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  • 专访导演马凯 | 恐怖片不是一惊一乍

    青年电影人“我的电影观念”第103期出品:良介文化策划:世界电影节申报服务平台监制:萧十一郎主编:草头青年责编:AMOJOR采访:罗页嘉宾:马凯马凯,内地导演。2015年执导个人首部电影《中邪》。2016年提名第10届西宁FIRST青年电影展最佳导演奖,同年获得第10届西宁FIRST青年电影展最佳艺术探索奖、豆瓣影评人选择奖。2017年微博电影之夜被评选为卓越新导演。(《中邪》剧照)Q:《中邪》中用了一些很精彩的叙事方法,您自己对于其中最满意的地方是什么?A:应该是这个想法挺有意思的吧,从采访算命的为切入点去讲这些事。里边还有一些恐怖戏份。上映版本还有一些之前没拍出来的东西,我挺喜欢的。Q:影片最后把这个故事归因于现实中的复仇,您怎么看待恐怖片中惊悚离奇的情节与现实的关系呢?A:我很早之前看到这个新闻,当时就有那么一个小小的想法,我觉得现实中每个人都有他很阴暗的欲望。像王叔王婆,他们为了金钱,谋财害命,给中邪的人喝一些乱七八糟的东西;像那对姐弟,为了复仇,就计划了这样一个大阴谋,想要害死王叔王婆;还有丁鑫刘梦他们俩,丁鑫在最后时刻选择了放弃自己的女朋友,自己逃跑。(《中邪》片场照片 马凯)Q:您在完成《中邪》之前尝试过四次创作,但结果都不尽人意。您当时是怎么坚持下来的?对您之后的创作产生了什么影响?A:之前拍过四次短片,你可能没有办法想象我当时所处的环境。我之前在横店跑特约,比群演稍微高一点的叫特约。群演就什么都不用说,在马路上走来走去。特约会有一两句台词,像比如路人甲来问一下路。最先进入这个圈也是想出名、赚钱,但后来发现现实跟想象差距太大了,想要靠做演员挣很多钱是很难的一件事。我挺喜欢拍片子的,对导演这块挺感兴趣。加上我特别清闲,一个月就能拍十天左右的特约,有大量的空余时间。然后我交际能力特别差,不会跟导演副导演处关系。那个时候我就想把时间利用起来,想着自己可以学点东西,就开始拍短片,一点一点摸索,自己挣的那点钱就全部用来拍短片了。Q:您不是学导演专业的是吗?A:对,我那时候特别想考艺术学院,我考了两年也没有考上。没有办法,就只能踏入社会了。因为岁数也挺大了,高三复读完一年以后我已经21了,我要是再读我就30才毕业了,我想就算了。就开始进入这行了。Q:那您是怎么积累做导演的经验呢?A:一开始是想着先写剧本,就看有关编剧方面的书籍,看电影,看电影剧本。那时候会强迫自己去看这方面的东西,从中吸取一些营养。Q:阅片给您带来了哪些帮助?A:我觉得阅片量是做导演的基本功课,看片子要有一定的量。我不相信哪个导演说不爱看电影但他能拍出好的作品,我觉得挺扯的,不现实的事。他肯定是特别喜欢看电影,理解了拍电影的节奏和一些规律,才能进行其他的创作。阅片是最基础的,对于90分钟内节奏拿捏的锻炼。其实你能感觉到90分钟之内,每一块节奏是什么样的,这是挺重要的基础。 (《中邪》剧照)Q:您比较喜欢哪种类型的电影?A:我最喜欢的是末日题材,但凡末日题材的作品出来我肯定都会看不管它好与坏。当然拍得好的作品都会喜欢,但最喜欢还是末日题材,丧尸类啊。Q:那其中有没有对您拍恐怖片启发较大的作品呢?A:《鬼影实录》是我拍《中邪》的初衷。Q:您觉得恐怖电影讲述故事的方式跟别的电影有什么区别吗?A:没啥区别,其实都一样。电影发展一百来年了,说实话它整体的规律你很难去打破,除非你是天才。它的所有节奏都在那儿放着,什么时候你该出现第一个事件,什么时候第二个事件,什么时候高潮,什么时候结尾,都是一样的。很少有导演能够打破这个规律。Q:那您怎么在这种规律当中去形成自己的风格?A:对我来讲,我还处于学生阶段,谈不上自己的风格。《中邪》对于我来说也是比较幸运的一件事,我可能拍这种感觉的东西比较顺手。因为我对农村比较了解,我在农村长大的。然后在镜头上,相对随意的拍摄我就更有想法。《中邪》那种感觉就挺适合我的,一下就拍出来了。自己风格的片子我还不知道,可能要磨练很多年吧,才能形成自己的风格。(《中邪》片场照片)Q:您觉得要拍好小成本的电影,哪些因素有决定性的影响?A:首先要有一个靠谱的团队,人不一定要太多,十个二十个。都信得过,也都比较相信导演,大家都是冲着把它拍好这个想法去运作。然后这个小团队还必须有一些经验,没有经验现场会出很多乱子,这是很重要的。还有就是要多拍,不要想着我一部戏就会怎么样。我觉得那个反而会限制你,老想着我这个戏按这样拍好不好,会不会一下子就让我火了。其实就按照你认为最好的感觉去拍就行,不要有太多的负担。就是磨练,多拍,积累经验,这也是很重要的。Q:您觉得恐怖电影跟观众之间的互动是什么样的?A:让观众感觉到恐惧就OK了。我觉得这是所有恐怖迷们的第一需求吧。你不要用那种很傻的方式吓我就可以了,就是让观众能够嗨起来,让观众看到“哇,你用这种方式吓我,不是那种一惊一乍的”。他们其实会兴奋的。因为我也是恐怖迷嘛,所以我能感受到观众需要什么。Q:中国的诡异传说本身就是一个巨大的宝库。您觉得让中国恐怖电影形成本土风格的突破口在哪儿?A:挺难的吧,确实是挺难的我觉得不好弄,我也想过,没有想得很清楚。Q:能具体聊聊难在哪儿吗?A:其实就难在创作上,如何能把民间的东西融入创作中是很难的。你得从现实中筛选哪些是比较适合写进剧本并且有吸引力的。Q:您还会尝试其他什么类型的作品?A:我想拍动作片,我觉得我也能拍好。Q:那您在新的这个领域做了哪些准备?A:会拉动作电影的片,看看他们对于动作设计是如何的,主要是这种准备。其他的准备还是要等到真正有机会去尝试拍动作电影的时候,才能跟动作指导沟通自己对于动作的理念。嘉宾联系方式:微信 huxi9526-End-点击下方查看“我的电影观念”更多访谈内容也可点进本公众号查看更多信息旦正多杰 | 蔡城夜 | 李奇峰 | 闫文龙 德格娜 | 洪骋 | 雷一松 | 邵攀 | 马翔 徐童 | 杜斌 | 旦正才让 | 何文超 | 张旭煜董越 | 程小挑 | 司徒慧焯 | 叶炳林 | 德格才让 许一顶 | 拉华加 | 占魁 | 王景光 孙见春 | 何帆 | 韩乐 | 周冰俏 邢健 | 周全 | 张净 | 杨洋 | 李睿珺 吕诗雨 | 王安安 | 藤井树 | 陈小雨 韩荣声 | 张远森 | 刘巍 | 林子 | 孙媛媛阴小航 | 王晓丰 | 岳廷 | 叶江天耿嘉琪 | 杨平道 | 牛小雨 | 申迪 | 宋磊吴雅文 | 宁佳伟 | 李明哲 | 张大尉李明阳 | 仇晟 | 陈静 | 刘晓雷张大磊 | 潘志琪 | 于大雄 | 章明曹立栋 | 陈鹏翱 | 宋文 |黄颖湘周经纬 | 朱佳梦 | 黄刚 | 佟晟嘉王小明 | 梁策 | 左志国 | 陆春桥杨晟虔 | 赵斌 | 洪嘉宝 | 沈杰 | 郭柯薛驰原 | 蒋佳辰 | 赛人 | 把噗吴林峰 | 钟倍尔 | 刘汉祥 | 高泽生黄进 | 耿军 | 陈延企 | 魏时煜陆庆屹 | 阮健恒 | 宋晓文 | 曾赠孙亮 | 黄悦 | 应婕晓 | 张跃龄青年电影人 “我的电影观念”系列访谈聚焦国内青年电影人的创作现状、创作理念和创作追求,让更多有价值的作品得到更广泛的认识和了解。助力青年电影人充分表达“我的电影观念”,寻找志同道合的伙伴,开始一场新的电影运动。联系我们微信:sjdyj2017电话:18610035709(联系人:山月)未经允许,不得转载;转载请事先获得授权,并注明出处微博 : @关于电影节 | 微信ID : FF-1895监制:萧十一郎责编:AMOJOR法律顾问:赵红丽

  • 本以为是铂金,原来是个王者!这Max玩的才叫6~

    “ 感知CG · 感触创意 · 感受艺术 · 感悟心灵 ”中国最具影响力CG领域自媒体很多CG行业的小伙伴都知道,平时3DS Max都是做一些建筑表现,写实的环境,更或者用于一些游戏的创作,再高端的一些动物角色像老虎,鳄鱼,青蛙还有其他一些生物材质比较难表现的动物基本都是Maya或者其他软件来完成。但是,今天介绍这位老哥antonio peres,他的所有作品都是在Max里完成,辅助的是ZB,渲染用FStorm渲染器。前几天,我曾经跟大家介绍了他的一幅作品,就是那幅《奔跑的蜗牛》,但当时觉得只有那一幅很牛逼,后来翻了翻才发现原来是个“王者”啊。下面一起走进这位自由艺术家的世界吧。CG世界公众号微信号:world_cg

