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  • 好莱坞知名编剧是如何修改剧本的?

    好莱坞那些最受欢迎的编剧如何应对“剧本重写”这一问题?他们的修改过程是怎样的?今天,我们精选了英国电影学院(BAFTA)编剧专题How I Write视频系列(BAFTA Guru致力于传播电影行业的经验分享,邀请经验丰富的业界精英集思广益,共同探讨电影行业不同专业领域的疑问、分享彼此经历。)并分享一些可以用来帮助你进行剧本修改的最佳信息。查看上一期请戳:名编剧在写剧本之前都做了哪些准备?01编剧就是不断修改的过程大卫·S·高耶(David S. Goyer,编剧作品:《黑暗骑士》三部曲,《超人:钢铁之躯》)讨论了初学编剧在完成第一部剧本时最常犯的错误。“写作就是不断地修改。的确,很多初出茅庐的编剧写完初稿后都会说,‘太棒了。它是完美的。’其实不是的。我发现每一个剧本都要经过四、五次的修改才会变得相当不错。”修改是必不可少的,第一稿不可能就是完整的剧本。写完初稿之后一般都要紧跟着进行修改。02过多的修改会阻碍剧本的发展皮特·摩根(Peter Morgan ,编剧作品:《女王》《极速风流》)指出了一个事实:过多的修改会毁了一个剧本。“对我来说,无休止地重写剧本可能是一种让自己越陷越深的方式。如果是好故事,两稿之后肯定会有不错的东西出来。如果你已经打了十遍草稿,还在生吞活剥,我想你应该重新写一个不一样的故事。”编剧们经常面对的残酷事实是,他们认为精彩的概念要么过于做作、乏味,要么还不够成熟,无法坐下来写作。霍辛·阿米尼(Hossein Amini,编剧作品:《亡命驾驶》《白雪公主与猎人》《沉默的天使》)“你写的每一份草稿,显然都失去了一些热情。”托尼·吉尔罗伊(Tony Gilroy ,编剧作品:《谍影重重》系列,《迈克尔·克莱顿》)补充道:“这是快速工作的一个好处。如果你花了很长时间做一件事,一件很刺激很酷的事情,但过了很长时间之后你就会忘记什么是很酷的了。你的想法太令人兴奋了,但你已经看过一千遍了,它就变得不那么酷了。在你真正记住它有多酷之前,你需要完成它,或者你需要找一个外部的读者,或者你需要进入这个过程的另一个阶段。”03像剪辑电影那样进行修改阿米尼指出了一个所有编剧都应该考虑的重要视角,尤其是在重写过程中。“我建议的另一件事是,作为一名编剧,花点时间在剪辑室里,因为我认为你会学到很多东西,知道什么是需要的,什么是不需要的,什么是被抛弃的。”像剪辑一样重写一部电影不仅是学习如何修改剧本,而且是学习如何写剧本的最好方法之一。你要学习电影的节奏和结构。04学会如何做笔记吉尔罗伊指出,大多数编剧并不是真的想知道人们读完剧本后的感受。编剧们想要听到的是人们对编剧才华的称赞。他们想要自我感觉良好。但最重要的一步是学会如何记录反馈和做笔记。“学习如何记笔记以及如何从中受益需要花很长时间。如何听取你真正尊重的人的意见,以及如何听取你鄙视或根本不尊重的人的意见。”摩根说:“当你开始工作的时候,当然,你会想要做笔记,因为你认为笔记能让人开心。你没有意识到的是,人们通常不相信他们所做的笔记。他们给你做笔记是因为他们希望它能激发你更深入地思考这个项目。所以有时候笔记是一种让你觉醒的方式。也可能是他们认为他们想要你回答他们给你的便条,但他们不是作家。所以我认为他们真正想要的是激发你。”高耶以摩根的启示为基础。“有时提供的解决方案是可笑的,但他们指出的问题是一个有效的问题。你必须试着超越你所得到的愚蠢的解决方案去思考,‘哦,但是人们总是在这个问题上撞来撞去,所以这可能是个问题。’”他接着说,“我发现,如果你收到同样的信息,即使解决方案与四五个人不同,那也不是他们的问题,而是你自己或你的剧本的问题。”苏珊娜·格兰特(Susannah Grant,编剧作品:《永不妥协》《偷穿高跟鞋》)表示,你需要在记笔记和保护剧本之间找到完美的平衡。“最具挑战性的事情往往是让参与其中的许多人感到高兴,并保护剧本。你的工作就是保护它。对合作持开放态度和保护态度有时是一种‘微妙的舞蹈’(delicate dance)。”05不要把所有的鸡蛋放在一个篮子里阿米尼为编剧们提供了一些很好的建议。“我真的建议人们开始时要非常有耐心。坚持写作,而不是等待第一个剧本的制作。把它送到这个世界上,抱着最好的希望,但同时,也要去做下一件事。”英语好的朋友可以通过观看完整视频,学习更多的技巧,听更多的阐述,并理解这些广受好评的编剧们的思维!《教父》的导演和编剧科波拉早前在接受采访时就曾说过:“我的剧本都会修改无数次。重写是写作的代名词。”科波拉认为,当你的剧本攒到八九十页的时候,小小地庆祝一下,再一边读,一边做笔记:哪里你喜欢,哪里触动你,哪里感动到你,哪里有改进的可能……到这时候再进行修改。

  • 匹配转场,分类整理(初级)

    用图形表格,将匹配转场分类整理。(还需完善,欢迎探讨)

