大家总说，BBC是纪录片神作高产户。但就是这样的高产户，也有被折服的时候。就在前不久，我们曾常看到的《地球脉动》、《蓝色星球》、《我们的星球》等等纪录片的资深解说、主持人90多岁的大卫·阿滕伯格爵士，却“跪着”看完了一部由个人拍摄制作的海洋纪录短片，还连连称赞：“这是一部前所未有的海洋巨制！”啥话都别说了，不如先点进全屏，带你洗洗眼睛，感受一下什么叫真正的震撼！《浪潮》（MOCEAN）短片来自著名摄影师Chris Bryan。他有着15年追逐浪潮的冲浪摄影经验，于是他用每秒1000帧的摄影机记录了海浪形成和变化的过程。这款摄影机就是大名鼎鼎的、搭载全域快门的幻影Phantom Flex 4K-GS：摄影师Chris 不仅是幻影摄影机的使用者，更是一名经过学习认证的幻影摄影机技术员，跟幻影公司达成了长期合作。Phantom Flex摄影机系列可以说是所有电影制作人的梦想，根据经验法则，200-300 fps足以拍摄大多数野生动物和人类相关的活动，英国最高的BBC野生动物广播规格要求制作的影片必须以4K分辨率和100fps的速度拍摄。BBC海洋纪录片《蓝色星球》尽管很少有摄影机可以做到这一点，但Phantom在和其他设备的比较之下，最终以创新型的性能胜出。RED摄影机必须降低压缩比，才能在4K时达到100fps以上，但Phantom Flex系列却能以最高画质产生完全未压缩的RAW文件，并且是在1000fps的帧率下。但器材的卓越不是Chris唯一的武器，他具有创造性又敏锐的眼睛和他在极端的情况下驾驭自己先进设备的拍摄能力，都是他能拍出这样作品的关键因素。这些绝美震撼的镜头记录了他2018年所有的心动时刻，高帧率摄影机得到的超慢速镜头，让大海看起来更加深邃、广阔，甚至是恐惧。海浪在经过渲染后变得晶莹剔透，像是一大块流动的蓝色琉璃。但说是海浪，倒不如说这部作品讲的是「水」，这个可以形成任何形状，本身却无法构成形状的物质。在极其缓慢的镜头推进下，「水」形态令人震惊。呈现出我们对于极限空间的困惑。它可以形成一股波涛，却又能在极限中分裂成水滴，而这之间转换的临界点又成为我们对于空间变换的难以理解。水同时成为水滴，又同时成为波浪。它下一秒就会变成另一个样子，但它却无法跳出此时的变换。还记得前两年BBC出品的《蓝色星球2》，用6K高清数码摄像机、无人机、超高清探测、极度低光摄像、拖曳/吸盘摄像等技术，从各种宏观和微观的角度，展现出我们从未见过的那些海洋世界。而Chris正是《蓝色星球2》的主要摄影师之一。这次他带来的这部新的作品，更加证明科技的的确确已经改变了我们理解大自然的方式。或者说大自然一直是这样，只是人类（借助科技）才刚刚看到。不断更新的拍摄技术，让所见越发震撼人心，真实的海洋，远超想象。这部短片是我们从一个旁观者的角度去领略大海新的魅力。但如果当人融入这个世界时，瞬时间动与静交相辉映，琉璃千顷，仿佛是一个不醒的梦。水上运动创意短片《湛蓝史诗》?这部短片更加轻松，但致美致幻。使用的是Red Epic摄影机拍摄，镜头为装配SPL水下护盖的尼康14mm F/2.8。虽然拍摄主题是水上运动——冲浪，却不似传统运动视频的做法直接让镜头集中聚焦于冲浪者的肢体动作，佐以节奏极强的音乐，给人以动感与运动的激情。与之相反，作者独辟蹊径，更重视运动之美、人体之美以及自然之美，视频侧重于展现随运动轨迹而变幻翻腾的水流，将一个刺激的体育项目表达如吟诗咏词，让人不禁叹服：原来水中运动也可以这么美！略微拖慢的镜头配合轻缓空灵的配乐，大量的仰拍镜头让我们好像是以冲浪者的第一视角感受着海水的魅力。翻涌的泡沫、崩腾的浪花、滟潋的波光、开辟出的水流甬道，甚至产生水流也从自己的皮肤上淌过的错觉。海水的千姿百态无一不讲述着这项运动的美，看完之后除了对于自然的感慨更是有了一种参与其中的强烈愿望。同时那些影影绰绰依稀可辨的人物剪影和人形倒影，又仿佛是从隔着一层蓝色水雾的第三视角来窥得这项海上运动的冰山一角，看水流因此而破开，看海浪因此而漫涌，精致而魔幻，隔着海水看光，都更添神秘色彩。正如作者所言，“这就像是一段奥德赛的旅程，是一部每一个热爱大海河川、热爱水上运动的人都会找到共鸣的史诗”。这一程，行到水穷处，坐看云起时。

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镜头运动中，有跟镜头和移镜头两种。其中，跟镜头track-up shot又称跟摄，是电影摄影机跟踪运动着的被摄对象进行拍摄的摄影方法。电影技术的发展和电影人的创新让画面呈现有更丰富的方式，这其中就包括运动镜头的拍摄。跟镜头有丰富的功能，它不仅可以展现画面中丰富的细节，跟踪拍摄可以提升情节的效果，还可以有带入感，让观众能跟随场景中的特定角色进入故事情节。给大家分享25个电影里的最佳镜头的范例。这些电影示例排名不分先后，它始终取决于观众的个人喜好，影视创作人可以选择适合自己作品的范例学习，它可以对作品质量的提升发挥作用。1.《人类之子》电影《人类之子》中，包括汽车伏击等场景，全片都是由一系列出色的跟镜头组成。其中的一段镜头跟踪男人在枪林弹雨中前进，是将近6分钟的长镜头，给观众造成临场感，十分具有冲击力。另外，其实战争场面的拍摄过程中，爆炸效果不一定非要轰炸油箱，可以将摄像机的镜头对准在场景中从外到内喷洒烟雾和碎屑，或者用镜头捕捉枪战中喷溅的雾状血液。2.《俄罗斯方舟》整部电影全长96分钟，镜头基本上都是跟踪拍摄，因此可以肯定地说，这部电影可以在场景、人物和情节上完成了一次创新。持续的跟镜头使用意味着拍摄过程中团队在场面调度，置景和演员的表演等方面都具有很大难度。考虑制作这部电影的时间和精力，可以说它确实是有史以来最伟大的电影成就之一。 3.《玩家》这是比较平稳但有趣的跟镜头之一，是因为这个跟镜头并没有跟随画面的主体人物，而是在这个区域中自由移动，通过这种方式交代人物的工作室背景，同时也让观众能够跟随人物的脚步。这是一个很好的例子，说明了在人物穿过场景时，无需让跟镜头一直跟在角色的背面。4.《好家伙》这种跟镜头是许多电影迷的最爱。通过将观众的视角放在卡伦·弗里德曼身后，我们跟着他一起看到了科帕卡巴纳俱乐部内的全貌。很多观众可能会注意到镜头是从按键的特写开始的，这意味着电影人可以创新性更改镜头大小来获得一些意料之外的电影效果。5.《历劫佳人》该跟镜头通常被认为是黄金时代的跟镜头完美范例，这是因为它使用了当时最好的电影设备之一。