  • 从贾樟柯的电影看中国电影学派的建构

    作为民族文化精神的表象,世界各国各民族的电影都呈现出鲜明独特的风格特色。美国电影从骨子里讲求娱乐性,遵循的是商业化的原则,并且不会忘记宣扬美国精神与美国的价值观。欧洲电影则有艺术电影的传统,节奏舒缓而有沉思气质,凝重厚实而富于哲理,现代主义的风格化、表意性与扭曲变形的银幕空间造型,资产阶级的不成熟与软弱等等,都具有耐人寻味的独特性。当然,从全球电影格局来看,还有中国电影、日本电影、印度电影、伊朗电影、韩国电影等多个国家富有自身特色的电影。其中,中国电影是以自己古老悠久的中华美学特征与文化价值观见长,并以强大的包容能力吸收了美国电影、欧洲电影和其他民族电影的所长,正迅速崛起于国际影坛。电影艺术既具有世界性特征,也具有国家意识形态价值,所以,电影就成为一种比其他艺术更能反映一个民族精神的媒介。电影在它发明的第二年就进入中国,而且被中国人称为“西洋影戏” ,与本土古老的皮影“灯影戏”相区别。由于中国电影诞生于中华民族被外犯敌寇蹂躏的上个世纪初期,自然以民族灾难、民族苦难历程、民族斗争与解放的叙述形成国家电影史。这样,中国经常被作为一个明显有别于好莱坞电影与欧洲电影的例证来支持某些特定的电影理论。《定军山》剧照我们再来回顾最近二、三十年中国电影在国外,特别是在欧美地区传播与接受的情况,大致有两类电影较受欢迎。一类是政治符号比较弱的武侠片、功夫片,像李安的《卧虎藏龙》 ,以及李连杰、成龙主演的电影;一类是面向中国历史与现实的带有社会符号意义的第五代、第六代导演的电影。这几年,随着中国对外开放与经济的强劲发展,随着中国电影市场的快速增长与电影生产的多元化格局,中国电影的概念与界定也很繁杂而混乱,“民族电影”“华语电影”“华语语系电影”“跨国中国电影”“合拍华语电影”“华莱坞电影”“第三极电影”“中国电影新力量”等等,不一而足。这一切,都体现了中国电影学派界定、建构,规范并丰富其样式形态与美学特征的紧迫性与重要性。我们应该站在新时代中国电影历史发展的大道上,目光聚焦在一个历史与现实相互交汇、创作与理论相互融通的目标——中国电影学派的建构。这也意味着,我们应努力建构一种思想导向正确,在艺术创作上具有时代性,在价值取向上具有通约性,在商业类型上具有兼容性,在文化精神上具有国际性的主流电影,建构一种具有中国精神、中国价值、中国气概、中国风格的电影话语体系,从而为中国电影艺术创作提供可以互映互动的参照系,为电影艺术理论提供不同以往的阐释维度与评价标准。贾樟柯的电影,恰恰为中国电影学派的界定与建构,提供了很好的文本范式。贾樟柯的作品,是伴随着中国改革开放40年成长起来的,是充分吸收中国百年发展成果与世界电影精华而形成的中国电影,可以说,它是中国电影百年历程特别是改革开放40年发展的缩影与结果,具有中国电影学派典型的生成史特征。它的电影文脉正是来源于中国早期上海电影《一江春水向东流》、《小城之春》和《乌鸦与麻雀》等。《一江春水向东流》、《小城之春》、《乌鸦与麻雀》海报这些民族化特色浓郁的、充满中华忧伤诗意美学的电影,一直在以“潜在文本”的方式影响着贾樟柯的电影发展与走向。同样,如同中国电影从诞生开始就具有国际性的特点,贾樟柯的电影从一开始也是站在意大利现实主义电影、巴赞纪实美学、日本小津安二郎电影等世界电影巨人的肩膀上发展起来的。这些充满现实主义创作精神与人道主义关爱情怀的电影,也是一直以“潜在精神”的力量影响着贾樟柯电影世界的书写方法。《小武》海报实际上,中国电影学派也就是这样生成、发展与成熟起来的。所以,从贾樟柯的电影可以反映出中国电影学派的艺术形态与样式形态:强烈的现实主义创作精神。贾樟柯的电影在中国当代电影史上是一个独特而神奇的存在,他自始至终都在以独特的观察视角、饱满的生命体悟和精致的影像视听语言,为世界电影贡献出独特的中国电影学派样本。他的作品都具备艺术电影的人文精神,电影文学化的传统,细腻饱满的人生经验。浸透着中国的地域特色、故乡印记、风土人情与当下现实。他的电影总是以强烈的现实主义创作精神,“当代人应该讲当代事” ,用自己的镜头和执念试图真实地反映这个世界,与时代同频共振,记录社会、心系中国。因此,他的电影既拥有西方观众能够看得懂的艺术电影的视听语言,又饱含每个当代中国人都心领神会的生活细节和人生感触,是当代中国文化最为集中的典型代表,自然也就成为中国电影学派最具典范性的表意文本。对中国人、中国现实变化充满持久的关注和表达的愿望。贾樟柯的电影有着强烈的中国时代感,他不是面对大人物、大城市、大事件,而是面对普通的中国人,面对小城镇里的小人物。我们从《三峡好人》《世界》这样的电影中,看到的却是那些实实在在的普通中国人在全球大移民与社会大变动中的现实遭遇与艰难选择。所以,通过这些普通小人物的奇遇与故事,可以照见我们每一个观众自己。 《江湖儿女》更是中国近十年时代变化与人心较量的大集合,是贾樟柯自己多种电影情节的艺术整合,构筑成了一个强大的“贾樟柯宇宙” 。贾樟柯电影的独特价值,就在于他用影像小人物的视角记录了中国与中国人在这二十多年中的深刻变化。他总是以一个大的中国社会历史变化或运动作为背景或参照,尽力真实地记录在时代的每一个重要关节口作为普通中国人、城乡边缘人承担这个社会变化的结果。这能够对中国电影学派的建构与发展具有一定的引导与启发作用。中国人日常生活经验与生存状态的真实再现。马克思的科学判断告诉我们:“人的本质是他所有社会关系的总和。 ”贾樟柯的电影,善于把人放在具体而实在的生活中,放在驳杂而琐碎的生活中,去再现人的日常生活状态,展现中国人独特而庸常的生活经验。他善于从“人”的际遇这个视角入手,选择了城乡交叉地带作为表现对象,来折射这整个时代和社会的变化,以一种时间流逝的法则来完成对中国人精神变化的史诗叙事,复原了大时代变迁的轨迹与个体生命在时代浪潮中起伏转折的原貌。他的电影都很好地再现了现实生活本身的混沌、迷蒙和多层语义空间并置的暧昧性,充分显现了贾樟柯调用电影艺术影音媒介进行最具暧昧性与复杂性表意的创作才华,让世人领略到了中国电影的艺术魅力。以现代化的视角对时代和社会进行深层思考。贾樟柯从骨子里就是一个对一切逝去之物充满眷念和诗情的诗人,是一个对弱势者充满同情与悲悯的侠士。他总是以一个知识分子式的导演身份,通过自己独立创作的“作者电影” ,来诉述世界与社会大“江湖”上情与义的故事,总是试图以现代化的视角穿透在不同历史时期、不同时代社会中中国人的内心世界,书写他们面对时代与社会大变动中情与义的变化。这使得他的电影在社会学与哲学的层面上有了更为复杂而多元的阐释空间。它启示我们,中国电影学派在强调国家意志与民族意志等主流叙事、大历史叙事和官方叙事的同时,也要关注普通人的个体感受与独特境遇。中国电影从诞生之时,就深受中国悠久而深厚美学思想影响,更多地指向人生与宇宙的深层关联,更关心个体生命价值的实现,更善于隐喻人生的况味以及表现心灵的幽秘,追求淡而有味,意在境外,虚实相生,追求“发纤秾于简古,寄至味于淡泊”的艺术效果。贾樟柯费穆的《小城之春》以诗意的影像映现出普通中国人在残墙断壁间面对时代大变革的离愁别绪,蔡楚生的《一江春水向东流》将一个家庭的悲欢离合与社会的风雨飘摇交叉剪辑,家庭的离散与国家的颓败、个人的贫苦与社会的凋敝始终弥漫在一江春水之上。这些充满民族情怀与传统美学特征的早期电影,一直影响和感染着中国电影学派,影响和感染着一代又一代的中国电影人。贾樟柯也莫能除外。中国电影学派民族化的美学风格,在贾樟柯的电影中也是举不胜举。总之,更加深入地研究贾樟柯的电影,对于界定和建构中国电影学派,丰富和发展中国电影学派的艺术形态、样式形态与美学特征,极富有实践与启发作用。转自:《中国艺术报》

