14 年意大利导演 Leonardo Dalessandri 以一部《土耳其瞭望塔》火遍整个旅拍圈，今年他又带来新作《中国瞭望塔》带给我们诸多惊喜。Leo的摄影、转场、变速、动态延时、捕捉手部动感等，都是大师级别，受到了许多创作人的喜爱和学习。通过拉片说不定你也可以拍出一部“瞭望塔”风情的旅拍，本专题整理了国内创作人的多部「瞭望塔」风格短片，看看哪部最能惊艳到你？国内翻拍【西北地区】1换电仅需一首歌的时间，满电出发！（蔚来版拉萨瞭望塔）制作：TC STUDIO 摄影：水土不服 摄影/导演：刘宇晨啊 监制：导演David2油管风喀什旅拍小短片剪辑/摄影师/后期导演/创意：鹿鹿鹿鹿鹿鹿跑焦 摄影/航拍：Schuker_0013【旅拍短片】北疆瞭望塔导演/摄影/剪辑师/调色：秦瑜琦【华东地区】1土耳其瞭望塔-杭州摄影/剪辑/导演：摄影师李策2《浮生厦门》换一个节奏看厦门策划/导演/摄影/剪辑/调色：真传有道 剪辑师/后期导演：姚青争 摄影师：张舒昂 策划/导演：陈陈陈叶子3watchtower of jinan，致敬一下土耳其瞭望塔，历时三个月导演/剪辑师/调色：李家昆仑4素材混剪，致敬瞭望塔作品导演/剪辑师/调色：TheBlue深蓝【华中地区】12022开封混剪摄影/航拍/剪辑：刘尧【中南地区】1香港映象Let'sGo-HongKong导演/监制/摄影/剪辑：细米翘翘2我用36小时拍了一部广州版的土耳其瞭望塔 ▎广州之声导演/摄影/剪辑师：没有赤兔马的吕布《无锡瞭望塔》正式发布，烟火寻常，锡城如故。祝新年人人皆忙碌，事事都顺心。策划/摄影/导演/剪辑：马克杯【西南地区】1《重庆，万象一城》导演/剪辑：李晶 摄影：寂。2彭州瞭望塔导演/剪辑/摄影师：Alan Wang3成都瞭望塔导演：思陌广告4《贵州丹寨版小瞭望塔》剪辑/摄影：Tom_5云南全彩战士导演/演员/摄影/剪辑/调色：昊榆-end-

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@所有人，新片场学院线下实训小课堂第九期来啦！依然由我们线下实训《电商短视频广告实用课》的老师Lucas主讲。疫情当前，共克时艰，新片场学院努力为防疫工作贡献自己的绵薄之力，暂停了2月份线下实训课程，但学习不能停，我们会定期为热爱影视创作的大家分享实战知识。新片场学院线下实训小课堂第九期本期的亮点是如何运用光线，利用现有场景和小道具，快速打造独具风格的短视频；难点在于对现有环境的把控，发现不同场景中的代表性元素。这次Lucas老师选择仓库一角，利用灯光和烟雾小道具配合现有的场景美术，拍摄工业风视频。需要用到的设备3根荧光灯棒 1盏爱图仕板灯拍摄思路拍摄地是仓库一角，空间狭小，为水泥墙体，多铁架子和工具、涂料等用品，整体色彩简约，没有装饰，空间本身呈现工业属性。因此十分适合打造工业风格、酷炫风格。拍摄地场景布光首先，人物的头顶前方位置的灯棒是提前调试成淡蓝色，给场景奠定了冷色调。然后，在人物头顶后方放置一根灯棒，设为黄绿色，既打亮背景，又能和蓝色光线融合，产生独特的视觉效果。最后，在人物的侧后方地上放了一根粉色的灯棒，光照向前，形成逆光。三根灯棒是三种不同颜色，工业风格场景和光线对撞，营造出迷幻的氛围。灯棒直接裸露，没有刻意遮挡，与场景完美融合，具有形式感。当然，如果你觉得人物置身于这样的空间，脸上颜色过于浓重，你可以在人物的侧前方放置一盏小灯，用来调和人物脸部的光线。比如，我们就放置了一盏爱图仕的板灯，色温为3200K。光位图布光完成，接下来设计一个炫酷的运动镜头，注意拍摄50帧的一倍慢动作，再加上烟雾的点缀，演员酷酷的表情，一个工业风的短视频就完成了。成品gif线下实训《电商短视频广告实用课》已经开设17期，学员们在实践练习后创作了百余部作品。Lucas老师在课上演示丰富拍摄案例，包括产品拍摄、棚内达人拍摄、实景棚场景拍摄，并全程指导学员创作。2019年学员作品混剪视频希望疫情早日结束，待春暖花开之时，我们线下相见。

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在同个场景中，摄影师经常需要配合剧情内容，通过对影像的控制，来营造不同的画面质感。今天我们来到了一个厨房环境的实景棚，影视作品中经常能看到如白天和晚上的厨房，白天又可分为阳光明媚和阴天...... 教学视频截图圣诞节和元旦节将至，到处都是浓浓的节日气息，我们就先应景地教大家营造浪漫温馨的夜晚氛围。最终灯位图接下来会一步步拆解灯位的布置和布光逻辑。拍摄浪漫夜晚氛围总结：1、明亮的基调为主、多用暖光，加少量冷光2、加入灯串、蜡烛等点光源 ，既充当环境光，又烘托氛围 背景光: M40打的侧逆光主光：布灯的顶光 加上一层柔光片 色温3200形成外冷内暖的效果辅光：控制圆形LED灯的功率，并加上一层柔光片用LED灯减轻女生脸上的影子环境光：利用灯串点缀背景；蜡烛点亮前景只有点光源的效果再加上主光和辅光就形成了明亮的氛围，这种效果多见于广告拍摄中。那剧情片中会怎么布光呢？首先不会把整个环境打得这么亮。调整主光的角度和亮度后，画面显得没有那么透亮。右图调整了主光主光去掉了柔光片，使之更接近真实生活状态。同时，可以在人物的右侧再加一盏灯，主光亮度显得没有那么强，画面看起来更舒服。这种用法非常特别。头顶位置加上逆光，打亮头发。完成这样的场景布光、置景后，我们的摄影机运动也可以更加灵活，利用手持镜头来帮助影片营造浪漫唯美的气氛。