导演奥森·威尔斯切换了整个场景的焦点，并以此暗示观众，给画面中的汽车后备箱中炸弹埋下伏笔。这种拍摄方式就是起重机的最早流行用途之一。6.《蛇眼》布莱恩·德·帕尔玛导演在拍摄这部电影时创造了许多出色的跟镜头。但这一切的发生都不是偶然。拍摄开始时，很多导演甚至没有意识到自己在看监视器，而且画面效果会变得更好。跟镜头可以很好地介绍人物，为场景提供隐藏信息，并很好地展示故事发生的背景。7.《血色将至》就导演个人而言，这也是他拍摄过的影片中最喜欢的时刻之一。通过跟镜头进行捕捉的方式非常适合拍摄这种场景。此时的炸弹已经熄灭，丹尼尔必须找回儿子。导演要决定用镜头把观众的注意力集中在哪里。这是一个艰难的选择。从这里的跟镜头中，画面呈现的实时效果使观众可以更好地理解丹尼尔的心境和行动。8.《低俗小说》让这个跟镜头如此出色的很大一部分在于它给观众在观看时的感觉。此时观众知道了赌注，也知道为什么布奇决定回去找他的手表，所以观众跟随布奇回去会有令人振奋的效果。在这个场景中为了显示布奇如何穿过篱笆，摄影指导让置景的部门把围栏缩小范围，这样就可以跟随布奇，感受主人公在拉开围栏过去的动作。9.《荒野猎人》这段跟镜头使用CGI和专门的技术将镜头混合在一起，但这并没有脱离场景的气氛和演员的演出方式，反而让这场戏带给人更加震撼的观感。并且这个场景中产生的焦虑感十分强烈，另外增加了水和背景声音设计确实使这个场景让观众更加赏心悦目。10.《拯救大兵瑞恩》对战斗、战争场面的展现使跟踪拍摄具有电影效果。但很少有电影和导演史蒂芬·斯皮尔伯格一样展现。《拯救大兵瑞恩》的这段镜头是晃动跟镜头的一个很好的例子。11.《真探》给大家推荐的这部《真探》不是电影而是一部美剧，因为它的拍摄水平可以与电影相媲美了。电影里有很多十分逼真的跟镜头，作为一部电视剧能做到这么高的制作水平实属不易。并且这个场景中的人物对话让这个场景具有现实感同时又很有乐趣。12.《危险思想的自白》这也是跟镜头的最好范例之一，很多电影的跟镜头通常不这样做。而这个跟镜头在画面呈现上带来了新的东西，这是因为这个跟镜头既包含了场景转换，又包含了时间的流逝。这部电影尝试通过跟镜头将一些新东西带到画面中来，这让画面中出场的人物和场景中的细节给观众留下深刻的印象。13.《鸟人》《鸟人》整部电影也是由一连串的跟镜头组成的，但最好的镜头是男主角里根被锁在剧院外面的地方，必须跑到门的前面才能使其回到下一个场景开始之前的舞台。这张照片之所以如此出色，原因之一在于它展现出这段紧张的故事情节和里根的心境，因为这表明了他对演出的责任。他的衣服被门夹住，里根为了正常表演被迫脱掉大衣，“裸奔”穿过街道回到舞台。14.《闪灵》导演库布里克对画面进行跟踪拍摄的最大好处是可以看到人物周围的空间。他通过压低镜头，在观众的脑中营造出恐怖的感受，因此这样的画面令人毛骨悚然。可以将这部电影中跟镜头拍摄看作是一种超自然的邪恶，就好像酒店的灵魂正在注视着住进来的这个家庭一样。15.《不羁夜》这部电影有很多很棒的跟镜头，但是这部电影整体很好也是因为它有很多动感的部分，让观众感觉自己像在参加聚会，同时也向电影初期的出色的跟镜头致敬。这里和他的其他电影中都有很多不错的跟镜头，因此可以跟随导演保罗·托马斯·安德森的角度尽可能多看看他诠释画面的方式。16.《我是古巴》《我是古巴》在当时真是一部了不起的电影，影片中还有很多值得仔细观察的跟镜头。在这部电影之后，拍摄跟镜头的摄像机运动方式得到了改善，之后的很多电影拍摄效果都很好。17.《赎罪》《赎罪》中的跟镜头展示了敦刻尔克役的状况，如果观众能切身体会此时的这个海滩上的每个士兵都渴望与他们的亲人团聚，就能感受到这个跟镜头显示出的战争的恐怖和徒劳无益。摄影机模拟人的视角跟拍这群士兵，在这个跟镜头中机位设置的非常好，如果有影视创作人想看导演拍摄真正的全镜头的示例，这个镜头是个不错的选择。 18.《全金属外壳》导演库布里克拍出很多很好的跟镜头，其中一些镜头的时长可能不比这个镜头的长，依然具有强大的冲击力，并且很快把观众带入到故事中。通过观看全片来了解导演要诠释故事的方式，就会理解这些跟镜头的用意。墙裂推荐各位影视创作人看这部电影，了解库布里克在整个电影过程中对跟镜头的使用方式是如何变化的，以及场景，人物角色和情节如何影响导演在每个场景中做出的每个决定。 19.《007：幽灵党》《007：幽灵党》的这个跟镜头实际上是整部电影中最好的部分。使这个镜头如此特别的原因是它将观众带到了节日热闹的氛围中。并且拍摄设备从吊车切换到其他方式（可能是斯坦尼康或其他的手持设备）来塑造007狂拽酷炫的形象。这个场景也特别有趣，观众可以看着邦德用如此自信的状态沿着建筑物的边缘行走，尤其是在楼下欢乐的节日氛围中。这是跟镜头的一个很好的例子。20. 《斯巴达300勇士》这个跟镜头是《斯巴达300勇士》中惊人的让人过目不忘的跟镜头之一。在这部《斯巴达300勇士》中的战斗场面都很有趣，但这个镜头可以说是整部电影中最好的时刻之一。这是手推车拍摄也是跟踪拍摄的一个很好的例子。 21. 《摔角王》这部电影的优秀之处在于它带来的影响。电影中的跟镜头如何使大多数观众会对这个在现实生活中创造出的人物角色产生深刻的同理心，这就是电影对人的心灵震撼的力量。同时，声音的设计也有助于这些镜头对人物和故事的诠释，当然这是后期剪辑工作时需要考虑的问题。22.《冬阴功》很多影迷喜欢战斗场景，并且喜欢跟镜头，那么如何做得更好呢？《冬阴功》中，这段场景中的演员托尼·贾展现了自己的武打技能，并且这部电影的武术指导的技术也是十分顶尖的水平。创作人在观看这个场景时，也要注意到镜头的焦点。画面什么时候看起来模糊，什么时候看起来清晰，然后拍摄的时候运用所学知识发挥到自己的作品中。23.《光荣之路》大导演斯坦利·库布里克的电影里有很多跟镜头。因此他被很多人称为“跟镜头之王”。摄像机在这个场景中的运动是有动力的，景深也同时交代了场景中的背景和人物。导演在这部电影中做了很多事情，其中最重要的部分之一就是他经典的电影摄制风格，他的电影里轨道车是最好的工具。很多电影里都是在一些普通的镜头之间来回切换，并在必要时进行剪切。库布里克的电影则是在一个完美的跟镜头中来回切换，让这段戏更出彩。24.《辣手神探》这是一个出色的跟镜头，并且这段跟镜头和《冬阴功》一样，《辣手神探》的武术指导也很有实力。是武术指导对演员的编排让这个跟镜头更加出色。但是拍这样的一段戏需要在排练的时候就下足功夫，如果需要类似的镜头也需要充分准备无数场景中的道具，最终呈现效果会很好。25.《维多利亚》《维多利亚》是另一部完全由跟镜头组成的电影，当观众观看时，就可以看出它的呈现效果非常好。如果要拍摄出色的跟镜头，首先需要一个不错的场景，因此要确保脚本中的故事和拍摄场地的布置都很完美。并且要考虑演员走位、动作和情节走向，这样就可以确定这段跟镜头怎么进行拍摄，最终后期制作时选择最适合的时刻剪辑这些镜头。