  • 这部没有打胎撕逼的国产片,还原了我们最真实的青春记忆丨 NEW ERA电影季最佳剧情短片

    今天带来的这部短片,由香港浸会大学电影学院第13届MFA毕业生黄骁鹏导演拍摄,在本届NEW ERA青年电影季主竞赛单元中,获得“最佳剧情短片“的《雨季不再来》。故事发生在一所全寄宿学校。高三学生方又圆,一直默默喜欢着同校的女孩夏晚。但却因为自己内向的性格,不敢表白。眼看着临近高考结束,就要分开。班长李纯所组织的一次毕业汇演恰好给了方又圆与夏晚相处的时间。但就在方又圆准备好了礼物准备告白时,却发现组织该节目的班长李纯以及他的铁哥们韩天对他的感情也并不简单。几个少男少女的关系交错,在大同小异的高考压力面前,经历着大相径庭的青春成长...看完后不得不说的是,这部短片虽然只有短短39分钟,但所给予观众的却是和大多青春片不一样的感觉。据悉,这部的故事灵感是源于导演个人的一些经历改编,加之素人演员都十分年轻,整个故事看起来并不复杂。片子的拍摄是在黄骁鹏的母校,广东外语外贸大学附属外语学校(广外外校)。在观看这部片子时,它之所以能给人眼前一亮,就是在于导演塑造出了校园的真实感和属于青春活力四射的样子。我们都知道就青春片来说,2013年伊始《致青春》的上映,在开始了当代国产青春电影的滥觞之时,也拉开了青春片创作的帷幕。随之一段时间内,类似的青春片几乎占据了中国电影产业的大幕。但因为《致青春》的开始,许多导演在创作时从中所延续过来的升学考试、抱憾别离与注定重逢等叙事元素千篇一律的出现其中,在让观众看到直呼单调得不可思议时,也让人们对其中的真实度有了很大的质疑。试想谁的青春又真的是那样,即便有雷同的地方,但也不是每个人都有着车祸、卑恋、自杀、纵火、撕逼、堕胎、横刀夺爱,这样轰轰烈烈的狗血经历。国人的青春除了营造这些,就空洞地什么也不剩了吗?也是因此,黄骁鹏在看过很多的青春片后,在当中找不到共鸣,所以自那时脑袋里便开始有了想要拍摄一部自己故事的想法。但拍摄这样的故事,与其说缅怀青春,他更多的是想要通过这部片子在去还原他记忆里真实的高中生活时,也借此表达一些在他眼中对于青春期性和情感成长的看法和观点。采访时,当问到在他看来拍摄一部青春片当中最不可或缺的是什么时,他给出了这样的回答:其实没有什么必须的,如果一定要说,那么我认为当中最不可或缺的,就是创作者对人的情感和关系一定要感兴趣,情感是一定要讲的,国产很多讲是讲了,但大多却因为种种限制讲得遮遮掩掩的。而这也是我不想让人把它当做一部类型片去看待的原因,我在拍摄的时候并没有考虑太多的商业元素,只是想要讲好它。也正是因为对于人的情感和关系上的这种敏感,才有了片子共拍摄了九天,但相较于其他在拍摄上的刻意设计,黄骁鹏更多是把精力放在了剧本的打磨和演员的调教上的时候。剧本经过五次大改才定了下来,虽然拍摄时间十分紧张,但为让演员更加真实地表现出更贴近高中生生活状态的感觉,黄骁鹏还是和演员进行了很长时间的剧本围读。值得一提的是,此次戏中的演员除了其中的女二夏晚是导演隔壁系的同学,男二韩天是朋友,男三是副导演亲自上阵,有拍摄的经历以外,其他全部都使用了素人。在演员的选择上,黄骁鹏在采访中也不止一次说,青春片里演员的选择是十分重要的,但拍摄这样的故事时,比起专业演员,他其实更倾向于使用素人。得出这样的结论的原因,第一是觉得素人更好掌控和调教,第二则是认为素人演员,更能够表现出那个年纪人的一些特性。因为懵懂的情绪,其实拥有年龄限制的,过了那个时间段的人,眸子里所闪烁着的,大多就都是人情世故了。而处于学生时代的人,其实并不需要太多的世事通明。我们都是从那个年纪过来的,所以都知道在那个年纪的人们身上有叛逆固执,却也有许多已经踏入社会的成年人对梦想、对所爱之人、所执着之事再不曾有的热血和不顾一切。这是独属于这个年纪最珍贵的东西。也是黄骁鹏拍摄《雨季不再来》想要去挖掘和呈现的。除此之外,给主角起名为片名困扰,《雨季不再来》也是他拍摄的几部作品里,最认真的一次。片中男主角的名字方又圆最初的名字是叫方方,但为契合这个故事中主人公,夹在两个女生和一个男生之间的感情,方加上圆再与故事结合起来,就感觉十分能够呼应他这种模棱两可的人物性格。剧本敲定后,一开始的片名是叫《三人行》的,改为《雨季不再来》则是因为后来在和导师沟通过程中,大家都觉得这个名字太过缺乏创意,与这段记忆似乎也不够贴切。就在他陷入该取什么名字的困扰的时候,转身书架上的一本三毛的《雨季不再来》正好进入了他的视线里给了他灵感。“当我出门的时候,我会穿着那双清洁干燥的黄球鞋,踏上一条充满日光的大道,那时候,我会说,看这阳光,雨季不再来。”这是三毛写在书里的一段话,在黄骁鹏看来,也是年少最好的解读。这段懵懂的岁月值得被去深刻纪念,这段闪着光的记忆,也值得每次被想起时,都是充溢着美好的。《雨季不再来》之所以能够在加入了导演私心的基础上,还能给予观众极大的共情,就是来源于它还原了的不仅仅是导演记忆里真实的高中生活,更多的是每一个人都经历过的梦最好的样子。向来一场美梦在醒来时,都让人感到无比的沮丧残酷,这是青春期里的我们在面对长大时的最难过之处,但接受长大却不一定要丢失单纯,向前进变成大人的路上,这段少年时光始终都应该以它最干净的样子出现在每个人的记忆里。

  • 资深调色师曲思义:《影》是完成度最高的一部

    对于一部电影来说,调色是锦上添花的部分,整部电影的美术设计、摄影、前期的灯光、道具等都为整个画面所最终呈现的效果起了重要的主导作用。盘点2018年的华语影片,《影》无疑是最受瞩目的一部,黑白水墨的色调更是成为影片的一大亮点。 一直以来,张艺谋导演都很注重影片的用色,《影》对色彩的追求更是达到了他有史以来的最高水平,而这也少不了幕后调色团队的努力。此次,作为该片的调色指导,与张艺谋合作近10年的业内资深调色师曲思义就分享了《影》的调色过程和自己从业31年以来的经验。《影》不是黑白片 它比黑白片难度高很多去年初,调色指导曲思义在拿到《影》的成片后就先调了第一个版本,但对结果并不满意。于是,他与张艺谋导演以及摄影指导赵小丁一起讨论确定了几个大方向:一是,这不是黑白片,要消色,但画面不能是黑白,在消色的过程中整体要偏向一点蓝,尤于(DCI数字放映)白点的问题,会让画面偏到黄绿会显脏,所以更要特别加强蓝;其次,人脸的肤色保留,但保留多少,得看画面决定,一方面是给单调的影片一个色彩,另一方面是配合导演叙事强调了“人”这个中心;最后,所有的外景保留少许的绿色,一样是依画面整体感觉为准。虽然定好了基调,但是正式调整的时候才发现比正常或黑白片难度高很多,尤其是肤色要保留多少,外景的绿色要保留多少,基调颜色的统一更是复杂。从调色的角度,《影》一共可以分为5个场景:大殿、山洞、竹筏大战、外景和境州回家。大殿是最单纯的景,也是最经典的水墨画的景。因为是内景,条件好控制,人物背景在拍摄前期就调整的非常水墨画了,所以在调的过程中,除了之前提到的几个重点之外,主要还是大殿环境跟屏风之间的对比跟景深做一些窗口来加强,和人物脸上的对比加强。山洞这场戏最重要的就是要“黑”,所以在调的过程中加了无数个窗口跟踪,为的就是营造出“暗”的环境。竹筏大战这场戏属于外景戏,但在棚拍的,所以在光的控制上很正常,就是整场特效,主要是匹配前后景的关系,还有一个重点是竹筏上的颜色跟肤色属同一色系,摄影指导要求竹筏的颜色要比较淡,所以花了很多时间在处理竹筏的颜色。其实外景又能分几场,大殿外,城里大战,竹林,和各别的不同外景,外景最主要的是多保留了绿,我个人特别喜欢大殿外的几组镜头,有山有水,景深设计得非常完美。最后一部分,“境州”回家这场戏是一个日拍夜的戏,处理上不乏几十个窗口跟踪,但日拍夜的戏,最主要的还是拍摄时的条件,这场戏拍的时间就是清晨与傍晚,所以没有特别需要处理的反光跟影子,所以相对来说,简单多了。只有邓超推门进家的那个镜头,很明显外面是白天,做了复杂处理,其他镜头都只是加窗口就能处理的很好了。从事调色三十余年 《影》是完成度最高的一部在曲思义31年的调色生涯中,负责调色的电影超百部,MV、广告超过2000支,代表作包括《影》、《鬼吹灯之寻龙诀》、《赛德克巴莱》、《金陵十三钗》、《不能说的秘密》、《海角七 号》、《盛夏光年》、《奇门遁甲》等。提及近10年来与张艺谋合作的感受,曲思义表示“张艺谋导演对于电影调色的要求非常明确,每个影片最关键的点是什么,他就要求必须要做到那个点。比如《山楂树之恋》中的柿子代表了特别意义,它的光影一定要对;《金陵十三钗》中教堂玻璃的颜色和反光。这次在《影》中化繁为简,以黑白灰为主。调色没有完美的,但这一次,我觉得是完成度最高的。”谈到调色行业的现状,曲思义称:“我从1987年开始入行,见证了调色这个行业的巨大转变。从胶片到数字,从人员稀少的配光师到现在人人都是调色师。科技的发展,设备的革新推动着整个行业的进步。未来,我们也希望有更多的年轻人加入到调色这个行业,我们也会通过做一些教育方面的尝试和探索,办更多的同行分享会,承担起更多的社会责任。因为我在这个行业已经够久了,可以说久到要退休了,但如果在退休前没有把我的经验交出去,那就算我有通天的本事也跟没有一样,因为没人知道你会什么,这辈子有什么意义呢?如果能教出去,哪怕只有一个技巧是大家不会的,能留下来,都是值得的。”---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Color Palette是以电影画面为主的影视制作公司。主要业务覆盖了数字中间片、数字影像技术和电影流程设计。提供高端电影流程完成片服务及对相关专业人员提供深度培训。VX关注:cpoofilm了解更多详情~二维码请戳:

  • 《独孤九吸 》剪辑技巧分享 - 巧用轴线

    正 片 文丨平坦 转载请署名 很荣幸与导演拍了这部片子,9 条片,24 小时连轴,打完收工,如今回想 shooting day,还是满满的震惊。 作为本片的副导,后期导演,今天想在这里献丑,分享一下片子的一些剪辑技巧,就拿相对最难的《持久吸》(2 分 08 秒- 2 分 33 秒)来举例。 创意阶段: 持久吸这条,对应吸尘器“吸力大,持久”两个功能点,但要在 25 秒内将功能点完全阐述清楚,且不加字幕和对白,这就很棘手。思考下,与导演达成一致:要想直观和有“看点”的展示此两点,【对战】是最好的选择,毕竟“一顿操作猛如虎,孰优孰劣很清楚”。 实拍阶段: 首先遇到的问题是,两个人对战,一敌一我,该怎么区分?导演先用黑白衣服,不同发饰,将两人做了视觉区分。武行张猛老师也给两人的动作做了区分,拿着我方产品象征纯洁的“白衣大侠”动作优美舒展,而象征友商产品的男生则选取了视觉上相对瘦弱的演员老师来呈现,且武术动作设计的内敛含蓄。这样从视觉上就很容易让观众建立“孰优孰劣”的观感了。 剪辑阶段: 要想在25 秒内完成“三次比拼”,势必要加快剪辑速度, 但还要兼顾“回合感”,不能一股脑流水账就切完了,那观众一定懵逼。那么,终极问题来了,如何才能在快剪下还让观众清晰的分清敌我产品,与孰优孰劣呢?大家可以先不往下看,思考一下。 答案是:轴线。 小轴线,解决大问题。 其实大家一点都不陌生,但很多导演往往会忽视轴线。到底轴线如何解决分辨敌我的问题呢,其实你想想,我们平时看战争戏,如何分清敌我的,再举个例子,大家看足球和篮球比赛,为什么不蒙圈呢?——轴线是不轻易改变的!假如足球转播中全景机位突然跳到对面再拍,观众一定懵逼到底是谁在攻谁,这就是轴线。 具体来说,“两军对战”类的戏里,无非就两个轴线,“横向,和纵向”其实就是【十字轴线】,而且,一般情况下,我们的视觉惯性会认为,横向轴线时,左好右坏,纵向轴线时,近好远坏。具体片例因为篇幅问题,大家自己找。 说回持久吸:第一镜是我方出场,这里遵循第一印象就是好人的观影心理。第二镜是敌方出场,这两镜是纵向轴线。第三镜就突然跳成大全,左右轴线亮相,至此,十字轴线全部亮出,可以随便玩了。且也解构出对战的空间位置和桌面信息,这里重点说明一下,景别越大,亮出的时间就要越长,得让观众在全景里没什么可找了,再切刀。第四镜,插入型镜头,大全接大特,电影语言。香灰掉落,有风吹草动之感,,故而敌动我动。第五镜组,纵向轴线+横向轴线,此刻观众已经知道左为我右为敌,剪辑上也是连续两镜,观众不难理解。于是我方亮出产品,第一次跳剪吸完面粉,观众很清楚。这里要注意,镜头选取的是带有纵深感,好看的画面(俯拍的也有备拍),听觉上,我方吸尘器声音清脆高频有劲儿。第六组镜,依然是纵向轴线+横向轴线,纵轴上,敌方是带关系的,为什么,因为一来要遮挡友商产品,第二,从视觉上让人感受到敌方被我们挤压碾压,横轴上,敌方吸尘选取的是无纵深的正扣机位,给观众“添堵”。听觉方面,敏锐的作曲邵航老师抓住机会,给友商机器加上类似“摩托车马达”的音效,一本正经的暗度陈仓。 直到现在,所有轴线都出现且强化多次了,你只要不越过轴线,恭喜你,想怎么切就怎么切吧,没人会乱的。 我们可以随心所欲用表演说客户诉求了。 因为单位时间切镜很快,你发现表演夸张反而是符号性的对的选择观众不会不会出戏,(拍摄时特意让演员做了 1 到 10 级层次的“糟了”表情)。 这里要强调的一点技巧是,要刻意的在一组快剪后,停下,重新强调大全横轴,这样观众才会有所喘息,对空间重新认识,并营造了回合感。 好了,现在诉求也完了,一定要见好就收,留有余味,所以,你看敌方已经不见,桌面空空如也,景别完全打开,声音清脆凌冽,完美的收尾,高高的逼格,我相信有大多数人还会重新看一遍的,这,是剪辑师偷乐的时刻。 时间和篇幅原因,不予赘述,希望对大家有用,KEEP ROLLING.

