用字准确,要选择特定的词汇,不仅能描述行动,而且要表现情绪和语气。《十一罗汉》的编剧并没有这样写:莱纳斯提起那人的外套,打开他的口袋,伸手掏出钱包。虽然这是事实,但是如果这样写,读者就会以为莱纳斯是个倒霉的傻瓜,绝不可能会得手后脱身。因此,作者写道:莱纳斯面向前方,脸上毫无表情,轻轻地撩起一个股票交易员夹克的后摆,大拇指和食指以无与伦比的灵巧手法解开了对方装有钱包口袋的纽扣。(他最终)……就把钱包掏了出来。 编剧只写了行动,但这段准确的描写让我们真的“看见”了这个扒窃过程是如何展开的,也展示了莱纳斯的扒窃技能,这在片子后面还会用得到。要记住,并非所有的行动和细节描写都同等重要。在场景提示部分,我们只需要抓住最根本的东西。你描述所用的时间和词汇数量决定了场景的重要性。只应特别重视对于故事来说真正关键的事件,并加以着墨。 用形象描述,而不是用摄影机提示在作者剧本中,尽量避免加注摄影机提示,如特写(close-up)、变焦(zoom in on)、镜头摇入(camera pans to reveal)等。但是,这并不等于说当你觉得景别对于叙事十分必要时,不能用特写或者全景镜头作为剧本中的提示。作为剧本作者,要用散文描写形象和行动,它们会令读者或者导演想到这里要用特写或者全景以表达作者的其他意图。这是视觉化写作的要义。例如,在《十一罗汉》的剧本中,泰德·格里芬写道:(a)莱纳斯面向前方,脸上毫无表情,轻轻地撩起一个股票交易员夹克的后摆,(b)大拇指和食指以无与伦比的灵巧手法解开了对方装有钱包口袋的纽扣。(c)然后,向后半节车厢看去,好像一切如常,无人注意……这段文字要用三个不同的景别来拍摄。为了表现毫无表情的脸和撩起外套的后摆(a),需要使用全景(全身)与中全景(膝盖以上)之间的镜头。然后,为了能够“看见”两个手指间灵巧的小动作(b),需要一个大特写。最后,为了看见半节车厢和其他乘客的形象(c),需要一个全景镜头;不能用特写。所以,作者是在用文字展现场景,而不是用标签为摄影机做出提示。当然,要小心过度使用这个方法。只有当故事需要展现准确的形象时才需要这样做。 把场景指示和观众视点分段把场景指示部分分段,有三个理由。第一,把同一地点再区分成不同场地。你注意下作者是如何写坐在车厢的另一头注视着莱纳斯的丹尼的,这里另起了一段。这样分段,可以把读者的目光从莱纳斯转移到车厢另一端的丹尼身上。 第二,用分段来区分戏剧小节以推进场景的进展。它帮助读者感觉到一个戏剧性时刻结束,另一个时刻开始了。在车厢里的段落是一个大的戏剧单元:丹尼注视着莱纳斯扒窃了一个人的口袋。其中的紧张程度由分解成的几个戏剧小节来产生,然后对细节略加安排再呈现给观众,显得更具悬疑感。 小节 1,段落 1:芝加哥地铁一个普通的日子(没有异常情况)。小节 2,段落 2:莱纳斯和股票交易员出场,莱纳斯对这个人正在进行扒窃(哦,不……这是犯罪,气氛开始紧张)。小节 3,段落 3:展现莱纳斯纯熟的技巧,而且冷静(人物发展)。小节 4,段落 4:莱纳斯并不是一个孤立的人物,丹尼注视着扒窃的全部过程,并且颇为欣赏。(这个情节随着视点的大转移而复杂化;现在的莱纳斯不再只是扒窃的小毛贼,而是在不知不觉中被人相中,会扮演更大的角色了)。小节 5,段落 5、段落 6 包含对话,以及段落 7:莱纳斯干完整个勾当,而且还很有礼貌(无懈可击,得分)。小节 6,段落 8:莱纳斯的表现令丹尼对之印象深刻(图 2-9,观众也会感同身受)。分段的第三个理由,是要进一步强调非常重要的时刻或者细节。对于丹尼、莱纳斯和观众来说,这场戏的悬念是莱纳斯能否把钱包偷到手。所以,动作的高潮时刻,就是他伸手到别人口袋的时候。因此,编剧在他的分段中突出了这个时刻。人物与声音在《十一罗汉》这个例子中,我们所看到的莱纳斯的行动,告诉了我们他是个什么人物。他是一个贼,窃技高超的贼,用他的能力犯了罪并能脱身。我们可以相信,是因为眼见为实。人物是通过行动来定义的。另一方面,声音则是一个人向外界告白的手段。衣着风格和所使用的语言也可以表现人物的特征。对白可以写得与我们通过行动理解的人物特征相一致,或者为人物增加另一层复杂性,有时甚至与我们的所见相矛盾。他穿着一件“磨损的夹克”,会有礼貌地跟人道歉,给人印象是一个普通的好人(这也是股票交易员认为的),但我们知道底细,因为我们看见了他的行动。另一个很好的例子是汉尼拔·莱克特(Hannibal Lecter)这个人物(图 2-10),出自乔纳森·戴米(Jonathan Demme)导演的影片《沉默的羔羊》(Silence of Lambs,1991),编剧是泰德·塔利(Ted Tally)。汉尼拔通过对白把自己扮成一个博学、有文化、细腻、彬彬有礼的绅士。在初次见面时,他甚至对克拉丽斯·斯塔林(Clarice Starling)说:“对于我来说,无礼是丑陋的。”这是一个我们不会惧怕的人物,对吗?直到我们看见他把一个警察的脸皮揭了下来!汉尼拔是一个人物与声音截然相反而造成紧张感的绝佳例子。所以,如果你能够通过行动塑造人物的本性,他们的对白、声音就都可以用来添加或者细化他们的个性。行动呈现人物,对白反映心声。