  • 从悬疑剧到A. L. U,五元文化的一场乌托邦实验

    文 | 符琼尹、何润萱 一、 “这开头一看就是五元的风格。” 在《十日游戏》播出当天,第一集飘过这样一条弹幕。讲究的光影、美剧般的叙事节奏、开场就紧张氛围,都是熟悉的五元文化气质。而《十日游戏》,才是五元文化开启今夏霸屏的第一部作品。《十日游戏》 自从2017年《白夜追凶》爆红之后,五元文化多少显得有点在人们视野中淡去,仅上线了一部《古董局中局》和一部电影《“大”人物》偶尔看到五百都是在行业论坛担任嘉宾。 但这个夏天,五元重新归来。 《十日游戏》《非常目击》《白色月光》《在劫难逃》四部作品接连播出,其中《十日游戏》《在劫难逃》开分都在8.0以上。人们这才察觉,原来五元文化制作的脚步未曾停歇。 “去年,公司几乎每个月都有剧在开机或者拍摄。”五元文化创始人五百向毒眸介绍道,自2017年之后公司制作的节奏是在加快的,只是由于平台排播以及作品审查等原因,“压着没播”的剧最多达到过9部。 这几部剧作之所以能获得高分,是因为五元内部的灵活、竞争型的创作机制。五元文化剧本故事中心总监谷峪告诉毒眸,五元文化剧本中心下设的策划部、创作部,以及公司设立的品控委员会,是让这剧集产能可持续输出的源泉之一。 五元文化的策划部由3个并行的工作室组成,每个工作室有2-3个策划。不同于外界的刻板想象,这些策划每个月都要经历一次惊心动魄的提案:每个策划工作室都需要带着PPT向公司全体人员用15分钟阐述他想要做一个什么样的故事。在阐述之后,他们会接受5分钟现场提问,与会的公司员工会当场扫二维码给出分数,分数的结果也会当场公布。故事是死是活就在这一刻揭晓,“非常刺激,生死一刻。”谷峪说。 在提案之后,这些故事还要经由公司核心管理部门及两位资深编剧组成的品控委员会讨论,决定是否立项。正是藉由这些机制,五元在这几年积累了不少原创故事,因此在几年前跟平台提案时已经有了十几个备选,最终爱奇艺选定了目前播出的几部作品。而五百对这些故事显然足够自信,“对我们来讲都一样,就是你选哪一个都是对的。” 和策划部并行的还有一支更加灵活的创作小组, 这支由五位在职编剧组成的“秘密研究小组”会进行一些更创新的探索。谷峪对毒眸说,这五位编辑不用像策划部那样每月一次提案,公司也不会设置太强的工作节奏,他们的日常就是进行一些创新项目的探索,例如可以用三集剧本或大纲的形式呈现近期关注到的新鲜内容。 在这种创作背景下,五元创作的这些作品既有经典的悬疑推理,也有今年最流行的女性悬疑、烧脑的科幻悬疑。 《非常目击》源自导演杨苗酝酿了七年之久的念头。“大雨滂沱的夜晚,一位年轻男子撑着伞敲开了另一个男人的门,说我想跟你一起把当年的案子破了。”在这七年之间,他专门建立一个文档,存放他所看到的一切可能跟故事有关的新闻、照片、电影,随后又与五元文化的编剧、策划,一点点慢慢地丰满了整个故事。图片来源:《非常目击》导演特辑 《白色月光》则起源于导演刘紫微的朋友“侦察另一半出轨全过程”的真实故事。在她看来,这样的故事不论是节奏感,还是悬疑与情感的撕扯,都适合拍成一部心潮澎湃的短剧。“国外已经有很多精品短剧,有的比电影还好看,那为什么国内不能有呢?”为此,她从网上联系到了五百,就这样一拍即合。 “来五元的人好像都是冲着做一些不一样的东西进来的,而不是说市场上什么红,我们就去做什么。”五百告诉毒眸。 在出演《白色月光》女一号之前,宋佳已经接近四年没有出演剧集了,因为看不到一些很新鲜的题材。在这段期间,她看的美剧英剧中都出现了大量女性题材,因此当拿到《白色月光》剧本时,她眼前一亮,“国产剧很少看到这样的故事,还有这种冷峻的气质”。因此,她几乎是毫不犹豫地做出了出演的决定。 在对演员的选择上,五元文化也颇为大胆,比如正在播出的《在劫难逃》就启用了鹿晗和乔欣作为反派演员。从目前来看,这样的尝试并未让观众不适应,“鹿晗出演反派”“鹿晗演技”的话题多次登上热搜。豆瓣一条被点了3000+“有用”的评论写道:“原本看到鹿晗还有点担心,结果是我唐突了”。《在劫难逃》中的鹿晗 “你不要去低估每一个演员,他们所谓的市场地位都是假的,都是过去式。演员最讨厌的就是被定义,就像别人说你就是一个只能拍悬疑片的导演,你唯一能把这个定义打破的,那就是你利用反向思维把这件事做出来。”在《在劫难逃》导演特辑中,五百说道。 二、 五百的身份,早就不止是一个“只能拍悬疑片的导演”了。 五元文化出品的剧集,片头的主创名单都带着一个小尾巴——【A.L.U】。【A.L.U】,是五百在2015年创办的弧光联盟的缩写。“将行业内人才聚集起来,为其提供资源、团队、营销、资金等全产业链服务”是联盟创立的初衷。 五百除了是五元文化的创始人,也是联盟的“老大”,更多时候他被尊敬地叫为“百哥”。截至2019年年底,弧光联盟成员已超30人。截至今年,弧光联盟已经生产了16部剧集。谈起准入门槛,五百看重的还是一些更形而上的东西——价值观是否契合,作品是否足够有新意,未来的目标是否一致。 “选导演还是要看作品的,然后聊聊导演的终极欲望是什么,五元文化能不能满足。我很注重每个人的实际诉求,看五元有没有这条赛道能让你进来。”五百告诉毒眸。相较之下,过往履历反而没有那么重要。杨苗加入的时候,还是不折不扣的新人导演,王伟加入的时候《白夜追凶》项目也还没有开机。《白色月光》导演刘紫微通过网络联系上五百时,她的履历中也只有《我心雀跃》这部文艺片。《白色月光》 2017年冬天,当甄福群通过师哥辗转将《在劫难逃》剧本给五百时,还只有前三集的大纲。彼时的他也是个初入行不久的新人,还没有被市场检验过的知名作品。但不久之后,五百就联系了甄福群,表示对这个故事很感兴趣,同时还商谈了签约弧光联盟的事宜。于是2018年初,甄福群就成为了联盟的一员,和五元文化创作部的编剧和策划一起,共同开始了项目的开发。 这看起来是一件有些矛盾的事儿:像五元文化这样一个几乎每个月都有新戏在拍,实现了创作工业化的的公司,在面对这些幕后创作者时,所采用的却是一种近乎“乌托邦”式的松散的管理模式。比如,签约时虽然写的是合作数年,但对其的束缚却非常少,允许创作者对接外戏,如果想提前解约也不设太多阻碍,平时也基本不做什么管理。 针对联盟里不同的导演,他也会有不同的沟通方式:有的需要哄一哄,有的则需要时不时戳一下,提醒他这里没做好,“有的导演个人能力比较强的话,平常找他聊天都很少回复,只能关心一下他们的健康状况、感情状态。”在大哥五百眼里,这些创作者有时候是他眼里的小孩儿。“ 这种松散式的联盟,也给成员们带来了自由互助的氛围。好处之一是,在剧组遇到突发状况时,也能让创作人员迅速得到调整,保证作品顺利完成。 比如《十日游戏》开机拍摄后的几天,由于原定的画面表达与实际的呈现效果有偏差,在经过商定后,导演臧溪川和五百决定重拍,甚至迅速进行了灯光、摄影等部分人员的调整。这种一般剧组的大忌对于弧光联盟是不存在的,因为大家足够熟悉,也足够了解。“也都是我们弧光联盟的人,换起来很快。”五百说到。导演之间也会串组进行互相帮忙,“比如说这个导演拍这种戏觉得头疼,但是联盟另外一位导演很擅长,就会喊他过来帮忙拍两天。”《十日游戏》 当联盟里有成员在拍戏时,多数成员都会飞去互相探班,一起探讨创作。有导演就给毒眸形容过一个场景:一个监视器后面坐着十来个联盟成员,其中就有好多个导演,“演员看了都紧张。” 联盟里覆盖了各个工种的成员,也能让后期的员工在早期就进入项目,打破行业上下游的壁垒。像《在劫难逃》这种涉及时空穿越,多条时间线循环往复的戏,联盟里的剪辑指导、摄影指导、灯光指导都在剧本创作阶段给到了甄福群很多灵感,“像我原本对各个工种可能都不太了解,但是跟他们交流后,会发现原来从他们的视角是这么看这场戏的。所以后来,整个剧本在节奏上加快了很多,画面感也更重了。”《在劫难逃》 成立五年的弧光联盟,已经到了一个“收割期”,能够吸引这些人在联盟里紧密合作,五百认为除了五元的品牌影响力,还有人的关怀:比如如何关照导演的创作型人格、如何和导演建立信任。某种程度上弧光联盟像是一种反互联网的存在:不以流量或者和金钱为转移,而靠理想和价观建立长期信任。 “其他联盟可能会有的两个问题,一个是流动性,另外一个就是会有一种甲方控制乙方的感觉,这两点都会让创作者没有安全感。像五元五年了也基本上还是这些人,这也会让创作者们感到。这个行业还是看人的。”五百总结到。 三、 在更多的作品打上“【A.L.U】”烙印的这几年,创作者们也很能直接感受到,过去几年观众正在飞速成长。 采访当天,谷峪一坐下来就对毒眸感慨,《在劫难逃》播出当天,他们很惊讶地在弹幕里看到,有网友准确地猜出了某一版的结局。剧组的人纷纷开玩笑,早知道写完四集就扔网上让网友写就好了。 能走红的作品也在发生变化。《隐秘的角落》最终能获得这么高的观众度接受度,谷峪认为这在过去肯定是不可想象的,“一部有审美门槛的作品能如此成功,证明大众市场是在进步的。观众也给到创作者很好的反馈,就是你们可以去创新,只要对得起质量就行。”爱奇艺副总裁、自制剧开发中心总经理戴莹也曾在采访中说,没想过《隐秘的角落》会大爆,反而担心太文艺了,不是传统用户会喜欢的节奏和类型。 当观众一直在成长的时候,五元文化内部的新生代力量也在逐步崛起。 参与了《在劫难逃》的两位编剧马思宇和仁恪,此前并没有代表作,思宇原来是五元文化的策划而非编剧,是因为在整个的项目工作过程中,展现出了自己剧本写作能力,才慢慢转为编剧;《白夜追凶》的90后制片人于京京,就从一位没有作品积累的新人,一直从《白夜》做到《十日游戏》再到现在尚未开播的职场剧《盛装》。职场剧《盛装》 “我就是‘硬带’,手把手教。”五百告诉毒眸。其中自然是辛苦,但好处是,在这种类师徒的机制下,弧光联盟逐渐成长,进而带动五元的产能提升,“刚开始的时候产能一年能拍两个戏都累够呛,(但)前年几乎是每个月都在开机,去年也是这样。开机后,有的12集,有的30多集,有的60集。” 有意思的是,五元文化以及许多影视工业者们都在强调的“工业化”,最终达成靠的并非是对“人”的忽视,反而是对每个个体的重视。 《白色月光》这部女性主义作品的主创几乎都是30+的未婚女性,这种创作背景导致《白色月光》有点绝对女性色彩——忽略了男性在婚姻里的挣扎,也因此在呈现上对男性有些许的恶意。作为男性的五百还曾试探性地对导演刘紫微提,说要不要在作品中加入一些男性视角,但被刘紫微坚定的决绝了,但这也才最终成就了《白色月光》独特的冷峻气质。《白色月光》 有了这样一群不设限的人,五元文化也渐渐地成了一个不在类型上设限的公司。在五元文化的待播片单中,有青春竞技题材《荣耀乒乓》,女主和男主之前没有感情线,而是专注“搞事业”的《盛装》,有年代生活剧《隐秘而伟大》,还有江奇涛编剧的主旋律剧《人生若只如初见》,高密度狙击动作国剧《瞄准》。 在往前走的时候,五元也没有忘记自己的“初心”。谷峪告诉毒眸,悬疑剧还仍然是五元文化的拳头产品。公司或许更倾向于将悬疑剧作为“练兵场”。五百就告诉毒眸,他认为悬疑剧是非常训练导演和编剧的。因为吃力不讨好,这或许也是这几年市场上悬疑剧厂牌依然只有那么几家的原因。 “从写剧本开始,悬疑剧就要费力很多。”逻辑性要强、要会设置悬念,遇到《在劫难逃》这样有时空穿越元素,或者《十日游戏》这样双线叙事的作品,更是需要严谨的论证。到了拍摄阶段,悬疑剧对灯光、置景、机位运动乃至表演的要求都不太一样,“正常剧集可能一天能拍七页,但是拍悬疑一天就只能拍三页、四页。”“第一集所有主演都死了”的《在劫难逃》 此外,悬疑剧的审查力度也较一般都市剧更大,但在市场的衡量中,悬疑剧也并没有因为拍摄难度而获得更高的市场价,这也让悬疑剧的商业模式成为难题。“所以很多人不愿意碰,懒得碰,太烦了。”五百说。 但即便是在做笨功夫,五元文化也仍然准备继续做一个有精细手艺的内容公司。聊起市面上现在一些强调IP联动,以互联网产品思维做影视的公司,五百认为这没什么,毕竟存在即合理,但这个并非他们会做的事。 采访当天,五百还在隔壁开策划会,期间接了两个电话。这几年五元虽然发展了,但他仍然像一个最简单的导演,身体力行地带人、开会、讨论。采访之后,他很快又要进组。 五百依然有着一些内容创作者的小心思,比如《在劫难逃》和《十日游戏》的故事都发生在“绿藤市”,被网友戏称“犯罪率最高的城市,可以和哥谭一战”,被问到这个设计的初衷,五百在采访里狡黠里笑了一下,并不打算特别解释——有些秘密,他还不想这么快被拆穿。绿藤市的故事还在继续

  • 火到千亿的旅拍市场,为何还如此缺优秀的创作人?

    9.20-9.26 杭州站正在报名中如今短视频拍摄成为一种新的内容消费潮流,视频的内容和创意占的比重越来越大。清新类短视频凭借其鲜明的影像风格和高质量的叙事,在同质化越来越明显的短视频中独树一帜,广泛适用于微剧情短视频、vlog、电商外拍、旅游垂直类短视频和婚礼旅拍等。2019年12月《清新类短视频制作课》课程花絮短视频市场有多火爆?随着用户数的急剧增多,短视频内容的生产也从泛娱乐化走向旅游等垂直细分领域。根据报告,2019年,短视频用户全年打卡超过10亿次,其中65%的视频用户打卡过至少一个旅游景点。2019年中国短视频行业发展趋势报告旅游+短视频的市场价值早已不可限量,根据《2019中国人像摄影行业发展报告》显示,2018年旅拍行业总产值为220亿元,市场增幅超过了30%。旅拍缺的不是市场规模,而是优质的内容创作。无独有偶,根据《2020年中国旅游行业分析报告》小红书、抖音这些短视频平台,因为内容优质、更新快速,成为了用户最常用的出行决策平台。2020年中国旅游行业分析报告携程能紧随抖音之后位列第三,与携程对旅拍的重视也是密切相关的。早在2018年底,携程就正式上线了旅拍功能,发力垂直于旅游领域的短视频内容社区。携程APP携程旅拍的负责人就曾说,不少用户用拍照片的模式去做视频,但是用平面拍摄的手法和思维,是很难成功地拍出好视频的。旅拍是需要有策划、有筹备、有脚本的一个快速记录创作过程,并能从视觉和听觉中充分展现故事的情感。2020年7月《清新类短视频制作课》课程花絮新片场学院线下实训《清新类短视频制作课》就从导演思维、文案思维、摄影思维和剪辑思维,全面提升你的创作意识,让你做短片摄影师而不是PPT摄影师。1导演思维导演最重要的是把控现场的整体拍摄,要用导演的思维来构景,马路上的人行道、村落旁的小道、游乐园里的旋转木马等等,要学会发现不同场景中的代表性元素。学员拍摄花絮确定了场景后,要确保演员的服装要与场景的色调统一。清新类视频的画面干净,采用低饱和度的色调,所以演员的服装以素色为主,妆容也日常淡雅。导师作品演示作为导演还需要掌握的就是如何与演员沟通实现场面调度,设计好人物的动作后,告诉演员哪一秒该做哪些事情,比如适时的回头、微笑。学员作品截图2文案思维由于我们创作的是微剧情短片,每一个短片讲述着一个不同的故事,每个故事又有不同的戏剧构架、人物呈现和情节设置。比起单一的画面,旁白承载了故事信息,能顺利推动剧情的发展和揭示短片的主题。学员作品截图比如在我们的学员作品《邂逅世间所有的美好》中,在唯美的画面中,温柔的女声娓娓道来:常常在想如果我不能找到答案那么,就去多听听这个世界吧山河远阔 燕语莺声在不安的世界中 把卑微的心藏起来要在内心渴望烈日和干净的你最美的时光 在山间 在绿野愿你治愈我 余生且长或许 邂逅世间所有的美好唯独有你学员作品截图老师会教你通过哪些渠道收集这些好词好句,如何借用其中的元素、模仿不同的句式,以及如何记录一些日常有感触的事物,引发共鸣。3摄影思维清新类短视频的摄影是有万能公式的。先从画面的造型语言来看,老师会教大家全景、中全景、中景等一系列不同景别的划分和作用。更重要的是,大家可以利用这些不同景别,用成组镜头设计完成叙事的万能公式。比如下图从远景到近特写就是一个旅拍中常用的成组镜头设计。导师作品演示至于构图方面,清新类的作品内容主要还原生活,日常真实,尤其追求极简主义,画面保持简洁和留白,最常用的有留白构图、前景构图等。导师作品演示此外,还能用镜子、影子、水面的反射形成一些创意构图。焦距与景深、镜头运动的主要方式、应用场景及实现手段、轴线的利用法则,这些摄影知识也是老师会重点讲解的部分。导师作品演示关于摄影还有一块很重要的部分就是关于不同场景的曝光思路,这又分为室内拍摄和室外拍摄,日景拍摄和夜景拍摄。比如在室内拍摄时,尽量选择有窗户的地方,最大限度利用自然光,适当用LED进行补光。学员拍摄花絮同时,老师还会传授学员如何合理利用串灯、台灯等小道具来补光及营造一定的场景氛围。通过实战演练,每位学员的现场布光能力都得到十足地提升。学员拍摄花絮4剪辑思维剪辑是根据剧情的逻辑,用不同镜头的组接完善一个故事的过程。在清新类短视频的剪辑中,音乐也是非常重要的一部分。课程中,老师会从剪辑思维出发,深入分析如何选择音乐和情感表达产生共鸣,如何挑选素材符合节奏的高低起伏,如何合理控制不同景别的转场。老师讲解后期具体结合学生作品来看,这则作品讲述的是女孩被分手后,经历过消沉后,与自我和解,更好生活的故事。短片前半段用悲伤的音乐表示分手后的低落,在女孩走出阴霾后,背景音乐明显欢快了很多。《清新类短视频制作课》的课程亮点在于,这是一门全流程的实战课程。在理论基础和实践教学结束后,所有学员会被分成小组进行实战演练。每个学员都可以参与主题构思、文案撰写、勘景踩点、服化道准备、拍摄执行和后期剪辑,感受清新类短视频制作的全流程,完成自己独具风格的作品。学员拍摄花絮随着旅拍逐渐发展成为记录旅行的一种方式,如今其整体市场规模也达到了近千亿元。旅拍缺乏的不是市场,而是优秀的创作人才。而在掌握了微剧情短片创作的全流程,成为了优秀的创作人后,微剧情短片可应用的领域又不止限于旅拍,还有电商短视频、MV、Vlog、甚至青春题材的网剧,等着你去探索、创作和成长。

