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拍摄
  • PS4游戏《DESTINY命运》宣传片特效解析

    由Activision公司和Bungie工作室倾力制作的游戏Destiny发布了最新的真人版预estiny告片。预告片由Joseph Kosinski导演。在Digital Domain(D2)的强大特效支持和大量的真实场景、服装道具的运用下,预告片呈现了火线小组在太阳系各地大战外星怪物的画面。游戏本身拥有极具震撼力的画面——对于这种级别的游戏来说这是非常难得的。Destiny充分利用了新的控制硬件因此为真人商业片树立了新标杆。我们采访了D2的视觉特效总监Eric Barba,深入探究了Destiny如何在真人拍摄中构造一个震撼的游戏世界。在拍摄之前,72 and Sunny公司以及导演Joseph在可视化预览现场一起构思场景。接着D2在拍摄地组建了一个装备精良齐全的团队以获取场地设置及拍摄数据。此前,Barba为设计服装及武器等道具在LEGECY EFFECT上创建了一个图影集以方便日后的数字替身工作——当然这些在拍摄期间也会继续。至于火星、月球和金星上的环境由摄像指导Claudio Miranda在墨西哥的亚利桑那州和犹他州拍摄而成且由D2进行后期美化。Barba说至一开始就是导演的意思,他希望能够制作一个真人版的游戏预告并希望在大家能够想到的不可思议的地方拍摄。 比如说在火星的镜头是摄制于犹他州和亚利桑那州的莫哈韦沙漠以及鲍威尔湖附近。金星镜头则在经由墨西哥政府重新修缮并作为旅游景点的玛雅遗迹拍摄,而最后Destiny中的人物进行洞穴潜水的镜头则在燕子洞拍摄。“在洞穴里拍摄是很疯狂的,”Barba回忆道,“在洞穴里完成一个镜头几乎要500个步骤。你不能在那里跳下去——以前可以,但现在他们不再允许。我们的英雄必须被拴在边上,然后由数字替身完成剩下的过程。”火线小组在火星交锋的怪物之一是Cabal。“它的原型来自游戏,”Barba指出,“但游戏里它戴着头盔。Bungie设计了一个大胆形象作为我们的参考和游戏资源,Joe十分喜欢这个没有头盔的Cabal身上的某些艺术设计,所以他决定把这个形象放进特写镜头里。”“Bungie那边十分清楚Cabal如何移动,”Barba补充道,“但我们其实有机会恶搞一番——在Cabal因耗尽弹药而气急败坏,形如恶犬时。事实上,当Cabal扔下武器,我们忍不住赋予它滑稽的动作,同时两颗手榴弹滚到了它的身下——这更像是一次角色动画练习。”事实上,这只是对D2众多挑战中的一个。“创建真人拍摄场景的诀窍是展示出与游戏相关的东西。游戏从来不会在现实中存在而是在虚拟中运作,”Barba说,“所以我们的挑战不仅仅在于重塑角色、重设服饰道具、重建结构或者运用着色器,也在于用一个月的时间让一切发生在现实之中。”而一些快速转身动作通过动画周期得以实现。Bungie那边负责这一块,而DD则去后期增强。Barba说他无意间跟动画总监Steve Preeg开玩笑到可以写一个帮助工作的程序而Steve最后竟然真的这么干了——他写了一个程序并整合了Bungie的运行步骤,然后它们把动作捕捉加到角色身上就好了!另外在动画制作上g比较棘手的是游戏中的漂浮AI机器人Ghost,Peter Dingkla为其配音并不时加入自己天马行空的逗趣话语而使得创作团队不得不贴合Peter的时间轴同时达到Bungie的各项要求。D2使用的软件包括V-Ray、NUKE、Houdini等。除了CG角色,DD还要致力于武器火力、爆炸、数字替身、环境以及创建火线小组的HUDs(虚拟显示屏)。“我们的想法是,”Barba解释道,“如果观众只看到场景而没有脸的特写镜头,他们就很难将角色人物理清联系起来。Joe和Claudio对我们拍摄的任务提出这一想法,然后72 and Sunny就想到了HUDs。我们的团队前后使用了After Effects和NUKE去设计角色的外观。”