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欢迎来到新片场学院线下实训小课堂第四期。这一期详细讲解青春时尚场景的拍摄技巧和灯光方案。小课堂讲解视频这一期的关键词是“青春”、“时尚”。围绕主题，我们重点要突出动态元素，利用色彩来营造活泼的氛围，以此选择拍摄方式和灯光方案。类似风格都可以参考我们今天的布光和拍摄思路。所需的设备道具▲▲▲▲▲两盏ARRI S60、6个LED棒灯、烟饼▲▲▲▲▲选择上述灯具的原因：ARRI S60和LED棒灯都有彩色及变色的功能,可以高效地达到我们想要的青春时尚效果。主光关于灯光方案。一盏ARRI S60作为人物的面光，但注意灯的位置在人物的侧面，而不是正前方。这样人物在光线变化的同时依然能保证脸上有光比的反差。另一盏ARRI S60处于后上方，作为逆光使用。将两盏灯都切换到party的灯光模式，让光线一直处于变化的状态，场景的动感氛围立现。这种布光方式在现在的广告和MV中经常使用。辅光添加LED灯棒作为辅光。在前景、中景和后景都放置不同颜色的灯管，既强化场景的纵深感，又丰富场景的颜色。拍摄方法升格摄影是影视拍摄中常用的技术手段，通过改变正常的拍摄速度——24格/秒，来达到特殊的视觉效果。比如速度高于24格/秒，这就是升格，放映效果就是慢动作；相反，低于24格/秒，就是降格，放映效果就是快动作。这个镜头的拍摄中，分辨率设置为2K，升格调节到100格，用慢动作的方式来展现女生的可爱，延迟放大她和泡泡玩耍的愉悦感。表演上，女生对着镜头微笑，手中泡泡机也一直在动，产生的泡泡萦绕四周，起伏降落，丰富画面信息。烟饼可以制造烟雾，是营造场景氛围的重要道具，弥散在空中，增加颗粒感和层次感，具体的使用根据实际情况而定。同时，后景放烟，飘动的烟雾让后面的整个空间流动起来，和前景中处于动势的人物产生呼应，使画面更具层次。而且这个镜头采用了肩扛摄影，摄影师在摄影机水平、前后以及焦点的变化上有灵活的控制。动态画面的拍摄对演员的表演、摄影机的运动和灯光变化节奏之间的契合有较高的要求。由于是捕捉演员的某种状态，表演、摄影机运动和灯光变化都存在随机性，所以更考验摄影师的经验和临场反应能力。简单的场景中，不同的布光方法、色彩运用、拍摄方式和道具使用就能够烘托出不同的氛围，传递不同情绪。学员作品新片场学院线下实训《影视摄影&灯光实战进阶课》结合理论实例讲解和实践创作环节，聚焦摄影&灯光方向的专业知识，为大家解析构图、镜头运动和光影等对画面的作用。学员们既能提高拍摄水平，又能积累拍摄经验和优秀作品。9月13日广州站持续报名中，期待线下交流。你还想知道什么内容的干货知识呢？欢迎留言！！！▲▲▲▲▲-完-点击图片了解详情

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“我认为女性会去看深层的情绪，而且他们不会害怕这些情绪。”当电影摄影师 Joan Churchill 谈起在摄影机背后工作的女性时说道。她在完成作品《一个连环杀手的生与死 Aileen: Life and Death of a Serial Killer》时，需要与被摄对象保持很近的身体距离，并要逐步建立信任。去年在纽约举行的名为“女性的凝视” （The Female Gaze）主题影展上，Filmmaker 杂志有机会采访了几位参加座谈的女性电影摄影师。在座谈中，摄影师们达成了一个共识：同理心和直觉是他们工作中的一项关键技能。与其讨论在电影行业里做为一个女性摄影指导意味着什么，Filmmaker 杂志更多地是和摄影师们探讨在拍摄中如何对情感的表达进行处理、自己的身份在工作中的意义，以及其电影作品的创作心得。这让我们了解，女性摄影师独有的“凝视”是如何造就了这些作品中细致并有开创性的视觉语言，使得每一帧画面都能让观众感受到丰沛的情感。Q:你的摄影风格让人感到非常流畅，在你拍过的作品中，剧本中的哪个部分会给你灵感，你在不同的影片类型和调性里是如何保持自己的风格的？A:我希望我的每部作品中都有深刻的联结，某种程度上讲，这将反映我是如何接近这个世界的。但同时我也很希望成为一个可塑性强的摄影师，能尝试多种不同的风格，因为不断重复同样的事情是很无聊的。当我读到一个剧本，我会问自己：为什么这部电影很重要？为什么它需要被拍出来？这是我最近的创作导向，现在的电影中充斥着垃圾和暴力，所以迫切需要一部电影来纠正这些，或者增加一些颠覆性的元素。不然拍电影还有什么意义？Q:这部影片（The Miseducation of Cameron Post，2018）的画面风格没有任何华丽的设定和场景，让人感觉几乎毫无修饰。你和导演是如何在这部电影的摄影风格上讨论并落实的？A:导演和我认为在摄影上需要体现出故事发生的场所是什么样的机构以及角色们所处的压抑环境。画面色彩主要由低饱和度的米色系构成，构图造型也来源于场景自身一些规整的形式化结构。我们希望避免与同类题材影片的华丽场景雷同，因为这部电影是非常忠于现实的。片中没有华而不实的光影，描绘欢乐的瞬间也依然有阴云笼罩。导演希望电影的内在是深沉的，因为即使故事人物离开了长大的场所，他们在那里受到的创伤也不会奇迹般的结束。Q:我发现你的摄影风格在运用电影手法的同时，还保持了原始感和真实感。你是如何运用摄影机、灯光和构图创作出这种特色的？A:当灯光和构图都确定好以后，我透过摄影机看画面时会问自己一个问题：现在形成的画面是否能让人产生故事需要的感知？我希望人们看到画面时能忘记有摄影机的存在。Q:你和导演 Claire Denis 合作过很多次了，你们的沟通流程通常是怎么样的？每次合作会有不同吗？A:每次与 Claire Denis 合作，我们都会对影片主题进行研究，找到一些不同于以往故事画面中的东西。每次对摄影的探讨都好像是在探究信仰。Q:你能说出你参与的电影里，哪一个瞬间是你觉得情感传达得最好的场景吗？A:舞蹈的片段通常能轻易地传达出强烈的情感。也许是因为大部分片段没有对白，也许是和舞蹈一样，体验摄影机的节奏跟上演员的节奏。