  • 《走火》摄影手记

    《走火》摄影手记拍摄短片《走火》的那段时光,一定会在我的生命中留下深深的烙印。《走火》是浙江传媒学院华策电影学院15级毕业作品,拍摄周期9天。我从进大学的时候,就立志做一个商业片导演,所以在大学里跟志趣相投的几个朋友一起进行了很多类型片短片的探索,比如恐怖类型的《photos》《pianist》校园爱情类型的《陈皮糖》黑色喜剧类的《三个臭皮匠》我自己的毕业作品是一个武打动作类的,所以对于类型片的创作非常喜爱。师弟陈帅昂跟我有着一样的想法,他是新疆人,跟我说要拍一个西部片。新疆,西部,警匪,追车瞬间激起了我的创作热情。但我也知道,在这个预算和条件下完成这项任务,道阻且艰。西部片这个概念来源于美国电影,我自己比较钟爱的《老无所依》《边境杀手》《八恶人》都是西部片,中国的西部片比较稀少,能为我们参考的电影为数不多,像《双旗镇刀客》《西风烈》《可可西里》之类的几乎能掰着指头数的过来。我们这次外景主要参考的是《八恶人》《荒野猎人》《疯狂的麦克斯》,城市景和内景主要参考的是《火锅英雄》《老炮儿》,因为提起西部片,标志性的就是变形宽银幕镜头,找的参考片也都是使用变形宽银幕镜头拍摄的影片。下图为成片截图。新疆真的是一个非常棒的天然大影棚,几乎涵盖了所有想要的外景:树林,草原,雪山,沙漠,荒漠,群山,小溪等等。天空空气透度很好,天蓝光透,夏天日照时间长,冬季就有些麻烦,气温低并且日照时间比内地短。新疆比西藏好的地方在于,新疆海拔没有那么高,不会有高反,并且风景的丰富度也比西藏多很多。唯一的问题就是在这里拍东西,必须要向政府机关报备,否则很容易出现问题。导演在很早之前就做了项目阐述,里面就考虑到了一些外景地的问题,根据可选择的外景地分配了故事:雪山警察抓捕毒贩,城市内开枪走火,三个男人开始了相互复仇的故事,最终毒贩逃到荒漠,警察追击,三人枪战,解开了心事。首先摆在我面前的问题就是变形宽银幕镜头。我自己用过两套变宽,一套是老的ARRI Scope 很有复古的味道,风格很喜欢。一套是最新的MA,非常现代的镜头,没有任何瑕疵。但变宽的有些风格就是瑕疵造成的,比如炫光和边缘色散。并且还有一个重要的问题就是我们的预算没法支撑我们整个周期用这些老牌镜头厂商的变形宽银幕镜头,基本上一颗单价一天都在2000左右,一套一天3颗也得5000左右,10天5万的镜头租赁费用对于一个毕业作品剧组来说,难以承受。好在当时铁头代理了一套性价比非常高的新品牌变形宽银幕镜头Atlas,杭州器材商M2拿到了全国前几套供货。这套镜头又能满足变宽的视觉风格,还将预算缩减到原先的1/5,感谢铁头。ARRI SCOPE拍的测试片MA拍摄的画面(MA是没有拉丝效果的,用了一张天芬的3mm蓝拉丝)ATLAS一套40mm 65mm 100mm接下来就是测试,去M2拍了些测试片,用索尼威尼斯和RED机器都试了试,最终还是出于保险起见,选择了RED。因为去极端环境拍摄,最担心的就是器材的稳定程度,不要出岔子,当时威尼斯刚出来,新机器可能会有一些意想不到的情况发生。不过也是因为预算的问题,用了一台老的第一代EPIC。不过后面的拍摄中这台RED也没有出现什么问题,只有一次因为温度实在太低了,自动关机了。ATLAS这套头有着很强的变形宽银幕风味,对高光的拉丝非常敏感,好处是风格明显,坏处就是无选择的高光拉丝,有些情况下会干扰叙事。这部戏里有一部分是追车场面,导演想拍一段荒野上的追车戏。拍车戏其实挺难的,不仅要保持车辆按照调度行进,对机器的安放位置和稳定性也是一种考验。最完美的解决方案当然是俄罗斯臂,但太贵了,第一个就pass掉了。因为没有移动组,我给导演提了一些方案参考,都要用到黑臂,但杭州当时没有黑臂,新疆更没有。只能从北京调运,北京到新疆的快递要4-5天才能到达,用顺丰又太贵,最终算下来,从北京租用黑臂不是很划算。我找到了北京移动器材生产商前辈坤哥,问他有没有什么便宜的解决方案。他给我发了一个自己用铝管做的探臂,配合吸盘和铝管,可以搭建出来一个简易的车拍架。探臂接JET减震头再挂如影2,控制如影2用的是体感遥控器,如果有预算的话可以上大师摇轮,会更精准一些。我们在跟拍车内进行监看和遥控。导演非常喜欢《老炮儿》的视觉风格,希望我们城市内的风格向它去靠,我翻了罗攀老师跟阿莱的那篇幕后采访,说到他用了黑柔1/4。我们借鉴过来,全片也同样用了黑柔1/4。效果很明显,城市中的高光会被柔和地处理,没有那么锐利。本以为万事俱备只欠东风。谁知开机前一天就出了大问题。新疆的影视资源没有那么发达,很多器材都没有。一开始导演联系的新疆器材商答应的事情,到最后都没有:无线图传没有,无线跟焦器也没有,云台没有快装板等等一系列意外打得我们措手不及。没有办法,第二天就要开机了,制片庆祥同学只好买飞机票,当天下午从乌鲁木齐飞北京,凌晨到达,拿到缺少的器材,第二天一大早再飞回乌鲁木齐,中午落地,送到现场赶得上拍摄用。离乌鲁木齐最近的城市就是兰州,西安,北京。只有北京有较多的航班,去其他城市最快也都得一天后才能搞定,只有飞北京才能一晚上搞定。这个事情也是吸取了教训。器材的陆续到位,问题解决,拍摄进入正轨,随后又面临了一个巨大的问题。12月的新疆非常的冷,冷到什么程度,无线跟焦器没法工作,自检不了,镜头对焦环阻尼会变得非常重,虽然我咨询过一些前辈,镜头按道理里面应该是阻尼油,不会冻住,但当时确实转不动。同支镜头,同个跟焦器在有暖气的室内就很好用。最后只好光孔放T5.6-T8,靠景深了救一波了。还有一次拍夜外,天气已经差不多零下20度,拍车戏,挂在车外的机器冻关机了一次,问题不算很严重,但无线图传没法工作了。无线图传显示自己的机身温度是零下4度,无线图传工作时都会大量散热,一般都会烫手,零下4度的机身温度,已经没有办法正常工作了,接收器接收到的都是不正常的画面。车内基本上就是两根flynoodle,一根在驾驶员左前窗外,一根在中间的栏杆顶部。来新疆之前也考虑过低温情况,反馈最多的就是电池问题,低温下电池掉电会很快,所以我们备了很多电池,也买了很多车载充电器,以备不时之需。但这次反而电池没有出问题,低温掉电的速度没有我想象的那么快。10块V口电池,一天一轮都用不完。低温拍摄其实最重要的是工作人员的保温,人冻伤了,执行力会大幅度下降。我备了四层衣服,保暖内衣,毛衣,加绒冲锋衣,羽绒服。鞋子买了迪卡侬的登山雪地靴,保温效果很不错,也便宜。土豪请移步北面的登山雪地靴。围巾帽子一样不能少,只要有一层覆盖,就会暖和很多,否则冷风就像刀子一样划过脸。墨镜必不可少,新疆光线特别强烈,没有墨镜,在雪地里很容易就雪盲,眼睛看雪地会痛。向拍摄前给我支招的前辈们表示感谢!上图为《荒野猎人》截图雪山拍摄的时候,气温太冷,魔术腿撑开合不起来来,冻住了。航拍悟飞起来就丢控,为了保险起见航拍就没有拍,片中航拍镜头都是导演自己等天气暖和了去补拍的。空手抓金属脚架,拿下来会有撕扯感,长时间握着手就会被冻在脚架上。铺轨道得先铲雪,木塞子不够了,拿冰块垫。全组工作人员11个人,摄影灯光组一共4个人,所以大家都身兼数职,导演制片干起了场务的活,灯光师有时还要帮我跟焦点,摄影组先搬器材再架灯最后铺轨道,铺完轨道一个兄弟还要去帮录音师举杆,剩下的兄弟去当群演,真的是物尽其用。去吐鲁番托克逊拍摄的荒野追逐和最后的大结局,每天都在抢光,新疆的冬季都是9点半日出6点半日落,拍摄时间被自然环境缩短。托克逊虽然没有雪,但也是零下十几度,看着画面中阳光当头,再配合黄色的色调,看着很热,其实就像冰箱里的照明灯一样。为了不让画面显得过分平淡,用了一张渐变ND,压了压天空的曝光。小房间找枪,窗外两个LED平板灯,靠演员手中的手电打光。变形宽银幕镜头特有的椭圆形虚化,在后景有高光点的时候更为明显。这套镜头40-65-100三颗中,我个人最喜欢65mm这颗,视角很宽,景深压缩也很漂亮,100mm因为长焦缘故,景深压缩有些平面化,立体感没有65mm的舒服。不过变宽的焦点是真的难跟,尤其这种扭曲和色散比较风格的镜头,看画面有时候就不好判断到底焦点在不在,需要皮尺量一下焦点距离,需要更严谨一些。还有一个问题就是目前第一批发售的这三颗镜头中40mm广角还是不太够用,变形宽银幕镜头可以将横向视角拓宽2倍,得到一个20mm的横向范围。但纵向视角依然是40mm,所以在拍摄一些山脉之类的高耸的东西,纵向就不够广。不过我看ATLAS已经发布了另外三颗,后续还会有几颗,慢慢地会填补上广角端和更长焦端的缺口。这个雪山镜头其实是用16:9传感器搭配18mm镜头拍摄,裁幅完成的。这也引发了我的一个思考,如果单纯的从拍摄覆盖面积来讲,全画幅的传感器裁幅下来的(球面宽银幕)和S35传感器下用4:3的面积拍摄变形宽银幕相差没有那么悬殊,两种方法得到的画面到底有什么不同。找了两张cooke lens look的测试片放在这里供大家参考。虽然生存环境和拍摄环境非常恶劣,但这一行忘不了的太多太多:过油肉拌面加面,咸奶茶,踩上去跟沙子一样的雪,半米深的雪地走如影,随处可见的美景,中巴车打滑差点掉到悬崖下面,全部剧组人员下车推车上坡,热情的新疆人民,还有红瓶的夺命大乌苏,以及剧组各位小伙伴的热爱。正如美国摄影师协会(ASC)会长Kees跟我说的:摄影师是幸福的,可以去世界各地体验不同的生活,可以了解世界各地人们不同的想法。我想这也是制作电影的魅力吧。

  • 中国女排,不止于“夺冠”