  • 《姜子牙》破动画电影首日票房纪录!1600人耗时4年,它值得

    今年的十一国庆档,有着特别的意义。春节档的电影来到国庆档,把没有过的“年”补上了。其中有一部电影,截止今日下午5点,首日票房破3亿,刷新了《哪吒之魔童降世》保持的1.44亿动画电影首日票房纪录,这个消息甚至上了微博热搜第一位。没错,这就是许多人期盼已久的中国神话系列的第二部—《姜子牙》V姐去年就曾和程腾导演面对面聊了聊,从程导那里了解到很多关于《姜子牙》的创作幕后。时隔大半年,终于能在影院看完全片后,和大家一起分享有关《姜子牙》的故事。为什么选择姜子牙作为主人公?姜子牙和哪吒、大圣有什么不同之处?电影姜子牙是如何制作的?答案都在这里。01一个关于信仰的故事影片一开始,一段极其精彩的二维动画为我们铺开了封神之战的宏大画卷。商纣王朝,狐妖乱世,民不聊生。昆仑弟子姜子牙,率领众神,合力作战,终于逼退狐妖。原本以为只要打败狐妖就可以唤回世间安宁,然而封神大战已经结束,世间却变得更加残破荒凉。“封神之战”背后似乎还有着更大的阴谋,而为了探求真相,姜子牙放弃成神,被发配到苦寒之地——北海古战场,只有神兽四不像,和姜子牙的崇拜者申公豹追随他。从神界堕入人间后,姜子牙也不再是从前那个法力高强、一呼百应的昆仑大弟子,变成了终日钓鱼,衣衫褴褛的凡人。往事都已成过眼云烟。他十分迷茫,他究竟应该相信师尊的话语,还是相信自己?而在姜子牙浑浑噩噩的时候,他遇到了有着狐耳的少女——小九,故事也就此展开。电影《姜子牙》,和我们想象中的姜子牙不太一样。电影并不是简单地将《封神演义》中姜子牙的故事再讲一遍,而是把故事安排在了封神大战之后,打破我们对姜子牙的固有印象。他不再是封神大战中那个高高在上的神明,而是变成了会迷茫、会颓废的凡人。“堕入凡间的神”,这个设定让人想起了同样具有反叛精神的孙大圣和哪吒。但其实在程腾导演来看,姜子牙和他们并不相同。大圣和哪吒是理想化的英雄,他们是天选之子,天生神力。但姜子牙更接近我们普通人,程腾导演说,这个故事其实描写的是姜子牙人到中年而认知失调的一系列哲学转变。在影片中,姜子牙一直以拯救苍生为己愿。但一步步接近真相的过程中,他也面临了一个非常经典的问题——电车难题,是牺牲一人换取更多人的生命,还是尽自己所能救下眼前之人。一边是自己一直景仰的师尊,一边是无辜的少女小九。孰是孰非?他经历了一段非常迷茫的时期,对于他来说反抗过去的信仰是非常困难的。而电影在最后给出了答案——“要做自己的神”。程腾导演在采访中也说道:我们想描写的姜子牙,不是一个理想化的英雄。开篇的姜子牙一切都是完美的,拯救苍生。影片很快我们会让他犯一个“错误”,然后会讨论他所做的是不是错误。一下子从神变成人,他会经历艰难的探索,最终迈出超越凡人的那一步,成为真正的英雄,这个过程是很打动人的,会特别有力量。从神到人,再从人转变为神。对于姜子牙来说,相信自己,做自己的神。这是重塑自己信仰的一个过程。 02一次拼尽全力的挑战观众能在《姜子牙》中找到与自己共鸣的地方,其实导演以及主创团队也不例外。2007年,程腾考入中国传媒大学数字与媒体艺术学院,但一开始选择中传动画专业,其实只是为了追求女朋友。在学校,他和主创之一的李夏结识,并成为志同道合的朋友。两人一起创作了《红领巾侠》,短片讲述了在幻想中学生和老师斗智斗勇的故事,酣畅淋漓的打斗非常精彩,并且意想不到的收获了很多网友的关注。程腾和李夏那时中国的动画市场整体以低龄向为主,这部短片的横空出世让人看到国产动画的未来,从那时起二人就崭露头角。《红领巾侠》但是毕业之后,就要面临期待与现实的差异。从2007年到2011年程腾毕业,中国动画市场并没有多大的进步。程腾想做商业动画电影,可和几家公司聊过后对市场大感失望的他,决定前往美国南加州大学留学。而李夏在国内待了两年后,也考入美国南加州大学。两人同在电影艺术学院学习,这是该所大学最出名的学院,在全美排名第一。在这里,程腾制作的《天外有天》获得了第41届学生奥斯卡动画部门银奖,这是第一个获此殊荣的中国人。《天外有天》因其卓越的天赋,他收到来自梦工厂的邀请,获得在梦工厂与一众一线动画导演合作的机会。2015年,彩条屋成立。成立之初,彩条屋一直在搜寻国内有才华的导演,当时的总裁易巧看到程腾《天外有天》的片子,注意到了这个有才华的年轻人。这个故事虽然以“姜太公钓鱼”的故事为引,但其内核却是现代精神的体现。如何讲述一个耳熟能详的故事时加入创新的点,但又不失中国韵味。这,是一个难题。《姜子牙》一开始并没有剧本,只是一个基本的idea。之前大众普遍对国内动画存在误区,认为国内动画市场题材以儿童向,合家欢为主。但令程腾意外的是,中国动画也可以做出吸引像他这样年龄层的作品。于是程腾邀请李夏一起回国,认识了十几年的两人再次在《姜子牙》里合作。而李夏的朋友——王昕也被这个项目吸引了。他在暴雪工作了14年,参与开发了《魔兽世界》、《守望先锋》等耳熟能详的游戏。在暴雪他做到了角色总监以及项目艺术总监的位置,这可以说是华人的最高成就。但王昕不满足于此,他想要改变自我。我一直努力改变自己,因为不自信,因为想变得更强更好;我一直努力改变自己,因为我相信改变世界要从改变自己开始。——王昕起初他对国内的项目忧心忡忡,但程夏二人对这个项目的介绍让他看到了国内动画市场的前景。王昕毅然离开暴雪,放弃了高薪,吻别妻女,踏上了回国的旅途。同样一起参与《姜子牙》的,还有一位中国动画大佬——李炜。他是程腾的本科指导老师,曾担任动画《宝莲灯》主力原画,《大鱼海棠》执行导演,《魁拔》原画指导,从业已有28年。一个动画电影项目的运作动辄就要耗时三年,这需要极强的精神耐力以及良好的分工协作。而在国外学习工作过的程腾、李夏和王昕,以及拥有丰富经验的李炜,他们在《姜子牙》碰撞出了不一样的火花。四个人非常互补。程腾负责全局大方向的介入;美术由经验丰富的王昕主导;李炜做大的艺术把控,比如风格、质感等;李夏帮助程腾一起做故事的构成。在程腾看来,整个项目制作过程中,最重要的是“平衡”。一半满足观众想象中的、固有认知的姜子牙的同时,加入能让观众共情的点,让故事更有人情味,让观众更能代入自己。故事筹备了1年的时间,而比起语言,程腾更希望通过画面讲故事。因此我们能看到片中非常精美绝伦的视觉效果。而为了这些画面,程腾和主创团队一遍遍翻阅古书,一遍遍地设计、磨合。纹样灵感来源于《山海经》拿片头的二维动画举例,尽管《姜子牙》是三维动画,但李炜说二维段落是立项以后,发誓一定要做的部分。因为这是不一样的“姜子牙”,不一样的二维动画。唯有美的东西、国风的东西,才会让观众疯狂。整个二维段落所追求的是一种非常复杂的、像敦煌壁画一样的美术风格,细节特别多,哪怕是观众难以注意到的部分也要精益求精。为了实现这一个设想,李炜找到了《大鱼海棠》的导演张春,而张春看到分镜说的第一句话是“前无古人,后无来者”。但他还是接下了二维美术导演的活。而《魁拔》原画、《姜子牙》二维导演裴斐第一次看到分镜的时候,就说道:得4倍-8倍以上的工作量,才有可能实现想要的效果。二维部分的第一个镜头,是一个在海浪上,画面往上横摇的镜头,裴斐其实是速度很快、实力很强的顶尖原画师,但在处理这部分内容时,一到两天时间才能够画完一帧。而三维动画部分的难度,更是令制作团队反馈“在职业生涯里,从没有遇到这种难度级别的视效镜头”。有很多镜头,直到交片前的那一刻还在反复迭代与修改。用王昕导演的话来说,《姜子牙》的视效特点,在于用很刻板的电脑三维系统,去做出一个抽象的、有东方韵味和意境的视觉画面。角色设计上,姜子牙迭代123版,小九迭代255版,四不相迭代81版,申公豹迭代87版,九尾迭代69版。其中九尾的工作量之大难以想象。九根尾巴都要有独立的动态系统,是九倍的工作量。整部电影的参与者多达上千人,时间跨度有四年之久。可所有人想着的,都是让《姜子牙》更完美。三维艺术组长尤嘉曾说:“片子最后的最后,所有人都在问我能不能帮忙做点这个,我还能不能帮忙做点那个。” 03一种关于国产动画的信仰 从《西游记之大圣归来》、《哪吒之魔童降世》到现在的《姜子牙》,喜爱动画的不再只有孩子,动画制作水准也再不断提高,越来越多优秀的作品出现,这都是我们乐于见到的现象。但也有人会问:我们只有神话没有原创吗?什么时候我们才能达到好莱坞一样的水准?一众国产动画齐发博支持《姜子牙》程腾认为,使用已有的神话IP既有限制,也有优势。优势是观众本身对故事有自己的理解,不用花太花力气帮观众去相信这个世界观架构。重点在于如何做到不完全颠覆又有创新?其实我们的传统文化很有潜力,但是缺乏新兴文化媒体的传播与包装,日本的武士文化是他们的传统文化,或者美国的牛仔文化,但是他们都把自己的特色文化包装的很好。中国也会越来越好,但依旧有很多可开发空间。像武侠、修仙这些可开发值、魅力值都更高,但现在开发的只是冰山一角。但首先最重要的,是平衡,艺术和市场的平衡,这也是程腾的口头禅。每个动画人都有一个原创的梦,但首先要做观众愿意看的东西。作为创作者来说肯定有个人表达,但要找到自己想表达的共情的东西和市场接轨的地方,这就是一个平衡点。而中国动画未来发展的关键,除了题材上的选择,更重要的是人才以及制作工业化。好莱坞的一个项目动辄需要好几千人参与。而最大的难点就是如何让几千个不同文化的人,相对舒适地在同一个环境下开会、做决策。他们的目标群体是全球市场,需要通过几千个人的协作做出卖给几千万人的产品。于是在制作《姜子牙》的时候,团队采用的协作方式是“倒金字塔”和“螺旋式”迭代,导演处于“服务”的底层,从中负责大方向的把控,协调各个部门工作。“国产动画需要一个优化的空间,中国不缺好的艺术家和创作者,缺乏好的协作方法。”这是程腾对于中国动画的担忧。从程腾的言语中我们也能看到中国动画人的野心以及面临的困境。都想要创作一部好的作品,然而这需要优秀的故事、艺术与市场的平衡、合理高效的制作流程……这一环扣一环缺一不可。然而对于2000年以后才真正发展起来国内动画电影产业来说,一切才刚刚开始。中国动画电影产业很难因为一部电影的火爆、部分资本的入局就彻底改变。而且动画电影产出作品速度慢、投资周期长,因此导致投资风险高、人才断层、加之有国外作品的冲击,低幼粗糙作品一度非常泛滥。但只有高质量的作品才能吸引更多的观众,有了更多的观众形成市场导向才能吸引更多的资本,有了资本才能让制作专业化、流程化。正如程导所言,艺术和市场的平衡是非常重要的,艺术表达是建立在市场需求之上的。《姜子牙》是中国神话系列的第二部,那未来是否有第三部、第四部?这个问题的答案,我们只能交给时间。电影最后的一个彩蛋,是《大圣归来》田晓鹏的新作《深海》。中国动画未来,会慢慢出现更多优秀的作品。而现在,我们可以购买一张电影票,为中国动画的发展,贡献自己的一点力量。“愿中国动画不再是一个人的破釜沉舟,而是一群人的执着探索。”