但一般来说，如果摄影机没有传递出更丰富的内容，任何镜头都会产生这种平实的情感。Q:你在这部纪录片中的画面处理十分高效，为此你做了怎样的准备吗？A:本片导演 Nick Broomfield 十年前拍摄过一部关于 Aileen Wuornos 因杀害六名男子最初被捕的纪录片。我们当时正在拍摄纪录片 Biggie and Tupac (2002)，Nick 收到了法院关于出席 Aileen 上诉终审的传票。我带上我的第一台数字摄影机（Sony PD 150）就出发了。我们获得了法官和警察的允许，得以在狱中采访到Aileen ，还通过她儿时玩伴的证词了解到她悲惨的童年。Q:在拍摄 Aileen 的故事时，是如何在获得画面效果的同时，还能为未知的情况做好准备？A:尽管正在进行另外一部影片的拍摄，我们感到 Aileen 的故事发展很重要。没有资金支持，我就用了自己的小型摄影机拍摄。这是我第一次用小机器拍摄，当我可以把摄影机捧在手中，而不是扛在肩上时，我与被摄对象的关系彻底改变了。也许是因为摄影机不再挡在我脸前，让我更像一个参与者。我可以做为一个旁观者，而不是一个玻璃镜片，被访者可以看到我的表情和现场反应，从而卸下心防。对我来说，这意味着更有临场感。同时，小型摄影机因为减弱了他人面对机器时的不自在，而少了很多束缚。很多从来没有面对过摄影机的人在和我们的相处中，透露了一些与艾琳私下交往的细节。我希望能融入到人与人之间的互动中，所以在拍摄时和他们靠得很近。这意味着他们会经常意识到我的存在，我们会有频繁的互动。这是一个不小的考验。Q:你认为你的摄影机是你的延伸吗？你作为创作者的情感视角是如何运用到拍摄中，能从你的作品中举例说明吗？A:拍摄这部影片中，构图如此紧凑，有很多 Aileen 的面部特写，正是我的情感视角影响了画面处理的例子。我的确把摄影机看作自己的延伸。排除了过度理性，我仅仅是把摄影机指向我在那个瞬间最感兴趣的方向。例如，两个人正在交谈，我作为一个旁观者，先将摄影机指向说话的人，然后当我变得对倾听的人更感兴趣，摄影机的方向就随着我的兴趣点而动。当然，在摄影机背后的人一定要倾听和参与。我会尽量使摄影机可以进行任意移动，这样能及时完成现场需要的镜头运动。很多摄影师在拍摄时没有足够注意被摄者正在说的话或正在做的动作，没有考虑拍摄到的片段是否会限制剪辑师的发挥，或是并没有捕捉到重要的瞬间。当主人公情绪高涨的时候，很多情况下最好的选择是不要移动摄影机。我以前拍过一部关于心理急诊室的影片，那里的人们都处于极端的状态。我不想因为我的存在而增加他们的痛苦，所以我找到了一个固定机位，有时会一直待在那儿，记录下医生和患者交流的整个过程。总的来说，摄影师想要记录真实发生的生活，需要对他们遇到的情景保持敏感和尊重。与人交往的能力往往比摄影水平更重要，如果能真诚的对待被访者，就更容易被人们接纳，进入他们的生活。这是一个有特权的位置，作为摄影师应该尊重这段关系，不要背叛它，把摄影机“捕捉”到的经历呈现给观众。拍摄 Aileen 的故事是我遇到过最困难的拍摄经历，因为当时她已经决定接受死刑，这在情感上是非常艰难的。我拍出了比平时景别更小、构图更紧的画面，拍摄时我完全没意识到，直到成片后有人指出这一点我才发现。Q:连续地看你的两部作品 The Neon Demon 和 The Milk of Sorrow，我发现你真的能够描绘出角色的内心活动，并让观众产生共鸣。你是如何在通过构图、灯光等镜头语言勾勒出人物的情感曲线的？A:这是一个非常有趣的发现。我的确试着通过摄影来反映出角色的情感曲线，每部作品都会根据其本身的视觉语言去选用不同的方式。在 The Milk of Sorrow（2009），女主角 Fausta 一个递进的方式逐渐占据了画面。一开始，画面主体是环境，她还没有找到她的位置。当母亲在第一场戏中去世，窗外的城市环境通过镜头运动占据了画面，她突然从舒适安全的房间内部被移到了外部。或者准确地说是外部侵占了内部。当她在钢琴家的家里工作后，我们在家的空间取景，构图遵循了房间的建筑结构， Fausta 在画面中只占一小部分，位置无足轻重。我们会调整她在画面中的大小，也会在构图不协调时，变换她在画面中所处的位置。随着剧情发展，当她开始掌控自我后，画面中她占据的规模也开始变大，最终构图以她为重心，她拥有了整个画面。Q:The Neon Demon 具有其独特的美感，你是从那个环节开始加入的？和导演 Nicolas Winding Refn 合作是个怎样的过程？A:和 Nicolas 导演的合作非常令人兴奋。他没有一开始就给我视觉参考，而是和我讨论了很多话题，比如关于作为外国人生活在洛杉矶的感受，或者关于情绪、感受、音乐。他给了我一份对他有启发的歌单，另外还有一份影片列表，但那些影片都不是用来做视觉参考的，更多是作为情绪和调性的参考。他不会直接告诉我他想要什么样的画面，而更像是片单里所有天马行空的电影在某种情况下交织起来形成了 The Neon Demon 的样子，但那时我依然没有具象概念。我很早就加入了筹备，我们一起选定了所有场景。每个场景我们都看了多个备选方案，通过这个排除选项的过程，还有关于“需要什么，想要什么，不想要什么”的讨论，我们开始构筑 The Neon Demon 世界。Nicolas 很好的一点是他会给团队很大的发挥空间，他知道自己想要什么，但同时又非常开明，勇于突破舒适区，承担风险，无畏失败，拥抱过程，这样大家都能把最好的发挥出来。另外一点我很欣赏他的地方，是他会按照剧本的时间顺序拍摄，这使得整个过程更加协调统一，剧本和电影可以随着拍摄而发展和成长。与其它电影不同，我感到我们的拍摄就是在找寻这部电影的灵魂，因为每天不必受限于已经拍完的内容，而是可以完全自由地创作。这部电影可以在拍摄的推进过程中，进行有机地改变和发展。-end-文章内容来源：https://filmmakermagazine.com新片场影视留学为你提供专业的影视学习内容更有海外名校影视专业申请全流程和作品集辅导服务！