    文 | 符琼尹编辑 | 江宇琦 “我们没赢够!” 今年5月17日,中国女排前队长冯坤、惠若琪以及名将徐云丽,代表中国女排捧回了“2019感动中国十大年度人物”的奖杯,并在颁奖典礼上,和现场的观众一起喊出这句话——去年9月,中国女排以全胜战绩问鼎世界杯冠军,这也是中国女排第10次荣膺世界大赛冠军。“感动中国”,中国女排当之无愧。对中国人来说,“女排精神”是被写进时代回忆里的。 1981年11月16日,中国女排以7战全胜之姿,拿下中国在三大球项目上的第一个世界冠军。此后,女排又在1981-1986年间实现“五连冠”,在80年代的集体记忆中成为了“神话”。进入新世纪以来,中国女排2004年、2016年的两次奥运会夺冠之路更是崎岖,屡次从不被看好的境地中杀出,进而成为了90后、00后心中忘不掉的珍贵记忆。 即使距中国女排第一次夺冠已经过去快四十年,人们对于中国女排的反应仍是热烈的。从2019年10月巩俐神似郎平的身影被曝光开始,《夺冠》这部根据中国女排往事改编的电影就备受网友关注:根据凡影咨询的调查显示,影片正式上映前,《夺冠》的认知度是国庆档影片中最高的。图片来源:凡影咨询不过在毒眸看来,如今群众对于中国女排“夺冠”的理解,已经发生了变化。 在80年代,中国女排的夺冠意味着“战胜发达国家”、“为国争光”,女排在一次次胜利后更是被人们捧上了“神坛”;但在本世纪,尤其是2016年里约奥运会后,它更像一个与竞技体育有关的热血故事,女排姑娘们的形象也慢慢从完美到真实,从面目模糊到有独特个性的人。 80年代的时代旗帜 “(女排)队员们都跑在一起!中国队以3-2,胜了日本队,以7战7胜的优异成绩,夺得了本届世界杯的冠军!”1981年中国女排夺冠(图片来源:CCTV5)伴随着央视解说宋世雄沙哑且哽咽的声音,1981年11月16日成为了很多中国人永生难忘的一天,无数守在收音机和电视机前的老百姓同远在日本大阪的中国女排队员们一起,热泪盈眶、振臂高呼。 “那天全单位的人一起围着一台九英寸黑白电视,进不来的人都挤在办公室外头透过窗户看。”有老一辈人对毒眸回忆道。这样里三层外三层的盛况,当天在全国各地上演着。许多北京市民彻夜未眠,聚集在天安门前高呼“中国万岁,女排万岁”。 这个世界冠军,格外“来之不易”。 1976年袁伟民成为主教练时,中国女排面临的情况可谓是“一穷二白”:训练馆是一个竹棚,练扑救滚翻的场地由石灰、土、盐水夯实而成的,女排队员们每天滚得浑身是泥,擦破皮是家常便饭。条件没跟上,但训练强度却一点没少。老女排队员钟家琪曾用“恐怖”来形容当时的训练:每个女排队员一个上午要发好100个球,扣好200个球,垫好300个球……“所有这些都是有指标的,必须要高质量完成,没有完成就不准吃饭。” 在这样的条件下闯出来并战胜世界强敌,“女排精神”被提炼成了“无私奉献、团结协作、艰苦训练、自强不息”,成为对国民莫大的激励。世界杯决赛后第二天,时任全国妇联主席的邓颖超撰文道:“各行各业的人民群众都要学习中国女排精神,树立远大的志向,发扬脚踏实地、苦干实干的作风。” 在改革开放刚刚拉开帷幕、现代化建设如火如荼的80年代初,“女排精神”成为一面战旗,参与到国家形象的构建中。受女排精神鼓舞的北大学子,喊出了“团结起来,振兴中华”;《人民日报》开设了“学女排,见行动”的专栏,“某煤矿工人看完女排比赛之后,自觉加义务班,日日超产”等新闻时有见报。 而后几年,中国女排屡创辉煌,将这股“女排精神热”推向了高潮:1981年至1986年,中国女子排球队在世界杯、世界锦标赛和奥运会上接连蝉联世界冠军,中国女排也成为世界排球史上第一支获得“五连冠”的队伍。2019年上映的《我和我的祖国》中,便将1984年中国女排于洛杉矶奥运会夺冠的故事和建国、北京奥运等一起,列为了最能代表新中国70年记忆的大事之一。1984年中国女排在洛杉矶奥运会(图片来源:视觉中国)“打球已经完全不是我们自己个人的事情,而是国家大事,我自己都不属于自己。女排是一面旗帜。女排的气势,振兴了一个时代,她是80年代的象征。”郎平日后在自传《激情岁月》中写道。 但体育世界,从来没有常胜将军。 危机早在五连冠时期埋下。冠军队员从1982年开始相继退役,1986年,留守到最后的队员之一郎平也宣布退役,但新人的培养却并没有跟上;教练也更迭频繁,1985年到1987年间,先后更换了三任主教练。而在女排队员成为全国追捧的明星后,训练量也在减少,在1987年这个没有重大国际比赛的节点,女排队员参加了各种出国访问比赛和国内邀请赛,一定程度上影响了比赛状态。 这些问题被当时的许多媒体认为,是1988年汉城奥运会中国女排收获铜牌的原因——这是中国女排自“五连冠”后,首次失去世界冠军。失落的中国女排,又恰好撞上了一个“失败”的容忍度很低的年代。 1984年,曾连续打破三次世界纪录的跳高运动员朱建华在奥运会上失利,家里窗户的玻璃被人打破,还有人喊话让他把吃进去的补品都吐出;1988年,以失误结束奥运之旅的李宁回国后,收到了不少人寄来的子弹和上吊绳,辱骂他“不愧是中国的体操亡子”…… 成为时代旗帜的女排,也不能从舆论中幸免。1988年的失利后,时任女排队长、曾被总政授予的模范运动员称号的杨锡兰,被愤怒的球迷们怒斥“不配作队长”,并在比赛结束后就离开了国家队;主教练李耀先也因这此“前所未有”的失利,被球迷认为是“丧门星”,奥运会后便宣布辞任。 如果仅以“夺冠与否”作为衡量,那这仅仅只是中国女排低谷的开始。1989年,中国女排获世界杯第三名;1992年巴塞罗那奥运会,中国女排仅获得第七名,是史上最低成绩;1994年,曼谷亚运会上,输给了韩国、日本……在1986年三连冠后的17年里,中国女排再未问鼎世界之巅。 随着女排成绩的下滑,女排“先进典型”的形象也被逐渐弱化,各类媒体对中国女排的关注度有所降低。资料显示,1988-2000年间,《人民日报》奥运会期间对女排的报道总数每届都不超过10篇,不足其总报道数的3%;作为对比,1984年的奥运会报道数达17篇,占总报道数的10%。图片来源:《1984年-2016年中国女排奥运报道理念嬗变》 五连冠时期,媒体对中国女排的报道通常强调“爱国精神”对其的动员作用,并被媒体塑造成典型来加强民族凝聚力;但是在低谷期内,媒体上则更多是质疑声:1992年奥运会,女排以第七名收场后,主流媒体发文斥责,如《中国女排到底行不行》《奥运姑娘选最佳 中国姑娘被遗忘》《中国女排需要补课》,人民日报也连发《中国女排输在哪里?》等文章提出质疑。 在经历了五连冠期间的辉煌后,中国女排最终还是在失利当中“走下神坛”。 “为了每个球而战” 电影《夺冠》里,有这样一个情节:上世纪80年代初,国家体育总局的技术专家从国外考察回来,对袁伟民主教练说,国外强队已经运用计算机分析了我国球员的全部技战术资料。听罢,教练员径直走向排球网前,二话没说把球网摇高了15厘米,让队员继续练习。来源:《夺冠》预告片以高强度的魔鬼训练对抗海对岸的计算机技术,是早年间中国女排能做出的唯一选择。而率先对这一方式作出调整的,是郎平。 面对自1988年后中国女排主教练如走马灯般的更换,1995年,在“五连冠”时期担任主教练的袁伟民的多次劝说下,曾经中国女排的旗帜性人物、当时在美国大学排球队执教的郎平决定回国接任。“当时知道郎平要回来执教,整个排球界就像打了针兴奋剂。”郎平后来的助理教练李勇回忆称。 郎平的执教,给当时的中国女排带来了新气象。老女排的魔鬼训练法打出了成绩,身体却劳损得厉害。而郎平在1986年退役后,前往美国攻读体育管理系现代化专业,更重视因人而异的新训练法,有练腰部力量的、有练膝关节柔韧度的等等。 此外,女排运动员出身的郎平也更懂得运动员的内心想法。郎平在和媒体谈及执教之道时曾说:“我(不仅)要抓训练,制订针对不同对手的战术,还要关心每一个队员的思想和生活。”关于这一点,与郎平关系较为密切的资深排球记者马寅也颇有感触:“不管在哪个时期带哪个球队,郎平都把这些队员弄得像一个家一样,特别美好。” 最终,在郎平的率队下,中国女排的成绩有了短暂的复兴:1995年11月亚锦赛上重夺冠军,1996年8月获得亚特兰大奥运会亚军,1998年获得亚运会冠军。虽然没能再获世界冠军,但这已经是自90年代的中国女排获得的最好成绩。1996年7月20日,亚特兰大,中国女排赛前拥抱鼓励但这段短暂的中兴期,很快便因郎平自身的身体原因划上了句点。执教期间,她曾两次晕倒——在漳州训练时因过度疲劳晕倒,备战奥运会期间又晕倒了一次,还浑身抽搐,急哭了女排姑娘们。为了不让自己的身体耽误奥运周期,1999年她哭着将帅印交回到了胡进的手上。 短暂的中兴没能持续,2000年悉尼奥运会的入场券,还是参加奥运会落选赛才拿到的,且最终在奥运会上止步八强。 媒体的疾风骤雨开始袭来。悉尼奥运会后,《中国青年报》评论称:“三大球的没落是一种必然。女排是典型实例,战术单调死板,强攻,快攻没一样扶得上台面,完全沦为二流水平。”《中国体育报》则在奥运会后说:“悉尼的悲剧早已注定,在今年的世界女排大奖赛中,中国女排己经输得体无完肤,甚至失掉了多年来引以为傲的拼搏精神。” 舆论重压下,1979年就加入中国女排担任陪打的陈忠和,主动请缨担任主教练。不过上任前,他提出了两个条件:“要给我时间,不能刚待一年,输球了就马上把我干掉,前面几任都有这种情况。还要给我权,用人、用教练的权利都要给,哪个队员表现不好我得有权利开人。” 理念得到认可后,陈忠和走马上任了。针对过往常常出现的青黄不接的问题,他一上任便给国家队来了大换血,放弃了一部分老队员,还让一部分老队员到了替补席。在接受《三联生活周刊》专访时,他表示:“我得长远考虑,队员要年轻,有冲劲,身体状态好,禁练。” 