  • 原来 Vlog 还可以这样玩?浅谈 Vlog 的开放性思维和前期策划

    江湖规矩,先看片,后说话。大韩民国 Vlog | 杰西传奇:吃鸡少女的魔性之旅△ 拍摄器材3 台 iPhone (5s / 6 / 7p)MK10 手机脚架2 个移动充看完了,大家也许会问:这真的是只用手机拍的吗? 对,真的只用手机拍的。但手机并非难题,而我觉得自己在摄影方面做得也不好,技术问题也不是本节分享我想说的,接下来我想问大家一个问题:你觉得这是一条 Vlog 吗?每个人有每个人的答案,而我的回答是 —— 这是一条 Vlog。持相反观点的小伙伴可能会有各自反对的理由,那在我说「前期策划」之前,不妨我们先聊一下「Vlog是什么」的话题。因为这点真的很重要,当然接下来的话都是主观认识,无关对错,望各位取其精华,去其槽粕。01 什么是 Vlog定义事物就像一个画框的过程,框本身的大小会限制我们的视野与想法,而所有的方法论也只能在仅限的范围里谈论。所以在回答怎么拍 Vlog 之前,也许要再探讨一下 Vlog 的可能性。在风口接一个风口的互联网时代,Vlog 算是一件新鲜事物,但感觉又像是被快速催熟的果实。新鲜义为诞生不久,催熟表现在它似乎已被定性为一种形式上 A-Roll 为主(博客直接与观众交流互动,主要以面对镜头的方式说话),B-Roll 为辅(人文风光的一些散镜作为过渡),内容上分享播客生活的影视作品。「视频博客」无疑是等于对生活、感受与想法的表现与记录,但形式上是否局限于 A-Roll 与 B-Roll 的穿插互补,这个我持开放性的态度。因为大家在谈及 A-Roll 为主这点时候,本质上是从【真实】与【日常】两个层面来考虑的,【真实】即播客与观众打破第四面墙的直接互动,表演成分少,长镜头记录等;【日常】说白就是操作相对简单,相对策划型的创作来说可以量化生产。但难道一个全程没直接看镜头的、经过周全策划并且不是日更或周更的视频博客,就不是 Vlog 了吗?举个不太恰当但易于理解的例子,一个外向的人跟你亲近,跟你述说他的一切不是因为他真实,而是因为他外向,而一个内向的人把自己反锁在家里过自己的小世界,你不了解他的一切,觉得他高冷,但不代表他就不是一个鲜活的人了,他也是真实的,只是那种真实没那么亲切罢了。所以,定义 Vlog,我觉得如今都为时尚早。他是记录生活、感受与思想,但形式绝对不仅是 A-Roll 与 B-Roll 的穿插互补。但有一点可以肯定的是,它必须是【真实】与【日常】的,线上我看你是这样子的,线下接触也会是这样子的;线下你住不了五星级酒店,线上就没必要逞强去表现。私以为接受了上述的前提,Vlog 未来可能性的大门才会被打开......任何变革都不能一蹴而就,有时候步子迈太大会受伤,但从形式上渗透会是一种取巧的办法,千万不要给 AB-Roll 限制了你的创新。在你我生活都不比别人的随手一拍精彩的时候,更需要从形式和创意上面多花心思。而且说不定形式上的创新会反补到内容的创新,那时候才会是 Vlog 百花齐放百家争鸣的一天。02一条好的 Vlog以我的第一条 Vlog《杰西传奇》为例,谈一下自己的创作想法,但不具备普适性,仅供参考。在知道「怎么拍好」之前,先要知道「什么是好」,在我看来,一条好的 Vlog 至少要具备以下三个条件之一:有用,有趣,有共鸣【有用】简单说就是干货类,这种 Vlog 屡见不鲜,往往也能最快吸粉,比如分享影视干货、美妆知识和探店做菜等,反正能让你学到知识本领或拓展你认知范围的均属这一领域;【有趣】可以分为内容上有趣或者形式上有趣,内容是指播客的生活本身有趣,比如被捧上天的油管红人 Casey Neistat,他的生活态度和生活经历本来就与普通人很不一样,自然玩法也很多种;而形式上是指制作层面的独具匠心了,例如策划编排别具匠心,故事讲得特别溜;拍摄手法新奇百出,什么无缝转场天旋地转;后期无数个通宵,把一堆苟延残喘的素材拼接得回光返照等等......呃,反正不要被贫穷限制了想象力。而假如你有钱,更加不应该没想象力。【有共鸣】比较玄学,但也是最具「杀伤力」的,有句话说得好,研究作品不如研究人,如果别人能从你的作品看到了自己的生活痕迹和所思所想,或者你把一些潜藏在他心底里的朦胧幻想与梦牵引了出来,那你的作品某种程度上来说,也是他自己的作品了。谁都有被影视作品打动的经历,好好回忆一下那种感受。而我的第一条 Vlog《杰西传奇》,自认为是做到了有趣与有共鸣的。下面我会以这两点出发,简单讲述一下前期策划的心得。03只谈策划,不谈风月对于《杰西传奇》的评价,大半以上的留言都是说「剪辑炫酷」「后期好棒」「跪求 BGM 」「别人家的 iPhone 系列」等。说实话,这类赞赏我看上去并没什么触动,反而是「充满魔性」、「脑洞很大」、「粗犷的精致」这类型评价,令我比较欣慰。因为剪辑、BGM 神马的都是后期的事,它掌控不了大局,也决定不了片子的方向,但前期的策划可以。这些魔性脑洞与粗犷的精致,在前期策划时候已经大抵在我脑海中打下了烙印。假如没有前期精心的策划,后期就算怎么搭救,片子也只可能是无本之木,下面介绍一下自己前期策划的创作手记。 • 预设主题 •片子要有主题,只要不是偏激的、煽动情绪或者违法的价值判断,都能作为你片子的主题。主题一方面是你片子的精神支柱,是所有东西的承载。你可以不往深去挖,但这是你个人形象输出的最关键一环,也是你区别于他人最本质的一点。很多流水账的片子不是因为他们记录方式冗长而无重点,而是他们缺乏主题,假如纯粹一镜到底地对着镜头说话,但你发表的是你的态度与观点,那也是有主题的片子。但这里我建议(纯粹个人偏好),主题切忌多而杂,一部片尽量一个主题就好,不然难以深入,走马观光到处蜻蜓点水难免会得浮躁,而且也容易将你要说的东西过早摊薄掉。《杰西传奇》的主题是人应该抛离社会的世俗偏见,遵循自身的自由意志。当然你也可以是很简单的主题,比如「某某网红店的冰激凌真的是全广州最难吃的」,这也可以是你的主题,这无分好坏与高低,只要是可以传播的价值判断。确定了主题之后,就可以视主题而架构你片子的结构了,要将「主题」落地,放在结构里的每一处角落,最终是为了论证或完善或颠覆你的价值判断。好看的皮囊千篇一律,片子的结构大抵离不开起承转合或总分总等,但有趣的灵魂万里挑一,怎样做到有趣这真的不能一概而论,关乎你个人的品味喜好和能力素养。这样一句话带过看似很不负责任,但这也正是创作最私密的部分,如果说主题是一种欲望,但这部分就是用你毕生的经验在将这种欲望具象出一张蓝图,这个过程你是给自己提出问题也是跟自己在对话,你会越来越清晰你想说的是什么和你想要的是什么。《杰西传奇》的主题看似很「大」,但落地却很「俗」。首先把大主题再细化(即说人话),世俗偏见是啥?—— 世俗的审美标准,拜金消费主义;自由意识是啥?—— 老娘就想拼命吃,不减肥不整容。于是怎么去表现?调味炸鸡和原味炸鸡,美女和杰西,在这里头似乎找到那么一点联系?然后抓着联系不放,以这个最原始的点去发散。将任何看似没强联系的东西通过一种蒙太奇思维绑起来,最后讲出一个带有起承转合的故事。要声明一点,策划归策划,片子里头的人物表演和性情都是本色出演,所以它是真实的。而恰好这种被细化落地之后的主题也是接近观众生活,他们多多少少也能引起共鸣,感动自己也要感动别人。以上介绍给大家的思路是:主题「先行」。「先行」是一个出发点,不代表出发之后就一定是论证的过程,记录不是伪记录,策划是描绘你的一张地图,跟着地图走不代表就不是探险,路途发生什么我们尊重事实就好了,到达终点时候也许最终既定论点会被推翻,也许旅途中途会发生意外拦腰折断,但往往这就是生活本身。 • 勘景踩点 •这点是很多人忽略的,但我个人觉得很有必要。当然踩点不是叫你实地考察一遍,这不现实而且很刻意,但你可以用其它办法先大概预览一下拍摄的场景,比如网络。因为场景除了好看之外,更重要是它是情感的依托。有些动作只能在这样的地方做才有那种味道。而且提前知道你所要到的地方大概是怎样的环境,对于你现场的调度和拍摄也有一个大概的预期。如果说结构是片子在时间上的凝缩,那场景便是空间上的延展,所以不要忽略你片子里出现的每一个场景。事前做到心中有场景,才能有的放矢 —— 在哪里该做什么事情,该说什么话,发生什么故事。最后按照拍摄需求,做出高效的行程规划和路线方案。《杰西传奇》的「踩点」是在各大旅游网站上面进行的,结合搜索的景点图片来策划杰西在相应地点的表情与动作,所以才能在旅行时定时定点地完成拍摄方案。 • 脚本撰写 •前面两步完成之后,就可以撰写一个拍摄脚本。上面有每天要去的地点和每天要拍摄的镜头,甚至细化到每个镜头的表演,当然有些镜头是硬性要拍的,有些就可遇不可求。比如说,我知道我要去济州岛,有一些宏伟的延时我必须要拍,而且根据先前预览的场景图片我知道我也肯定可以拍到,又比如我知道韩国的国旗我必须要拍,而国旗要拍出怎样的感觉?因为之前我对内容和调性有了明确的需求,所以我最好要拍到有气势的飘扬的国旗,所以... △ 凌晨刚达韩国,在等候机场大巴的空隙,顶着零下的寒风,我拍下了还算满意的国旗另外脚本不需要累赘冗长,格式因人而异,只要简练并且自己看懂就行。因为在外面跑时候没那么多时间给我们看密密麻麻的字。当初我就是随身带着脚本,生怕一些必要镜头拍漏了,每晚回酒店都要检查。假如当天有一些必要镜头因为各种原因没拍到,我会当晚睡觉前调整策略,力求在明天的行程补回。而半天一天周期的 VLOG 也是同理的,脚本不是一个煞有介事的存在,只是一个辅助创作的媒介,正所谓好功夫不如烂笔头,谁都不可能做到忙而不乱,更何况在高密度创作的状态下。• 其它技术层面的准备 •具体参考其他专业人士的答案,我就不作详述,但不说不代表不重要。比如我拍《杰西传奇》之前知道我只有手机,那我会提前做好以下的准备:1. 购置三脚架配件;2. 学习 iCloud 的使用,在旅行过程中及时备份素材;3. 手机安装并学习 FiLMic Pro 和 Lapse it 两款 Apps,以至于扩展并强化手机摄像和延时拍摄的功能...反正知道自己在干嘛什么重要,但我强调的是让器材为我所用,而不是背着一堆器材出门刷安全感。所以不要被器材限制了想象力和行动力,不要做键盘摄影师。 04总结以上就是这次分享的主要内容,回过头看感觉并没什么直接的「干货」?也没有直接告诉你如何把自己的 VLOG 做得有用、有趣或者有共鸣。但私以为道比术更重要,出师前的谋篇布局比具体一两个转场要更重要,运筹帷幄之中才能决胜千里之外。但也许你会觉得这样做 VLOG 太累,太功利化。也许你只是想轻松地记录个人生活,不需要带着这么多沉重的包袱。当然任何行为都是允许的,说白了 VLOG 是自己的事情,每个人有自己的自由意志和选择,因为不管你做不做策划或者不管你做的是什么选题和主题,假如你坚持记录,纯粹就让时间成为你的命题,一年之后蓦然回首,你发现自己记录的也算是一段小历史。但要想深刻,那就要深入。而有时候过于「功利化」也不见得而忽略了体验,就拿这次韩国的 VLOG 来说,相对于个人内心世界的探寻,我比较少关注身边的事物,但这次因为拍摄附带了强动机和强策划,让我加强了对周围细节的关注,一路上我的感官变得更加警惕和敏锐了,反而令我看到和听见了日常不会注意的东西,那是一次全新的体验。说不上脱胎换骨,但算是在创作过程中找寻的一种感觉,确实也需要这样的一种感觉。要做生活的目击者,不要在生活中寻找你要的东西,而是努力感受生活中到底发生了什么。不是有个既定的态度让然后去发掘论据,而是要尊重事实。用事实判断而非态度判断。生活是复杂的,要关注复杂并且表现复杂。以上,共勉。最后下一个定义:策划是让片子的 60% 在你脑海中成型 ,另外的 40% ,是属于命运的惊喜或惊吓(当然这个比例我也没做过研究与量化,因人而异)。 △ 这个画面完全就是惊喜

  • 20年前,处于黄金时代的香港电影是如何走下神坛的?