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镜头的种类有许多种，按照景别来划分，我们大致可分为五类：远景镜头、全景镜头、中景镜头、近景镜头、特写镜头。也就是我们日常经常提到的“远全中近特”。了解镜头，可以帮助你更好的认识影片，理解导演、拍摄者、剪辑者的意图。除了上面那几种大家耳熟能详的镜头外，下面给大家普及另外一些在影视剧中经常出现的镜头，不同的镜头表达的含义不同，掌握这些镜头手法，在自己拍摄的时候，画面内容也会更加丰富。下面就来增长一下知识吧~一、深焦镜头深焦镜头是远景或大远景的变形，用于展现镜头中的一切，对于细节把控要求很高。利用焦距将前景，中景，近景等全部景深融入到镜头到中，这种镜头同时捕捉被摄对象的远、中、近距离，也最能维持空间的完整性，导演可以观众的眼光在远近距离上移动。利用深焦镜头往往寻求最大景深，追求细节的最大化。电影《公民凯恩》中的深焦镜头影响着观众和画面之间的思想关系，使画面空间的张力得以增强。另外《公民凯恩》中也有更多值得学习的电影语言，感兴趣的小伙伴可以观看学习。电影《公民凯恩》深焦镜头二、变焦镜头变焦镜头，变焦是焦距的光学变化，它能够实现画面的放大或缩小而并不改变摄影机的位置。变焦镜头是在一定范围内可以变换焦距、从而得到不同宽窄的视场角，不同大小的影像和不同景物范围的镜头。1927年的电影《翼》（Wings）是变焦手法首次用于商业电影的里程碑，该片还获得了首届奥斯卡的最佳影片大奖。在电影《大话西游之仙履奇缘》中的朱茵眨眼经典变焦场景，更是给观众留下了深刻的印象。电影《大话西游之仙履奇缘》变焦镜头三、滑动变焦镜头滑动变焦镜头是一种非常有名的镜头拍摄手法，又称“希区柯克式变焦”，通过移动镜头位置同时进行变焦，相机一方面向前推进一方面同步使用变焦摄影，使主体在画面中一直保持大小不变，形成背景有压缩感的画面，从而有效地突出画面中的目标对象。电影《大白鲨》滑动变焦镜头四、荷兰式运动镜头荷兰式运动镜头，指的是剧烈晃动的纵摇移动镜头，这种镜头手法通常用来表示一种疯狂、紧张、神秘、不安的气氛，画面的角度通常都是倾斜的。往往一个斜角镜头的下一个镜头的拼贴最好是水平方向相反对称的镜头，比如一个向右倾斜的镜头经常后接一个向左倾斜的镜头，在视觉上很有动感。电影《盗梦空间》荷兰式运动镜头五、过肩镜头过肩镜头，就是摄影机位于一名角色背后并面向另一角色进行拍摄，这样一名角色的肩膀和背部会面对观众。过肩镜头也是电影电视中最常见的镜头之一，过肩镜头的作用在于给观众一个旁观者的角度，能为观众建立一条视线，引领我们进入一种亲密观察的视角。同时又通过肩膀和画面主体在镜头画框内的具体空间关系，分清楚主次。例如：电影《泰坦尼克号》中的过肩镜头，它用来表现两位人物角色间的亲密感。可以多多利用过肩镜头展现人物关系。电影《泰坦尼克号》过肩镜头六、横摇镜头横摇镜头，作为镜头经典手法推拉摇移中摇镜头的一种，摄影机架在三脚架上，主轴不动，仅镜头水平移动，从左到右，或者从右到左。横摇镜头通常用来拍摄移动中的汽车镜头，来体现汽车的高速移动。电影《头文字D》横摇镜头七、弧型运动镜头弧型运动镜头是摄影机以按照某个圆周以弧形运动所拍摄的镜头，可以为一个场面提供多变化的视觉层次，通常有三种作用：一是突出主体的重要性；二是增加场景的紧张情绪；三是增加画面的动感和能量。它是电影电视中高频率使用的镜头之一。电影《鲨滩》，主人公位于大海中的一块礁石上，用远距离环绕镜头拍摄主体，可以全方位地展示主人公孤立无援的处境。电影《蝙蝠侠：黑暗骑士》中，展现了蝙蝠侠与另外两人面对糟糕问题时的紧张情绪。电影《鲨滩》弧型运动镜头八、移轴镜头移轴镜头就是移轴镜摄影，泛指利用移轴镜头创作的作品，所拍摄的照片效果就像是缩微模型一样，非常特别。移轴镜头的作用，本来主要是用来修正以普通广角镜拍照时所产生出的透视问题，但后来却被广泛利用来创作变化景深聚焦点位置的摄影作品。移轴镜摄影是将真实世界拍成像假的一样，营造一种「人造都市」的感觉。英剧《神探夏洛克》移轴镜头通过以上的干货分享各位小伙伴对于镜头语言有了更多的了解，上面的许多镜头语言都是根据“推拉摇移升降”这些基本的镜头语言演变或者丰富而形成的，有些是通过前期拍摄形成，有些是前期与后期共同作用而形成的，每部影片都有自己极为标致的镜头语言，小伙伴可以在评论区留言说出给你印象最深的镜头语言吧~