而面对这些年轻的,大多出生于1980年前后出生,被宠大的中国第一代独生子女,陈忠和还制订了27条规定,包括“每迟到1分钟扣当月训练费100元,同时罚全体队员课后加练10分钟”、“不准带手机进训练场”等。“我做教练那八年,所有集训加起来就休息过一个整天,是2008年春节。其他时候最多半天,晚上可能还要加练。” 从结果来看,陈忠和的改革在短期内是有效的。2003年11月,中国女排在世界杯女排赛中以战全胜的战绩获得冠军,这是中国女排时隔17年后再次登上世界冠军宝座;一年后的雅典奥运会上,中国女排一路晋级决赛,并最终先输两局的逆境下,逆转俄罗斯女排,20年之后终于再次摘得奥运会金牌。这一批女排也被称为“黄金一代”。2004年雅典奥运会,中国女排的颁奖仪式(图片来源:视觉中国)也正是在这样的背景下,“女排精神”又再次被媒体提及。然而在舆论里,女排精神仍是和“胜利”画上了等号。曾有论文对1984-2004 年四届奥运会《中国体育报》的头版头条新闻报道新闻标题、内容进行总结,最后得出结论:“我们的大众传媒的话语过分的强调金牌的价值、集体的利益以及国与国之间的较量,弱化参与奥运的重要性、个人的价值体现以及超越自我的重要性。” 2008年北京奥运会,飞人刘翔在起跑后突然宣布退赛,在网络上引发了轩然大波。从搜狐和腾讯的调查分析来看,多数人认为刘翔应该道歉,并且对于刘翔退赛表示不理解,“猫扑网”上对的“倒翔派”也激烈地表示“刘翔这次太让人失望,“刘翔这次太让人失望了,哪怕走完比赛,我们会有一个人因为没有金牌而讨厌他吗?”图片来源:论文《我国体育报道的舆论引导》当再度面临来自民众的期待和夺冠的压力时,个体的利益有时候就不那么被重视了。陈忠和曾对记者马寅坦言,自己担任主帅期间,并不够重视队员的伤痛,而郎平也指出了那时女排队员的疲惫:“队员们太疲惫了,国家队完了是地方队,一年到头没有休息的时候。”在这样的舆论环境下,很多运动员的心态却已不似过往。正如陈忠和所言,他们是1980年左右出生的中国第一代独生子女;另一方面,互联网时代的发展也在加速人的个体化,2008 年奥运会的报道便是官方首次在互联网、手机等新媒体平台推出。总而言之,他们是在“我们”到“我”的变化里长大的一代。2008年中国女排铜牌的成绩,放在整个中国女排的“夺冠”史里并不突出,但对于“黄金一代”这批满是伤痛的球员来说,已然是竭尽全力后的“奇迹”。比赛后,陈忠和对着镜头掩面哭泣,队长冯坤却仿佛从舆论对“金牌”的异化中解放了出来。 “这很可能是我们最后的奥运会……对于我而言,能够站到北京奥运会的赛场上就已经是个奇迹了,来到这里的选手都是为金牌而来,但是我只想告诉自己为了每个球而战,金牌对我来说不是最重要的,最重要的是我能够和女排队伍一起坚持到最后,战斗到最后。” 中国女排的精神,已经隐隐发生了改变。 “女排精神,不是赢得冠军” 除了伤病和换代,马寅对于2005年后的波折,还有另外的思考。“从2005年之后,他(陈忠和)依然是以一个那么投入的状态去投入中国女排主教练这份工作,但是我以前能看得出来世界女排的发展潮流,中国女排在一定程度上落后了……他好像对国际的这种情况没有那么特别熟悉……他的对手攻击他,说他运用现代化的工具上比如电脑会有欠缺……”于是乎,女排新一轮的复兴,再次从教练开始了。在2008年的铜牌之后,陈忠和卸任了国家主教练,2008年之后的伦敦备赛周期里,中国女排更换了三名教练员,女排战绩也因此而受到了影响。在 2012年伦敦奥运上,中国女排意外输给日本女排跌出四强,出乎了许多人的预料。 这个时候,又是郎平站了出来。2013年,郎平重新接手国家队,随即提出了“大国家队”理念,在全国范围大撒网挑选队员,调动队员30多人,每个位置基本保持了3到4人在竞争。《夺冠》中体现的“大国家队”战略(图片来源:《夺冠》预告片)同时她还组建了一支复合型保障团队,由一位体能师、两位康复师、两位国内的队医与一位不跟队的手术大夫组成,并配有两位陪打教练同时兼任数据统计和视频分析人员。教练组有12位从各省市抽调来的助教,达到国家队有史以来的“最高配置”。 关于二次执教,郎平曾表示,她的目标很简单,没有想要不要去重夺世界冠军,而是要为中国排球培养新人、培养教练,让“女排精神”后继有人。于是在2014年中国女排集训名单上,近20名队员里只有6位参加过2012年奥运会。但也正是因为有了这次创举,才有了2015年女排亚锦赛上,球迷们口中的三人组合“朱袁张”——朱婷,袁心玥,张常宁,彼时三人平均年纪只有20岁。 年轻的队员给中国女排注入了新的活力,但也注定必须承受更多的压力和为年轻买单。“一传不稳;主攻线上的新人张常宁、替补刘晏含和刘晓彤一传能力都不突出;多点开花局面没有形成……”知乎关于2015年女排世界杯的讨论中,有人总结道。就这样,这支还有些争议的年轻女排,于2016年代表中国踏上了南美大陆,开启了奥运征程。这年里约奥运会的前半程,中国女排走得格外不顺,在小组赛首场就输给了年轻的荷兰队,被荷兰队主帅称为“不可思议的开局”。之后的小组赛里,中国队又接连输给了意大利、塞尔维亚、美国。对郎平和中国女排的质疑声随即开始出现,输给荷兰队后,队员丁霞便说过:“我微博又涨了两三万粉,全是来骂我的。” 逆风翻盘是从四分之一决赛开始的。这一场比赛里,年轻的中国女排对战的是奥运冠军、东道主巴西队。在主场的一片嘘声下,女排姑娘们艰难开战,第一局就以15:25大比分先失一局,第四局又以3分落后。最后一局,在队友的配合下,朱婷以一个暴扣,让人数定格在15:13,作为解说员的前队长冯坤激动之余哽咽道:“真的是一个奇迹!”2016里约奥运会女排1/4决赛:中国3-2巴西(图片来源:视觉中国) 没想到,这趟惊心动魄的旅程,才刚刚开始。虽然中国队最后仍获胜,但从五局的比分就能看出赛况的胶着——每一局的分差都只有2分。赛后,郎平称自己“从来没有见过这么激烈的场面”。 决赛的一波三折,也让观众对中国女排的关注度再次有所提升:过往几届奥运会,国内收视率高的都是跳水、体操、乒乓球、羽毛球等中国队的优势项目。而在2016年的女排决赛中,中央五套的收视率达到了56.671%,最高收视率甚至达到了70%。伴随着逆转,中国女排最终夺得了奥运金牌。 只是这一次,胜利代表的意义不一样了。 早在晋级四强时,郎平就对着现场的中国记者们说:“不要因为我们赢了一场就谈女排精神,也要看到我们努力的过程。女排精神一直在,单靠精神不能赢球,还必须技术过硬。”在许多分析里,这个技术一方面是以计算机技术作为辅助的战术指导,一方面也是背后强大的保障团队。 除了淡化“女排精神复苏”的说法,经过2016年的里约奥运会,中国观众和运动员之间的关系开始有了变化,距离显得更近了。女排队员朱婷在对战荷兰队时的一个表情被截了出来,网友配上文字“王之蔑视”;袁心玥因习惯性的吼叫被称为“妙音小娘子”;颜妮则因和《武林外传》中“佟掌柜”的扮演者闫妮同名,被戏称为“颜掌柜”。朱婷著名表情包 其实不只是中国女排,从这届奥运会开始,很多人能明显感觉到中国运动员身上开始表露出不一样的“气质”—— 面对记者 “是否有所保留”的提问,傅园慧并没有谦虚,而是笑着说“没有保留!我已经用了洪荒之力啦”,以此成为了全国观众关注的焦点,尽管她并不是那年100米仰泳项目的冠军;中国乒乓球队也被视为新一代“偶像”,新的“国民男团&女团”就此诞生。 相较于2008年北京奥运会、2012年伦敦奥运会,里约奥运会上中国队的成绩其实是有波动的,甚至有些优势项目如体操也未能延续伦敦奥运会的佳绩。但像过往的责备声却消退了很多,相反,这些年轻人个性的一面却被放大了。 出现这样的变化,媒介的转变扮演着重要角色。从北京奥运会到里约奥运会,也是传播媒介从传统媒体,向“直播+视频+微博+微信”的移动互联网矩阵转变的过程,即时性与互动性能帮助观众更全面地了解运动员。而在90后、00后成为赛场和舆论场的主角后,他们也更关注个体价值,同时看到了运动精神的本质不等同于胜利,过程中的碰撞才是竞技体育的魅力所在。 这并不只是一种错觉,舆论的重点确实在改变。有论文就曾统计分析,改革开放以来《中国体育报》的运动员人物通讯3种常见人物形象就在发生变化。2004年以后,“感恩集体、为国争光”“意志顽强、奋进向上”这两种形象的出现次数都在两位数以下,更多的是“个性鲜明、丰满真实”。随着媒介和人们关注点的变化,运动员们不再是面目模糊的奋斗者,而是各有性格的年轻人。面对潮水般涌来的夸奖,年轻的运动员们也格外清醒,甚至主动拒绝“捧杀”。傅园慧在走红之后曾说:“不了解你的人像潮水一样涌过来,总有一天会像潮水一样离开你。”而朱婷则在奥运会结束后接受《南方人物周刊》采访时表示:“感觉自己巅峰还没有到来。”但也因如此,那个曾经是一面时代旗帜的“女排精神”,已经不再被理解为“夺冠精神”,而是一个即使失败,也能让人热血沸腾的励志故事,再也不用背上“必须赢”的沉重负担,而是像冯坤说的,“为了每个球而战”。 正如郎平在2016年里约奥运会夺冠后所说的那样:“女排精神不是赢得冠军,而是有时候知道不会赢,也竭尽全力。是你一路虽走得摇摇晃晃,但站起来抖抖身上的尘土,依旧眼中坚定。只要你打不死我,我就和你咬到底。”参考文献《异化的奥运——大众传媒有关奥运报道的话语分析》,张弓《中国女排报道的个案研究2003-2008》,俞璇《1984年-2016年中国女排奥运报道理念嬗变》,周阿萌《对中国女排获世界冠军报道的研究》,胡佳萱《改革开放以来运动员通讯的嬗变(1979-2018》,许颖《我国体育报道的舆论引导》,杨茜淳《「夺冠」没拍的郎平,心里都是委屈》,往事叉烧《中国女排的40年:定海神针是怎么炼成的》,饭统戴老板《陈忠和:打造“黄金一代”》,宋诗婷《巅峰对话:袁伟民郞平里约之后话女排》,何慧娴,李仁臣《激情岁月》,郎平