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广告摄影是通过视觉手段来展现广告主核心的诉求，包括产品格调、品牌定位、功能信息等等。摄影师手中的摄影机就像是军人的枪，不仅是摄影师朝夕相处的伙伴，更是并肩作战的“战友”。想要创作出优质的广告作品，首先得对手中的“武器”有深入的了解。（以下内容节选于线下实训《商业广告创作课》理论讲解部分）上课现场 随着科技进步，胶片摄影机逐渐退出主流市场，如今国内广告人多使用类胶片摄影机，如德国阿莱公司生产的摄影机和美国RED公司的摄影机。相对地，阿莱的产品设计人性化，菜单设置简单明了，便于摄影师临场操作。在镜头选择上，英国的库克镜头性能突出。其实，广告拍摄中，摄影机和镜头的选择要根据摄影师的个人偏好、项目成本和影片风格等因素决定。最重要的是，摄影机性能稳定，无论在高温还是低温的条件下都能正常运作。光圈含义：镜头内部控制光线进入量多少的装置，通常用F或者T值表示。常用的光圈值：T1、T1.4、T2、T2.8、T4、T5.6、T8、T11、T16、T22F与T的关系：F值被大家广称为“光圈值”或“光圈级数”，它是由焦距长度和光圈孔径（直径）的比值计算出来，数值越大，表示光圈孔径越小，即光圈越小。电影摄影镜头多以T值作为镜头亮度参考值。一般T值的数值总是会比镜头的最大光圈值要大，而两者数值间的差，就代表光在传输过程中流失的量。简而言之，T值越接近F值，表示镜头的透光性越佳，拍出来的曝光效果也更明亮。相邻的F值相差1.4倍，进光量也相差1.4倍，我们成为曝光相差一档。快门含义：摄影机内部控制光线照射感光元件时间的装置，单位是秒。常用的快门：1/25s、1/50s、1/100s、1/200s、1/400s、1/800s、1/1600s相邻的快门速度相差1倍，进光量也相差1倍，我们称为曝光相差一档。快门速度（曝光时间）=1/每秒格数X快门开角度/360 感光含义：数码相机和摄影机内感光芯片对于光线的敏感程度。常用的ISO：100、200、400、800、1600、3200、6400相邻的ISO相差1倍，对光的感知能力也相差1倍，我们称为曝光相差一档。所谓曝光控制是指基于相机测光结果，通过光圈、快门和IOS等参数的合理配置，使目标画面准确曝光的过程。18%灰含义：18%的反光率。当物体被光照射后，有的光被物体吸收，而有的光线会被物体反射，而物体反射光线的比例就是“反光率”。整个摄影艺术创作中，进行曝光控制的基准点，所有的摄影器材、灯具器材、光线测量设备的一个标准参照物。几类物体的反光率：镜面100%、雪98%、白色卡纸90%、煤炭4%、黑色天鹅绒2%测光含义：摄影中，测量光线的亮度值，并且计算出合适曝光的过程。EV曝光值：将快门速度和光圈值按照下表所示置换为整数值，对应快门速度的整数值称为TV，对应光圈的整数值称为AV值，而且只需将这两数值相加就可以轻松得到曝光量，该值称为EV值。入射光测光通过使用测光表靠近被摄物体的受光面，将测光球体对准光源方向，得到的曝光参数。这个测量结果能够准确地将物体在测量的光源亮度下，展示出18%的灰。反射光测光也叫做点测光，通过测量取景器画面中某一个点的反光来测量曝光参数，实现测光，主要用于数码相机。安塞尔亚当系统摄影师安塞尔亚当把影像分成11个区，每一个区代表在影调上的层次。在这11个层次中间的第五区，写着中灰，也就是18%灰。画面中每一个感光点都有层次是摄影的高境界，这一点体现在《教父1》的画面中。动态范围与亮度范围动态范围：图像中所包含的从“最暗”至“最亮”的范围。动态范围越大，所能表现的层次越丰富，所包含的色彩空间也越广。亮度范围：人眼可见的最亮到最暗的范围。枯燥的理论知识总是让人头大，线下实训《商业广告创作课》的理论讲解不止有文字的呈现，更有现场设备的展示，学员们能够亲自操作体验，进一步掌握摄影基础技能。此外，学员们可以分组合作，使用行业一流的拍摄及灯光设备，参与商业广告全流程制作，更有老师全程指点，助你们打造属于自己的得意之作！“新片场学院小影迷”（xinpianchangXK）微信咨询线下实训课程或拨打咨询电话17601029998点击此处即可报名>>点击图片了解课程详情

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“长片犹如绵延的长拳，而短片则更有爆发力。灵感到来的那一刹那，犹如火箭腾空的触点。”——贾樟柯-2019新的开始-限时两周+命题创作，这是一次考验，也是一次探索，NEW ERA青年电影季命题短片单元依旧用这样的形式，想要激发出更多人的创作灵感。不论你日常在拍剧情长片、商业短片、纪录片或短视频等，两周的创作都是一次难得的机会，不仅是为参赛和获奖，而是来一次“短打”。希望你能在随后到来的两周里，拿起设备，拍部短片！时间更改说明：由于今年正值建国70周年大庆，为了配合国家各项文化活动更成功有序的进行，我们对第四届NEW ERA青年电影季的排期也做出了微调，命题短片单元由原定的5月9日推迟到5月15日，颁奖典礼提前到今夏8月。希望大家以官网发布时间为准，关注我们的各项活动。2019时间安排： -NEW ERA青年电影季-NEW ERA代表的是新纪元，是一个为未来而建的青年影展。基于国内最大的影视创作人社区新片场，我们希望看到青年创作人早期的作品，鼓励大家迈出关于电影的第一步。在这里，我们最重视的是更丰富的想法和更大胆的探索。努力迈出第一步，只要足够有才华，就可以不用改变。除了自由创作的主竞赛单元，最具特点的命题短片单元也一直在NEW ERA青年电影季中保留，创作人从同一起跑线出发，在命题之下、限时之内完成创作，更能展示出团队实力与灵感闪光。命题短片单元竞赛说明：命题短片单元，是面向国内外年轻创作人举办的全年系列创作大赛。它的亮点在于玩法——用创意半命题的形式，激发创作人的灵感，创作人必须在同一的命题下，限时两周内完成创作。在创作中我们经常遇到各种约束，但这并不能限制创作者想象力和实力的发挥。恰恰相反，在同一主题下创作，同一起跑线上，更能展示出一支团队的与众不同。- 上届回顾-在这种命题+限时的苛刻要求之下，我们能完成怎样的创作呢？去年是《碧海蓝天》上映30周年纪念，我们以其中的经典台词“感受内心的召唤”为主题，并要求作品中必须出现“蜡烛”这项关键道具，在两周创作时间内，我们的创作人完成了这样的作品：2018NEW ERA青年电影季命题短片单元 最佳影片《家出少女》陈锦宇2018NEW ERA青年电影季命题短片单元 最佳导演《风来了》伍嘉伟-短片创作说明-1. 命题短片单元采用规定半命题的形式，创作者要围绕命题要求创作一部剧情短片，题材不限；2. 短片时长要在10分钟之内（包含片头片尾），超时则无参赛资格；3. 在上传影片时，一定要在“视频简介”中填写200字以内的导演阐述，说明创作背景和创作思路；4. 下载片头&海报物料包（物料包将在题目公布时在报名网页开放下载），按要求压制大赛片头、制作海报。 - 版权权益及法律注释-1. 全部获奖作品的完整版权归原作者所有；2. 全部参赛作品，新片场享有对作品进行宣传、报道、展示的权利，并署名作者；3. 作品一经提交，将视为参赛者同意并自愿遵守比赛相关规定，若作品在展示、传播过程中其著作权存在争议，主办单位不承担因作品侵犯他人（或单位）的权利而产生的法律责任，其法律责任由参赛者本人承担；4. 主办方对本活动保留最终解释权。P.S.为方便创作人们进行线上交流及组队创作可扫码进群群内会及时更新命题短片单元相关信息↓↓↓若命题群人数已满可添加NEW ERA小助手微信咨询↓↓↓第四届NEW ERA青年电影季命题短片单元开启报名期待你的到来