  • 《出租车与奖杯》摄影手记

    《出租车与奖杯》摄影后记《出租车与奖杯》是浙江传媒学院华策电影学院15级毕业作品,获得了2019年我们学院的最佳影片奖。也不知道为什么这届毕设的几个动作类型的都来找我做摄影,可能是因为我自己参与过动作电影的拍摄,并且自己的毕设也是一个动作短片的原因吧。有个好玩的事情,在开机前3个月的时候,导演李庆祥就找到我,请我撸串,热烈的邀请我加入。而当时我刚好接到了一个电视剧的掌机工作,预计的开机时间很接近,所以我不好确定,当时就没有明确答应。而尴尬的是,跟庆祥导演一起来的是另外一个片子《走火》的导演,一起吃饭,然而我特别喜欢西部风格的片子,所以那顿庆祥请的饭,反而把《走火》的档期敲定了。我已经明显感觉到庆祥当时的那种无语,哈哈。不过好在最终大家时间都完美错开。拿到剧本,发现讲的是一个关于父子亲情,关于梦想的故事,我个人非常喜欢这种故事,所以在读剧本的时候,就开始构思一些影像上面的事情。因为片中有几场打拳击的擂台上的戏份,而这种动作戏,手持会比固定机位更加灵活,从实操的层面讲进度也能得到保障。我找到导演提议说可以尝试全片手持,一方面动作戏和文戏可以流畅的衔接,另一方面因为预算的问题摄影灯光组只有4个人,手持的话就会少一些摄影器材,像轨道摇臂脚架这些都不用带,装上镜头和电池就可以开拍,大大提高了剧组的拍摄效率,减少了组员的体力消耗。片子是在导演家乡太原拍摄的,主创们提前了4天到达驻地,开始进行勘景复景美术陈设等一系列常规筹备工作。因为导演没有拍过动作戏,我们特意找了一个拳击教练,来帮我们设计一些动作,在拳击馆提前进行了模拍,用手机拍完后剪辑出来,会发现一些镜头之间的匹配和连贯问题。这是非常好的一个工作方法,在预算充足的剧组,一般动作指导都会和武行设计好动作,拍成demo给导演确认。在韩延导演《动物世界》电影筹备时,也通过乐高小人的方法来做demo预览,一些视效比重大或者动作戏镜头细碎或者调度复杂的戏,都应该采用demo视觉预览的方法,这样不仅提高了沟通效率,充分的传达导演的想法,还能提前预知难点,提前规避和准备,能有效保障最终的成片完成度。太原的器材资源在全国来讲不算齐全的,器材公司只有一台老EPIC和一套CP2,并且没有4.56的小遮光斗,只有6x6的铁质的大遮光斗。问老板为何没有,回答因为当地的剧组出去拍片喜欢用大斗,可以唬住客户,毕竟会显得器材很大,很专业。没有小斗,对于我来说就没有办法用ND镜片,所以在室外的时候,除非万不得已必须要用ND,会把大斗装上,但撑不了太久。平时只能靠光孔和ISO还有快门角度来控制曝光,坏处就是会导致景深变化的问题,外景景深会深的多。室内一般光孔放在T2-2.8,没有灰片,室外景就只能先收光孔,基本上都是T5.6-T8的样子。片中主要场景就3个,一个家,一个拳馆,再一个就是父亲开的出租车。家里的设计就是朴实,生活感,片子不是一个架空的虚构故事,导演希望能真情实感打动观众,所以灯光效果上,美术陈设上都是尽量接地气。家中日戏因为预算的问题,只有一盏1.2k镝灯放屋外,屋内也就没有补光,尽可能贴近自然光效。夜戏就大量使用台灯,电视等道具光源。拳击擂台算是最人为光效的场景了,为了拍摄方便,我在四个角上都放置了一颗钨丝灯,没有4个1kw,只有2个650w,2个300w,其中拍摄的时候,因为电压不稳,还爆了两颗,临时去器材商那边拿灯泡。在拳击比赛中,拳手的移动很灵活,会有一些躲闪,走位,机位跟着移动,光位就会跟着变。四个角上都有灯的好处就是,无论拍那个面,都会有两个轮廓光,主光和副光,所以拍摄上只要规避机器穿帮即可。灯心的穿帮这次也没有很在意。有一场儿子梦境打拳的戏,为了和现实时空区分开,我让制片组准备大黑布,将拳馆四周的玻璃窗户都封起来,得到一个无光的环境,再用575w镝灯做一个夸张的轮廓光,镜头也会有炫光,正面托了一块米菠萝补了下面光,扯开黑布露出半个窗户来,这样背景会有一些虚化的高光,也提供了另一侧的轮廓光,一举两得。当时太原的电影变焦镜头只有一颗老安琴变焦,换上之后发现风格很复古,边缘进光衰减很明显,跟现代蔡司CP2比在细腻程度上,色彩倾向,对比度饱和度上,都有着很大的差异。 在勘景的时候发现这条路的这个方向是朝着东面,而我想拍一个金色逆光的路,于是用太阳轨迹测量APP定好了太阳高度,早上6点多就提前到达现场,架好机器,开始等光。太阳升起来的时候就开始拍,当时拍了两条,第一条因为太阳是刚升起来,还有闪闪发光的高光点。再来第二条的时候,太阳已经升起来一定高度了,周边的散射光也提了起来,光比就没有第一条那么大了。还记得拍到第三天的时候,现场出了一些状况,即将崩溃的庆祥跟佳慧说:“你拍吧,我不想拍了。” 如今获得最佳影片奖,回首再看,不禁唏嘘,有些事情,放弃了就什么也没有了,坚持下去了,可能会有意想不到的收获。莫名觉得有些相似,哈哈最后对北京电影学院14级毕业作品《围绳而立》剧组表示敬意,我们从那个短片中获得了很多的启发和参考。