  • 胶片情怀 - 还未被遗忘的胶卷 照片

    一、总概1.胶卷是有保质期的,在购买的时候要根据自己的需求酌情购买。 2. 胶卷包装上或名称中的数字表示ISO感光度,一般而言,感光度越高,颗粒度越大,对光的敏感性越强。但出片的颗粒感和细腻程度的直接观感上,也要依据具体的拍摄条件、拍摄环境而定。 3. 分类:按胶卷类型可分为彩色负片、黑白负片、彩色反转片(彩色正片)3大类;按相机型号可分为135胶卷、120胶卷、220胶卷等;有民用卷和电影卷之别;有富士、柯达、爱克发等品牌。 4.主流的几款胶卷的品性区别:可依据包装盒的颜色搭配初步判断其取向。(1)柯达:大概而论,色调上整体偏暖,强调黄色和洋红色,而蓝色绿色会有点洗旧的感觉,因此拍摄人文主题就比较容易出彩,而风景稍逊,但也有影友认为拍摄人像皮肤偏红不好看,而风景好看,总之,仁者见仁吧。也有种说法,就人像而言:柯达倾向于欧美人种,而富士倾向于亚洲人种;柯达在晴天表现优异,而富士在阴天更为突出。(2)富士:大概而论,色调上偏蓝绿色,更容易表现出清新干净的调性。(3)爱克发:色调上偏红,与柯达金类似。详细1:https://www.douban.com/group/topic/92186533/详细2:https://www.zhihu.com/question/24811233 5.胶卷常识:135胶卷即普通胶卷,负片即普通胶卷。称为“负片”,是因为胶卷冲出来后底片的明暗和颜色是反向的、负的,所以叫负片。反转片冲出来颜色都是正色,即底片上的颜色基本就是出片的颜色,所以叫反转片也叫正片。负片在英文品牌的后面加Color,如FUJICOLOR(富士彩色负片);反转片则将color改为chrome,如Ektachrome(柯达公司的埃克塔反转片)。根据冲洗工艺的标识也可判断,在负片的包装盒上,通常有C-41字样,反转片有E-6字样。值得一提的是:负片的曝光宽容度较大,一般在过度3档、欠2档这一范围内的底片都能洗出不错的照片;而反转片一般只有过半档、欠半档的宽容度,超过这个界限影像效果会明显变差。 6.冲洗工艺:彩色负片一般采用C-41工艺;黑白负片一般采用D-76工艺;彩色反转片一般采用E-6工艺。而电影卷的彩色负片则采用ECN-2工艺冲洗,使用C-41冲洗时需多一步前浴、水洗的步骤,否则会污染显影液;黑白电影卷、反转片电影卷则可按常用卷的冲洗工艺。二、135胶片 品牌分类(135相机)(市面上还可以买到的) 1. 日本 富士FUJI(1)富士业务卷 FUJICOLOR100,彩色负片,ISO100(2)富士C200 ,彩色负片,ISO200(3)FUJIFILM X-TRA400,彩色负片,ISO400(4)PREMIUM400,彩色人像胶卷,彩色负片,ISO400(5)富士Pro400H,彩色负片,ISO400(6)富士SUPERIA Venus800,彩色负片,ISO800(7)RVP100,反转片,VELVIA彩色正片(维尔维亚),ISO100(8)Acros100,黑白负片,ISO100(与柯达的TMAX100,伊尔福ILFORD的DELTA100为同档胶卷)2. 美国 柯达KODAK(1)Proimage100 专业人像卷,彩色负片,ISO100(2)Ektar100,彩色负片,ISO100(3)Portra160,彩色负片,专业彩色人像胶卷(肤色表现佳),ISO160(4)ColorPlus200(CP200),彩色负片,ISO200(5)Gold200(柯达金200),彩色负片,ISO200(6)ULTRA MAX400,彩色负片,ISO400(7)Portra400,彩色负片,(炮塔),ISO400(8)E100 EKTACHROME,反转片,彩色正片,ISO1003.德国 爱克发AGFA(1)Vista200,彩色负片,ISO200(2)Vista400,彩色负片,ISO400(3)APX100,黑白负片,ISO100(4)APX400,黑白负片,ISO4004.德国 禄来Rollei(1)RETRO400s,黑白胶卷,负片,ISO400(2)RPX100,黑白胶卷,负片,ISO100(3)RETRO80s黑白胶卷,负片,ISO805.日本 雅西卡YASHICA(1)YASHICA400,彩色负片,ISO400(2)Golden 80S,业务彩色卷,彩色负片,ISO400(3)YBW,黑白卷,黑白负片,ISO4006. 捷克 福马FOMA(1)FOMAPAN100,黑白负片,ISO100(2)FOMAPAN400,黑白负片,ISO400(3)FOMA RetroPan320,复古黑白胶卷,黑白负片,ISO320(RETROPAN SOFT 320是一种全色敏感的特殊负片黑白胶片,颗粒细腻,高解析力 轮廓清晰。 这款底片的特点是广泛的半色调和柔和的光感,使其适合拍摄及随后的放大或“复古”风格的负片放大(静物照片,建筑,实验,风景,肖像等)。)7. 德国 韦伯VIBE(1)VIBE400,彩色负片,ISO400(2)VIBE100,黑白负片,ISO100(3)VIBE400,黑白负片,ISO4008. 法国 百合BERGGER(1)Pancro400,黑白负片,ISO4009. 中国 上海牌 SHANGHAI(1)GP3 - 100,黑白负片,ISO100(2)乐凯6. 柯达电影卷(1)5203 ,ISO50 ,彩色胶卷(2)5213 ,ISO200 ,彩色胶卷(3)5207 ,ISO250 ,彩色胶卷(4)5219 ,ISO500 ,彩色胶卷(5)5222 ,DUB-X ,黑白胶卷(6)希区柯克 ISO400,黑白胶卷三、样片(待补)

  • 随拍随说——广告拍摄中的航拍

    所谓随拍随说,即是把我们在航拍过程中遇到一些经历、经验分享给大家,不同于一般航拍文章要定期保养航拍器一样泛泛而论,老生常谈,更是用事实说话,把亲身经历作为经典案例,分享给大家。广告拍摄,众所周知,不论是从拍摄规模还是资金预算都无法与电影、电视剧的拍摄相比,然而在这个大众审美能力日益提高的大环境下,广告拍摄也开始运用各种方式冲击受众的视觉感官。航拍就是其中的一个重要手段。随着航拍技术运用到广告,可谓是对广告的视觉冲击力提升了一个档次。举例来说,一个旅游宣传片,如果没有高空视点以及一览全貌的镜头的出现,总是让人感觉乏味,正因为这些原因航拍应用在广告的例子是越来越多。2014年11月我们有幸接到一部旅游广告,准备好一切坐着高铁赶往吴中,到达后与导演和摄影指导老师沟通好镜头和时间安排后,我们积极做好准备工作,等待第二天的航拍。翌日早晨我们到达了拍摄地点,飞手准备飞机云台手确认镜头,一切进展的顺利,经过协商我们和摄影老师一致认为,毕竟高空视角凭借预估线路去拍等于盲拍,而且在没有过多电池可以去实验的情况下,我们决定用一块电池去探探路,不得不说我觉得就是这个决定保证了以后拍摄素材的质量,当然这都是后话了。于是飞机开始试飞,非常幸运的是试飞展现的画面正是我们所预想的画面,演练好了线路一切准备就绪,开始正式拍摄。我们要拍摄的镜头是在一座弧形环湖的高架桥,飞机下沉压着太阳的炫光,飞机有个向前的倾向,这时4辆自行车手依次进入画面,在保证4名自行车手为主体的情况下,飞机向前加速飞行的同时需要拔高再从桥左侧运动到桥右侧,当然这是我们心中预想的画面,可是实际拍的时候却会遇到各种问题。比如飞机与自行车手骑行的不同步,又或是整个画面连贯性不好,各种潜在问题时刻挑战着飞手和车手的默契程度。这时我要提醒各位,在拍这种需要配合的运动战的时候一定要多演练下,飞手需要知道什么时候主体会入画,这需要准备工作做足,飞机会提前飞行,因为飞机有一个制动这方面就需要飞手的经验了,快了不行,慢了同样不行,起飞的太生硬画面连贯性不好,这种镜头主要考验的就是飞手手法和经验吧。这种镜头需要的是演练任何一方出错都不行,所以多试几次别着急,总想着一次通过反而会适得其反。还有一点要注意的是在狭小空间内一定要小心视觉误差,尽可能保证飞机缓慢匀速,飞行航线笔直,这又是考验了飞手的基本功!最后要体现哪里不体现哪里一定要和导演沟通好,其实并不是哪里好看就要把镜头转向哪,航拍和打游击有点像,这打一枪就走了去别的地方,其实拍摄的片子也好,广告也好,对于航拍手和云台手最重要的一点在于保障安全的情况下,尽可能尊重导演的意图,所以沟通就至关重要。当然,这是我们航拍的一面之词,也是我们的亲身经历,希望能够帮助到同为航拍同仁的各位,祝大家飞行顺利!