    上世纪90年代末到2000年初,香港流行音乐以及电影以盗版光碟的形式,进入内地,并对一批80、90后产生深远影响。盗版的泛滥离不开影碟机的出现。1993年,世界上第一台VCD视盘机(影碟机)诞生在中国内地,此后,VCD机在内地的销量持续攀高,到1997年,年销量已增至1000万台。当然,习惯了在碟厅消费电影的内地观众,完全无法意识到,盗版的泛滥,也在多年后,成为了助推香港电影走向衰落的原因之一。但也正是得益于盗版的传播,李小龙、张国荣、梅兰芳、周润发、梁朝伟、周星驰、钟楚红、张曼玉、刘嘉玲…...在内地红到发紫,现在的人可能无法想象,香港是如何在短短的二三十年间,发现并培养出了如此多优秀的电影人。刺猬公社 | 铁林没有谁能完全代表香港电影,香港电影是群像,有侠客,有警匪,有香车美人,也有市井小民。人们记忆里的香港电影是警匪黑帮,是旺角,是维多利亚港,是反复出现的街角城市。这一切的源头,要追溯到1909年。那年,香港出现了第一部在本土拍摄的电影《偷烧鸭》,剧情很简单:又黑又瘦的小偷,盗了一个胖子的烧鸭,被警察抓个正着。这是当时典型的美式喜剧套路。据记载,影片导演梁少坡在拍完《偷烧鸭》后,就迅速北上抵达上海,继续学习电影。此后的几十年间,香港电影一直缓慢发展,并持续接受来自欧美、日本、上海等地域的影响,在各种文化的交锋之中,香港电影一直在探索自身的定位。一直到1958年,后半生在内地盖楼无数的邵逸夫从新加坡回到香港,成立“邵氏兄弟(香港)有限公司”,正式开始他在香港的电影事业。从他开始,香港电影,终于进入了疾速迈步的时代。港味记忆1988年,《旺角卡门》。旺角两居民楼逼仄的巷道中间,小弟乌蝇(张学友饰)对着旺角混混阿杰(刘德华饰)说,我乌蝇宁愿做一日英雄,都不想一辈子做条虫。2002年,《无间道》。香港四方商业大厦楼顶天台,刘建明(刘德华饰演)对着警方卧底陈永仁(梁朝伟饰演)说:我想做一个好人。大部分时候,港式警匪片属于街道和巷子,人们在巷道中穿梭生活。这里什么都有,但唯独没有人类足够的生存空间,道路狭窄,楼宇密集,庆幸这里没有冬天,厚重与不便不适合这个节奏飞快的城市。《无间道》要展现开阔的空间,只能选择往上走,这在港片里是极其少见的,导演刘伟强刻意放大了空间与空间之间的对比,天台属于一些虚妄的念想,注定无法落地,刘建明永远不可能获得重构身份的机会。香港的繁华和明亮,体现在无数的购物商场,以及夜晚大片色彩斑斓的灯光里。受过港片影响的游客,注意力往往不在购买,他们追寻着港片里每一个意味深长的地标,只为了寻找到记忆里那个挥之不去的画面。比如《胭脂扣》(梅艳芳、张国荣主演,1987年)里的水池巷,《重庆森林》(林青霞、金城武等主演,1994年)里的重庆大厦,《最佳拍档》(许冠杰等主演,1982年)里的皇后码头,每一部在本土拍摄的经典电影,都会为香港留下一个时代景观。第一次去香港的游客可能常常会感到惊讶,在香港,任意走动就可能误打误撞记忆中某部电影的取景地。“香港是效率很高的一个城市。一天24小时,你什么时候要吃什么东西,随时都可以买得到。因此香港酒店餐厅的生意都很差的。因为只要你走到街上,从最便宜到最贵,不知道为什么都有24小时的。香港就是这样。”《窃听风云》导演庄文强解释什么是独特的“港味”电影,“香港又是一个那么挤的地方,所有的街道都是很窄的,行人道很窄,人跟人很容易碰撞,人跟人很容易摩擦,很容易对抗。广东话又是很高速度,大家讲话都劈里啪啦好快的。那种节奏感是独有的。所以有一段时间我们的前辈拍出了很优秀的电影,那个电影结合了香港实体的语言,文化的语言,在他的电影语言里,然后形成那一种就叫我称之为‘港味’的东西了。”1997年之前,内地居民赴港旅游需要办理繁琐的手续。那个阶段的香港,还未揭开神秘的面纱,内地居民依赖电影,拼凑出了维多利亚港口、中环、尖沙咀的模样。自上世纪七八十年代开始,高速发展的香港电影开始影响东南亚华语圈、中国台湾、韩国、中国大陆等地。偶尔还会有一些片子冲出亚洲,进军欧美市场。韩剧《请回答1988》的第一集,五位主角聚在一起,收看的正是当时流行的枪战类型片《纵横四海》(1991)。“枪战片”是导演吴宇森所长,他被奉为“暴力美学”的大师,最经典的画面自然是在《喋血双雄》(1989)里,周润发教堂枪战,四周蹿起白鸽。吴宇森之后,黑帮英雄片成为电影潮流。这是香港电影的特点,受到市场驱动,商人逐利而行,一部片子的成功,决定了接下来一定会有续集、再续。各类模仿也会在一段时间成功收获票房。直到观众厌倦,倒尽胃口。因而,香港流行什么,内地的观众就在看什么。香港永远是活在电影里的香港。武侠复兴带着香港电影进军欧美的,竟然是融合了中国传统文化的武侠片。新派武侠片的开山鼻祖,不得不提及三位大导演:胡金铨、张彻、李翰祥。张彻出生于1923年,原名张易杨,祖籍浙江青田,在上海长大。因而,张彻在拍摄电影时,并非完全的“港派”思想,譬如完全模仿好莱坞流行。“海外千万华人,到现在,除了中年以上的人,犹有‘故国衣冠’之思,年轻一代,根本不知‘故国衣冠’为何物!有之,只是在电影中看到。——海外青年爱看武侠片,我们国产电影,若能把握这一机缘,不但可使海外青年,不忘‘故国衣冠’,而且能借此潜移默化,灌输我国固有忠孝节义道德,于不知不觉中,多知我先民之英勇壮烈事迹,而增强民族信心。”张彻把这一思想应用到了电影拍摄之中,他开创的阳刚武侠浪潮,成为了香港电影崛起的转折点。(《香港电影研究》王海洲著)譬如他的代表作《独臂刀》(1967),男主方刚几经磨难,最终习得独臂刀法,在故人危难之际,挺身而出,以德报怨,战胜了“长臂神魔”。这一人设非常符合人们对传统武林大侠的想象,一身正气,命途多舛,但凭借天资与勤奋,最终克服外在和内在的困难,突破人生瓶颈,凭一己之力,收获至尊武林地位。有记载称,《独臂刀》成为了香港第一部票房破百万的电影。电影成功,比张彻还兴奋的,可能是本片的老板,邵氏兄弟电影公司的老板邵逸夫。前文提到,他在1958年返回香港,开始自己在香港的电影事业,集中火力对抗在香港的另一家电影制片公司“电懋”(国际电影懋业有限公司)。邵逸夫出生于1907年,于2014年辞世。他在家排行老六,还在念中学时,就加入了长兄在上海的电影公司天一,并负责海外发行事宜。后受战争影响,公司业务一度受到重创。待战争结束,邵氏电影业务才重回正轨。回港后,邵逸夫重金新建邵氏影城,据张彻回忆,当时邵逸夫手上,拿着汇丰银行无限投额支书。正是在邵逸夫手下,邵氏电影以阳刚武侠打入市场,《独臂刀》后,又有了《金燕子》《大醉侠》《龙门客栈》等。辉煌时期,三大新派武侠导演,同时供职于邵氏电影。与张彻不同,胡金铨(1932-1997)出身北京京剧科班“富连成”,将舞台化的武打动作,改良为节奏更快的电影动作,他在1967年离开邵氏,赴台发展,后来,一部《侠女》让他获得了第二十八届戛纳影展最高技术委员会大奖,《山中传奇》助他成功拿下金马奖最佳导演奖。李翰祥则是二进宫。不堪邵氏压迫,李翰祥在1964年受对手“电懋”撺掇,离开邵氏,前往台湾组建国联(国联影业有限公司)。但因经营不善,又在1971年向邵氏求和,请求回到香港发展。重返邵氏后,为了证明自己的商业能力,也为了报答邵逸夫的收留,李翰祥开始主动拍摄风月片与喜剧片。后人对他此举颇不理解,评价也不高,毕竟这是一个曾经获得金马奖最佳故事片导演的能人。后据他本人回忆:“我拍的那些喜剧呀,风月片呀,完全是为了卖钱。”(《香港电影演绎》魏君子著)在引入电影三级制度以前,香港某一些古装情色电影被统称为“风月片”。女演员接拍需要勇气,导演改弦易帜也并不容易。比如同时期的台湾导演牟敦芾,受邵逸夫之命接拍“风月片”,其未婚妻——台湾第一美女胡茵梦得知后,毅然悔婚。当然,后来人多认为,这是胡茵梦找出来的“借口”。李翰祥的状态可能是当时很多电影人都要面对的两难选择。公司青睐于可以迅速挣钱的片子,而导演常常怀揣着野心。以挣钱为目标的公司,没有足够的耐心和成本让导演们尝试新的电影风格。邵逸夫的电影江湖从来就不曾太平过。1970年,邵氏手下重臣邹文怀出走,并带走何冠昌等强将,成立嘉禾公司。何冠昌与后辈的联系紧密,也是著名歌手、演员梅艳芳与成龙的干爹。嘉禾与邵氏相比,并未有太多的优势,但好在老板邹文怀眼光毒辣,在1970重金谈下李小龙,先后推出以李小龙为主演的功夫片《唐山大兄》《精武门》《猛龙过江》,每一部都屡破票房纪录。最终,嘉禾在70年代成长为,唯一可以与邵氏对抗的电影公司。老对手“电懋”的消失,则让人颇感意外。1964年,老板陆运涛在台北乘坐飞机失事,包括陆运涛及其新婚妻子、行政人员等电懋高层在内的57人全部罹难,“电懋”不再是电懋,邵氏还是邵氏。新浪潮的胜利当一个东西成为流行时,那它距离过时就已经不远了。张彻、胡金铨为代表,改良的新武侠电影,在进入80年代后,尽显疲态。艺术创作的魅力就在于此,标准是不恒定的。进入上世纪80年代,香港经济发展迅速,本地市民开始有了新的精神追求。一大批80、90后更为熟悉的电影人也正式进入大众视野。很多人可能不知道,邵氏以及电懋等老牌电影制作公司,主要拍摄的是“国语”电影,便于电影辐射更广阔的华语圈。