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点击图片了解课程如果现在有一个TVC广告拍摄的机会放在你面前，你有接住这个项目的底气吗？在参加了《影视摄影&灯光实战进阶课》（后简称“摄影灯光课”）后，大家的回答是肯定的。课程花絮学员们在摄影灯光课上熟悉了整个TVC广告的制作流程，知道了哪些环节是需要重点考虑的。比如筹备阶段的现场准备，拍摄阶段与剧组成员的协调调度等等。以后再遇到这类规格的项目，心中会更有底气了。摄影是光影的艺术，但实际拍摄中光线的处理却成为摄影师们棘手的难题。摄影灯光课就通过循序渐进的灯光知识，帮大家理清了布光的逻辑。老师灯光教学前期老师会通过实例讲解、学员试错、现场演示来更直观展现不同环境下不同布光方式，后期作品实操则是一个巩固和提升的过程。下面就到了本期学员作品的展示环节。01手表广告这组学员拍摄的是EOEO女士腕表，借用产品本身双轨道滚珠的设计特点，本片核心的概念就是平行宇宙猜想，两个相同的个体在不同时空中有着不一样的轨迹。学员作品截图为了体现时间感，导演班同学的想法是把人作为刻度，倒映在月球上的演员和表盘上的时间刻度相重叠。影片整体风格华丽科幻，月球、星空让人感到宇宙的深邃和时间的永恒。学员作品截图作为摄影师来说，想要把导演天马行空的想法落地并不容易，好在导演班同学提供了细致的分镜手稿。学员分镜摄影班同学在和导演班同学沟通后，就要通过各种摄影手段把当初设计好的分镜做到真正复原。这其中必然也会遇到难点，举一个拍摄中的例子。有一个场景是一条很长的全景镜头，演员从一头走到另外一头，代表着人物从宇宙时空的分裂中走来。为了符合影片影调，同学们把地面喷成了雾霾蓝。至于如何展现这个场景的纵深和空间感成了问题。学员作品截图同学们集思广益，最终靠着两条灯带和用剪刀车架出的高机位，通过俯拍实现了这个全景镜头，为此大家也感到了满满的成就感。学员拍摄花絮影片最终成片的效果能如此梦幻，和美术道具也有很大关系。一开始同学们是想用投影仪实现月球的效果，可是问题是投影的亮度不够。学员拍摄花絮后来，导演老师通过资源协调，悄悄帮学员们拿来了实体发光的月球。摄影老师也通过朋友，帮学员借来了高流明的投影仪，实现了璀璨的星空场景。面对老师这些默默的支持，学员都表示很感动。学员拍摄花絮02手表广告学员作品片段这一组学员拍摄的产品和前面那组一样，都是EOEO手表，但导演选取了该手表另一个特点就是无镜面设计，而磁力驱动的黑科技可以用触觉读时间。所以影片的核心就围绕着“触觉”。学员作品截图影片讲了一个都市女孩在梦里感知到时间的故事。整部影片带有很强的性感迷幻风，在概念化的场景内，交融现实和梦境，展现了手表极致的触感。其中有一个女孩和鱼缸接触的镜头，导演同学和摄影同学沟通时，导演希望实现一个偏复古港风的色调。学员作品截图摄影同学尝试了红蓝、黄蓝的光线，但感觉都感觉有种小视频的廉价感。最后老师建议大家选用红绿的颜色搭配，通过找鱼缸的各种反射折角，把这个镜头拍得既高级又好看。学员作品截图03音响广告学员作品片段这组同学拍摄的产品是小度音响，通过带有神转折的三个短剧情片，展现小度音响这个产品不常规的使用方法。影片以现代居家的场景为主，带着“狗头”面罩的男主角也突出了广告的趣味性。三段故事的场景分为夜景、日景、夜景，为了节省拍摄时间成本，影片选择在一个实景棚内完成。我们也把完整的拍摄过程，通过延时摄影做了一个记录。而同一个场景的日夜转化，在此前的摄影课上，老师就为大家做过实景演示。为了加深大家的印象，老师的教学方法是，先让同学们布光试错，再由老师改正。当时学员们都觉得这应该很复杂，比如如何控制光比、如何去调整光线的软硬程度。实际上在后来的老师演示中，老师只改了灯的位置和功率，在几分钟之内，就实现了日转夜的效果。老师实景演示通过广告片的实操能更好让大家消化课上学到的内容，在该片中，两个夜景体现的氛围感也不同，比如第一个场景就要体现出双方暧昧的情绪。学员作品截图为了把暧昧的氛围做足，学员们在置景时，在现场放置了很多星星灯和蜡烛；在拍摄时，用了老师推荐的黑魔法滤镜片，去除了画面中过于锐利的部分，更好地记录了微光中的暗部细节。学员拍摄花絮04耳机广告最后这组学员的作品是耳机广告，影片讲述了盲人芭蕾舞女孩通过耳机中的音乐，即使看不见色彩却能用声音再次感知这个世界，重新回到了舞台。整个影片在女孩独处的时候影调灰暗、单调，但当女孩重新在舞台上起舞时，整个画面就明亮了起来，象征着女孩得到了新生。对于摄影同学来说，两个场景的转换，过渡这一块是比较困难的，好在老师的帮助下，完成了拍摄。在拍摄女孩起舞时，采用了高流明的投影从女主正后方投射的方式，拍摄出了五彩斑斓的梦境感。学员作品截图关于舞蹈的运镜，学员开始选用的是滑轨，但是老师建议用手持拍摄，增加镜头的呼吸感，出来的效果代入感更加强。学员也表示这次收获最大的一点就是灯光和运镜的小技巧。学员拍摄花絮本期学员作品分析就到这里了，借用学生作品《触》中的一句旁白“活鱼逆流而上，死鱼随波逐流”。想要成为一流的摄影师，就需要不断提升自己在摄影灯光方向上的专业技能。学员拍摄花絮而摄影灯光课就是想拉高大家的层次，拓宽大家的视野。大家可以全程使用顶尖设备，和专业剧组团队合作，接触完整的TVC拍摄流程。以后再有机会接触到此类规格的广告时，也可以拿作品说话，毕竟机会总是留给做好准备的人的。