  • 诺兰谈《信条》:放了很多007元素在其中

    诺兰谈《信条》:放了很多007元素在其中盗梦空间的惊人续集 or疯狂版星际穿越?救“市”主来了!克里斯托弗·诺兰导演的新片《信条》,今天带着扑面而来的“遇事不决、量子力学”、“烧脑、悬疑、震撼”、“诺兰导演职业生涯之最”、“比《盗梦空间》更成熟、比《星际穿越》更真实、比《敦刻尔克》更精妙”等让人瞠目结舌的好评,正式登陆中国内地的大银幕。截至发稿时  观众们对于电影的评价,当然是见仁见智的事情。影片在北美口碑解禁后,目前烂番茄的新鲜度是75%,MTC上得分69,IMDb则是8.0分。对比一下,前作《星际穿越》是烂番茄72%/IMDb 8.6,《盗梦空间》烂番茄87%/IMDb 8.8,《敦刻尔克》烂番茄92%/IMDb 7.9。  无论本片是否对你的胃口,不可否认的是,《信条》绝对是诺兰导演最特殊的一部作品。  在天下大乱的2020年,当全世界电影院纷纷关门,所有好莱坞电影全员撤档/延档的时候,只有这部《信条》坚持守住7月17日的暑期档。直到今年6月,当美国疫情的熊熊火焰就像加州的山火一样绵延不绝,实在无法被扑灭,《信条》终于让步——退后两周延迟到7月31日。《信条》的中国版海报 莫名有种《X-战警》风  身为北美暑期档最后的希望,《信条》的档期被各家好莱坞片方视为标杆。《信条》推迟上映后产生了连锁反映,看到诺兰不再与疫情期间的档期硬钢,华纳自家的《神奇女侠2》与迪士尼家的《花木兰》也纷纷延档,后者甚至后来决定在北美直接上流媒体平台。  这几个月以来,电影行业的从业人员们每天眼巴巴刷新着《信条》档期的新消息:《信条》7月31日的档期再度变化;延档后的8月12日再度被撤档;英日韩德法意澳加俄等海外地区将比北美先行公映……直到等到让中国观众最欢欣鼓舞的消息,影片过审了,定档9月4日中国内地公映!  《信条》正被全世界的电影人寄予厚望,如果上映后市场反响够好,其他大片说不定也会壮起胆子,尽快回到影院。片场的诺兰导演  在影片宣传期间,时光网记者参与了一次最与众不同的采访——在Zoom上对诺兰导演、罗伯特·帕丁森、“高妹”伊丽莎白·德比齐、约翰·大卫·华盛顿与肯尼思·布拉纳这几位主创,进行了线上的视频专访。  在访谈中,身处于世界另一端的导演与主演们,与记者分享了许多影片拍摄时与构思中的细节。比如,为什么诺兰会将“时间”设定为《信条》中最至关重要的因素?罗伯特·帕丁森有没有把拍摄本片时学到的技能运用到《蝙蝠侠》中去?  高妹第一次读到剧本的时候是什么反应?约翰·大卫·华盛顿在片中的角色为什么没有姓名?以及最有趣的是肯尼思·布拉纳,他称出演本片,与几位《哈利·波特》演员的重聚,让他感觉仿佛回到了霍格沃茨。  在电影史上,热衷于把玩叙事时间游戏的导演数不胜数,远的如阿伦·雷乃(《广岛之恋》),伍迪·艾伦(《性爱宝典》《安妮·霍尔》),克日什托夫·基耶斯洛夫斯基(“红白蓝”三部曲),近的也有昆汀·塔伦蒂诺(《落水狗》《低俗小说》),亚利桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里图(《爱情是狗娘》《21克》),盖·里奇(《两杆大烟枪》《偷拐抢骗》),等等……20年前的《记忆碎片》就是大玩时间概念  克里斯托弗·诺兰正是这其中的佼佼者,不管是他的早期电影还是时下创作的商业电影,总能在电影中找到属于他私人化的标签。在叙事结构上不断引证据典、推陈出新,围绕着叙事时间做文章,也许是当代导演们在好莱坞商业电影中保持作者身份的最后一根稻草。  多说一句,诺兰的弟弟乔纳森·诺兰也很喜欢用“时间”做文章,除了兄弟俩一起合作的作品,最典型的例子就是美剧《西部世界》。  这次在《信条》中,“时间”依然是诺兰心心念念执着的元素,在采访中,导演坦诚,“我觉得我对‘时间’一直都很感兴趣,如果你看看我的其他电影,你会发现我一直在用不同的方式在电影中表现‘时间’。拍摄这种选题的间谍片,我在尝试着用一种与众不同的拍摄方式,在间谍故事作为娱乐主体的基础上,加一些别的东西。”爱沙尼亚的追车戏份  “我想要呈现出时间的机制,能够真正使某些东西具象化的呈现,而不是像我以前一样,采取隐喻或者结构性的呈现方式。具象化的时间能变成主角需要应对的物理障碍,所以在片中出现了飞机坠毁、汽车追逐和徒手搏斗的场面。我们把这些东西都拿了过来,并且反其道而行之。”  “对我来说,作为一个观众的有趣之处,在于可以用一种全新的方式看待这些场面。你可以从不同的角度去认识它们,用某种方式重新接触它们。这就是这种设定下,科幻世界观能和间谍片良好融合的原因吧。”  熟悉诺兰的粉丝们都知道,他是“007”电影的忠实粉丝(最喜欢的一部是1969年的《007之女王密使》)——正如几乎所有在美国长大的男生都会喜欢《星球大战》一样,在英国长大的很多男孩子都非常热爱詹姆斯·邦德。(受疫情影响,早早就被推迟到今年11月上映的最新一部《007:无暇赴死》,今日也刚刚曝光了新款预告片。)《007之女王密使》  在创作《信条》的过程中,诺兰也把很多“詹姆斯·邦德”元素放进了电影里,而这种做法并不是他从小潜移默化受到“007”影响的结果,而是导演非常有意而为之的,“就我的成长经历而言,邦德系列电影永远代表着最棒的沉浸银幕,与逃离现实的娱乐。我也想把这种魅力和能力带进我们的电影,我也想带着观众一起环游世界。”  “由约翰·大卫·华盛顿扮演的‘主角’,使我有信心认为我们确实做了一些与众不同的事。这是一个非常不一样的角色,并且有他自己独特的身份背景。约翰·大卫赋予了这个角色一定程度的温暖和悲悯,使其能成为你在这类电影中很少见到的角色,他不像很多其他间谍小说里的英雄或反英雄那样愤世嫉俗,我们真的在这个角色上下了不少功夫。”约翰·大卫饰演“主角”  “我的目标是获得压倒性的轰动效应,就像陪伴我长大的邦德系列电影所带来的那样。我一直都非常珍惜年轻时,那段去电影院观看令人兴奋的好电影的记忆。我也想把这样的感觉带给今天的观众。这才是我真正的目的。”  导演提到的影片男主角约翰·大卫·华盛顿,是诺兰电影中首位黑人男一号,他在片中饰演的角色从头到尾没有出现姓名,只是被称为“主角”(The Protagonist)。这一决定对于导演俩说,是出于本能的,  “这类角色的‘匿名性’是经过考量的、有价值的决定,很显然我们现在有邦德(这种名字广为人知的角色),但也有很多主角没有被赋名的间谍作品,比如《囚徒》(诺兰指的是1967年的英剧),匿名已经是一种传统了。”1967年的英剧《囚徒》  “我去翻了赛尔乔·莱昂内的西部片,克林特·伊斯特伍德也在里面扮演无名氏(东木在《荒野大镖客》中的角色,IMDb上列为“Joe”,可以对应为国内的“张三”)。我觉得这样做,带来了很令人回味的电影感,所以我想在某种程度上,延续主角无名的传统。”  在访谈中,诺兰导演对于男主角约翰·大卫赞不绝口,认为他是扮演“主角”的完美演员。他当年是看了约翰·大卫主演的HBO美剧《球手》们(和强森一起参演的),以及在2018年戛纳电影节上参加了《黑色党徒》的首映式后,决定选择了这位体格健壮的黑人小伙子——约翰·大卫在成为演员之前,曾是职业橄榄球运动员。  谈及为什么约翰·大卫是扮演“主角”的理想演员,诺兰表示,“因为他具有强烈的感召力、强健的体魄,和其他作为动作片明星所需的一切。但同时,他又具备一定程度的同理心、待人温暖、为人慷慨等品质,我们都认为这些品质对于塑造这个人物至关重要。”《黑色党徒》  “你在和虚构人物打交道,这些虚构人物是会为了他们的理想、为了他们的人类同胞放弃生命的人,像他们这样的人,不可能是完全愤世嫉俗的,他们的内核是善良、是信仰、是悲悯。我认为约翰·大卫能胜任这个角色,我也对他所呈现的非常满意。他可以平衡他的外表和内在,他是一个绝对能完成任务的人。你可以看到,他关心着身边的所有人,他关心着他的使命。”  前文提到让诺兰导演赞不绝口的约翰·大卫·华盛顿,除了身为前职业橄榄球运动员、美剧《球手们》与斯派克·李《黑色党徒》的主演,还有一个约翰·大卫(他坚持让所有人称呼他“约翰·大卫”,而不是“约翰”)不会主动提及,却无需否认的身份——他是大名鼎鼎、两获奥斯卡小金人的丹泽尔·华盛顿的儿子。父与子  职业生涯早期就连续碰到斯帕克·李和诺兰这样的导演,哪一位演员也会对这样不可多得的机会视如珍宝。那么能参演诺兰导演的新作,还担任“大男主”这样的重量级角色,约翰·大卫说,“每天都像是一种恩赐、一份礼物、一种梦想,我要一直掐自己才能确认这一切居然是真的。他选择了我,让我成为这部电影的一份子,这件事居然是实实在在发生了的。”  “但老实说,他也是一个普通的、没架子的人,他是一个特别好的人。在拍摄期间,他把我当成平等的同事,我从来没有觉得我是在为他而工作,我觉得我是和他一起工作。第一天和他一起进行准备工作的时候,我一直称呼他诺兰先生、诺兰先生,然后他说‘叫我克里斯吧’。那就是我们的破冰时刻。打橄榄球时期的约翰·大卫  这一次在《信条》中,饰演的角色没有名字,这一点让约翰·大卫还挺喜欢的,“我还挺喜欢‘无名’作为我们认识主角的设定,至少观众们是这样认识主角的,因为这部电影的体验感,是通过主角及其消失的信息点来传递的。观众和主角产生了一对一的关系,所以我认为,这能使观众在潜意识里产生“我即主角”的代入感。”  “因为主角并没有一个确定的名字,没有关于主角的大量信息。这基本意味着我们就是主角,我们可以像主角一样体验世界,无谓身份、年龄、性别,观众也在经历着主角所经历的每一份情感,我认为它有助于打造开放和沉浸的观影体验。”  第一次读到剧本时,约翰·大卫把自己锁在华纳公司诺兰导演的办公室中,花了整整5个小时来阅读,他不断地来回往前往后翻,因为实在是太难懂了……回忆起自己当时读到剧本的第一反应,约翰·大卫说剧本完全超出了他的预想,“这可是克里斯托弗·诺兰啊!你会很轻易地发现其中的卓越和超出预想之处。”  “但超出预料的还在另一个层面,因为在我们要展现的故事里,我们需要应对时空扭转,我们在进行时间操控。又因为电影在更深处,在角色间架构了真情厚谊和伙伴关系,所以这部电影具备了你喜爱的不同流派的全部元素。把这些元素都放进搅拌机里,出来的就是克里斯托弗·诺兰的电影。  采访最后,记者提到了电影中“主角”自己和自己搏斗的场面,约翰·大卫坦言,“其实也没有准备太多,不过我确实得学会4种不同的格斗方式。因为现在有两个不同的角色需要我表演,正向和逆向的,这就不同于我曾有过的任何一种体验。我之前是玩橄榄球的,所以我对身体活动和移动很熟悉,但我从来没有倒着运球或者倒着出拳,直到拍这部电影我才知道该怎么做。“自己打自己”  今天早上被刷屏的一条消息是,新任“蝙蝠侠”、《暮光之城》中一晒太阳就发光的吸血鬼、霍格沃茨赫奇帕奇学院的“勇士”罗伯特·帕丁森,确诊感染了新冠肺炎。 稍早前,华纳兄弟确认《蝙蝠侠》剧组中有一名员工感染了新冠,导致拍摄暂停,但未透露其具体身份,影片前段时间刚在英国复工拍摄。而最新外媒的消息是,这位“员工”就是帕丁森本人。  采访的时候帕丁森应该还处于健康的状态,在告别了自己早年间“偶像”型演员的身份,以及与前女友的狗血八卦恋情新闻后,他近年来一直在认认真真在自己“演员”这一方向进行深耕。  在看过帕丁森主演的《好时光》和《迷失Z城》之后,他被诺兰导演盯上了。两人第一次为《信条》见面时,整整聊了三个小时,聊得帕丁森都低血糖开始吃巧克力了。正是在第一天拍摄《信条》时,帕丁森得知,自己被华纳选中,成为了新任“蝙蝠侠”,他也因为手握《信条》与《蝙蝠侠》两大巨巨巨制资源,被粉丝们亲切地称为华纳“一哥”。帕丁森版“蝙蝠侠”(画面再黑就看不清楚了)  与约翰·大卫一样,帕丁森也只能在华纳上锁的办公室里面读《信条》剧本,聊到自己当时的第一反应,“我记得我开始读剧本,然后随着剧情发展越来越兴奋。因为这是一部很有意思的电影,在剧本刚开始的时候,你真的想不到这会是一部什么类型的片子。”  “电影一直在推进、推进,然后变得越来越宏大。我一直在加快我的阅读速度,当我读到还剩20页的时候,我几乎就要冲出房门,给克里斯托弗打电话告诉他我要参演,就好像我已经看完了整个剧本一样。”  在拍摄过程中,帕丁森进行了很多非常硬核的驾驶活动,他最开始根本不知道自己真的要开车,还以为都会有替身演员来进行,于是只进行了一天的训练。然而在正式开拍后,片中大部分与“开车”有关的戏份,都是帕丁森本人真刀真枪在操作,包括为人所称道的那场爱沙尼亚追车戏。  帕丁森觉得这一过程有意思极了,“我们拥有特别棒的特技团队,其实特技团队在大电影里还是很常见的,然后你拍摄特技的时候,就是整部电影拍摄最无聊的部分。你就站在那,看不到任何特效的发生,但其实所有有意思的部分已经拍完了。这还挺让人沮丧的,除非允许我们真的自己去驾驶。当然了,在此之前我也从来没觉得,我自己是个特别好的司机。”  在拍摄《信条》时学到了驾驶技巧,有没有帮助帕丁森更好地出演之后的《蝙蝠侠》?帕丁森给出了肯定的回答,“这也让我也确实融入进了《蝙蝠侠》里,真的太酷了。我以后得自己开车,所有车都自己开。不过别让我停车,因为我不知道怎么停,我做不了那个。我开不了手动挡,所以蝙蝠车必须是自动挡的。”  身为片中女一号的扮演者,身高1米9、被影迷们称为“高妹”的伊丽莎白·德比齐,在采访中展现出了大银幕上少见的甜美与娇俏。原本《信条》中“凯特”这一角色年纪更大,但在诺兰的妻子艾玛托马斯看过了高妹主演的2018年《寡妇特工》之后,她坚持让丈夫也看下这部电影。  然而在诺兰看完《寡妇特工》、《了不起的盖茨比》,以及英剧《夜班经理》之后,他以为高妹是美国人,不符合他脑海中对于英国角色“凯特”的想象。不过在妻子艾玛告诉他,高妹是澳洲人,所以可以更好地诠释英国角色之后,诺兰被打动了,他围绕着高妹的形象,重新创作了“凯特”。  而即便如此,高妹依然坚持,自己在出演之前必须试镜,不能直接进组。最终的结果我们也看到了,导演对于高妹的试镜表现非常满意。当提及自己第一次读完剧本时的反应,高妹完全被所读到的内容征服了,《寡妇特工》  “这些内容是要搬上大银幕的!我产生了这样的感觉:我居然读到了这样一个不可思议的剧本。接着我走出房间(估计是同样的上锁的华纳办公室),我觉得好像没有人真的能拍出这样的电影,我确实是这么想的。但同时我特别兴奋,因为我即将要拍一部克里斯托弗·诺兰的电影。”  高妹在片中的“凯特”一角,其实与她在前作《夜班经理》中的“Jed”,有共通之处——她在片/剧中都是与富有的军火商在一起,虽然她早就不爱了,但是还是为了孩子委曲求全,而片/剧中的男主角都需要通过她,了解到那位军火商的更多信息。  再次在《信条》中扮演像“复仇女王”一类的角色,高妹表示真的真的非常享受,“我觉得我很喜欢她,是因为她在影片中情感蜕变和身份变化,她相信自己,相信自己有更大的能力。克里斯托弗把这些品质写进了这个角色,我很喜欢这种题材,我们会看到这个女人在电影里变得越来越强大。”  剧本看得人扑朔迷离,拍了很久也无法对影片100%了解,诺兰导演一向出了名的守口如瓶……如果用也一句话形容《信条》,高妹会怎么说?“我会说,这部电影是关于主角拯救世界的”,听上去倒是非常“007”。  而帕丁森的概括,则涵盖上了“时间的元素”,我认为这是一场战斗,因为这是人们试图控制现实本质的一场战斗,谁能拥有时间呢?”  肯尼思·布拉纳有很多重身份,身为英国人,他登上舞台几十年,是出演戏剧出身、赫赫有名的莎剧演员,还把莎剧风格带入到了执导我们所熟悉的《雷神》中。他身为导演翻拍了阿加莎·克里斯蒂的《尼罗河上的惨案》《东方快车谋杀案》,出演了可能一半儿英国演员都演过的《哈利·波特》系列(另一半儿去演《权力的游戏》了),还与诺兰导演合作了2017年的战争电影《敦刻尔克》。  这一次再度与诺兰合作,肯尼思甚至不确定自己演的是不是反派。他自己虽然也是编剧兼导演,却也表示,《信条》剧本太复杂了,读的次数比他自己写的剧本都多,他感觉每天读剧本,就像是在做《纽约时报》上面的填字游戏一样。  肯尼思在访谈中,谈及了继《敦刻尔克》之后,再次与诺兰导演合作的感觉,“非常棒,诺兰是电影界的大师。看到他作为大制作的中心,拿出足够的时间用来陪伴和激励演员,创造出黑暗且引人入胜的角色并将其演绎,这些是非常令人愉悦的。令人兴奋的是,因为我在影片里待的时间比较长,所以我有更多与他相处的时间。作为一个导演,能有机会观摩一个伟大导演的创作是一种荣幸。”《敦刻尔克》  不过与高妹、帕丁森与约翰·大卫不同的是,毕竟不是第一次合作,肯尼思这次不需要在“上锁的华纳办公室”里面读剧本了,“有一天,晚上六点钟的时候他给我打了电话,他说,嘿我这有个项目,你感兴趣吗?我说我感兴趣啊。他接着问,那你想读一读吗?我说想读。”  “他又说,要我把剧本给你带过去吗?我说好啊。他说那你现在在哪呢?我半小时就到。每一次他都会到我家前门那儿,然后把剧本给我。他问我你能读懂吗?我说我能的,他就说,那我明天给你打电话。然后24小时之后,他打电话过来,我们聊了聊剧本,然后我说,没问题。”  肯尼思读完剧本的第一反应,可以用“欣喜若狂”四个字来形容,“我从来没读过这样的东西,我觉得这种构想太天才了。我觉得我正在看《盗梦空间》的惊人指数级续集,又像是《星际穿越》的疯狂版,这是我所知的最了不起的间谍或者特工电影。然后我又读了一遍,就像我演的那个俄罗斯人一样,试图打开所有俄罗斯套娃,以寻求里面的所有新秘密。”  肯尼思与记者分享了,自己是怎么练习片中饰演角色的俄罗斯口音,“基本上就是听和观察,我在网络上搜索那些能激发灵感的声音和人。我观察那些有钱有权的人,观察他们安排时间和交谈的方式。但我发现这样的角色,通常说话不多且比较安静,那么强大的人通常会很安静,但其他人会听从于他们,因为强大的人令人害怕。克里斯托弗的目的是,尽可能给人留下浓重的黑暗印象。”  细心的影迷们会发现,本片让肯尼思、帕丁森与克蕾曼丝·波西这三位前“哈利·波特”演员重聚了,虽然后者只和约翰·大卫在《信条》中有对手戏,和肯尼思与帕丁森并无交集。但当被问起这样的“重聚”,肯尼思还是开心地笑弯了眼睛,“太有趣了,实际上,当我看到罗伯特·帕丁森,我简直不信我们几年前都曾经在霍格沃茨,不知道怎么地,我们现在都来到好莱坞了。”《哈利·波特与密室》时期的肯尼思与丹尼尔  “见到这些曾一起合作过的人,看到他们的职业生涯都如此顺利,艾玛·沃森、丹尼尔·雷德克里夫、鲁伯特·格林特(《哈利·波特》系列中的铁三角主演)和其他人,真是一种特别的快乐。”  “我见到丹、艾玛和鲁伯特的时候,他们才这么高(用手比划了一下自己的胸口),现在都已经成为优秀的演员和非常好的人了,真是太可爱了。我很高兴我们还在一同从事这份职业,这是《哈利波特》对所有成员的美好祝福吧。