但随着香港本土文化的形成以及香港本土意识的觉醒,粤语开始成为主流,“香港人”也成为了电影导演的关注对象。比如导演许鞍华在1979年推出的《疯劫》,电影以真实案件为基础,配合以电影镜头的运用,画面的调度,改编为了一部在当时非常新颖的惊悚片。《疯劫》也被视作香港新浪潮电影的代表作。许鞍华出生于内地,但她的教育是在香港完成的。她在接受采访的时候就曾经说过,“本地味道越浓厚,生活感就越突出,就更能感染人。”从《天水围的日与夜》到后期的《桃姐》,都是许鞍华对香港本土人物的观察。如何拍电影,拍什么样的电影,体现出了香港人对自我身份的认知。邵氏时期,大部分在香港发展的导演,更多受到内地传统文化的影响,也多生长于上海。战争爆发后,很多人从上海移民到了香港。进入80年代,香港本土影人面临的问题是,如何表达香港本身?不是英国的,也不仅仅是传统的。梅艳芳主演的《胭脂扣》,张曼玉主演的《阮玲玉》以及更后期的《无间道》,都被视作香港电影人对身份问题的探讨。《胭脂扣》中,梅艳芳饰演的名妓如花回到了1934年,张国荣扮演的陈振邦是南北行海味店的太子爷,俩人于风月场所中相识,后开始热恋,但身份的差距,让俩人无法走到一起,最后相约殉情。但陈振邦并未殉情成功,他失去了殉情的勇气,结婚后,潦倒生活。如花以“魂魄”的形式,目睹了这一幕。这是前香港与后香港时代的相遇。《阮玲玉》中,开篇就是张曼玉个人的采访,剧情与采访穿插,老一辈电影人与新一代电影人之间,既有重合也有传承。《无间道》更为明显,无论是警方卧底陈永仁还是黑道卧底刘建明,都在追求身份的“单一性”。得益于本土意识的觉醒,吴宇森、徐克、刘伟强、关锦鹏、尔冬升、杜琪峰、陈可辛、林岭东等为代表的“新浪潮”导演崛起,他们突破了题材与拍摄手法的限制,成为了香港电影黄金时代最宝贵的电影人。演员百花齐放时代造人。80年代的香港,名导名演员遍地。但即便如此,演员还是不够用。人人都想争夺最红的演员,且只要配上知名演员,影片的投资立刻有了保证。梅艳芳最早并不是演员。1982年,19岁的梅艳芳参加了香港无线电视以及华星唱片合办的第一界新秀歌唱大赛,并最终胜出,就此出道。关锦鹏在采访时回忆,“拍《胭脂扣》时,原著作者李碧华也觉得她百分之百最适合演如花,尽管开始设定演员的组合一直在变———中间考虑过刘德华、钟楚红、郑少秋,到最后我定下张国荣演陈十二少,大家就是不愿意改掉梅艳芳。她也表示很喜欢那个角色。”《胭脂扣》拍摄结束后,关锦鹏、梅艳芳、张国荣成为了好友。甚至后来的《阮玲玉》,关锦鹏也说是为梅艳芳量身定制的。但梅艳芳并未接拍《阮玲玉》。张国荣比梅艳芳大7岁,但两人先后在2003年去世。他和梅艳芳的经历相仿,都是先唱后演,到90年代,张国荣退出乐坛专注电影事业。不管是程蝶衣还是何宝荣,张国荣在演出时,都有特殊的张氏气质,他的演出不能用“像”来形容,而是他本身就“是”。现实生活中,他也是性别议题上的先锋者。既为先锋,则注定要承受其中的痛苦。永葆青春的唯一方式就是在年轻的时候死去。和张国荣搭档《阿飞正传》(1990)的时候,张曼玉还未出演《阮玲玉》(1991)。张曼玉出道早期被媒体称为“花瓶”,因多出演单纯而美貌的女性角色,并无太多演技上的挑战。在《阮玲玉》的片前采访中,导演提到阮玲玉的经历,张曼玉当下的回答就是:那不是就跟我很像?张曼玉的前辈,“老演员”阮玲玉一生极其短暂,事业上获得了极高的关注,经历过从花瓶转型实力派的时期,但个人感情之路并不顺畅,当时的舆论对她的私生活投去了过多的关注。一直到她25岁,终于,留下:人言可畏,我何罪之有?后吞下安眠药,离开人世。《阮玲玉》播出后,张曼玉拿到了第42届柏林国际电影节最佳女演员,并再次拿到金马奖、金像奖最佳女主角。八九十年代的香港,有好的剧本,也有好的导演,同时也就挑选出了一批好的演员。很多演员身上都有摘不掉的标签。比如周润发和枪战片,周星驰和无厘头,成龙和功夫片。他们是香港电影流行文化的缔造者。周润发、周星驰、成龙三人被业内称为“双周一成”,因为自身的商业价值高,各有所长。优秀的演员太多,受限于本文篇幅,并不能一一提及。时代和人的关系很微妙,这群人成就了时代,时代也成就了他们。随着香港黄金时代的过去,台湾、大陆的本土演员也在成长,失去好剧本的香港演员们,代际成长没有跟上,终究再难看到当年的盛况。大陆的大花们也在成长。2009年,高群书的《风声》启用了清一色的大陆演员,这是第一部以大陆演员为主的商业大片,李冰冰凭此片拿到了金马奖最佳女主角。引入台资 烂片泛滥危机潜伏于黄金时代。很多人以1997年为分水岭,并以回归前后,来界定香港电影的发展态势。但许鞍华不这么认为:对香港电影来说,1993年才是真正的分水岭。1993年之前,香港市场一年可以拍到二、三百部电影,而且票房很高,在台湾地区、韩国乃至东南亚都很有市场。可是到了1993年,美国电影《侏罗纪公园》等大片的上映,反响很好,给香港电影带来冲击;台湾片商也不再像以前那样买片花,很多电影拿不到定金,开不了机;加上香港电影质量也出现一些瑕疵等原因,这之后香港电影开始走下坡路。(《导演许鞍华:我与香港七十年》新华社)80年代后,香港电影有了国际影响力,自然不缺投资,尤其是来自台湾的投资商。90年代初期,台湾投资商看中了香港电影市场的巨额利润,慷慨解囊,只要香港影人能够拿出大概的故事提纲,再辅以相应的香港影星,就能直接拿到上百万的投资。这倒是很像早两年的创业潮。成果不重要,前期的大饼更重要。数据显示,在台资的助推下,香港电影年产量一路猛增。有数据显示,1988年香港上映影片数量为120部,到1992年上映数量增加到165部,1993年首次出现下跌,回落到了153部,与许鞍华观察到的现象一致。市场是有限的,特别是重量不重质的香港电影,边拍边写剧本的例子,比比皆是。吴宇森在2014年公开说过,“我们几乎要拍什么就拍什么。我有好几部戏根本没有剧本,一面拍一面写。 《英雄本色》只是有一个故事大纲,然后凭感觉、感情拍出来。拍《喋血双雄》也没有剧本,也是边写边拍。因为大家互相信任,这种信任来自投资方、来自观众,也来自片商,他们对我们有足够的信任与喜爱,所以我们工作自由度非常大。 ”王家卫也在台资富裕的时期,拿到过投资。徐克拍摄的《笑傲江湖之东方不败》火了以后,王家卫搞出了剧本《东邪西毒》,并配上了比《阿飞正传》还要豪华的明星阵容,包括张国荣、林青霞、梁朝伟、张学友、张曼玉等等。但王家卫依然是王家卫,电影是不可能充满赶制的。拖拖拉拉半天,刘镇伟探班的时候发现,这戏根本不可能按照原先承诺的档期交付。为了避免王家卫惹上台商的麻烦,刘镇伟用一个月的时间拍摄出了《东成西就》,还在贺岁档成功收割了一波票房。类似《东城西就》的作品很多,香港电影里有个专门的名词叫“七日鲜”,形容一部电影的的制作周期极短。1986年《英雄本色》大火以后,徐克、吴宇森立即就拿出了《英雄本色续集》。黑帮英雄片成为追捧的流行,向华强创办的永盛电影公司,也拿出了《英雄好汉》。导演王晶更是深谙香港电影市场的规律。他被视作“七日鲜”的代表人物。“七日鲜”的正面意味着勤奋,负面则意味着粗制滥造。和同样追求工业化的好莱坞相比,香港电影的“工业化”是半残状态,速度很快,但最终只是被金钱裹挟,一点一点丢失掉原来的优势。再难辉煌 风骨仍在历史总是惊人的相似。香港电影圈出现的很多东西,也常常会在大陆影视圈看到重现。典型如粗制滥造,演员轧戏。刘嘉玲来内地拍出了《阿修罗》,梁朝伟也弄出一部《欧洲攻略》,脱离了香港圈的香港演员们,相继扑在内地剧本上。反观香港本土电影,反而低调了很多,缺少资本关注的香港电影,每年依然可以贡献不少优秀的作品。1981年起创立的香港电影金像奖,如今还是两岸三地最有影响力的奖项之一。只是奖项上,出现了更多内地电影人的身影,竞争不再局限于一个区域内部。电影投资人叶泽锟说,“虽然香港电影这几年产量少了,但是你不认为质量都是有史以来最好的么?《我要成名》虽然用了霍思燕,但是谁能说它不是香港电影?再比如尔冬升的《门徒》、谭家明的《父子》。”(《回归10年的香港电影》三联生活周刊 2010年)香港电影很难再回到八九十年代,或者说整个华语圈的电影,都很难再创当年的佳绩。换个角度看,少了粗制滥造的机会,香港电影人反而有可能把精力放到提升电影的品质上。现在还能拍出《踏血寻梅》《明月几时有》《树大招风》《黄金时代》的香港电影圈,依然值得敬佩。只是,黄金时代过后,香港电影为后人,留下了太多的教训。资料参考:1、香港电影演绎,魏君子,20102、香港电影研究,王海洲,20103、别来无恙,安宕宕等,20174、香港电影为什么会衰落?一位老电影人终于说清楚了,每日经济新闻,20175、吴宇森揭秘《英雄本色》拍摄:没剧本 靠感觉拍,辽宁日报,20145、“热闹中的孤寂” 关锦鹏追忆梅艳芳,人民网,20046、回归10年的香港电影,马戎戎,三联生活周刊,20077、许鞍华的黄金时代:拍香港故事 留住本地情,大公报,20188、经常说的港片、港味,到底什么是「港味」?,庄文强知乎,2019【本文首发于刺猬公社微信公众号(ID:ciweigongshe),未经允许禁止转载】