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点击图片 了解课程详情新片场学院线下实训《影视摄影灯光实战进阶课》将线下的教学案例进行录制和大家分享，在上期完成美术置景后，我们得到了一个古典油画质感的场景。（往期文章：干货丨详解古典油画质感的美术置景思路）演示短片想看完整教学视频请至文末，添加客服领取最终灯位图我们先总结一下拍摄古典油画质感画面的注意事项：1、光源是相对单一的，不会有特别多复杂的灯光，即使用了很多灯，也要保证看起来是一个光源散发出来的。2、画面中有强烈的对比，明暗关系丰富。3、借助很多道具，人物的妆发也要有西方古代的气质。首先进行机位的选择。对于这个场景来说，只有正面可以拍摄，所以机位选择很简单。将机位放在场景中间，全景构图，带到窗户一部分和柜子的一部分，画面上方不要框死。选择机位我们铺设了两节直轨，可以完成推镜头，这样我们就有了基本的镜头运动和构图。铺直轨接下来要思考如何布光实现日光效果。在17世纪，所有的照明来自于日光和烛光，日景拍摄就要借助窗户外的日光来做主光。所以我要灯光模拟太阳照射出来的质感。而且我们是在摄影棚拍摄的，外面的走廊可以架灯，棚里电的功率也足够支持。主光其实画右是真正的窗户，为什么不选择直接利用阳光来拍摄呢？因为阳光会一直变化，这次的拍摄时间比较长，很难控制光线变化，所以需要把画右的窗户全部遮盖。遮盖画右的窗户遮好后，画右的桌角和演员的一边侧脸明显都变暗了。关掉场灯，这个环境中只剩自然光散射进来，已经形成了单一的光源。形成单一光源下一步，我们要加强画面的明暗对比，即亮的地方更亮，暗的地方控制亮度。在窗外先打开一盏M40，打亮背景，但是太亮了。打亮背景摄影机定的光孔是F4，保证背景不曝的情况下，老师进行了调整。老师测背景光用测光表测得背景光的光孔是F22，所以加了一个06和09的ND，这样背景的曝光基本正常。 加06ND加09ND再打开另一盏M40，打亮演员，画面也多了明暗变化。 打亮人物由于是拍女生，所以整个环境想要更加柔和，窗外的两盏灯都加上了柔光片。加上柔光布两个窗户隔得太近了，说明两盏灯也离得很近，一旦它们退到相对远一点的距离，两盏灯的光会相互影响。我们可以用黑旗来挡。两盏灯之间加黑旗如果不挡，画面上方就会出现一个小光区，这取决于摄影师自己的选择，没有对错之分。两盏灯之间不加黑旗这个画面光比是1：32，这么大的光比对拍摄女生来说不太友善，所以要在辅光的位置将整个场景稍微提亮。老师在摄影机的前上方加了一块泡沫板，然后用2.5K的镝灯打亮，泡沫板要靠近主光的一侧而不是阴影侧。辅光而且为了控制墙上的光区范围，泡沫板的上半部分再用两块黑旗遮挡，使得整个场景的光线更统一，最终形成光比1：8的画面。上图有黑旗遮挡，下图没有现在的这个画面还是显得不够厚重，一般的古典油画是暖色调，所以调高摄影机的色温就可以了。调高色温因为视频是蒙太奇艺术，还可以进行二次创作，所以拍完全景后，我们还可以拍摄一些细节画面，比如水果特写、人物表情特写和装饰品等，最后将这些视频素材剪辑成风格统一的短片。以上就是模拟日光环境下，拍摄油画质感场景的摄影灯光知识的应用讲解。点击图片 了解课程详情这也是新片场学院线下实训《影视摄影灯光实战进阶课》的教学环节之一，老师会现场演示讲解不同场景和质感的拍摄布光技巧，解析构图、镜头运动对画面的作用。老师人物布光讲解老师教室场景演示学员们在听完讲解后，马上可以上手实操电影机，加深对知识的理解，最后分组完成个人的TVC广告作品。学员实操拍摄