  • 修改剧本时要考虑的七个问题

    完成第一稿后看看这些问题 一个剧本可以充当一部你希望得到拍摄的电影的提案(就是我们所称的投稿剧本),一部正在拍摄中的电影的蓝图(换句话说,就是拍摄剧本),以及一部已经拍好的电影的记录(给剪辑师、作曲家等人在后期制作中使用)。这三项功能里唯一与你相关的是投稿剧本。在写作过程中的这个阶段,你唯一的目的就是推销你的剧本,并将其作为自己的一个写作样本。因此,一些出现在拍摄剧本中的惯例对于你的投稿剧本就是不必要的,还反而会减缓阅读速度。场景的编号、大写的音效,以及出现在大部分页面底部的“待续”字眼都是拍摄用剧本才会采用的设计,它们应当被剔除在你的投稿剧本之外。不必担心如果你的剧本被成功卖出去了,你还得知道如何写一个拍摄剧本。你在任何一个优秀的剧本格式软件中,通过菜单上的一个选项,就能将你的投稿剧本转化成一个拍摄剧本。以下的检查清单可以应用到你剧本里的每一场戏,这样就可以确保这场戏尽可能的高效。在你完成了剧本的第一稿之后再使用这份检查清单。虽然在你开始写作流程的那一刻起,你的心里就已经有了这些原则,但是针对连续的重写的,能有一些可以运用在手的新工具是很有帮助的。你在一个剧本上投入的工作时间越久,你就越有可能丢失你批评的客观性,感到沮丧、困惑或是精疲力竭,并且开始满足于那些并没有最大限度地激发情绪的场景。使用新的方式来看待你的剧本可以帮助你想到额外的提升空间。 1 这一场戏如何对主人公的外在动机起作用?即使当一场戏没有牵涉到主人公,它也可以造就故事的主心骨。《魔术师》中,乌尔侦探和王储之间的戏并不包括主人公——艾森海姆。但是尽管如此,因为他们每一个人都都为主人公制造了额外的冲突,而主人公为了拯救以及之后替苏菲报仇的目标不得不克服这些冲突,这些戏就促成了艾森海姆的外在动机,并且决定了他后来的动作。 2 这一场戏有没有它自己的开头、过程和结尾?你剧本里的每一场戏都应当好像一部迷你电影那样;它必须设立、构建,和解决一个处境。这场戏并非一定要遵从完整剧本的前25%—中间50%—后25%的布局,但是它必须采用相同的情绪弧线。 在斯考特·诺伊施塔特和迈克尔·H·韦伯所著的剧本《和莎莫的500天》里,当汤姆和莎莫把他们的喝醉了酒的同事麦肯齐送上出租车时,一场关键的戏就开始了。当麦肯齐告诉莎莫,汤姆喜欢她,而她又去问汤姆这是不是真的时,这场戏就被构建了起来。当汤姆告诉莎莫,他确实喜欢她,但是是作为朋友的那种喜欢,然后他俩各自朝着相反的方向回家时,这场戏得到了解决。 偶尔,你或许会有意地打破这个开始—中间—结尾的规则,以期让观众保持好奇和投入情绪。让我们想象你有这样一个场景:一位保姆走进了一幢埋伏着杀手的房子。我们跟随保姆走进一间间房间,直至她听见一个声音从一扇柜门后传来。我们看着她打开柜门并发出一声尖叫,她的脸上流露出惊恐的表情。 这个剧本然后就切换到了另一个场景,并在随后才展示保姆的尸体。通过场景的切换,我们让第一场戏没有得到解决,在中间就结束了。它的解决(保姆被谋杀)是后来在稍晚的场景里得到展露的,且与此同时,观众的情绪也已被好奇心和期待感给带高了。 虽然这可以是一个有效的手段,但不要过分依赖它;在一个剧本里用上那么一两次已经够多了。 3 这一场戏能推动审读人进入随后的场景里吗?在每一场戏的结尾,你必须迫使审读人翻动页码;什么时候一个审读人对接下来将要发生的事情不再关心了,你的剧本就算失败了。所以,每一场戏都必须让审读人觉得想要看到更多。 4 这一场戏里每一个人物的目的是什么?每一场戏里的每一个人物都想要一些东西。它有可能简单到就是观察正在发生的事情,或是花时间与另一个人相伴,但无论它是什么,人物在每一场戏里的可见目的都必须清晰明确。 5 这一场戏里每个人物的态度是什么?每一场戏里的每一个人物都对正在发生的事情有一些特定的感受。不论是高兴、伤心、愤怒、厌倦、恐惧、无趣或是兴奋,每个人对于这个行动都抱有某种态度。 虽然人物们的可见目的总会得到展露(或者至少其中一个目的会得到展现,即使他们将其他的一些隐藏了起来),他们的态度不一定会对观众或是审读人昭然若揭。但是作为作者,你必须知道你的人物感受如何。 6 这一场戏不仅仅有对白,还包含动作吗?当你创造了一个场景是以人物们所说的话,而不是他们所做的事为中心,这对于你这位作者来说就可算是一个危险的信号了。显然,任何电影里都会有一些场景主要是由对白构成的。但是,如果电影里的大部分场景都落入了这一类型,你就有麻烦了。 这里是一个有效的窍门:想象由你的剧本拍摄出来的电影的声道已被关掉。问问你自己观众是否仍然能理解人物的动机、冲突、解决,以及人物之间的关系。如果诚实的回答是“否”,那么你的剧本的对话成分就太重了,那么你就应当关注更多的动作成分,或者找到一个更加偏向于动作的故事概念。 即使是在包含有大量对白的电影,如《诺丁山》《好人寥寥》,或是《在云端》当中,观众仅仅只观看动作就能清楚地展现主要人物是些谁,他们的渴求和冲突又是些什么,以及这些故事将如何得到解决。这些电影可能已经不再特别具有娱乐性,但是它们每一个故事的推动力仍会非常清晰。 7 这场戏具有多重功能吗?这场戏有没有尽最大可能地保持了观众在情绪上的投入?以下所有内容都有可能被包含在单独一场戏里:人物背景、内在动机、内在冲突,和身份认同;主题;幽默性;(阐明情节、人物等的)提示部分;以及任何结构性的设计(观众优先知情地位、期待、惊讶、前兆、回响等等)。 有些场景应当只包含动作而别无其他的。在由杰夫·阿奇和诺拉·艾芙隆所作的《西雅图未眠夜》剧本中,当萨姆·鲍德温跑到纽约去找乔纳的时候,如果安排萨姆叫停出租车,并开始向司机吐露自己的内在冲突,那就会不利于培养观众的情绪,还会显得荒谬可笑。当单独的动作已然使得情绪高涨,就别再为这场戏添加多余累赘的其他目标。那些激发起较低情绪水平的戏— 可见冲突没有那么剧烈的场景—才是其他那些目的常常得到实现的地方。想想《西雅图未眠夜》里一处较早的场景,当时萨姆正在同广播里的心理学家交谈,与此轮番切换的镜头是安妮·里德正通过收音机倾听他的故事。这一片段几乎没有包含动作,观众的肾上腺素也就没有特别高。但是,这些使用交切镜头的场景在交代人物背景、同理心、内在动机、内在冲突,制造回响、期待、好奇心、可信性,以及主题方面,为这个故事贡献了很多。 请你在完成剧本的每一稿之后参照这份检查清单,尤其是当你感觉到你与自己的故事已经过于紧密,你也已经做过太多次的改写,而以至于你失去了自己的客观性的时候。这些原理在此时就可充当一个工具,帮助你鉴别哪些场景最有效用,哪些需要改写,哪些需要与其他的场景合并,以及哪些应当完全被摈弃。

  • 《我和我的家乡》逆袭登顶,大众到底爱看怎样的电影?