  • 如何用摄影灯光在同个场景中营造不同的氛围——温馨浪漫篇

    在同个场景中,摄影师经常需要配合剧情内容,通过对影像的控制,来营造不同的画面质感。今天我们来到了一个厨房环境的实景棚,影视作品中经常能看到如白天和晚上的厨房,白天又可分为阳光明媚和阴天...... 教学视频截图圣诞节和元旦节将至,到处都是浓浓的节日气息,我们就先应景地教大家营造浪漫温馨的夜晚氛围。最终灯位图接下来会一步步拆解灯位的布置和布光逻辑。拍摄浪漫夜晚氛围总结:1、明亮的基调为主、多用暖光,加少量冷光2、加入灯串、蜡烛等点光源 ,既充当环境光,又烘托氛围 背景光: M40打的侧逆光主光:布灯的顶光 加上一层柔光片 色温3200形成外冷内暖的效果辅光:控制圆形LED灯的功率,并加上一层柔光片用LED灯减轻女生脸上的影子环境光:利用灯串点缀背景;蜡烛点亮前景只有点光源的效果再加上主光和辅光就形成了明亮的氛围,这种效果多见于广告拍摄中。那剧情片中会怎么布光呢?首先不会把整个环境打得这么亮。调整主光的角度和亮度后,画面显得没有那么透亮。右图调整了主光主光去掉了柔光片,使之更接近真实生活状态。同时,可以在人物的右侧再加一盏灯,主光亮度显得没有那么强,画面看起来更舒服。这种用法非常特别。头顶位置加上逆光,打亮头发。完成这样的场景布光、置景后,我们的摄影机运动也可以更加灵活,利用手持镜头来帮助影片营造浪漫唯美的气氛。

  • 干货 | 百万级美食博主分享的拍摄美食照片和短视频技巧!

    美食一直非常热门,各大短视频平台上也存在很多吃播,各类美食短视频都可以让观众隔着屏幕感到美食的召唤,让人垂涎欲滴。那么如何拍出精美的美食照片和短视频呢?今天SmallRig小格格给大家分享一位百万级美食博主拍摄美食照片和短视频的技巧给大家。不用专业的相机和设备,适合我们普通人操作。照片拍摄布景容器拍摄美食首先要有个好看的容器,不一定要复杂精致的花纹,容器简单大气即可。盘子大小要和菜量匹配,不要装太满,要有留白,盘子边缘沾挂着的酱汁油水要擦干净。盘子的颜色不要和菜的颜色太接近,深色盘子装浅色菜,浅色盘子装深色菜。如果拿不定主意,选白色准没错。千万不要使用透明胶垫、或是一次性的塑料桌布,这些都容易反光,会严重影响照片质感。家里如果有素雅的桌布,可以直接铺上,没有的话,直接使用原桌面就好。摆盘尽量保持画面的简洁,有秩序感。杂七杂八的东西出现在画面里,一来容易分散观众的注意力,二容易联想到食物的不卫生。因此无论是拍摄美食的制作过程,还是成品,画面内任何不相关的东西一定要排除掉。画面中的物品也不要随便乱放,最好保持一定的秩序感,比如对齐排列。如果食材的形状大小比较统一,不妨多花一两分钟,用筷子将它们摆放整齐。例如简单的炒青菜,只要统一朝向地摆整齐,高级感自然就有了。大家装盘的时候可以留一勺汤汁最后浇,可以让食物亮亮的,更有食欲。光线光线是美食拍摄作品的灵魂。抛开滤镜只用手机的自带相机,只要在均匀的灯光下,也能有很棒的拍摄效果。比如肉夹馍,在正常的室内灯光下拍摄,得到的效果是这样的。放在均匀的灯光下之后,得到的效果马上焕然一新了。推荐使用自然光,它的效果是最好的。如果没有利用自然光的条件,在在我们没有专业的补光设备的情况下,就把家里能用的灯都用起来,慢慢找最合适的效果。角度不同的食物拍摄角度的差异非常大,如果把一个汉堡从俯视角度拍摄, 它和一个面包没有什么区别,平视角度体现的层次感就荡然无存。平视:适合拍汉堡这类有层次感的食品侧拍:食品的层次感减弱,纵深感增加了,很多食品的制作过程是通过侧面45度的角度拍摄的,侧拍也让食物的主体更加突出。俯视:给人一种上帝视角,瞬间了解全局,美食种类特别多时,俯视角度拍摄最为合适。构图中心构图:中心构图法是一种最直接简单粗暴的构图方法,只需要将要拍摄的美食放置于取景框中间,“咔擦”即可。对角线构图:在拍摄时,你可以选择通过摆放的方式,让你要拍摄的食物呈对角线的形态,也可以动点小心思,把手机倾斜45°来拍摄。三角形构图:三角构图是拍摄食物常用的构图法,将食物有主次之分摆成三角形,稳定而不无聊。横构图与竖构图:照片的主要目的虽是突出食物,但是需要注意的是不要把食物拍的占画面太满,并合理运用横、竖两种拍摄角度。其中,横版构图可以带入更多画面,竖版构图可以增加菜肴的纵深感。不管是横版还是竖版,上下一定要留出一定空隙,上面空隙要稍微大些。而左右则至少需要有一边是留有空隙的。九宫格构图:主体放在画面的九宫格的四个点。拍摄照片和视频的拍摄逻辑和技巧其实是相通的,你能拍出出彩的美食照片,同样也能拍出不错的美食短视频。视频拍摄1、尝试着多拍几个镜头、远景、全景、近景、特写、微距,后期剪辑起来就更丰富了,会更好看。2、拍摄主体不动,可以让手机动起来,画面就更加吸引人。定:固定机位拍摄推:由远到近拉:由近到远移:垂直向上移动手机,水平移动手机转:天旋地转的转动手机3、尝试着用小小的手机三脚架或者八爪鱼三脚架,尽量保证手机屏幕的固定,避免大范围的移动镜头。4、可以固定手机,分成多个短视频拍摄,再剪辑到一起,除非有十分的把握,不要一镜到底。5、可以多拍一些制作过程的照片,万一有想要的镜头拍的不够好,可以拿照片来呈现。6、相机拍摄美食视频可参考这篇文章:拍摄美食视频,都用到哪些器材?如何才能拍得更好更吸引人?视频剪辑最常用的是“VUE VLOG”和“快影”,两个APP基本可以涵盖所有入门级剪辑功能,配音、加转场都十分方便。好了,以上就是今天要分享给大家的干货,大家都学习到了吗?希望大家也能拍出好看的美食照片和美美的视频,早日成为百万级美食博主!