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首先，我们需要明白一个概念，在摄影机中，什么是纯净的黑？我的理解是没有噪点的黑色。《八佰》摄影指导曹郁在公开分享中提到，他对《八佰》的风格定义是“最黑的夜，最亮的光”。落实到摄影工作中，最重要的是对光线的处理。《八佰》里用了很多灯光来营造黑夜和光明的对比，影片中的四行仓库几乎没有光，全靠河对岸租界的霓虹灯把仓库照亮。但非常暗的仓库和非常明亮的外景全部清晰地出现在一个画面，这对于摄影机的要求非常高，它非常考验摄影机的动态范围和清晰度，ALEXA IMAX摄影机完美解决了这个问题。《八佰》拍摄现场（图片来自网络）知识点一：动态范围这个概念在胶片摄影和数字摄影中还是有一点区别的。我主要以数字摄影距离，在摄影知识中，有一个参数叫做感光度，这个参数在一些高端的摄影机上会被称为曝光指数，曝光指数这个概念来自于胶片时代。由于胶片的感光能力是不会变的，摄影师在实际拍摄中，可能会故意欠曝或者过曝一定档数，在胶片洗印中再将胶片冲印至自己希望的曝光。这个摄影师假定的，涉及后期洗印因素的曝光值，就是曝光指数。数字摄影机借用了EI这一概念。因为它本质上并其实只是改变了摄影机的动态范围（宽容度）。如下图所示从上图可以看到，在控制快门速度与EI两个曝光要素，逐档降低快门角度，并增加EI，使EV曝光值始终保持一致。在这种情况下，观察其宽容度分布情况。在这个变量控制下，可以看出调节EI对摄影机宽容度分布的影响。可以看到，随EI的增加，曝光EV值保持不变，标准曝光点18%灰以上的宽容度档数逐步增加，这是因为CMOS实际进光量随快门角度减少而减少，更多的高光细节被纳入宽容度内。而18%灰以下宽容度档数逐渐减小，且噪声逐步放大，信噪比提高。这是因为在快门角度收缩时，暗部细节逐渐丢失，淹没在噪声中。当EI在800的时候向上和向下的宽容度达到了最高，这就是它的原生ISO。综上所述，ISO并不是越低越好，也并非处于原生ISO时画质最好，还得结合相机的动态范围变化，根据不同场景做出改变。摄影灯光课现场知识点二：光的平方反比定律S代表光源，而r代表测量点。光线的总数取决于光源的强度并且与增加的距离恒定。光线的密度越高（每单位面积的光线）意味着更强的光场。光线的密度与光源的距离的平方成反比，是因为球的表面积随着半径的平方而增加。因此，光场的强度与光源的距离的平方成反比。光的平方反比定律最常用的情况就是利用光的衰减，在前方光线亮度100%或者25%的地方作为18%的曝光点，背景的亮度只有1%甚至0.1%，拍出纯净的黑色的背景。明白了动态范围和光的原理以后，是拍出纯净的黑的第一步，第二步就是利用光线和曝光，来达到拍出纯净的黑的目的。电商课学员拍摄现场总结一下步骤：1． 把摄影机的ISO调整得尽量低（向上可以有足够的动态范围）2． 给整体画面铺上一层底子光（密度光），一般建议在10-15lux左右3． 在取景器中观察所需要拍黑的部分，调整光控数值，达到纯黑的目的4． 给拍摄主体布光

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“要做就做最好的摄影师。”7.31-8.06杭州站的《影视摄影灯光实战进阶课》（后简称“摄影灯光课”）学员徐同学在接受课后采访时与我们分享了自己的下一个目标，努力成为TVC广告的摄影师。从平面摄影助理到平面摄影师，徐同学已经成功实现一次跳跃，如今他正努力转型成为一名广告摄影师。经过一个星期的实战学习，徐同学知道了TVC广告行业标准，看到了努力的方向，先前空谈的职业规划变得具体可循。“这种每天能跑起来，虽然忙但是每天都能感到自己在进步的感觉，实在太棒了。”课程花絮01掌握不同场景布光TVC广告中一般会出现多个场景，并且场景空间较大，考验摄影师的布光技巧、构图和调度等能力。但是影视传统教学中缺乏对灯光的专业训练，许多从业者全靠经验摸索，没有系统的布光逻辑，因此掌握灯光知识是大家快速提升摄影水平的关键。学员练习摄影灯光课重点聚焦灯光方面，导师会现场讲解灯光的原理，如曝光控制、光比、光的特质、测光表的使用等，让枯燥的理论直观化呈现。老师人物打光演示同时，导师进行产品、人像和常见场景的打光演示。老师会一步步拆解灯位，利用灯光营造同个场景中的不同质感，完成同机位的日/夜景拍摄，这样一来学员们能清晰了解主光、背景光、辅光的布光原理和步骤。老师场景打光演示4组学员作品拍摄的产品是梨膏、榨汁机、美瞳和面膜，也分别运用了不同场景的打光方式。梨膏作品是剧情类场景，具有明显的现实主义风格，第一个镜头展现了夏日午后的炙热感，灯光模拟太阳直射进客厅，地面阴影清晰可见，突出了女主心中的烦闷。学员拍摄现场榨汁机作品的故事以唐朝和原始社会为时代背景，属于特殊场景。这时我们要考虑到光线来源的合理逻辑，当时的照明依靠烛光或火堆，所以灯光要模拟烛火，整体影调偏暖。学员拍摄现场面膜作品属于时尚美妆类广告，做出大范围柔光效果，女生显得肤质透亮，其中也有不少概念场景，以此表达产品“每一面都很美”的主题。学员拍摄现场粉色的场景少女心满满，大面积粉色点缀白色，烘托女生的可爱；金属质感的画框悬在空中，红色帘布两侧对称，展现了女王般的霸气。学员作品截图美瞳作品则是巧妙结合了导师课上演示的赛博朋克场景。紫色和蓝色碰撞，再加⼊不少灯管发光源作为补充。这类作品少不了眼部特写，在老师指导下，学员们也顺利完成了眼神光的布光和拍摄。 学员拍摄现场02灵活运用摄影运动视频的优势在于动态全方面展现被拍摄对象，能在相同的时间内传递更多信息。