    文 | 路遥、江宇琦编辑 | 吴燕雨不出意外,上映的第4天里,《我和我的家乡》成功逆袭登顶国庆档了。除开同期最佳口碑这一优势之外,《我和我的家乡》最大的市场优势,实则是足够扎实、下沉的用户基础:灯塔专业版数据显示,《我和我的家乡》的想看用户中,有10%为40岁以上、有42%是来自于三四线城市,该片成为国庆综合覆盖人群最广的影片。更具大众共鸣度的主题和表达,使其在更广泛的圈层里都有着不俗的影响力。《我和我的家乡》票房破15亿(图片来源:微博@电影我和我的家乡)如果对近年各大档期的票房进行一次梳理,不难发现无论是2017年掀起全民观影热的《战狼2》,还是次年引发全民热议的《我不是药神》,不管是在春节档一路逆袭的《红海行动》,还是成为春节惊喜的《流浪地球》,能在大档期里成为大爆款的电影,无疑都有一个相似的标签:大众电影。大多数时候,相比于电影的艺术性、产业发展等话题,“大众电影”是一个容易被产业忽视的概念。但其实当人们谈论票房时,绕不开的底层逻辑仍是大众偏好。尤其是在今天的市场情况下,大众电影所扮演的角色已经越来越重要。而作为主流电影评价体系中最关注大众意见的奖项,大众电影百花奖坚持了近60年时间(中间曾停办过),始终在用一种特殊的形式在筛选着观众最爱的电影——百花奖的入围作品、影人本就是网友通过网络投票筛选出的,至于最终获奖作品、影人,更是由101位大众评审在颁奖礼当晚现场投票决定的,最大程度上代表了大众的口味、喜好。颁奖礼当晚出场的101位大众评审(图片来源:微博@金鸡百花电影节)怎么理解大众电影?中国影协理论评论委员会秘书长王丹认为,“大众”代表着最大多数的观众,即每一个普通人,大众电影顾名思义就是普通老百姓最爱的电影。百花奖的设立,正是想让观众的声音被市场听见,让真正受大众欢迎的作品走到舞台中央。而刚刚公布的第35届大众电影百花奖获奖名单——《我和我的祖国》《哪吒之魔童降世》等,恰恰折射了百花奖的这一理念。颁奖礼当晚,凭借《少年的你》荣获影后的周冬雨在领奖台上表示:“很多人说我只能演中学生,但我特别欣慰,如果观众喜欢,小学生我也能演。”看似玩笑的一句感言,正好反映了当下中国电影市场最为重要的“真理”:回归观众、让观众喜欢,才是硬道理。一今年在郑州举办的百花电影节展映单元里,有一部特殊的电影——《少林寺》。1982年,这部在郑州少林寺拍摄的功夫电影,在文化产业刚刚迎来复苏的中国内地市场,掀起了一阵观影狂潮。在电影票还是1毛钱一张的年代里,该片累计取得了1.6亿元的总票房,保守估计总观影人次突破了15亿。而要知道,如今内地票房冠军《战狼2》的总观影人次也不过1.6亿。对于经历过那个年代的中国观众来说,《少林寺》迄今为止依然是无可替代的一份记忆。9月26日影片复映当天,毒眸在影厅外看到了大批已是满头白发的观众,其中有不少已经多年没有进过电影院。一位年过五旬的观众表示,当年《少林寺》上映时他还在上学,他前后共看了三遍。如今近四十年过去了,他依然对电影里的演员、剧情如数家珍。1982年版的《少林寺》(图片来源:豆瓣)用张艺谋的话来说,八十年代是个“热血沸腾”的年代:“全民的求知欲(都很强),改革开放刚开始,想看世界,想了解世界,反过来了解自己。看影展、看美展和挤地铁一样,前胸贴着后背。”而在那样一个娱乐方式相对匮乏的年代里,电影自然成了很多人求知、了解世界的最好的方式。1980-1984年间,在全国平均电影年产量仅为120部左右的情况下,年观影总人次能达到250亿以上,其中1980年全国的人均观影人次更是高达29次。也正是在这股的观影热助推下,《庐山恋》《白蛇传》《牧马人》《芙蓉镇》等经典电影不断涌现,绘制了中国电影最绚丽的篇章之一。为了表彰这些优秀的电影,于1962年由《大众电影》杂志主办、后因故中断了的百花奖,伴随着《大众电影》的复刊,再度回到了大众视野里。1980年举办的百花奖成了全国范围内的大事,组委会共收到了200多万张选票,这还是因为不少观众想投票却苦于买不到包含选票的《大众电影》。经过票选,《小花》《泪痕》《吉鸿昌》三部电影摘获了当年百花奖的最佳故事片奖。其中《小花》的原名本叫《觅》,被认为太过于生涩后,在影评家钟惦斐的建议下改为了《小花》,寓意是“报晓中国电影春天的一朵小花”。而这朵“小花”不仅报晓了中国电影,还捧红了“奶油小生”唐国强,从那时候开始,追电影明星正式成为越来越多观众的爱好。电影《小花》(图片来源:豆瓣)百花的回归、中国电影产业的复苏,让整个八十年代的中国电影顿时星光熠熠。更为重要的是,这个时期的中国电影,不再只是一种意识形态的宣传工具,而是真正意义上走到了人民群众当中,说老百姓的故事和老百姓们爱看的故事。二然而没人想到,中国电影产业的震荡居然会来得如此之快。对于中国电影市场来说,九十年代算不上一个好的光景。早年间,电影的生产仅由国有制片厂负责,盈利并非是最主要的考量。这种模式下,很多片厂不计成本地拍摄出了诸多优秀的电影,但同时也带来了一个无法回避的问题:由于不关注市场,不少片厂出品的电影也渐渐地开始远离大众。同样也是在九十年代,伴随着录像厅的兴起,各路盗版好莱坞大片和香港电影开始进入内地,传统的国产故事片、剧情片很难再满足大众的观影需求了。在电影《乘风破浪》里,徐正太决定大规模扩建录像厅,因为他判断电影院今后一定会消亡、未来一定属于录像厅的,而这正是当年最真实的写照——1995年时,全国年总票房还不到10亿元。图片来源:电影《乘风破浪》曾拿下过大量海外大奖、百花奖最佳影片得主张艺谋,也在九十年代末遭遇了一个低谷期,2000年的《幸福时光》只卖了500万。为此《北京晚报》还特地搞了项网络调查:张艺谋是否已经江郎才尽?南方系的一位记者甚至写到:“你以为现在还是八十年代,什么破技术,什么破思想都能糊弄观众?”面对失利,已经50岁的张艺谋,通过安乐的老板江志强和海外投资商搭上了线,斥资3000万美元拍了《英雄》,开始了他的转变。该片在全年总票房只有9亿元的2002年,拉动了1100万观众进入电影院观看,总共斩获2.5亿票房。日后央视的一项调查显示,《英雄》的观众中,有八成已经多年没有进入过电影院。这样的成绩也让《英雄》顺理成章地拿下了当年的《百花奖》最佳影片,而在谈及这种创作理念转变的时候,张艺谋则表示:“中国电影正是被票房绑架的年代,包括我自己。我们拍了不少各种各样的片子,我们要试水,要两条腿走路,除了有情怀,也需要有质量的商业电影去占领这个阵地。”《英雄》(图片来源:豆瓣)因此《英雄》的成功不仅仅是为张艺谋带来了荣誉,更是改变了中国电影,开启了中国电影商业化大片的时代。随后几年,获得百花奖最佳影片、优秀影片的电影里,不乏《功夫》《集结号》《建国大业》这样的中式大片。而从票房表现来看,新世纪的头十年里,内地市场表现最好的影片,也基本上集中在了大制作电影和进口大片上——某种程度上来说,那个年代里大众电影被和大片画上了等号。但这类电影,真的就完全等同于大众的喜好吗?从市场表现来说,2000-2009年间,内地电影市场的总票房的确越来越高,但是却还是在百亿以下,进电影院看电影仍然还是一个相对小众的爱好。而国产大片虽然层出不穷,可整个行业并没有真正意义上百花齐放,整体类型相对比较单一。这点从金鸡奖、百花奖当年的票选中就可以看出,尽管《手机》《集结号》这类热门电影能得奖,但仍有不少获奖的电影,其实并没有真正反映大众的兴趣度。曾任百花奖新闻发言人的俞小一当年就告诉《南方日报》的记者,百花奖在彼时的年轻人中的确没有太大影响力,并坦言“代表不了当下的主流电影观众”。《集结号》成2008年百花奖最大赢家(图片来源:新华网)影响力的下滑,加上当时打着“中国”、“全国”之名的奖项竟多达44个,为了保障奖项的公信力,中宣部于2005年颁布了《全国性文艺新闻出版评奖管理办法》,要求全国性文艺新闻出版评奖进行全面的“瘦身”。在这轮改革当中,金鸡奖和百花奖则变为两年一办,交替举行。《电影文学》曾刊文称,由于当时的国内电影作品表现低迷,两个奖项隔年举办是对奖项进行合理化的符合规律的调整。如此一来,百花奖反倒是显得更加鸡肋了,很多明星获奖时已经过了宣传期,于是便选择不出席。俞小一谈起这点也觉得很无奈:“当初金鸡百花隔年举办,是因为中国电影正处在低谷,为了保证电影节奖项的质量,我们采用这一方式进行‘瘦身’,但现在却成了明星们不来的借口。”在看到2006年百花奖结果时,《南方日报》更是表示:“(百花奖)代表最广泛的电影观众群体的味道消失了。”三2012年,百花奖的优秀影片、最佳男女主角均颁发给了一部小众作品《失恋33天》。这部电影于2011年上映后,以890万的成本创下3.5亿票房,成为了当年的现象级影片。而这部电影能够成功以小博大,一方面在于其接地气的内容,另一方面则在于其接地气的营销。为了吸引年轻的目标人群,影片将上映时间选在“光棍节”附近,并选择微博作为营销主阵地,通过大V转发和打造微博账号矩阵快速提升热度。有某营销公司的老板曾告诉毒眸,《失恋33天》的彻底颠覆了行业对于营销的认知、让很多片方开始重视起其效用:“一直等到《失恋33天》的出现,才算是给行业做了一个好的示范,光吆喝没用,得选择对的方法。”