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4月30日晚上，五一小长假已经正式开启，但近5000人守候在电脑前、手机前，参与了新片场学院举办的“职业摄影师必备技能”的直播分享。这群人拥有同样的影视梦，通过网络相聚，成为并肩进步的同行者，实在浪漫。截稿前，直播观看人次已破万这次直播由《电影自习室》核心创作人侯劲宇&渣哥主讲，实景现场演示。由于老师讲解非常细致，直播持续了2个多小时，直观展示了职业摄影师需要具备的技能，真实的工作状态和广告拍摄流程。为了造福更多的影视从业者，我们特地整理了此次直播的干货。一、影像风格作为一个摄影师，在正式开始拍摄前，你需要结合甲方和导演的意见提出视觉概念，即确定影片的整体风格，具体包括可拍摄的所有画面内容、光效、色彩和镜头运动等。注意！提出影像风格的同时，一定要附上文字描述、参考图片和影像资料。这样能够提高与导演、美术的沟通效率，达成共识，推进下一步工作。二、分镜脚本分镜脚本由谁负责，在行业中没有明确规定。标准的项目流程中，分镜脚本是由导演写，摄影师参与讨论。但在小项目中，或配合不同导演的工作方式，很多情况下摄影师负责分镜设计和视觉把握。技多不压身，分镜脚本的知识也要提前学起来！三、拍摄设备根据分镜头脚本，你需要设计每一个镜头的运动、光线效果以及视听元素的有机融合。然后提前列出现场需要的拍摄设备，尤其特殊的移动设备（稳定器、伸缩炮、大摇臂等）或者水下拍摄器材，上报给制片部门。四、片场准备摄影师需要和灯光组、美术组、导演一起勘察拍摄场地，确定镜头机位、灯光分布，并绘制灯位图。拍摄过程中，灯光组是和摄影师配合最密切的部门，而灯光图是保证现场顺利拍摄的重要工具，能减少时间浪费。摄影师在设计影像风格时会运用几种基本的造型方法，通过组合或单独使用造型方法，实现任何想要的造型效果。一、构图摄影专业的入门会从图片欣赏开始，其实就是为了掌握构图。构图的常见方法有九宫格、三分法、三角形构图、梯形构图、消失点构图等等。实例演示1：调整画面调整前调整前，画面右边的电脑屏幕占据很大部分，与左边空白的区域无法对称。调整后调整后，画面左右两边都有了视觉元素填充，看起来更协调，也利于突出主体。实例演示2：更换镜头35mm镜头以35mm镜头拍摄的画面为参照，在机位不变的情况下，对比不同镜头拍摄的画面。25mm镜头明显地，25mm镜头取景范围更大，视野变宽；演员与后面事物的实际距离被扩大夸张了；画面边缘有点变形。 85mm镜头85mm镜头属于长焦段，景深浅，视野明显变窄；人物与环境的空间关系被压缩，后景虚化，十分适合人物特写。实例演示3：信息传达图1图1的画面没有其他多余信息，我们会被构图所引导，更关注人物的内心状态。但这个构图带给观众的感受可能是压抑的，因为我们不知道人物在干什么。图2图2中，电脑屏幕和人物产生直接的关联，我们清楚知道他正在看电脑。这个构图相对客观又保留一定主观性，既展现了人物的表情，又简单交代了人物的行动。图3图3隐去了人物五官和面部表情，这个画面传达的信息是不明确的，营造了神秘感。注意！在拍摄一个场景时，我们除了完成关键镜头的拍摄，还要用剪辑思维成组镜头拍摄，包括不同景别的镜头、人物的细节动作、空镜等，这有利于不同镜头的衔接，给后期创作留有空间。二、镜头运动相比于固定镜头，流畅的运动镜头会给观众带来更生动、丰富的观影感受。实例演示1：摇镜头从手摇到脸，摄影机运动引导观众的视线，我们首先看到手指和键盘的互动关系，随着镜头向上运动，逐渐揭示人物认真工作的精神状态。实例演示2：移镜头利用轨道进行横移拍摄，可以看到焦点一直在人物的脸上，所有事物有着明显的空间关系变化，横移运动比定点摇拍能展现更多的环境氛围。实例演示3：移镜头+焦点变化在横移运动基础上，焦点增加变化，从后景过渡到人物脸上，镜头的前部分可以展示清晰的空间环境和传递相对重要的补充信息，画面层次更加丰富。点击此处即可报名“新片场学院小影迷”微信咨询线下实训课程或拨打咨询电话17601029998>>点击图片了解课程详情

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在电影、电视剧或商业广告的拍摄中，常常会使用一些大型的轨道，这里就和大家分享一下轨道一般是如何使用的。轨道类型轨道基本分为两种：1. 直轨，长度一般在1.5米，也有0.75米的型号；2. 弯轨，长度大约在1.7米左右。直轨和弯轨可以连在一起使用，自由排列组合，大家可以根据自己的需求租赁或购买。比如，想拍一个机器在轨道上转一圈的效果，轨道需要组成一个完整的圆圈，那么至少需要12节图示的弯轨，大家在租赁的时候需要计算好需要的轨道数量。轨道车轨道车下面有轮子，通常有16轮、24轮和32轮的。在架设轨道时，要注意下面的轮子严丝合缝的卡在轨道上，否则在会影响推拉的效果。木楔子平时架设轨道时难免遇到不平整的地面，因为木楔子有一定的高度，可以根据实际需要，适当的提升或降低轨道的高度，并使轨道与地面的摩擦力增大，摄影机运动起来会更稳定。推轨时为了保证画面没有明显的抖动，并且保证多次拍摄同一画面时的一致性，需要注意起幅、落幅的平稳顺滑，并要做好起幅、落幅的位置标记。如何保持平稳正式开拍前，通常会留一段时间给摄影组进行几次镜头运动的预演，通过预演你能明确这个镜头的运动速度、长度，和轨道车的重量。想要保持起幅的平稳，需要注意：1. 切实感受轨道车在机器和摄影师就位之后的重量；轨道车的实际重量，决定了你在拍摄起幅时用来推或拉的力气。比如，在拍摄一个运动较慢的镜头时，你在不知道车重量的情况下，会使用错误的力度，导致轨道车突然启动，或者半天没推动的情况。