所以摄影师一定要有“运动”的摄影意识，无论是机器设备的调度还是光影的变化，都是为了让画面增加运动元素。 学员拍摄现场徐同学直言，由于之前做的都是平面摄影，拍照就是固定的，导致他在拍视频的过程中，也喜欢用这种固定镜头，没有动起来的那种感觉。 学员练习摄影灯光课上，老师会现场演示如何利用不同机位完成摄影机调度，如何利用景别和镜头运动来引导观众情绪，如何根据现场的环境定机位等。老师场景打光演示分组拍摄时，张同学所在的小组，根据广告脚本，置了一个唐朝的景进行拍摄。其中有一个推拉的镜头，张同学一开始的想法就是从一个空场景直接往后拉。老师在进行指导时，指出运镜的起伏点可以再调整一下。经过老师指点，张同学把起幅从桌上的苹果上拉出来，落幅到整个全景。这样不仅增加了镜头的运动还丰富了画面的信息。 学员拍摄现场美瞳作品有很多特写镜头，学员们直接肩扛摄影，利用摄影机的运动来贴近演员的律动，完成视觉的冲击效果。 学员拍摄现场03学会团队沟通协作影视创作是团队协作的成果，而且所有的画面造型和视听语言都是为剧情服务的。职业摄影师应该在了解剧本主旨的前提下设计每个场景、每个画面的拍摄方案。每组学员作品的顺利完成都离不开导演、摄影灯光、置景、道具、妆发和演员等部门的统一配合。学员拍摄现场摄影灯光课模拟真实的商业项目，学员们直接和导演沟通，参与到分镜头脚本和拍摄方案的讨论，和专业的广告剧组团队配合。这个课程内容注重培养学员们的导演思维和后期意识，导师当堂给出作业“三个镜头讲好一个故事”，即摄影师既要注重每一个镜头的质量，也要考虑到3个镜头间的链接与逻辑。学员练习摄影师作为主创团队成员之一，对作品的质量有着不可忽视的决定作用。优秀的摄影师不仅熟练掌握基本的摄影基础、布光技巧，还能利用视听语言和画面造型为故事加分，更重要的具备处理现场问题的能力。

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本文已获得作者@侯咏 （中国内地摄影师、导演、编剧、制作人）授权转载。01摄影造型活动的定义摄影造型是人类从事的一种艺术行为。是利用摄影工具（照相机、摄影机等）在二维平面（胶片、相纸、银幕、屏幕等承载影像的材料）上对应客观现象（景、物、人）制造出具有立体感和空间感的二维视觉影像的一种创作活动。其影像给人造成的三维视觉假象是摄影者通过运用镜头、光影、影调、透视、色彩、构图、运动（活动影像）等创作手段和技巧来实现的。 02摄影造型活动的根本性质1、 对现实的记录 ——写实性、真实性自摄影术发明之后，摄影影像就被认定是对现实最具真实性的写照。时至今日摄影图像还经常被当作毋庸置疑的证据在法庭上发挥作用。由此可见，摄影图像是对现实的真实写照这一点是摄影活动的基本性质。也就是说，摄影能够真实、准确地记录我们面对的自然世界和现实生活。但是，“真实”是一个模糊而相对的概念。“纯粹的真实”只能存在于文字定义中，现实中却很难找到。而真实与否的标准也无法以精准的刻度来量化。如果说“全然的真实”就是人眼所看到的现实状态，摄影只需将它们照搬成视觉影像即是“纯粹的写实”。且不论每个人眼中的“现实”都不尽相同甚至完全不同，就说“照搬”即能相同这一点，从概念上二者就各具属性，根本不可等同。而在实际中就更无法设立一个标准来衡量二者是否相同。因为原本二者就是处于不同维度的两种完全不同的形态。我们眼中的现实世界是三维的，而作为摄影活动结果的视觉影像是二维的。从空间物理的角度来说，二维是一维的N次方，三维是二维的N次方。也就是说，二维是三维的N次方分之一的投影，二维是无法具备和包括三维的全部信息的。由此得证，视觉影像是现实世界的N次方分之一的投影，视觉影像无法获取它所对应的现实世界全面完整的信息，也就不可能具备现实的真正属性。因此，纯粹真实的摄影影像和对现实完全“照搬”的摄影活动都是不存在的。所以，摄影造型活动的“记录现实的写实性和真实性”这第一个根本性质其实仅仅是理论而已，实际是站不住脚的。2、 对现实的改造 ——扭曲性、创造性照相机、摄影机是需要摄影师来操作的，所有的视觉影像都不是摄影机而是摄影师拍摄而成的。换句话说就是，通过摄影机拍摄出的视觉影像呈现怎样的形态，完全取决于摄影师的操作。也就是说，任何一个视觉影像的形成，无不带有摄影师的主观烙印。那么，带有摄影师主观烙印的影像，必然不是“纯粹的”、“自然真实” 的现实世界，而是经过摄影师“改造过”的现实世界。因此，这种摄影师对现实世界的改造性或创造性，是摄影造型活动的第二个根本性质。相对于第一个根本性质——真实性——来说，创造性显得更为重要，也更有说服力。因为它对我们摄影艺术创作的意义和作用更加重大。第二性与第一性是反比关系。也就是说在摄影创作中，摄影师的参与性和创造性越强，其结果的真实性就越弱。反之亦然。例如，你为女孩拍照，把她拍的越丑（影像）就越不像她本人（现实）；相反，你拍的越美也同样越不真实。