《失恋33天》(图片来源:豆瓣)这年《失恋33天》成为百花奖的大赢家,算得上是中国电影产业的一个转折,让很多人再一次意识到了大众电影的意义,以及重新想起了唯有获得观众的认可、唯有和观众走得更近的影片,才能真正意义上找到在市场上的立足点——而2012年的另一件大事,则更好地说明了这点。当年的《人在囧途》成为了黑马,影片主演徐峥在自己的导演处女作上巧用了该片的热度,打造了喜剧片《人再囧途之泰囧》。在好口碑和贺岁档的助力下,该片带动了近4000万观影人次,并最终以12.67亿的成绩带动华语电影走进10亿+的时代。凭借该片,徐峥成为了历史上第一个夺得年度票房冠军的70后导演,打破了2002年以来第五代们对于票房冠军的“垄断”,也结束了“大片”对市场的“垄断”。但《人再囧途之泰囧》的意义,绝不只是徐峥本人的成功,更重要的是它又一次极大地激活了内地的电影市场,让更多人看到了大银幕的魅力。非“大片”接连取得超出市场预期的票房成绩,彻底改变了中国电影市场的生态。往后几年里,包括《致我们终将逝去的青春》《心花路放》在内,越来越多类型的电影开始成为内地市场上的票房担当,一次次将普罗大众拉入电影院。《致我们终将逝去的青春》剧照(图片来源:豆瓣)正是因为意识到了“大众”的重要性,资本与行业也越发频繁地将注意力投向普通受众,思考该怎么激发其观影热情、进一步盘活市场。2014年,伴随着票务平台的兴起与票补大战的开启,“9.9元低价票”闯入了大众的视野,也正式打响了互联网带动电影营销的第一枪。尽管如今行业里对于票补的评价褒贬不一,但它切切实实带来了两大改变:对行业端来说,它助推猫眼娱乐和阿里影业走向产业腹地,成为了如今行业里举足轻重的力量,甚至推动了“游戏规则”的转变;对观众而言,则是利用价格优势让更多的观众走进了电影院,让内地电影市场的发展更快了一步,2012年到2016年,国内电影市场的观影人次从4.7亿增长到13.7亿,票房也从200亿出头激增至457亿。2014年与2016年的百花奖,真正意义上实现了“百花齐放”,《致我们终将逝去的青春》《寻龙诀》《老炮儿》等口碑票房双丰收的电影,均在相应年份的颁奖典礼上得到了多个奖项。但这也是百花奖评选受争议较大的一段时间,尤其是一些演员类奖项的结果(如李易峰凭借《老炮儿》获得最佳男配角),让许多网友对观众投票的公正性提出了质疑。面对质疑,中国影协副秘书长孙崇磊那些年间曾对媒体表示,百花奖必须进行改革,加强评选过程中的监督、保证各个环节的公开透明、提升中老年观众在大众评选里的比重,同时“应该对大众评委适当予以电影鉴赏力方面的培训,有效提高每一张选票的质量”。孙崇磊的话,某种程度上反映了彼时中国电影市场存在的两大问题:虽然好电影越来越多、观众的观影热情越来越高了,但多数电影的目标受众还是年轻人,中老年观众还没有被调动起来;普通观众对于电影热情提高的同时还不足够成熟,某种程度上而言还存在一定的“盲目性”。后一个问题,前几年里常常会在票房上有所体现。伴随着票房市场越来越火热,很多妄图赚快钱的资本也在加速进入。其结果就是,2012-2015年间,市场上热卖的电影里,有不少是诸如《富春山居图》这样空有噱头和明星阵容,却质量堪忧的作品,甚至一度有过《小时代》这类越骂越火的影片出现。因此市场看似十分火热,却很难被称之为成熟、稳定。但观众不可能永远不成熟,行业没有及时意识到这点的话,就只能是迎来当头棒喝。转折发生在2016年。尽管2016年总票房创下了历史新高,但主要得归功于那年春节期间《美人鱼》的强势。而拓普智库数据显示,从4月份开始,2016年剩下的9个月里有7个月的票房同比出现了下滑,其中包含了暑期档的7月和国庆档的10月均下滑了18%以上。急刹车的原因很好理解,在经历了2015年的狂欢后,2016年电影市场在内容供给上并没有跟上。单就影片口碑而言,2016年暑期档、国庆档影片的表现均不甚理想,暑期档票房冠军是豆瓣评分仅有4.7分的《盗墓笔记》,而国庆档的种子影片《爵迹》《王牌逗王牌》《从你的全世界路过》评分也都不理想。凭借《小时代》在骂声中越战越勇的郭敬明,这年第一次碰了壁,成本颇高的《爵迹》只卖了3.82亿。反倒是与《爵迹》同期上映、一开始不被人看好的主旋律电影《湄公河行动》,靠着过硬的口碑,该片一路逆袭并最后收获了11.88亿,成为了那年国庆档冠军。《湄公河行动》(图片来源:豆瓣)2016年的低迷与《湄公河行动》的逆势翻盘,形成了鲜明的对比,“口碑为王”的理念第一次被正式摆在了中国电影产业的面前。而一些新的思考也逐渐得到了重视:单纯依靠营销、票补拉动观影需求的时代是否即将成为历史,大IP、大明星做主要卖点的方法是否也即将失效,中国电影想要更进一步,该上哪去寻找新推动力、找到新的增量?四答案还是大众电影,并且是“更加大众”的电影。在经历了一个有些平淡的上半年后,2017年暑假,另一部改变中国电影产业的电影《战狼2》上映了:借由微博、朋友圈,《战狼2》的受众认知度、路人好感迅速扩散,加之爱国热情所带来的感染力,该片成功吸引到大批中老年观众进入影院,引发全民观影狂潮:1.6亿的观影人次,最终创造了近57亿的票房神话,也给原本低迷的国产片市场注入了一针强心剂。继《英雄》《人再囧途之泰囧》后,《战狼2》完成了对电影市场的再一次深度激活。往后几个月里,内地大盘也一路高走,并且又接连涌现了《芳华》等“全家上阵观影”的影片——这几部电影都是在前期排片、热度不理想的情况下,凭借良好的口碑吸引到大量非活跃影迷,进而实现逆风翻盘。《芳华》(图片来源:豆瓣)此后的两年多时间里,口碑为王已经是一个有目共睹的现象。2018年春节,首日排片、票房占比靠后的《红海行动》,在春节假期结束时成功实现逆袭,而一年后的《流浪地球》则更是在首映当天下午就凭借口碑逆袭;2018年和2019年暑期期间,两部映前都不太被看好的电影《我不是药神》《哪吒之魔童降世》则都是靠点映口碑成功出圈,如今相似的故事又在《八佰》身上得到了复制(点击阅读:点映破纪录,《八佰》能复制《药神》《哪吒》的成功吗?),而在映前很多人甚至断言《八佰》票房难过10亿。也是因为有了这么多质量过硬的电影出现,尽管这几年片方、平台的票补投入相较前几年有所减少,但市场却并没有因此而降温。每到春节、国庆,看电影甚至已经成为了很多人的习惯、一种新的“民俗”。而更重要的是,和当年靠明星、特效拉动起来的观影热不同,当下的热门电影里,往往能映射出中国老百姓自己的故事、自己的情感——观众走向电影的同时,电影也在回到大众中间。中国电影评论学会会长饶曙光告诉毒眸,这种变化的意义正是“大众电影智慧”的一种体现:“影片和观众合作,让观众进入电影的叙事情景、人物塑造当中,产生共情、共鸣、共振,甚至产生共同体美学,这样才能最大层面赢得观众。”在他看来,今年获得百花奖最佳影片的《我和我的祖国》和优秀影片的《我不是药神》,就是这种大众电影的智慧的体现。豆瓣9.0分的《我不是药神》相比于以往,近两届百花奖的结果的确受到了更高的大众认同度,这不代表大众审美的趋同,相反正是电影创作的进步,让越来越多的中国电影和电影人“担得起”这个大众的赞美——这不觉使人想起当年俞小一所说的,电影节“瘦身”是“因为中国电影正处在低谷,为了保证电影节奖项的质量”,但其实中国大众电影正越来越好,才是保证电影节质量的最根本方式。而为了能跟上电影的进步,百花奖其实也在革新和思考。如奖项方面,今年的百花奖将文牧野作为导演提名最佳新人,和易烊千玺等新人演员一同竞争这一荣誉。此举引发了产业界关于“导演和新人是否可以放在一起评奖”的讨论。对此,2020年中国金鸡百花电影节组委会副主任闫少非表示:“对此我们还要进一步研究,是不是需要改进?又该如何改进?这都是需要考虑的。”毕竟,百花奖作为严肃专业的奖项,有着严格的章程,而其中对新人的界定并没有局限于演员之中。易烊千玺获最佳新人(图片来源:微博@金鸡百花电影节)更大的创新或许在于奖项之外的部分,今年百花产业论坛,抓住了后疫情时代的多个重要产业话题,院网关系、新浪潮……每个思考都站在了产业步伐的前面,每一句分享都对当下的产业有着思考价值。而这样的探索,也正是让百花更加了解市场、更加接近大众电影本质的一种手段。对于这个市场化已经走过多年的产业而言,还有什么比这样一种视角更能代表大众电影的思考和风向?显然,在大众电影越来越需要被重视的当下,走过近60年的百花奖有机会创造更大的能量。当然,大众电影的发展,其意义不仅仅是在于审美、艺术层面,更加关乎到了产业的发展。曾参与过《寻龙诀》《唐人街探案》《八佰》等影片创作的著名电影制片人、青崧影业创始人叶宁对毒眸表示,现在的观众越来越清醒了,他们“对于电影的要求非常可爱和单纯,就是好不好看”。在他看来,国内的“大众电影”对应着国外商业电影的概念,其共同点都是“尊重市场”,而整个行业只有“从大众电影角度思考问题,才能令电影成为一个产业”。颁奖典礼正式落幕(图片来源:微博@金鸡百花电影节)“尊重市场”,这四个字看似简单,但为了走到这一步,中国电影一路之上也曾磕磕绊绊。经历过和观众脱离的时期,也曾有过“欺骗”观众的时代,到头来很多从业者才意识到,和观众站得更近并不代表要向市场屈服、媚俗,相反观众和电影能从彼此之间汲取养分,共同朝着一个更好的方向发展。