2.明确在进行推或拉的动作时，手需要放在车身的哪个具体位置来发力，这将帮助你使用更有效的姿势发力。三种常用推轨姿势在这里介绍几种常用的姿势，来帮助你在初学的时候应付各种情况。【推轨姿势一】将手臂向前伸出，手握车把手，手臂微微弯曲，并提前用力，在开始推的一瞬间，将身体重心向前。这时注意，要借助身体前倾的力量，通过手臂弯曲将力量进行缓冲，使得起幅柔和平稳。这种姿势比较适合轨道速度较慢的镜头。【推轨姿势二】将手臂向前伸出，手握车把手，双腿前后交叉，让整个身体前倾开始推的一瞬间用腿发力。这样会让轨道车的启动初始速度较快，同时更容易进行轨道加速。这种方法多用于快速运动的镜头。【推轨姿势三】蹲下身体，人处于轨道车侧面，手扶轨道车边缘，用手臂的力量拖行轨道。这种方式可以拍摄一些运动路程较短，而且速度极慢的镜头。如何快速做标记标记起幅、落幅位置时，使用大力胶这种方式最为常用，可以应付各种场景。根据不同颜色的地面，可以选择颜色反差较大的大力胶。除了轨道以外，变焦镜头有时也会用来拍摄推拉镜头，我们来对比一下使用变焦镜头完成的推拉和使用轨道进行的推拉的共同点和区别。相同点两种方式都能表现接近或者远离的视觉效果。体现在以下两方面：1. 两种推拉镜头都引起景别的连续变化；2. 被摄主体在画面中随着镜头的推拉，都会从小变大或者从大变小。不同点【可视角度】轨道推拉是通过移动摄影机，带来的景别变化，而镜头的可视角度是没有变化的。变焦镜头是通过焦段的变化，来完成景别变化，比如一个推镜头，从24端推到了105端，等于从广角推到了长焦，可视角度发生了改变。【透视关系】轨道推拉和变焦推拉都会带透视关系的变化，也就是景深的变化，但是变化的幅度不一样，原理很简单：一个是固定镜头的景深变化，一个则是由广角到长焦的连续景深变化。【后期缩放】在后期的时候也可通过缩放画面来达到推拉镜头的目的，但是需要注意以下两点：第一，放大画面，画质会有损失，影响效果；第二，后期放大或缩小不会影响画面的景深。轨道架得快不快，或者推得稳不稳，一下子就能看出这个摄影师或者摄影助理的经验是否丰富，手脚是否熟练。在新片场学院·线下实训【商业广告创作课】的课堂上，创作人们常常会尝试各种各样的轨道推拉，用来实现自己创意中的镜头运动效果。不同速度、角度的推拉镜头，配合景深的变化所能实现的效果，只有多尝试才能体会其中的奥妙。这里为你准备好了设备和团队，相信你一定能拍出惊艳的作品！商业广告创作课学员体验↓↓↓↓点击课程名称，了解更多优惠↓↓↓↓【商业广告创作课】5月26日 广州(四天-创作导向)6 月 7 日 北京(七天 - 学习导向)【电商短视频广告实用课】5月20日 / 6月22日杭州 / 广州扫描二维码关注“新片场学院小豆渣”微信咨询线下实训课程或拨打咨询电话17601029998

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今年春节的时候，在各种感人肺腑的亲情公益广告和为生活打拼的热血宣传片中，唯有一支记录港岛年味的短片，从一个旅拍达人的视角给我们带来了别样的生活感受，也在新片场社区上获得了爆棚的口碑和赞许！叮叮车穿梭在香港的老街，太平山上的风吹散维港上空弥漫的薄雾，夜景迷幻的电影感，浓浓的复古港风，你敢信这是iPhoneX手机拍出来的？这部短片的拍摄、剪辑都是来自于新片场的创作人——周于斯，他对旅拍有着执着的热爱，几乎每次出去旅行都会拍摄大量的视频素材，回来以后再剪辑成一部炫酷的旅行短片，展现当地的文化特色，民风民情，也在新片场积累了大批量的粉丝，大家对他的作品幕后拍摄和制作过程的一些细节，充满了疑惑，为此厂长去找大神聊了聊，会在下面一一揭晓大家想知道的一切。创作揭秘器材不重要这部「春节用iPhone X记录香港」的短片，周于斯可谓现身说法，为我们证明了：想拍出电影大片感，并不需要神马RED、ARRI，不论你是用土豪苹果还是神机华为，再给自己配上一个稳定器，手机妥妥化身视频神器！在接触视频的早期，周于斯主要是用手机进行拍摄的。当然，手机也不是全部。但后来渐渐接触了微单、无人机等其他设备，还做起了器材评测！他告诉厂长“只要不是业务单，自己正常拍摄几乎不用稳定器等附件，毕竟自费情况下，旅行体验比拍摄更重要吧”，这种境界真是令厂长钦佩啊，旅行随心，拍摄随缘！为后期处理做好准备最引起大家好奇的，就是片子最后，几个车站柱子旋转的镜头是如何实现的？“那个是用手机+稳定器直接移动拍摄的，后期使用AE做防抖处理，再在Final Cut Pro X（FCPX） 里做的变速和动态模糊效果，最终成形的。”但这又引发了另一个问题，类似于柱子旋转和大范围延时的旋转镜头，应该都需要画面的裁切，而手机的画质能否支撑画面的裁切呢？答案是肯定的。周于斯的经验告诉我们，“在拍摄的时候要尽量拍 4K 画质的素材，后期编辑 1080p 的时候便有了一定的裁切空间”，厂长也做了个小调查，目前市面上主流的手机品牌，像iPhone、华为P20/P30系列、三星S8/9等等手机都会至少支持4K 30帧的拍摄需求。“关于手机拍摄我一般用系统自带的拍摄功能，启动快速，操作简单，抓拍容易。其他软件或多或少都有些缺点。另外使用稳定器的时候，一些场景会利用稳定器搭配的 App 进行拍摄。”对于视频后期的处理，周于斯也是经过多年的经验总结，形成了自己转场炫酷、电影感色调的创作风格，他也贴心地给了后期小白们一些建议：“后期我是用FCPX进行剪辑和调色的，最常用的转场方式就是速度切割；调色的话主要是在LUT基础上进行调整。自己有一定摄影基础，因此调色方面比较容易上手。如果没有基础就想学习调色的话，可以多看一些电影，最好先提高审美，再掌握软件的使用技巧，慢慢对调色的感知就增强了。” 关于一个旅拍达人旅拍视频的初心谈起最初做旅行短片的初心，就要从周于斯五年前开始接触摄影说起，玩了几年摄影后，从2017年开始接触视频创作。“旅行是我自己的爱好，很早就接触旅拍了，因此旅行视频也是自然而然的想法。”本着“创造出精致美丽画面”的初心，执着于旅行视频的创作，也一次又一次地突破自己。他谦虚地称自己是半职业影像工作者，加上半个自媒体人。旅拍视频的内容之前爆火的《土耳其瞭望塔》掀起了一波旅拍炫酷转场风潮！“无缝转场”、“呼吸转场”等概念都被各种旅拍达人运用到自己的视频创作中…想做到这样，看似需要镜头构思的衔接，甚至在拍摄前就要有脚本的设计。