  • 《棋魂》导演刘畅:拍围棋竞技,没有想象中困难丨毒家专访

    文 | 吴喋喋编辑 | 何润萱网剧《棋魂》改编自同名经典日本动漫,故事在“南梁第一棋士”褚嬴与围棋天才少年“时光”之间展开,褚嬴为寻找围棋终极目标“神之一手”而作为“灵体”存在了千年,时光则是唯一可以看见褚嬴的现代人。以时光的成长为主线,《棋魂》也展现了围棋道场中冲段少年的群像故事。和时光常经历的那些反败为胜的棋局一样,这部剧的热度与口碑都低开高走,豆瓣开分7.2的《棋魂》以6万人打出的8.4分收官,根据Vlinkage数据,《棋魂》的日播放指数稳步增长,后期进入网剧前三名。“低开”源于这部剧乍看下似乎长着一副“雷剧”面孔:该剧预告中,张超饰演的褚嬴与原作中俊美的佐为形成了巨大的反差:他涂着厚重惨白的粉底,眼影色号也显得过重,一时间,豆瓣满屏都是原作粉丝打出的一星。随着剧情展开,《棋魂》的本土化改编立住了,张超塑造的褚嬴也得到了观众的“真香”反馈,“褚嬴人设”登上热搜,关键词是“贱萌可爱”。30集后,时光与褚嬴分离的剧情将故事推向高潮,也将剧集频繁带上热搜,为口碑逆袭注入一剂强心针。《棋魂》的导演刘畅曾经拍出过高口碑青春剧《最好的我们》,制作团队小糖人还制作过网剧《你好,旧时光》,对他们来说,《棋魂》有熟悉的热血、青春、校园语境,作为漫改IP和围棋类型,又充满着题材突破的潜质,是让他们跃跃欲试的新挑战。某种程度上,刘畅完成了为自己设置的挑战。《棋魂》以豆瓣高分收官,他将“神之一手”出现的30集,称作自己的职业生涯最佳单集。至于褚嬴消失赚足了观众的眼泪这件事,刘畅想给大家道个歉,同时希望观众同时光一起,从低落的情绪中走出来,获得更大的能量,并惠存这成长的馈赠。以下是毒眸与《棋魂》导演刘畅的对话。谈争议毒眸:很多人认为褚嬴的造型在一开始给剧拖后腿了,你对此有遗憾吗?刘畅:我现在也在看观众的评论,其实觉得褚嬴造型好看的人越来越多了。我认为褚嬴这个造型60%的时间是正常的,20%的时候有一些糟糕,剩下20%我觉得是“仙”的。因为开拍之后还一直在调试,看到底发际线低到哪儿、眼影多浓是最舒服的。虽然可能这20%我觉得好看的时候,在原著粉心里也比不上动漫里的好看,这是真人化之后必然造成的结果,所以对于我来说,没有特别遗憾。毒眸:褚嬴在南梁时期还有几套造型,那些反而好评更多?刘畅:那是我们按照常规古装戏的做法设计出来的衣服,因为是给正常人穿的服装,而不是给一个“灵体”状态的褚嬴的,我不需要它看起来大,也就不会太像日式的衣服。那些造型我也觉得特别好看,但我还是要说,(南梁时期的)造型,任何一个挑出来,都没法让大家坚持看36集。褚嬴南梁时期造型毒眸:另一个争议是,很多人认为时光相比原著被削弱了?刘畅:某种程度上讲时光是被削弱了,但我想讲的是成长,前面把他削弱,成长空间会更大,成长的路径会更长,而且如果时光一开始天赋就那么高的话,对那些对围棋不太了解的观众不够友好,我想让大家跟着时光的视角,一起喜欢上围棋。毒眸:褚嬴消失相比原作加了很多细节,比如褚嬴想骑自行车最后没能如愿等,对观众来说会不会太虐了?刘畅:漫画里会更简短一些,我们把这件事拆解得比较细致,大概用了3集的时间做褚嬴的消失,从褚嬴开始预料到自己会消失,到依依不舍,最终和时光告别,再到时光的不接受和不断寻找褚嬴。在这里要跟大家道个歉,这3集可能会看得很难受,我其实挺不好意思的,但是我希望大家看完后,跟时光一起从失去褚嬴的情绪里走出来,收获更多的力量。有时候命运就是这样,某种程度上讲,时光只有真正的离开了褚嬴,才能真正地成长。这可能和大多数人的成长经历是一样的——离开你依赖的或者说舒适的东西,你才会真正知道自己的能量有多大。褚嬴消失前的独白动漫IP改编毒眸:无论是漫改剧还是专业竞技题材都很难,为什么有勇气尝试这个项目?刘畅:三个排名不分先后的主要原因。首先是我接触了一段时间围棋,真的挺喜欢,觉得这是酷的,它也会被大家所喜欢;然后就是它难,因为难,才没人做过,做出来会让观众看着新鲜;第三个是,即使它难,这个故事的语境还是我自己熟悉和擅长的语境,对我来说不是一个天翻地覆的挑战,这三个原因让我觉得应该干这个事。毒眸:在剧中,“神之一手”被棋手们视为值得毕生追逐的目标,但发现“神之一手”时,相比褚嬴,时光表现得比较没心没肺,是在为他与褚嬴的离别做铺垫吗?刘畅:倒不是,只是想说时光是没有胜负心的人。他并不知道自己下出了神之一手,也从来没有想过要下出神之一手,只是无意间下了出来,因为他是在这个棋局里,除了俞晓暘和褚嬴之外,最全神贯注的那个人,而且他的能力也基本上到了。