  • 电影暴力美学:3大分类(导演必修)

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  • 在电影院屏摄,动了谁的奶酪?

    文 | 武怡楠编辑 | 吴燕雨  在电影院看电影时拍照、录视频的观众们,可能从来没想过,自己的行为有一天会被电影圈热议、甚至抵制。《八佰》《花木兰》上映后,“屏摄该不该骂”成了影迷圈和多家电影媒体讨论的话题;去年北影节,面对屏摄、还有使用了闪光灯的行为,同场有人直接喊话:“傻X别拍了”;而一旦有人屏摄并发到影迷群里,可能会被直接拉黑,“这是影迷圈里的行规”…    而与业内热议的情况不同,大部分情况下,许多观众并不理解屏摄这个概念,也似乎压根没意识到屏摄是需要被“抵制”的一种行为。屏摄,简单来说,泛指在电影院观影过程中录像、拍照或者拍短视频等行为。在“Sir电影”“3号厅检票员工”等讨论屏摄问题时,高赞评论往往是“看了这篇,才第一次知道屏摄不对。”    图源:Sir电影  那么,屏摄的边界在哪里?屏摄一事,是否有着绝对的对错呢?屏摄又为什么会在电影圈引发争议?屏摄,究竟动了谁的蛋糕?为此,毒眸询问了超过20位身处不同环节的电影人、影迷和观众,以下是他们的想法。  摄影师:“对屏摄很反感,很拒绝!屏摄很不尊重我们影视人的劳动成果!观众往往不知道一部影片背后有多少人在付出,更体会不到一个镜头创作的辛苦过程!抵制屏摄,也是在保护我自己这样的创作者。”  剧本策划:“屏摄会影响观影体验,那些被打扰的人将不良情绪迁怒到影片,从而对影片产生不公平的评价,导致片方口碑受到影响。而且,盗版和院线观感截然不同,《三生三世十里桃花》上映期间的拉面动图就来自屏摄,对电影口碑造成了很大的影响。”  导演:“抵制屏摄,是对包括我在内的创作者的尊重,也能更好地保护创作者。如果创作者的利益受损,影响的是艺术创作,也就影响了整个行业。”  发行1:“屏摄导致了盗版资源的流出,会影响票房,对影院和片方的危害很大,也会影响我的发行工作。盗版已经发展成为地下产业链,有完整的盗摄、上传、售卖等渠道,对于影片的版权损害很大,特别对有一定体量影片的损失就更大。”  策展人1:“屏摄的存在没有很直接影响我的工作,但是这样行为的出现让从业人员很泄气啊,直接的反应了观影人群的素质。别说屏摄了,从业人员都也在看盗版。”  策展人2:“屏摄把看电影这件本来可能有点‘仪式感’的事情,也变成了类似‘打卡、快速消费’的感觉了,类似于打卡网红地马上分享到朋友圈。”  摄影系在校生:“一年前看《我和我的祖国》时,旁边坐着某位演员的粉丝,这个演员出现的时候,这个粉丝总会开着闪光灯一阵狂拍。搞得我整个人都没办法融入到电影里了,电影本身就是另一个世界,需要观众全身心地去融入,屏摄让观众和电影之间出现了裂痕,非常非常影响观影体验。”  除了反对抵制的声音之外,也有被访者的态度显得比较温和——  影院经理:“屏摄始终是很小众的行为,前两年炒过一波之后,我朋友圈里基本看不到晒放映中的大银幕了,我们影院在日常也很少有这方面投诉。另外,影院也没有办法全程监控厅内观众的行为,除非有观众投诉,现场工作人员会劝止。”  影迷1:“虽然我身边没有屏摄行为,但我也能理解普通观众屏摄往往也只是为了发朋友圈。如果是离我比较远,而且手机比较暗,迅速的拍一张经典画面我个人是可以忍受的。在不影响观影的情况下、不涉及传播盗版的情况下,没必要装做圣人批判别人。”  影迷2:“我觉得抵制屏摄是小题大做,有太多人不怎么进电影院,发个朋友圈纯属义务宣传。以与其站在道德制高点审判式的严令禁止,不如给市场时间、给观众时间,让他们慢慢的了解电影文化、尊重电影文化。”  发行2:“如果仅仅是一个小视频,拍摄者可能只是觉得该影片很好,有情感共鸣。如果只是分享电影精彩片段的话,我认为可能对影片有正面效应,在某种程度上还带动了影片的热度,是观众二次宣传或口碑宣传的快速途径。”  发行3:“如今即使是偷录,随着大家习惯在正规的视频网站看高清资源,购买枪版资源的人越来越少了。整体来说,屏摄导致的盗版资源对行业的破坏力在下降。”  可以看到,屏摄或许伤害了一些从业者的切身利益,不同人对屏摄的态度呈现两极分化。  而屏摄多多少少存在着地区差异,在一些观影市场相对较为成熟的地区,有关的法规早已实施数十年,不在电影院、演唱会等场合屏摄几乎成为了当地默认的行为准则。毒眸询问了常年生活在美国、香港、台湾等地的几位观众,他们都表示,每次观影时,影院都会在正片之前反复强调禁止屏摄,在一种强力监督的氛围下,他们几乎未曾见到屏摄现象。  内地为什么暂时没有这种观影习惯?  从仪式上,内地市场对观影文明还未普及到一定程度,很多人既不了解相关规定,也并未意识到屏摄这一行为有何不妥。行业内对屏摄分析的热闹,其实并未普及到普通观众圈层——  除了许多观众对屏摄尚处于一种“无知”的状态,从观影心理来看,屏摄还带有一定的打卡因素。  尽管看完电影后,观众可以分享海报进行“打卡”,但《纪录电影“屏摄”折射的自媒体情绪传播》一文指出,观众的自恋心理,让他们总情不自禁拍下那些精彩瞬间,以期获得在自媒体再创作、再传播的权力。尤其在观看如《速度与激情》《狮子王》等主打情怀牌的商业大片时,很多观众会被激发“到此一游”的摄制心理。    “观众们看电影的时候会屏摄,其实是就像我去一个景点,就会跟那个景点的标志物合影,证明我来过这个地方,是一个道理。”一位导演告诉毒眸。  面对从未消失的争议,屏摄有没有机会销声匿迹、为了减少屏摄又能做些什么呢?  映前的贴片、宣传片,或许能在一定程度上润物细无声地培养观众的自我意识——百丽宫的映前小片就强调了这一点,北影节票夹上也会额外标注不许屏摄的观影提示。  当然,任何一种文化的改变都不会一蹴而就。一位电影投资人告诉毒眸:“虽然现在国内举办了皇冠、超五等高级别的网球赛事,但想成为网球强国,还需要国内网球观众观赛的整体素质提高,需要长时间积累与沉淀出网球文化。”类似的,国外观影文化的培养历经了数十年,我们也还有较为漫长的路要走。  好在,采访中绝大多数人表示,在经过教育后,大部分人会选择不再屏摄。一位影迷也告诉毒眸:“屏摄者不是豺狼虎豹,不是大奸大恶,他们只是暂时的无知,经过点拨和告诫,我相信会有更多的人像我一样,改掉这个坏毛病。”  其实,国内早已针对屏摄行为出台过相关法规:2017年颁布的最新版《著作权法》中,明确定义屏摄是侵权行为;同时,2017年起正式实施的《中华人民共和国电影产业促进法》也指出,屏摄行为发生时,“电影院工作人员有权予以制止,并要求其删除;对拒不听从的,有权要求其离场。”  所以,屏摄到底违法了吗?简单来说,不同程度的屏摄行为,其对应的性质也有所不同。一位律师告诉毒眸,单张拍摄只能构成不文明观影,拍照发朋友圈只属于个人民事行为;但在影厅里录音录像或者大量连续拍摄,则可能构成著作权侵权。  而屏摄的存在,也是目前国内观影市场不成熟的一种体现。  当观众逐渐培养起“屏摄很容易打扰到别人,屏摄这个行为本身也不是很有必要”的意识,也就能培养起北大中文系教授戴锦华老师所提过的、对同一场观众“独自观影”的尊重:“影院是一个公共空间,是唯一一个对号入座、在昏暗的环境下「集体地独自观影」。”那时,进电影院将不再是一种单纯的消遣,观众在同一个黑暗的空间里,虔诚地欣赏电影艺术之美。尊敬的共振,也许在那一刻产生。  未来,当不屏摄成为一种默认的观影文化时,电影产业的面貌也会更加富有生机。而观影若形成行为规范,或许也将在某种程度上推动国内市场的下一个未来。