但周于斯分享说：“我的旅行短片目前几乎都是随拍的，没有策划和脚本设计等，回来再根据素材进行筛选和剪辑。剪辑思路基本上是跟随着音乐进行，尽量把每一部分都规划好以什么内容为主。”新片场上熟悉周于斯作品的朋友们都知道，几乎每部他的作品里必不可少的内容就是，他的女票……那是多少影视单身狗可望不可即的狗粮啊！用他自己的话说，“因为很多时候是跟女票一起出行，拍摄过程中也可以互相帮助，所以自然而然的，内容中就少不了她的身影。”前不久，周于斯又带着他的新作给厂长撒了一波狗粮：「像电影般，我们在加州一号公路飞驰」 拍摄设备：Sony A7r2 | GoPro 7 | DJI Mavic 2 Zoom 剪辑：Final Cut Pro X BGM: Troye Sivan - Strawberries & Cigarettes自由的影像创作人在厂长看来，周于斯其实只是当今短视频时代下，众多自由影像创作者中的一份子。在千千万万对视频感兴趣的人群中，看到这篇文章的你，或许也有做一个Vlogger或旅拍达人的梦想，抑或你已经踏进了影像创作的大门。视频创作“行业”这么久的视频拍摄经历，也让周于斯成长了很多，提高了影像创作的技术和对当下视频创作的理解。跟所有自由创作人一样，他也有同样的顾虑：“旅拍视频创作人或Vlogger目前大都没有一个成规模的盈利方式，成不了一个‘行业’。所以自由创作人劣势也就是盈利方式的缺乏。新人需要做好无法挣钱的准备。”对于“Vlog”和“旅拍视频”，周于斯也有自己的界定：“首先旅行视频和 Vlog 在我看来是两个概念，旅行视频在国外一般叫 Travel Film，有点像 MV 那种类型，而 Vlog 基本上会有对着镜头说话，或是旁白之类的故事叙述。前者最重要的是拍摄和剪辑技巧，后者最重要的是讲故事的能力。”所以分清自己拍摄视频的内容类型，是每个创作人应该首先想好的问题。可能从某种意义上讲，视频创作人们可以通过影像的渠道表达自己，展现自己美好的生活，但其实这些光鲜的背后，也有各种难忘的坎坷和意外，“比如出事故遇到罚单，炸机等等。所以实话来说视频中看到的都是美好的、被记录下来的一面，实际上旅途中还有更多的故事没有被记录下来，有好的也有坏的，我们都经历着。”所以在这条可能并不轻松的创作之路上，你更需要的可能是像周于斯一样的坚持，保持不断学习的心态。以自由创作之心，你也可以用最低的成本，拍出最好的作品，离梦想更进一步。早晚有一天，热忱的你或许就是下一个视频领域的大神~欢迎关注周于斯的新片场个人主页！

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本文内容节选自《胡萝卜计划电影公开课：曹郁·光影是我对世界的爱》完整课程请【点击此处】免费领取摄影师为什么要叫摄影师，其实有非常大的意义，因为这是通过长期的历史延续下来的。电影摄影大师罗杰迪金斯 (Roger Deakins)电影诞生初期，摄影师叫 Cameraman，也就是摄影机的操作工人。这个称谓延续了很久，因为最早的电影很简单，摄影师的工作也非常容易。我们可以发现，现在用的场记板上写的也是 Cameraman。除了手拿测光表，保证曝光准确外，最主要的工作就是手摇摄影机。而手摇摄影机，最重要的就是速度一定要摇匀。因为如果摇慢了就变成快动作，而摇快了就变成慢动作。不过这个工作很快就被马达替代掉了。到了1920-1930年代，电影制作变得更复杂，摄影工作复杂性也更加体现出来了。逐渐就有了一个比较长的名字：Cinematographer（电影摄影师），就是把电影（Cinema）和摄影师（Photographer）两个词结合在一起了，这个称谓现在也会经常用到。随着不同的电影越来越注意视觉的效果，越来越注意电影的风格，就需要有人帮助导演一起来创造，所以现在摄影师逐渐固定为了一个称谓——Director of Photography摄影指导（简称DP或DOP）现代电影中，Cinematographer 和 DOP两个称谓在代表摄影师时的使用上没有明显区别，基本上是通用的。下图两条曲线展示出1997年至2016年间，票房前200名的电影中，摄影师职位分别以 Cinematographer 和 DOP 表示的使用频率。由图可见，DOP（蓝色曲线）相对更常用一些。数据来自 https://stephenfollows.com/ 电影就像人一样，每个人都有不同的气质，而每一部电影在视觉上也会有不同的气质。而这个影像的气质，也就是整个电影的氛围以及每场戏的氛围，是由摄影师来控制的。《金刚》《卡罗尔》《银翼杀手2049》《爱乐之城》就像演员的台词，是由编剧来控制的；演员的表演， 是由演员和导演的负责。摄影师就是通过对影像的控制，给予了电影不同的气质。摄影指导在现场也是各部门之间的沟通桥梁，像一个“包工头”。他联系了导演、演员这类纯粹用思想工作的工作人员，也和CG、特效、美术等部门有沟通，也会和制片有沟通，安排工作人员什么时间进场，先拍谁后拍谁，谁要吃饭等。也正因为肩负的任务很重，摄影师在现场的脾气通常也不太好。从 Cameraman，到 Cinematographer，再到 Director of Photography，这三个称谓的变化，也体现了从1895年电影诞生的那一年，逐渐到了1930、1940年代，摄影师才逐渐取得了摄影指导(DOP)这样一个称谓。这就是为什么有些摄影师非常在意别人怎么称呼他的原因。因为这不仅是某一个人的事情，而是所有摄影师经过自己的努力，从一个所谓摇摄影机，测量曝光的工人，一个让人瞧不起的、可有可无的人，逐渐变成了一个这么高的荣誉——摄影指导。在广告摄影中，光影控制是一项创造性的工作，它不仅体现着摄影师的个性和风格，而且关系到作品的成败。新片场学院·线下实训的课堂上，你也可以通过老师面对面的指导，逐渐掌握控制影像气质，提升画面质感的本领。同时体验与剧组成员共同创作，和专业摄影灯光团队合作，助你在成为摄影指导的道路上，站得更高，走得更远。学员体验↓↓↓↓点击课程名称，了解更多优惠↓↓↓↓【商业广告创作课】4月19日 杭州 / 5月26日 广州6月7日 北京(七天-学习导向)【电商短视频广告实用课】4月3日 / 5月20日 / 6月22日杭州 / 杭州 / 广州扫描二维码关注“新片场学院小豆渣”微信咨询线下实训课程或拨打咨询电话17601029998

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