第一性÷第二性= 103摄影师从事摄影造型活动的目的和任务摄影造型活动的性质决定了摄影师从事摄影造型活动的目的和任务。而目的和任务可以分为高低两个层次，或者称作基础任务和核心任务。1、 客观再现现实这是摄影师从事摄影造型活动的基础。也是基本目的任务。内容包括学会摄影专业基础知识、掌握摄影专业基本技能。此阶段还谈不上创造性。就好比说这是一个先学会识字和写字的基础性阶段，可以抄写文章，而不会创写作文，充分表达自己的感情和思想。即使写出了文字，也仅仅停留在流水账式的叙事日记水平上。2、 改造和创造现实创造性地表现摄影师对现实的特殊感受，给“客观现实”赋予摄影师 鲜明的“看法”和“态度”——个人感受。这样才能被称之为摄影“创作”。尤其是从事故事类的影视摄影创作。在此类影视摄影作品中，摄影师的个人感受越强烈，对“客观现实”的改变就越大，创作的成分就越多，其创造性就越大。还是举前面为女孩拍照的例子，如果你把她拍的（影像）与她本人（现实）几乎一模一样，未做任何加工（美化或丑化或者其它别的意味添加），那么，你觉得这个摄影创作有意思吗？作为一名有学养、高水平的专业摄影师，你觉得满足吗？创造性是加法，是在客观现实的基础上，附加摄影师的“态度”。就像俗话所说“照猫画虎”，在此取其“改造和创造”之意，就是1+1≥2。所以说，创造性是摄影创作活动的核心任务。04摄影创造性的来源摄影师在从事摄影造型活动中的创造性来自两个方面：1、 外部条件的规范剧本内容——题材、类型、时代、地点、行业、人物、事件等等。导演要求——导演对创作的具体想法和要求。预算规模——制作成本的水平和等级的规定。周期计划——时间、季节的期限。以上各项为摄影师规定了摄影造型活动的不可逾越的范畴。摄影师的基本职责就是根据这些要求进行影像化呈现。因此，摄影师的创造性是有任务、有责任的创造性。其中，完成摄影造型任务的底线是服从导演。这些外部条件的规范，看起来完全是对摄影师的创造性造成捆绑的枷锁。但是这些限制的压力一定会作用于摄影创作，反而激化和推动摄影师的创造性。所以说，摄影师的创造性首先是在外部条件的规范下生长和运行的。从这一点来看，摄影师的创作并不是单纯个人化的。2、 自身素养的储备知识——广度与深度兼具的书本知识、间接认知。经验——实际操作的经历、经验、能力和功夫，以及实践验证后的认识和结论。修养——全面深厚的知识与实践养化而成的文化、艺术素质，特别是文学、绘画、音乐、科学、哲学等方面的修养。感受力——对客观世界、现实生活的感受能力和敏感性、敏锐度。共情心——对周边的人和事具有感同身受的深刻情感。品味——对艺术和生活具备高尚的鉴赏标准。境界——对世界、自然、人生、事业经过了深度的哲学思考，形成了比较正确的世界观、人生观和价值观，眼界宽广、心胸开阔、心中有爱、无私奉献。是一种理想的人生高度。 05摄影创作过程的逻辑层次在客观再现现实的基础上更强地发挥摄影的创造性是摄影创作的核心任务。摄影的创造性是摄影师通过摄影创作活动得以实现的，是在摄影创作的成果中蕴含的。摄影师的所有工作都包括在这一过程当中。以下，我们用降序的方式依次分析、阐释发挥摄影创造性的创作过程以及过程中各个环节的层次和逻辑关系。它们是由形而上的抽象意识逐渐具象化的次第。若是升序排列，则是具象向抽象发展变化的次第：1、 态度摄影创造性的发挥最终要体现出摄影师对待所表现的客观事物的态度。包括观念、立场、观点、看法等等。未达到这个高度的摄影创作，其创造力则是疲软乏力的。也就是说，摄影的创造力不但要有力度，而且要有高度和深度。态度是建立在摄影师于影像表达中所传递的情绪和感情之上的。也就是说，态度以情感为载体。没有感情的态度是冰冷无味、毫无说服力和感染力的。严格来说，没有感情的态度不是真正的态度。2、 情绪、感情摄影师在创作中会努力传达某种鲜明的情绪和强烈的感情，通过画面影像呈现出来。而情绪和感情来源于摄影师对客观事物的感受。没有感受则不可能有情感。3、 感受表达鲜明、强烈地表达个人感受是摄影创作的灵魂，也是摄影创造性所依赖的最重要的因素。摄影师的个人感受产生于对事物的感知和认识。而无论态度、感受和情绪，都是一种个人的主观化意念和抽象性意识，都需要借助于客观的具体物象得以呈现。4、 形态、氛围形态的定义是“视觉感官所能感知到的信息总和”，通俗讲是现场所见或镜头摄入的所有视觉景象。包括场景气氛、人和物以及画面的状态和动态等等。氛围则是与形态共存的环境气象和情势，是一种不可视的气场和能量的可感知状态。形态和氛围是介于抽象与具象之间的概念，是建立在场景气氛的基础上，作为承载摄影师表达感受的依托而较为具象的存在。5、 场景气氛作为摄影创作的基础因素，包括由每个场景的不同气氛所构成。气氛的概念有两种含义：第一是近似氛围之意，是指“可以引起人强烈感觉的景象或情调”，“是弥漫在空间中能够影响情绪和行为的心理因素和心理感受的总和”；第二是摄影专业用语，特指不同时间段的光线效果，比如：日景气氛、黄昏气氛、夜景气氛等等。