  • 专访华语电影发行应婕晓 | 纽约是一个看月亮的城市

    青年电影人“我的电影观念”第100期出品:良介文化策划:世界电影节申报服务平台监制:萧十一郎主编:草头青年责编:AMOJOR采访:Sunrise嘉宾:应婕晓

  • 《玩具总动员》这24年CG技术都经历了怎样的变化?

    文/索菲亚·嘟胖正文共4087字,预计阅读时间11分钟*本文部分图片和数据参考来源于Youtube@INSIDER周末过得很充实,到电影院回顾了宫崎骏爷爷的《千与千寻》,又被皮克斯巴巴的《玩具总动员4》惊喜了一把。 1995年,安迪把巴斯光年带回家,与胡迪成了好朋友;1999年,巴斯光年和玩具们组成拯救小队,寻找被旧货收购商偷走的胡迪;2010年,安迪即将开始大学生活,玩具们误会了他,却遇到了更为危险的恐怖大魔王。你以为故事要结局了?2019年,这群小伙伴们又回来了。 皮克斯团队在很早之前就有一个关于动画长篇电影的梦想。虽然他们此前也发布过动画短片(时长只有5分钟),但并没有做好涉足长篇的准备。1991年,他们推出了《玩具总动员》的初期大纲,里面有我们喜欢的Woody和巴斯光年。 《玩具总动员》1995年首发,成为世界上第一部完全使用电脑三维动画技术制作的动画长片,当时给人们的感觉更多是新鲜,毕竟之前没有过类似的作品。而现在看来,从5分钟的动画短片到82分钟的动画长篇电影,他们当时面临的制作任务可想而知。 从1995年到2019年,皮克斯已经制作了21部长篇动画电影,其中有4部是玩具总动员系列。一开始的皮克斯团队没有艺术部门,没有故事部门,也没有剪辑部门。后来动画团队从最初的3人扩大到50人;技术指导从10人增长到70人;艺术部门也有了4位艺术家。 皮克斯《玩具总动员》系列的动画技术在这24年里经历了怎样的升级变化?接下来我们就来分享一下吧。011995年《玩具总动员1》 要从哪里说起呢?得先来看看1995年《玩具总动员1》里的这只狗。 就当时有限的电脑三维动画制作技术来说,能把这支狗做出来已经是可喜可贺了,不过是放到现在来看嘛,和《玩总4》里的猫和它相比,真是一个天上一个地下。 当时使用的制作软件是相当初始的版本,Layout和灯光都是在文本编辑器(text editor)里创建的。没有视觉效果反馈系统,动画师们只能用手敲输入命令的方式来查看;绑定系统也是一样的,制作动画的控件就是基础款,只能用“粗糙”二字来形容。 既然是制作动画,自然少不了的就是“动画十二法则”。像迪士尼使用的“挤压与拉伸”“预备动作”“时间控制”这些基本法则,皮克斯他们也都用到了。但是因为早期工具版本的限制,想要实现像“动作惯性跟随和动作重叠”这样精细的法则,那就有些困难了。另外,灯光环节的光源也是很有限的。比如在Dinaco场景,就只有6-7个光源;如果放到现在可能会加载200-300种不同的光源,这么一比较,就知道当时的制作条件确实很有限了。 而且在当时,皮克斯团队在制作人物动画角色时还没有现在这么如鱼得水,其中涉及到衣服的动画制作,需要大量的时间。那么团队采用了什么样的解决办法呢?我大胆地概括为“以小代全”,在影片中以玩具视角看到人物的手和脚,用小部分代替人物的整个角色,巧妙地避免了制作缺陷带来的不完美。 对于一些必须要全部露出镜头的人物角色,他们采用了是不完全灯光的方式,大多都是在暗光场景出现,这样观众就不会注意到角色存在瑕疵的部分了。而对于处在亮处的角色,只能多增加一些衣服的细节。 大家知道,用CG来模拟人类角色皮肤和布料的材质纹理着色式相当费劲的,就现在来说人类皮肤的模拟也一直是业界难以处理好的问题之一。所以,在当时来说更是难以想象。不过好在他们比较善于处理塑料材质,这也是为什么皮克斯会回避人物角色,把第一部的目光放在玩具角色上,因为当时的渲染器渲染塑料质感还是够用的。 那这里面有一个相当重要的环节就是画面的渲染工作,直白的讲就是把带有灯光和动态效果的素材通过渲染操作保存成为画面精美的图像或是视频单帧。在渲染《玩具总动员1》的时候,共有117台电脑全天24小时不停歇地工作;根据复杂程度来看,每帧需要大概45分钟到30小时不等的时间,平均下来是一帧1800分钟;总共有114240帧需要渲染;动画总时长为77分钟,共有1561个镜头。 面对如此庞大的体量,当时已经完成过很多项目的Renderman站出来,又一次为艺术家们解决了问题。要是把制作更为复杂的《玩总4》放在那会儿,估计渲1帧怎么也得60-160个小时不等了吧。021999年:《玩具总动员2》 经过4年的时间和1998年的《虫虫危机》之后,皮克斯花了一段时间来解决工具和渲染等问题,终于在1999年推出了《玩具总动员2》。虽然从画面来看和原版没有太大的区别,可是随着制作技术的发展,他们在大约8个月的时间内就完成第二部的制作了,加入了具有更多特征和细节的人物角色,比如玩具收藏家和清洁工等等。动画师也找到了制作人物角色动画的关键性因素,那就是要流畅。 032010年:《玩具总动员3》 2010年6月,皮克斯发布了《玩具总动员3》,相比之前,画面已经相当有质感了。到这个时候,制作会用到的软件程序已经得到了很大的改进和升级,团队规模也有了很大程度的扩大。必须要提一句,这个时候Renderman在业内已经牢牢坐稳了电影级渲染器的头把交椅。 在第三部中,我们最先注意到的就是毛发制作技术的提升,Andy、Bonnie和芭比等角色的头发更细致更浓密了(很羡慕)。说起之前几部动画毛发制作,第一部中有一只狗,我们在文章前面已经介绍过了,基本没有毛发,直接用贴图纹理表现的;玩总2中也有一只狗,毛发已经顺滑很多了;然后就是《怪兽公司》萨利身上那100万根具有重力、加速度和力量的毛发。再往后的咱们就不列举了~ 其次就是着色方面,人物角色效果看起来更为真实可信;新的灯光技术创建了更额外饱满和真实的光照场景,这样更有利于故事的发展;最后就是景深和烟雾的处理,对吸引观众注意力起到了很大的作用。 042019年:《玩具总动员4》 当很多玩总迷以为3已经画上故事结局时,9年后,《玩具总动员4》来了。同时带来的还有软件和技术更大程度地飞跃。 一切都是崭新的。艺术家们利用最新的绑定系统来表达角色更为细致的情感变化;利用新的着色和灯光系统构建更为复杂和精细的场景;利用新的渲染系统来模仿光的物理特性,以及场景中的物体会在光照下产生的多种不同效果; 利用新的特效工具增强水的真实感;在地板、角落、缝隙和建筑物中添加灰尘和蜘蛛网,灰尘甚至还能呈现出特别好看的散景(bokeh )效果。这些是我们在之前任何一部玩总电影中都没有看到的。虽然有了如此之多的先进工具,允许艺术家们为任何场景填充真实效果,但皮克斯团队的制作效果始终忠实于玩具本身的设计。“这不是实拍电影,而是现实世界的玩具电影”。 05几个对比的例子Blocking&Polishing要说《玩总》1-3与4之间的最大差别,那就是玩具Polish的程度。从这个角度来讲,一个镜头里的动画分为两个方面,一个是blocking,一个是polishing。Blocking得到的是角色呈现故事情节的表演和动作,而Polishing添加的是让镜头表演活起来的那些细微动作。比如我们最熟悉的的polishing就是类似于角色眨眼或者是呼吸这种细节。据制作团队估计,动画师在制作4的时候,光是polishing这个环节,所花费的时间是1和2的10倍还要多,就是微调各种细节,让观众感受到角色的自然和真实,而不是去一眼看穿。 雨滴序列的制作 《玩总1》的时候导演想加一个下雨的序列,在当时的技术来看,几乎是不可能实现的。但他们还是用当时的工具做出了室外的雨和室内玻璃上的雨点,为故事情节的发展奠定了基调。虽然有限制,但如何减少限制,利用现有的东西来为讲故事服务,这才是关键所在。制作团队回忆说,当时有一位艺术家连续研究了1个月,才搞定了这部分序列。时光嗖嗖嗖飞到现在,为了完成《玩总4》中下雨序列的特效制作,艺术家们花了6-7个月,他们管这部分叫“烧钱镜头”(Money shot),不光是白花花的银子,还有制作人员的心血。关于这部分到底是什么样的场景,就不给大家详细描述了,免得落下剧透的嫌疑~ 宽高比的改变 不知道大家有没有注意到,《玩总1》使用的是1.85:1的宽高比,而到4变成了2.39:1。 陶瓷肌牧羊女为了展现牧羊女更为真实的瓷娃娃肌肤,制作团队参考了20世纪30年代-60年代电影中的女性角色。制作时尽量避免对牧羊女使用方形灯,因为只有没有锋利边缘圆形灯才能更好地反射到瓷器上面。 经历复杂,回归基础《玩总4》还做出了一个令人惊讶的举动就是:回归基础,叉叉Forky就是一个很好的体现。这个角色没有四肢、没有皮毛、没有光泽的表面,只是一个塑料叉子而已,但效果却相当真实。 团队不断壮大还有数字可以用来比较24年前后的不同。《玩总1》的时候制作团队有294位核心艺术家,129位crew employee和129位employee(因为我没有在国外制作公司工作的经验,没办法说清楚后面二者的区别,是不是可以理解为项目合同和劳动合同,希望有大佬可以为我们解释一下);而现在到了《玩总4》这会儿,皮克斯有1247位雇员,475位crew employee,和由55000个核心超级计算机组成的渲染农场,这些都是实力杠杠的技术保障。 虽然,皮克斯团队一直主打“故事情节才是王道”,其他任何都要为故事情节服务。但《玩具总动员》系列在24年来确实也收获了更为厉害的制作经验,更优秀的制作人才,更强大的制作工具。 所以已经为《玩总4》贡献票房的小伙伴们,你们有什么观影体验呢?或者哪一点触发了你对之前几部的回忆?可以在下面留言给我们哈!期待~

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