  • 电影摄影如何拍出纯净的黑?

    首先,我们需要明白一个概念,在摄影机中,什么是纯净的黑?我的理解是没有噪点的黑色。《八佰》摄影指导曹郁在公开分享中提到,他对《八佰》的风格定义是“最黑的夜,最亮的光”。落实到摄影工作中,最重要的是对光线的处理。《八佰》里用了很多灯光来营造黑夜和光明的对比,影片中的四行仓库几乎没有光,全靠河对岸租界的霓虹灯把仓库照亮。但非常暗的仓库和非常明亮的外景全部清晰地出现在一个画面,这对于摄影机的要求非常高,它非常考验摄影机的动态范围和清晰度,ALEXA IMAX摄影机完美解决了这个问题。《八佰》拍摄现场(图片来自网络)知识点一:动态范围这个概念在胶片摄影和数字摄影中还是有一点区别的。我主要以数字摄影距离,在摄影知识中,有一个参数叫做感光度,这个参数在一些高端的摄影机上会被称为曝光指数,曝光指数这个概念来自于胶片时代。由于胶片的感光能力是不会变的,摄影师在实际拍摄中,可能会故意欠曝或者过曝一定档数,在胶片洗印中再将胶片冲印至自己希望的曝光。这个摄影师假定的,涉及后期洗印因素的曝光值,就是曝光指数。数字摄影机借用了EI这一概念。因为它本质上并其实只是改变了摄影机的动态范围(宽容度)。如下图所示从上图可以看到,在控制快门速度与EI两个曝光要素,逐档降低快门角度,并增加EI,使EV曝光值始终保持一致。在这种情况下,观察其宽容度分布情况。在这个变量控制下,可以看出调节EI对摄影机宽容度分布的影响。可以看到,随EI的增加,曝光EV值保持不变,标准曝光点18%灰以上的宽容度档数逐步增加,这是因为CMOS实际进光量随快门角度减少而减少,更多的高光细节被纳入宽容度内。而18%灰以下宽容度档数逐渐减小,且噪声逐步放大,信噪比提高。这是因为在快门角度收缩时,暗部细节逐渐丢失,淹没在噪声中。当EI在800的时候向上和向下的宽容度达到了最高,这就是它的原生ISO。综上所述,ISO并不是越低越好,也并非处于原生ISO时画质最好,还得结合相机的动态范围变化,根据不同场景做出改变。摄影灯光课现场知识点二:光的平方反比定律S代表光源,而r代表测量点。光线的总数取决于光源的强度并且与增加的距离恒定。光线的密度越高(每单位面积的光线)意味着更强的光场。光线的密度与光源的距离的平方成反比,是因为球的表面积随着半径的平方而增加。因此,光场的强度与光源的距离的平方成反比。光的平方反比定律最常用的情况就是利用光的衰减,在前方光线亮度100%或者25%的地方作为18%的曝光点,背景的亮度只有1%甚至0.1%,拍出纯净的黑色的背景。明白了动态范围和光的原理以后,是拍出纯净的黑的第一步,第二步就是利用光线和曝光,来达到拍出纯净的黑的目的。电商课学员拍摄现场总结一下步骤:1. 把摄影机的ISO调整得尽量低(向上可以有足够的动态范围)2. 给整体画面铺上一层底子光(密度光),一般建议在10-15lux左右3. 在取景器中观察所需要拍黑的部分,调整光控数值,达到纯黑的目的4. 给拍摄主体布光