褚嬴发现“神之一手”时光在不知道自己做了一个多厉害的事的情况下,单纯地为围棋高兴,这也是我想表达的对神之一手的感觉——对围棋纯粹的热爱。要说铺垫的话,可能也只是让时光那一刻的情绪感染到褚嬴,让他们之间的羁绊再加深。毒眸:当时准备围棋方面的内容,有什么困难吗?刘畅:其实没有想象中困难,因为我们的围棋专业的顾问团队和指导团队很给力。围棋指导范蔚菁老师,是在北京大学读电影专业的,很幸运能碰到她这样一个影视、围棋两边都内行的人。之前觉得最大的困难是,如何让下棋的进程和戏的进程匹配合统一,比如需要到这一步的时候能逆转,这一步就要落下风,结果范老师顺利地解决了这些问题。剩下我们需要做的,就是咬牙不偷懒,不管是剧本阶段还是拍摄阶段,案头工作一丝不苟地去执行。拍摄中,大家也习惯了对待每一盘棋认真,开机之前演员要去学棋、背谱,一旦把这个流程熟悉了,也就比较顺了。毒眸:演员们在围棋方面训练了多久?刘畅:开机前一个月就开始组织他们练棋了,进组之后,他们白天只要是没有戏份的时候,基本上都在练棋,所有人都已经挺喜欢围棋了,没有觉得这是一个工作。这和我之前对围棋的看法是一致的——当你学会了一些基础知识,又有水平相当的对手的话,很难不喜欢上它。毒眸:演员中谁的真实棋力比较强?刘畅:下棋最厉害的其实是扮演岳智的演员邵如一,他小时候有基础,据说大概是业余五段的水平,在爱好者里算比较顶尖的了,我跟他下都得他让我9子,我俩才能正常下。然后就是扮演俞晓暘的江柏萱老师,他年轻的时候赶上了聂卫平老师那一波围棋热,所以下得也挺好的。剩下的演员,实话实说,戏份越少的人会下得越好,因为他们在剧组里有更长的时间练习。毒眸:褚嬴和俞晓暘有两次对弈,是公认拍得精彩的两局,也因此有观众惋惜说,为什么别的对弈没有拍得这么精彩?刘畅:因为前面会比较克制。我把这个剧作为整体去想,而不是拍到哪算哪。从整体上看,我认为这两盘棋是全剧最重要的两盘棋,所以我要求剧中所有的棋都不能超过这两盘棋,如果前面的棋就精彩了,这两盘棋就没那么有力量了。还有一个思路是,我不想让围棋成为一个门槛。不懂棋的观众过早看到太多围棋的部分,还是会觉得枯燥的。所以我们还是决定在前期让观众先喜欢上人物,后期再把我们想夹带的围棋的“私货”逐渐地增长上去。后期比较有自信观众能看得住围棋了,才没有顾忌地、篇幅比较大地去展现。谈人物关系毒眸:你觉得褚嬴是一个悲剧性人物吗?刘畅:褚嬴的悲剧在于,他的执念是找到神之一手,但是找到后,他又发现更看重的是别的东西,这时留给他的时间已经不多了,并且对此无能为力。但是换个角度看,他碰到了时光,时光最终让他找到了对自己来说更重要的东西,某种程度上他也是幸运的。毒眸:褚嬴消失后,俞亮时光的关系反而有了很大进展?刘畅:褚嬴走后,让时光重新拿起围棋的是俞亮,俞亮逼着他去发现,原来只有一直下棋,褚嬴才不会离开。随着两人进入中国围棋队,要一起为国争光的时候,逐渐从缺乏默契变成特别理解对方、信任对方的朋友,关系最终也有了变化,从你追我赶的一生的对手,变成了并肩作战的队友。毒眸:你在剧中扮演的兰因寺懒和尚,是除了时光和白子虬外,唯一一个能够看到褚嬴的人,为什么要这样设计?刘畅:在第三稿剧本中,这个角色就已经存在了,因为我们觉得时光从弈江湖道场出来直接通过定段赛会有一些着急,大节奏上会不舒服,就原创了兰因寺的情节。而且既然故事本身有点玄幻色彩,设置这样的一个寺庙,里面有一些会下棋的高僧,和故事本身气质还挺贴的,所以修改剧本的过程中,逐渐把兰因寺的戏加得重了一些。另外我也会觉得,如果全剧从头到尾真的只有时光能看见褚嬴的话,对于这一段人物关系展开的视点相对会有些单一。这么独特的一对人物关系,如果没有第三方视角能看到,会觉得有点可惜。刘畅饰演兰因寺懒和尚毒眸:看到有网友评论说,你给褚嬴鞠躬非常感人。刘畅:那个真的没有刻意设计,戏中即便是两个互相再不喜欢的人下棋,都会鞠躬,这是围棋礼仪的部分,包括我们剧中写了很多看起来生活得不那么体面的人,他们也通过围棋礼仪来体现对围棋的尊重,这是我们想完成的仪式感。反而我个人比较喜欢的鞠躬画面,是在预选赛的那天,现场500多人一起鞠躬的时候,还是挺震撼的,这也是我们对剧中的人物、对围棋的尊重。毒眸:南梁时,褚嬴遭到小人构陷,陷入了悲惨的命运,但是时光生活的世界却是非常的阳光的,大家都是很可爱的人物,这是不是一种理想化的处理?刘畅:不至于理想化,而是只有大家都是这么美好的人,才能一直携手成长。当然我们也希望这部剧可以特别美好,因为褚嬴离开太虐了,所以在其他的地方尽量让大家快乐一些,同时这也是我们想传递的——围棋本身很美好,热爱围棋的人永远美好。