  • 为什么BMD力推12K摄影机?我和他们聊了聊

    不久前,所有人都在猜测BMD将会推出什么样的新款摄影机。在产品发布会开始的几分钟后,Blackmagic Design的CEO 格兰特·佩蒂(Grant Petty)展示了一张1080P大小的图像,然后将视野扩大到4K,接着是6K,再而 8K,最后达到了12K。这确实让人意外,他们将当时自家能提供的最高分辨率从BMPCC的6K直接翻了一番。为什么是12K伴随革命性的参数发布,各种猜疑之声如影而至。随便打开几个论坛,相关评论就铺天盖地涌来。“为什么选择12K” 和“谁会用到12K”,这是业余爱好者们想要表达的众多想法之一二。就个人来说,我从未刻意关注过围绕在各款机器周边的负面评价——并没有人强迫你买这款机器,你要做的,只是做好前期调研,买或租一台最适合你的机器。好吧,这里我有些跑题了。和你一样,我也想更多地了解关于URSA Mini Pro 12K一切。它的传感器,亦或蕴含在这8000万像素里的无限创新。我深入互联网各个角落,像块海绵一样尽可能多地汲取相关联的一切知识。然后,我又去寻找能联系到的业内专家。幸运的是,我找到了。我和来自Blackmagic Design的Bob Caniglia以及来自澳大利亚的电影摄影师John Brawley进行了交谈——URSA Mini Pro 12K发布会上的视频素材就是John拍摄的。如果你一直留意BMD摄影机研发的相关新闻,那么你对John Brawley和他的工作一定会有所耳闻。有趣的是,John拍摄时使用的是URSA Mini Pro 12K的预生产模型机,它的外观仍然是URSA Mini Pro G2的设计,只是使用了带有12K传感器的内部组件,而不是正式发售的最终机型和硬件版本。多年的酝酿不为人知的是,这款12K摄影机和它独特的图像传感器是BMD花费数年研发才得以实现的。在现有条件下,拥有更大的像素、更丰富的色彩、更细腻的影调、以及表现更好的图形数据传输系统,这通常是为更昂贵的影像系统所保留的。Brawley告诉我:“他们为了价格更平民化,已经努力了很长时间,并最终创立了自己的解决方案……这次Ursa所展示的定制传感器,向用户宣告,作为一家成像设备公司,他们正在一步步走向成熟。”如果回顾BMD的历史,你会发现这部12K摄影机的发明其实是有迹可循的。BMD的Bob Caniglia说:“开发Blackmagic RAW的主要原因之一,就是希望能拥有一种适合更大数据量的编解码格式。”“从DaVinci Resolve软件遇到的问题中获取行业痛点,继而BlackmagicRAW这样一种全新的RAW格式,再到现在全新设计的12K传感器,你可以看到BMD是如何一步步走过来的。John Brawley说:“这块传感器全部的设计,都是为了从最原始的像素层面来实现更好的画质,我想这也是他们放弃拜耳式传感器的初衷。”出于商业上的考虑, Blackmagic的Bob并没有就12K传感器的设计提供更多信息。我们表示理解,毕竟当下电影摄影机的竞争是非常激烈的。“就我个人理解,BMD一直都想要解决感光元件在像素层面的不平衡。具体来说,是像素层面RGB色彩之间的不平衡,以及色彩信息与亮度信息之间的不平衡。具体的解决思路,其实是他们最为成功的Davinci Resolve软件中一直以来的解决方案——YRGB。在达芬奇的调色界面,他们很早就把亮度与色彩单独分离,进行调整。”Brawley给出这样的解释。用门外汉可以理解的话术,就是新的12K传感器有相同数量的红、绿、蓝像素,以及专注于接受曝光信息的“白色”(亮度)像素。同样数量的RGB像素,这就意味着新款URSA与URSA Mini Pro G2的感光元件在底层设计上就完全不同。事实上,99%的摄影机在感光元件层面都依赖拜耳式的滤色片设计。而Bayer滤色片式感光元件,是通过过滤可见光谱的特定成分进行分离显色,具体来说,会有50%的像素接收绿色、25%接收红色、25%接收蓝色。正如你所理解的那样,在RGB三类色度像素之间,他们各自的像素数量并不相同。这也是新12K传感器与拜耳式的最大不同之处。是的,这个新传感器所涉及的大量工程技术知识,远远超出了我的想象。老实说,我上的是艺术院校,在那里,我们很少讨论颜料是如何制作的,而是专注于我们能用各色颜料画出什么。我想肯定有相当一部分读者和我有类似的感觉。拥有达芬奇这样一款现象级的后期软件,赋予了BMD公司在摄影机制造时独一无二的起点。“让达芬奇中的色彩科学理念,从后期到前期、从软件到硬件都能够进行高度的统一,这也许就是BMD想做的事。全新的RAW编码格式与传感器的设计,或许早就有所考量。而现在展现在我们面前的传感器,就是那最后一块拼图,让色彩科学的统一最终得以实现。”John Brawley进一步阐述了他的看法。软硬件结合得到特有影像看到这,你应该明白达芬奇软件和Blackmagic RAW对一款全新的RGBW 12K传感器的研发来说,是不可或缺的了。但这还远远不够,想要获得最终影像,其中还有很多工作要做。深入研究后你会发现,通过摄影机内的色彩科学,将从传感器获取的复杂信息最终整合为可见影像素材,这是非常大的跨越。“就算我们把这块传感器交给其他公司,因为具体实施方案的差异,最终得到的影像风格也一定是大不相同的。我不是说其他公司的结果会更好或更糟,我的意思是他们所得到的结果绝对不会和我们一致。”BMD的Bob Caniglia如是回答。Brawley也分享了他对BMD色彩科学的看法:“我觉得BMD现有模式下的成像效果非常不错。你知道的,摄影机在色彩层面有非常大的空间可以进行灵活处理。BMD的色彩、影调和它的编码生成方式都非常美好。”在机身上节省成本Blackmagic Design开发的摄影机,往往都会定价偏低,同时又兼具一些其他厂商在更高价位的产品上才会拥有的功能。Blackmagic Design作为一个搅局者,也促使其他摄影机制造商开始考虑提供之前他们没有做过的功能。可换镜头卡口是其中最突出的一项改变。无论是最初代的URSA还是之后的URSA Mini Pro,使用者都可以方便地更换它们的卡口,而不是把它们送到授权的售后服务点。尽管URSA Mini Pro 12K的售价高达1万美元,是BMD有史以来中最昂贵的一款摄影机。但Blackmagic其实已经通过使用现有的机身设计,尽可能地降低了URSA Mini Pro 12K的价格。同时,使用相同的设计,也允许拥有URSA配件的机主们可以直接安装到新机身上使用。比如你有URSA Mini 4K的EVF,那么它也可以用于URSA Mini Pro 12K;如果你替URSA Mini4.6K购置过电池后板,那么这个电池后板也适用于URSA Mini Pro 12K。总之,你懂的。保持相同的机身设计对价格控制非常重要。购置过同级别机器的人都明白,新摄影机的最终成本绝对不是官方所公布的售价。为了让摄影机更适配自己的工作,购买者通常需要选择购买存储介质、兔笼以及其他一切必要的配件。如果你购置过Blackmagic Design的URSA Mini系列,那么你完全可以通过使用已有的配件、电池以及存储卡来节约可观的一笔钱。所有这些细节都让我们相信,BMD早在URSA计划启动之初就考虑到了换代的问题。当然,也得益于机身非常前卫的设计,后续换代的用户都实实在在地从中受益。这里我并不是在建议其他摄影机制造商要做怎样的规划,我想说的是,这家公司的内在文化和创新精神相结合,确实诞生了一些不错的想法。后续提升“像新URSA这样的摄影机确实非常吸引人,因为它能提供独一无二的东西。你知道的,人们会在特定的环境下会开始选择性忽视一些缺点,然后说,好吧,我可以用它来工作吗?也许现在正是用它干活的好时机。我认为它对那些喜欢高分辨率的人来说会产生强有力的吸引。” Brawley说。Brawley也提出了很多问题,而这些问题也是很多人都在扪心自问的。现有条件,我们可以在12K分辨率下工作吗?作为电影摄影师或者摄影指导,贸然踏入12K世界是值得的吗?“当我回去进行下一个项目的制作时,我会把新款URSA Mini当作一台有竞争力的设备进行拍摄,看看相比于其他厂商的成像方案,在综合考虑价格后,它的色彩和风格是否依旧出色,或者说它的一些缺点能否让购买者选择忽略。要我说,它自然不会像精致的凯迪拉克跑车一样,拥有各式各样的功能和响亮的喇叭声。但在它便宜实用的机身之下,是能呈现精致画质的核心。最后,Bob也给了我们一条URSA Mini Pro的最新消息——是关于12K对焦功能的。Bob会给你一个答案:“你的BMPCC4K允许你触控屏幕缩放来检查对焦情况,现在,你的URSA 12K将允许你输出到更大的屏幕上进行触屏放大,从而更好的检查高分辨率画面的对焦情况。”对于12K摄影机你怎么看?可以在评论区讨论。原文地址:https://www.provideocoalition.com/225623-discussing-ursa-mini-pro-12k/

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