  • 剧本交易中要注意的几个问题

    虽然你有了维权的意识,但是在与投资方交易的过程中,你还是要特别谨慎。最终能拿到怎样的权利,还要看编剧的地位和履历,优秀的编剧能获得更多——这是天经地义的。我们在此根据法律和行业惯例,并结合不同级别编剧可能享有的待遇和权利,对交易中遇到的常见问题进行相应的介绍 1.什么叫把自己的剧本“卖”给别人呢?在编剧独立创作了一部剧本(并非履行委托创作合同约定)时,编剧是可以通过合法的手段将自己的剧本“卖”给别人的,那么著作权中的哪些部分可以“卖”?怎么“卖”呢? 首先,“卖”剧本实质上卖掉的是编剧著作权中的财产权利。编剧作为著作权人,享有《著作权法》上规定的诸多人身权利和财产权利。依照《著作权法》第十条的规定,著作权人享有的著作权分别为发表权、署名权、修改权、保护作品完整权、复制权、发行权、出租权、展览权、表演权、放映权、广播权、信息网络传播权、摄制权、改编权、翻译权、汇编权以及“由著作权人享有的其他权利”。一般而言,署名权等人身权利无法转让。具体“卖”出的权利,应当在转让或许可使用合同中明确规定,合同中未明确许可、转让的权利,未经著作权人同意,另一方当事人不得行使。 所以卖剧本,实际上是编剧以一定的酬劳为对价,向制片公司许可或转让一定著作权财产权的交易。2.如何鉴别靠谱的中介? 通常编剧行业所称的“中介”指的是一些开展剧本代理或者版权代理的机构。由于编剧很多时候写完剧本可能没有时间和精力自己去推介给制片方,为了方便起见,就会将剧本授权给剧本(版权)代理机构,再由版权代理机构和制片方或发行商洽谈。 由于版权代理机构会同时掌握大量剧本的授权,也更加了解编剧、制片方、发行商的信息,因此更容易将合适的剧本推荐给合适的制片方。故而剧本代理也不失为一种提高交易效率的方式。 但现实情况往往是,有些“不靠谱”的中介会滥用其信息优势的地位,损害甚至压榨编剧的利益。因此和中介进行洽谈时,必须谨慎判断,小心翼翼地绕开不靠谱的中介。我们提供两点较为合理的建议。 首先,你可以通过直接询问、利用互联网或其他信息渠道,对中介进行一些简单的“尽职调查”,调查内容包括:交易对象的基本信息;交易人士的工作或授权证明;制片人、剧本购买者的历史交易信息;调查他们是否存在负面新闻等。 其次,在沟通过程中,你也可以利用自身的经验,对其专业性和信誉做出判断,如是否积极、真诚,接洽程序是否规范,是否遵守行业交易惯例,网站、微博、公众微信号等宣传渠道是否正规,是否具有统一标识,出价是否合理等。如果你认为自己尚缺乏独立评判的能力,可以咨询相关的行业专业人员或法律咨询机构,听取意见。 通过对中介的初步了解和排查,可以有效地规避风险较大的中介,减少日后合作中的风险。3.面对剧本的购买者,究竟以什么方式卖剧本?要签署哪些文件? 判断购买者基本靠谱后,就可以和购买者进一步协商交易的细节。不过,这时候也不要掉以轻心,应谨慎对待。 首先,要明确自己需要签署的合同性质,即究竟是以什么样的方式出卖自己的剧本。依据《著作权法》和司法实践,编剧卖剧本主要通过“著作权许可使用”和“著作权转让”完成。“许可使用”指的是编剧许可他人以一种或者多种方式使用自己的剧本,被许可人获得的是一项或者多项使用权。比如,编剧许可制片公司将自己的剧本改编成电影,从而获得报酬,这实际上就是对剧本摄制权的出卖。而“转让”指的是编剧将著作权财产权利中的一项或者几项,以合同的方式转让给他人所有。 “转让”和“许可使用”的区别在于“转让”使编剧永久性失去部分著作权,也就是说,编剧从此丧失了已经转让的权利,受让人成为新的权利人。而“许可使用”并不会影响编剧作为著作权人的地位,使用人仅仅有权使用,并且编剧可以和使用人约定使用的期限、方式、是否独家(独家意味着编剧不能再将同样的权利许可第三方使用,一般来说制片公司都会要求独家的摄制权)等。 其次,要了解在签署合同的同时是否还要出具其他文件,比如授权书就是经常作为合同附件的重要文件。很多时候,制片公司会要求编剧在正式的合同签署前先行签署一份授权书。 这时,编剧要防止制片公司在授权书上做文章。 防止授权书与原合同内容不同 授权书是为了出示方便而出具的简要文件,也就是正式合同排除交易价格后的部分条款内容,一般包含权利授权的期限、范围、内容、行使限制这些核心内容,起到证明的作用,作为附件,与主合同有同等的法律效力。所以,一定要严格检查授权书的内容是否与原协议相同,如果授权书的范围写得比原协议大,或者简略、遗漏了限制条件,都可能产生对编剧不利的后果。 防止以立项为由先签署授权书代替交易合同 以影视项目为例,制片公司往往需要编剧另行出具授权书才能在广电管理部门进行剧本立项。在这种情况下,有些编剧抱着反正这并非正式合同的想法,所以草草地签署了授权书,这样其实是非常危险的。如果双方未能就正式合同的条件达成一致,而编剧却签署了授权书,制片公司很可能凭借授权书的内容主张已经获得授权,进而拒绝向编剧支付报酬。所以,一旦这样“倒置”的情况发生,编剧应当在主合同中加上排除冲突条款:“为立项而出具的授权文件与本合同存在冲突的,以本合同为准。” 所以,编剧一定要清楚自己签署的文件的目的、具体内容之后再签字,且在正式合同文本签署前不要草签授权书,别等到被坑之后再后悔。4.怎样能让自己的剧本卖得好? 所谓剧本卖得好,其实就是编剧通过剧本的权利许可实现剧本的价值最大化,使得剧本能卖出好价钱、产出好作品。一般来说,这主要依靠三个因素:编剧地位、市场需求以及授权方式。 大咖们总是最有话语权,如果编剧已经在行业中有一定的知名度并产出过一些不错的作品,那么在价格谈判上将会非常有优势,而相对的,刚起步的编剧则需要耐心一些,先积累经验,在价格上做出适当的让步。 市场需求也可以称为“题材热度”,比如青春题材与科幻题材故事的热捧就体现了热度的重要性,或者,某几个公司同时抢一个剧本的时候,价格就可能自然抬高。 至于授权方式,其实是剧本交易中编剧最应当重点关注的问题之一,也是常被许多编剧忽略的问题(甚至有些大编剧)。所谓授权方式,广义上包括编剧许可制片公司的权利类型、行使渠道、授权性质(独家或非独家)以及其他必要的限制等。以摄制权为例,编剧可以将其划分为电视剧、电影、戏剧、网络剧等不同形式的摄制权,分别许可给不同的制片公司,而且针对不同的形式采用不同性质的授权(比如网络剧一般可以采取非独家授权,电影多为独家授权);同时,即使是独家许可,也要对许可的权利进行一定的限制,比如如果制片公司因故在两年内未对剧本投入拍摄,那么编剧就有权收回授权,重新出卖给其他制片公司。这种针对不同类型的权利进行分渠道授权的方式,相当于对剧本的分散投资,以达到减少风险、实现收益最大化的效果。 总之,要慎重慎重再慎重,谨慎地对待合同中的每一项条款,了解其处理的问题以及可能涉及的权利。切记不要草草签字,而是要清楚地告诉剧本购买者:“我需要将合同拿回去仔细看两天。”如果自己实在无法确定的,不要忘了寻找专业人士的帮助。

  • 不学诺兰炸飞机,广告导演不烧钱也能拍大片!

    克里斯托弗·诺兰的新作《信条》已正式登陆内地院线,诺兰的电影不仅烧脑更是烧钱。早在6月《信条》预告片放出时,“诺兰炸飞机”就冲上了微博热搜。《信条》预告片截图为了呈现真实震感的画面,诺兰炸毁了一架真的波音747。也许对于大导演来说,这只是常规的操作。但是对于电商摄影师来说,想要出类拔萃,最该学习的是如何用最少的时间和成本,制作出高品质的视觉影像。随着第21期新片场学院线下实训《电商短视频广告实用课》(后简称“电商课”)的结课,我们就通过学员作品来看看:是如何分析产品特性,发挥自己创意;综合运用老师课上所讲的拍摄技巧和理论知识;用低成本和少人力,拍出高品质影像的。01音响广告这组学员的拍摄对象是一款便携式蓝牙音箱,核心卖点是无论身处何处都能收获高品质的音质。那么如何在广告片中,突显音律的震动呢,这就需要画面中动态元素的配合。首先灯光能帮助我们轻松实现光线运动变化,通过扫光能够很好呈现出音响侧边金属的质感。学员作品截图LED灯可以调控色温和亮度,打出你想营造的光线色调。音响属于数码产品,学员们更想表达出产品的高科技感。所以用了经典的红蓝搭配,冷暖的鲜明对比,有着更强的视觉冲击力。在此酷炫的背景色调下,产品由暗转亮,如同一出好戏缓缓登场。学员作品截图增加画面元素,比如滑落的水滴和缭绕的烟雾,不仅加强了画面的动感,也突显了产品防水的特性。学员作品截图镜头向前推进,产品由远至近,结合后期的背景音乐,画面中音响好似跟随音乐的节奏在律动。背景色彩的不断变换,增强了视觉的冲击力,也诠释了该音响有12种醒目的颜色可供顾客选择的卖点。学员作品截图02口红广告大家在挑选口红时,眼光不止停留在口红本身,也在于口红的使用场景。所以在这组学员作品中,增加了演员和产品的互动,镜头多用特写来描绘女演员的唇色。学员作品截图该广告片的核心是为了突出口红多变的色彩,比如正红色代表的就是正式、严肃、有气场,水粉色代表的就是温柔、柔和、好亲近。不同唇色,适用不同场合,也代表了不同性格。为此女演员在广告中分别演绎了娇俏可爱的萌妹和气场大开的御姐两个角色。学员作品截图为了突显口红本身高级而简约的质感和女演员化身御姐时强大的气场,在在背景白墙上打了红光,为了让光互相不影响,就需要在主光和辅光的地方,把散射到背景的部分用黑旗遮掉 。03蜂蜜广告这则广告融入了生活化的使用场景,在实景棚内完成拍摄,由于涉及到多个场景,需要学员在之前就有清晰的创意构思,确定每个场景要拍摄出怎样的风格质感。学员作品截图为了体现自然舒适的风格,广告片中采用了自然与均衡的光线,女演员的皮肤也很通透、柔和。老师也会教大家如何观察室内的光线变化,通过各种灯具和附件布置出一个符合生活逻辑的光线。学员创作花絮产品有具体的使用场景,更能触及消费者的购买需求。所以该广告片就拍摄了多个生活片段,悠闲的下午茶,一勺蜂蜜可以提升甜品的口感;慵懒的午后,一杯蜂蜜水消除身体的疲乏。学员作品截图在后期剪辑时,学员们选用了连续的3个镜头跳切,让整部短片有了更好的节奏和表现力。学员作品截图

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