  • 借鉴电影美学创造的新奇超现实艺术摄影风格

    美国艺术摄影师Alex Prager,从小在洛杉矶长大,受到当地的好莱坞电影创作氛围影响,她擅长以精准的场面调度,控制画面里的细节,展现充满电影感的超现实摄影作品,同时也跨足短片创作,并曾获艾美奖等殊荣。本文将介绍Alex Prager的创作启蒙、摄影美学,以及短片作品等,看她如何汲取经典电影的影像内涵,并结合自身对日常生活的观察,呈现与众不同的摄影风格,让观众能够看见作品背后想传达的寓意。汲取好莱坞电影美学,灯光设计超现实风格 ——“我最感兴趣的部分,就是探索现实与人造的双重性。”——非本科系出身的Alex Prager,原本只是一名接待员,但她凭藉对艺术创作的热忱,到处逛展览、博物馆等,试图朝向绘画领域发展。21岁那年,Prager偶然在博物馆看见彩色摄影大师William Eggleston的作品,并深受其色彩运用的方式吸引,她立刻回家上网购买二手相机Nikon N90s,以及一本暗房的操作手册。“我总是着迷于那些『奇怪而尴尬的时刻』。”Prager表示,透过接触街头摄影,她观察到每个人的服装、表情等细节,其实都藏有不为人知的古怪故事;此外,她也汲取1960年代的电影文化,并参考导演Hitchcock(希区考克)、Fellini(费里尼)等人的作品,开创自己独特的超现实影像作品。复古灯光呈现创作观点 “我喜欢1920-1950年代好莱坞黄金时代的打灯方式。”Prager解释,她特别喜欢《绿野仙踪》、《红鞋》等歌舞片的美术服装风格,并试图捕捉日常生活里,那些略为强烈、戏剧化的事物,因此她偏好利用灯光来美化那些古怪的人事物,凸显饱和色彩的配置,令观者能够在鲜艳的画面里,感受到一股不安的情绪。此外,对于人类的日常生活状态,Prager有一番独到见解:“无论是女人的妆容或者男人的衣着,我们平时的服装都不能完整说明我们是谁。那些表象或许有真有假,但其实都是我们想为自己说的一个故事。”她也认为,唯有透过摄影或电影等影像创作,才能呈现人们隐藏在服装穿搭之下的情感。 专注画面里的细节,仿效经典老电影氛围 ——“任何一个画面里的小细节,都是由我亲自监督执行。”——2013年的个人摄影展“Face in the Crowd”,可谓Alex Prager最著名的系列作品之一;其中,这些照片的场景不仅遍及海滩、机场与城市街道等,穿着各式服装的人物更高达30人以上,Prager补充:“我混合使用我的家人、朋友跟真实演员,借此确保每一个人都有独特的外观与性格。”进行创作时,Prager多以相机Contax645及80mm镜头拍摄,而且亲自监督服装、造型等技术环节,让画面里的每一个细节都在掌控之中,借以打造色彩鲜明的超现实主义场景,表现各种类型的独特人物,她解释:“看着这些没有目标跟方向的人群,你会发现自己正在经历的任何一种情绪都将被扩大。”模仿电影场景的意象“我经常看老电影来激发自己的灵感。”Prager表示,她平常会观看1950-1960年代的电影,模仿画面场景的美学风格;其中,《纽约时报》委托Prager拍摄“中年女性即将进入更年期”的照片情景,即是她启发自电影《娱乐至上》里,演员Marilyn Monroe(玛莉莲梦露)在雨中等待计程车一景。为了呈现发出复古霓虹色光的洋酒店背景,Prager在洛杉矶市内四处勘景,并找来妈妈的朋友充当演员,再利用灯光及人造雨,复刻电影里的场景氛围。有趣的是,Prager原本想让演员转头看向后方,但因为现场人造雨的噪音太大,盖过对讲机的声音,让演员不耐烦地向前看时,意外成为最符合创作主题的神态。从摄影进入电影创作,挖掘更丰富的表达技巧——“原本我认为电影不过是我摄影作品的延伸,但现在我会对这两种媒介产生不同的创作欲望。”——2010年,Alex Prager拍出她的第一部短片《Despair》,但这部短片当时却不是以“电影”思维创作:“我构想时,它只是一个画面,但我拍摄时,它却完全变成不同的事情。”因此,Prager精心规划的每一个细节,全都化作高昂的制作成本,而她也学会不再只是拍“情绪”,尝试使用“叙事结构”来说故事。之后Prager再次受《纽约时报》邀约,拍摄众多明星合演的短片辑《Touch of Evil》,以极其戏剧化的灯光、服装造型、配乐等元素,呈现多部电影的经典反派形象,而片中成功营造的诡异气氛,也让《Touch of Evil》获颁艾美奖,成为她的短片代表作之一。看见影像创作的更多可能性2019年最新短片《Play the Wind》,是Prager最具自传性的一部作品。透过与老搭档《黑天鹅》摄影指导Matthew Libatique合作,她试图打造充满怀旧情怀的家乡洛杉矶,讲述男人跟女人的超现实邂逅,并绘制详细的分镜草图,试着与服装设计、视觉特效等部门配合,突破过去制作的短片规模。其中,配乐制作及声音设计的加入,更是打破Prager过去只用影像思考的观念,她表示:“音乐跟音效真的是非常不可思议的工具,它们有助于叙事并表达情感。”并思考道:“难怪电影能够有效地跟大众产生连结,因为它是唯一一种能够集结所有媒介的创作类型。”——“我的摄影与电影都源自于非常私密的部分,那些我所经历或发现的事情,都将影响到我的作品。”——面对市场竞争及观众反应,Alex Prager始终衷于自己的创作动机,并依靠热情及自信心,持续探索作品跟观众之间的情感共鸣,她说:“我想要跟我所生活的文化保持连结。我希望能自己领先大家半步,但不要偏离方向。”

  • 视频拍摄脚本怎么写?完整视频拍摄脚本范文实例分享

    写脚本?对于没有视频背景的朋友来说可能就会有疑问,脚本是什么?不应该是电影,电视剧才会用的到的东西吗?我们做一个短视频才一两分钟,还用得到脚本吗?再者说,我之前没有脚本,一样也能拍短视频,脚本的意义到底在哪?其实不是这样的。如果你真正掌握了怎么写视频拍摄脚本,你就会发现,原来视频的拍摄和制作竟如此简单。下面就为大家分享一篇完整的视频拍摄脚本范文实例给大家,希望给不会写脚本的朋友带来启发!《地铁兄妹》拍摄脚本短片以MV的形式展现“地铁兄妹”的立志辛路,用他们原创的励志歌曲,衬托出灰色都市中的阳光兄妹。引子哥哥和妹妹分别叙述旁白:北京地铁10号线,现已开通的一期全长32.9公里,共设车站28座,西起海淀区巴沟,沿元代土城径直向东,在芍药居和亮马桥之间转弯,向南经东三环路直到劲松站……(声音渐弱)(引子部分用一种平静而又有经历感的音乐)引子画面01:特写地铁站里旁白中的各种站牌。02:中景别车门开启,关闭,开启,关闭,重复几次。(报站名的声音)03:大全景别站台上流动的人群,兄妹站在原地不动等车的背影。04:中景别地铁涵洞,车灯亮,进站的车头。(前景挂妹妹的头发,音乐起)正文(原创歌曲高潮部分一个小节直接进入)画面01:中景别哥哥和妹妹在车厢内演唱。画面02:哥哥演唱特写。画面03:妹妹演唱特写。画面04:特写乘客表情。妹妹旁白:你有万千世界,(画面01:兄妹清晨走在无人的马路上)我有小小地铁,(画面02:中景别,一把吉他斜靠在地铁站的一个柱子旁。)北京承载了无数北漂的未来,(画面03:特写妹妹和哥哥灿烂笑容。)我们的梦想也交托给了这个地方。(画面04:特写哥哥的琴弦波动,妹妹的小话筒。)(此处进入原创歌曲最后段落)画面01:特写阳光从城铁的玻璃中透出,逆光中哥哥演唱的侧脸。画面02:特写妹妹长发中透出阳光。画面03:大全景别城铁列车驶向远方。哥哥旁白:三平米的小屋画面01:大全景别夜幕降临。十小时的奔忙画面02:中景哥哥送妹妹上车告别。妹妹过肩拍哥哥,车门关闭,地铁开动。虽然辛苦却无需可怜画面03:特写手机,妹妹接到哥哥的短信。嘱咐路上注意安全,妹妹脸上坚强的微笑。)结束:只要拥有理想生活就充满阳光。(结束画面:大全景别空荡的,空荡的地铁站。。。)分镜头画稿引 子手绘分镜头示意旁白旁白描述哥哥和妹妹分别叙述旁白:北京地铁10号线,现已开通的一期全长32.9公里,共设车站28座,西起海淀区巴沟,沿元代土城径直向东,在芍药居和亮马桥之间转弯,向南经东三环路直到劲松站……(声音渐弱)备注画面01:特写地铁站里旁白中的各种站牌。画面02:中景别车门开启,关闭,开启,关闭,重复几次。(报站名的声音)画面03:大全景别站台上流动的人群,兄妹站在原地不动等车的背影。画面04:中景别地铁涵洞,车灯亮,进站的车头正 文手绘分镜头示意旁白描述(原创歌曲高潮部分一个小节直接进入)备注画面01:中景别哥哥和妹妹在车厢内演唱;画面02:哥哥演唱特写;画面03:妹妹演唱特写;画面04:特写乘客表情;手绘分镜头示意旁白描述妹妹旁白:你有万千世界,我有小小地铁,北京承载了无数北漂的未来,我们的梦想也交托给了这个地方。备注画面01:兄妹清晨走在无人的马路上画面02:中景别,一把吉他斜靠在地铁站的一个柱子旁。画面03:特写妹妹和哥哥灿烂笑容。画面04:特写哥哥的琴弦波动,妹妹的小话筒。手绘分镜头示意旁白描述无备注画面01:特写阳光从城铁的玻璃中透出,逆光中哥哥演唱的侧脸。画面02:特写妹妹长发中透出阳光。画面03:大全景别城铁列车驶向远方。备注三平米的小屋画面01:大全景别夜幕降临。手绘分镜头示意旁白描述十小时的奔忙备注中景哥哥送妹妹上车告别。(妹妹过肩拍哥哥,车门关闭,地铁开动。)手绘分镜头示意旁白描述虽然辛苦却无需可怜备注特写手机,妹妹接到哥哥的短信,嘱咐路上注意安全,妹妹脸上坚强的微笑Ending只要拥有理想生活就充满阳光……结束画面:大全景别空荡的,空荡的地站……好了,以上就是为大家分享的视频拍摄脚本范文实例。对于视频拍摄来说,脚本是提高效率,保证主题,节省沟通成本的重要工具。创作脚本则要先明确主题,再一步步细化,直至形成能保证视频顺利拍摄的详细脚本。大家不要再被脚本吓到了,快行动起来,把自己的想法真正落实成故事和镜头吧!

  • 只懂远全中近特就out了,科普影视剧中的宝藏镜头

    镜头的种类有许多种,按照景别来划分,我们大致可分为五类:远景镜头、全景镜头、中景镜头、近景镜头、特写镜头。也就是我们日常经常提到的“远全中近特”。了解镜头,可以帮助你更好的认识影片,理解导演、拍摄者、剪辑者的意图。除了上面那几种大家耳熟能详的镜头外,下面给大家普及另外一些在影视剧中经常出现的镜头,不同的镜头表达的含义不同,掌握这些镜头手法,在自己拍摄的时候,画面内容也会更加丰富。下面就来增长一下知识吧~一、深焦镜头深焦镜头是远景或大远景的变形,用于展现镜头中的一切,对于细节把控要求很高。利用焦距将前景,中景,近景等全部景深融入到镜头到中,这种镜头同时捕捉被摄对象的远、中、近距离,也最能维持空间的完整性,导演可以观众的眼光在远近距离上移动。利用深焦镜头往往寻求最大景深,追求细节的最大化。电影《公民凯恩》中的深焦镜头影响着观众和画面之间的思想关系,使画面空间的张力得以增强。另外《公民凯恩》中也有更多值得学习的电影语言,感兴趣的小伙伴可以观看学习。电影《公民凯恩》深焦镜头二、变焦镜头变焦镜头,变焦是焦距的光学变化,它能够实现画面的放大或缩小而并不改变摄影机的位置。变焦镜头是在一定范围内可以变换焦距、从而得到不同宽窄的视场角,不同大小的影像和不同景物范围的镜头。1927年的电影《翼》(Wings)是变焦手法首次用于商业电影的里程碑,该片还获得了首届奥斯卡的最佳影片大奖。在电影《大话西游之仙履奇缘》中的朱茵眨眼经典变焦场景,更是给观众留下了深刻的印象。电影《大话西游之仙履奇缘》变焦镜头三、滑动变焦镜头滑动变焦镜头是一种非常有名的镜头拍摄手法,又称“希区柯克式变焦”,通过移动镜头位置同时进行变焦,相机一方面向前推进一方面同步使用变焦摄影,使主体在画面中一直保持大小不变,形成背景有压缩感的画面,从而有效地突出画面中的目标对象。电影《大白鲨》滑动变焦镜头四、荷兰式运动镜头荷兰式运动镜头,指的是剧烈晃动的纵摇移动镜头,这种镜头手法通常用来表示一种疯狂、紧张、神秘、不安的气氛,画面的角度通常都是倾斜的。往往一个斜角镜头的下一个镜头的拼贴最好是水平方向相反对称的镜头,比如一个向右倾斜的镜头经常后接一个向左倾斜的镜头,在视觉上很有动感。电影《盗梦空间》荷兰式运动镜头五、过肩镜头过肩镜头,就是摄影机位于一名角色背后并面向另一角色进行拍摄,这样一名角色的肩膀和背部会面对观众。过肩镜头也是电影电视中最常见的镜头之一,过肩镜头的作用在于给观众一个旁观者的角度,能为观众建立一条视线,引领我们进入一种亲密观察的视角。同时又通过肩膀和画面主体在镜头画框内的具体空间关系,分清楚主次。例如:电影《泰坦尼克号》中的过肩镜头,它用来表现两位人物角色间的亲密感。可以多多利用过肩镜头展现人物关系。电影《泰坦尼克号》过肩镜头六、横摇镜头横摇镜头,作为镜头经典手法推拉摇移中摇镜头的一种,摄影机架在三脚架上,主轴不动,仅镜头水平移动,从左到右,或者从右到左。横摇镜头通常用来拍摄移动中的汽车镜头,来体现汽车的高速移动。电影《头文字D》横摇镜头七、弧型运动镜头弧型运动镜头是摄影机以按照某个圆周以弧形运动所拍摄的镜头,可以为一个场面提供多变化的视觉层次,通常有三种作用:一是突出主体的重要性;二是增加场景的紧张情绪;三是增加画面的动感和能量。它是电影电视中高频率使用的镜头之一。电影《鲨滩》,主人公位于大海中的一块礁石上,用远距离环绕镜头拍摄主体,可以全方位地展示主人公孤立无援的处境。电影《蝙蝠侠:黑暗骑士》中,展现了蝙蝠侠与另外两人面对糟糕问题时的紧张情绪。电影《鲨滩》弧型运动镜头八、移轴镜头移轴镜头就是移轴镜摄影,泛指利用移轴镜头创作的作品,所拍摄的照片效果就像是缩微模型一样,非常特别。移轴镜头的作用,本来主要是用来修正以普通广角镜拍照时所产生出的透视问题,但后来却被广泛利用来创作变化景深聚焦点位置的摄影作品。移轴镜摄影是将真实世界拍成像假的一样,营造一种「人造都市」的感觉。英剧《神探夏洛克》移轴镜头通过以上的干货分享各位小伙伴对于镜头语言有了更多的了解,上面的许多镜头语言都是根据“推拉摇移升降”这些基本的镜头语言演变或者丰富而形成的,有些是通过前期拍摄形成,有些是前期与后期共同作用而形成的,每部影片都有自己极为标致的镜头语言,小伙伴可以在评论区留言说出给你印象最深的镜头语言吧~

  • 人物优先vs场景优先,你是哪种布光思路?

    照明可看作两件相互关联的事情——其一是为演员照明,特别要注意他们的脸;其二是为场景照明,我指的是房间或空间以及背景。主光(key light)是打在演员脸上最强的光,主光的位置是摄影指导在为场景布光时首先关注的事情。演员身上的主光怎么打,将受整个场景照明的影响,有可能空间的照明也要照顾到演员。然而,摄影指导决定从哪些方向给演员打光,很大程度也受演员在现场的面部朝向影响——他们转身朝哪个方向看,他们的头怎样倾斜。摄影指导和灯光师在排练期间要密切观察这些细节,并选择对于演员将来的走位和表演效果最好的照明方向。所以在大多数情况下,摄影指导首先为面部布光。有的时候,碰巧这盏灯照亮了场景,但一般情况下,这个光还得做一些改动,以使影像的各层分离开来。有时摄影指导会倒过来做——首先照明空间,只在必要的地方添加一些光,以保证演员面部的曝光量。这种方法往往很适合低调自然的场景。这类场景中,摄影指导有意识地努力避免过度的圆滑或做作,而偏爱自然和粗糙。强烈的“理想的”主光有可能将低调的场景照得过亮。采用这种“先场景后演员”的方法时,可能会使用一些非传统的照明角度,比如利用从下面反射的光或者用顶光来照明。摄影指导在多大程度上想采用这样的方式,主要取决于要拍什么类型的片子。在一些制作中,摄影指导必须持相当保守的态度,在用光角度上要一丝不苟;但对另一些影片来说,照明的自然主义倾向和表达情感的潜能则压倒一切。摄影指导构思一种照明策略,要考虑两件事:△即将拍摄的这个镜头的摄影机位置,选择的照明方向要最有利于拍摄;△在脑中思考现有的照明策略如何运用于未来要拍摄的其他角度。摄影指导希望花一点时间提前多想一步,想象一下在其他的角度下如何调整照明,以保证照明的连续性,避免陷入窘境。摄影指导要试着率先为场景做好整体的照明布置方案,因为它可能会影响到拍摄顺序以及与效率相关的其他方面。正如你看到的,摄影指导在开始一个照明设计的时候,就在考虑很多事情了。确定照明策略过程中的另一个关键因素是弄清场景的合理性光源(motivating light source)。合理性光源可能是现实存在的,也可能只存在于摄影指导和灯光师的想象当中。弄清合理性光源会使照明显得自然。场景中的合理性光源有可能是直射的阳光透过窗户倾泻进来,也可能是阳光从一个表面反射而形成的柔和的辉光。这些光可能来自天窗、餐桌上的蜡烛、台灯、路灯、月光、火把、仪表盘上的灯(飞机上、车辆上、宇宙飞船上、潜艇上)、城市公寓窗外闪烁的霓虹灯、救护车闪烁的警灯、过路车的大灯,或海滩上摇曳不定的篝火。对光的色彩(color)和光质(quality)予以控制,可以模拟出合理性光源。当然,当主光具有可以识别的光源时,光线也必须大致来自那个方向,尽管可以做很多手脚。正如前面提到的,通常通过对主光方向的准确控制,配合给定的演员走位和摄影机位,能够使演员的特征得到最佳的表现。大的合理性光源,比如太阳,可以用几个大灯透过不同的窗口照射来模拟。另一方面,也可以用许多不同的光源作为布景不同区域的合理性光源。例如,随着一名女演员从窗口走向壁炉前的沙发,她从窗户柔和的蓝光走出,进而走进闪烁、温暖的火光中。即便光源色彩和光质上有细微的差别,也会使照明更令人信服。将光源的色彩作为依据,也为摄影指导提供了一种将前景、中景和后景各层分离开来的方法,这叫做分色(color seperation)。荧光光源可能会略带蓝色或绿色,窗户的光可能会略带琥珀色(阳光)或略带蓝色(天光)等。在大多数情况下,如果可以通过摄影机看到合理性光源,例如有一盏道具灯,或者有光透过薄薄的窗帘照了进来,这时若光源足够照亮演员,光源本身就太亮了,就会白成一片,留不下任何纹理。假设演员坐在沙发上,旁边有一盏台灯,如果我们仅仅依靠这盏灯来对演员的脸曝光,台灯将大幅过曝。相反,如果我们将台灯的亮度调暗,灯罩就有了很好的细节,但却无法为演员的面部提供足够的照明。因此需要有一个单独的光源来为演员面部照明,这个光源要模拟台灯的金色柔和光质。这也使我们有机会在主光上“作弊”,以最好看的方式照亮演员的脸。重要的是光的品质,特别是主光光源的品质,要做到自然逼真,以假乱真。在灯的前面加一个漫射的菲涅尔透镜可实现这个目的。必须注意不要让光线溢出到灯身上,也不要让灯投下菲涅尔透镜的影子,否则将会破坏光来自灯的错觉。制片前期,摄影指导、美术总监和导演会讨论演员的移动与照明光源布置的相对关系。光自然而然会影响到行为。例如,下午时分,阳光的位置沿着我客厅的地板移动,我的猫每15分钟就跟着阳光动一下。人们阅读、工作和彼此交谈等日常作息活动也顺应光线的节律。因此,照明位置自然要与走位相配合而在某种程度上,导演和美术总监设置家具、门窗和照明光源的方式,也要方便为演员的行动提供照明。如果不存在有依据的光源来给演员提供照明,比如夜晚在一个黑暗的卧室里,就必须允许有一点戏剧性的方式。我的看法是,在外观上即使做不到完全自然,也要让观众在心理上认可。 例如,为一个假定没有灯光的夜景布光,可以营造一种无方向感的低基础照度的蓝光,并且要曝光不足。然后,非常选择性地添加一些零零碎碎的光斑,或者让演员隐没在黑暗的阴影中,只用微弱的逆光勾勒出演员的轮廓。成功营造这种效果是个精细活儿,需要经验丰富,有出色的眼力和判断力。对于一个给定的场景,摄影指导经常有许多不同的可能的合理性光源供选择。他会选择那些可以实现其场景照明目标的合理性光源。根据具体的走位、布景结构以及布景中道具灯的位置,摄影指导将决定哪个光源作为演员面部的主光,哪个光源将作为逆光,哪个光源可以用来照明背景等。你的惯用布光思路是什么?欢迎在评论中与我们分享。

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