此处所涉及的气氛偏重于第二个含义，但同时也包含有第一个含义。二者的关系是：第一含义建立在第二含义基础上，第二含义依赖于第一含义而产生、而存在。6、 光效光效的定义有两方面指向：一、现实环境；二、视觉影像。包括光影和影调的概念，是构成气氛的基本因素之一。也就是说，气氛首先是由场景中的不同光效而体现出来的。前辈们常常强调“光效气氛”，说明它们在摄影创作中的重要性。光效，也可称为光线、照明。严格来说，光效属于诸多摄影造型手段中光线、照明的核心内容，它既是摄影创作中最基础的环节，同时还是发挥摄影创造性所依赖的重要技能之一。7、 镜头、色彩、构图、运动这些因素都是与前项的以光效为主要构成的“光线、照明”一同作为摄影创作所依赖的造型手段，同属摄影的“十八般兵器”。它们都是具有各自特长的工具。比如：除了光效气氛之外，人物的位置和景别的安置（构图）、镜头角度与透视的选择（镜头）、冷暖光色及色彩基调的处理（色彩）、摄影机的走向和动态设定（运动）等等，都可以为摄影师创造气氛和氛围而服务，最终为发挥摄影的创造性提供方便和依靠。气氛是通往摄影创作终极目标通道的下端，在此通道的上端依次是氛围、感受、情绪（感情）和态度。而摄影的“十八般兵器”，即摄影的造型手段，就是在通道中通往终极目标的战车，是摄影艺术创作学科体系中最为重要的内容，需要另外展开论述。8、 自然形态处于通道最下端的起点就是摄影师进行创作之前，客观现实的本初状态。是摄影师和镜头面对的原始现象。如果不对它做任何加工，不添加任何人的主观意念，也许就是所谓对现实的“真实记录”（当然此种情况只存在于理论层面）。如果摄影创作活动的性质真是如此，那就意味着我们站在摄影创作的通道口原地不动。那么摄影创作的起点就成为了终点。我们所学习和掌握的“十八般武艺”就毫无用武之地了。因此，现实的自然形态是摄影创作活动的基础和依托，是摄影师步步向上攀登、通往创作终极目标的出发点。上述的八个方面，涵盖了摄影创作活动的所有阶段和内容，为摄影创作展示出一幅总体结构规划图，让摄影师能够透彻理解摄影创作活动的本质；全面而又系统地明了摄影创作各个环节之间层层递进的联系和逻辑关系，从而为更好地发挥摄影师的创造性提供帮助。00作者简介侯咏摄影师、导演1960年9月生于陕西西安，毕业于北京电影学院摄影系，中国内地摄影师、导演。上海戏剧学院教授、硕士生导师。主要作品与成就1、作为摄影师1983年，首次担任摄影师拍摄影片《九月》，从而正式开始电影摄影师生涯。1984年，拍摄田壮壮导演的影片《盗马贼》。1985年，担任传记影片《孙中山（上下）》的摄影师，并凭借该片首次获得第七届中国电影金鸡奖最佳摄影奖。还拍摄了《一个都不能少》、《王朝的女人杨贵妃》、《夜色撩人》、《我心雀跃》、《泡芙小姐》等影片。之后，又因在影片《晚钟》、《鸦片战争》、《我的父亲母亲》中的摄影造诣，相继获得中国电影金鸡奖最佳摄影奖。成为中国唯一一位四次荣获金鸡奖最佳摄影奖的摄影师。2、作为导演1991年开始从事导演创作，执导影片《天出血》。2004年执导的影片《茉莉花开》荣获第七届上海国际电影节评委会大奖。2006年执导的历史剧《卧薪尝胆》获得第2届首尔国际电视节最佳长篇电视剧奖以及最佳导演提名。2007年，执导体育题材影片《一个人的奥林匹克》。2008年，执导年代剧《闯关东中篇》。2012年，执导年代悬疑剧《愤怒的摄影师》。

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本文已获得作者@侯咏 （中国内地摄影师、导演、编剧、制作人）授权转载。今天我在这儿讲的并不是电影摄影的基础理论，而是针对摄影专业观念的较深层次的探讨。它是我多年来关于电影摄影的思考和感悟，也可以称作我的摄影观念。有些观点可能令人感到惊奇，甚至改变“三观”，亦或不以为然。无论如何，仅作为一家理论，供大家参考。由于时间关系，我只讲几个观点，并简单解释一下为什么。而详细的论据和论证就不能一一展开。01两个根本性话题1、摄影的本质究竟是什么？教科书上传统的摄影基础理论对摄影的定义是：摄影是使用专门设备对实物进行其影像记录的过程，是一门真实记录现实的艺术。也就是说纪实性和真实性是摄影的本质。但是有一天你会突然意识到，摄影艺术更为核心的真谛其实并不是仅仅复制和纪录现实，反而恰恰是改变和创造我们眼中的现实。当你认识到这一点的时候，你才是小学毕业了。2、摄影师应该具备哪些素养？“书到用时方恨少，捡到篮里都是菜。”所以说，素养多多益善。这里别的不说，只谈绘画的修养，这是最最基础的，也是摄影师能否成为研究生的必要素养。你不一定会画画，但一定要懂得绘画原理，比如素描的影调原理和色彩的冷暖关系原理。当然，如果不经过绘画的实践，你是不会对这些原理有深层的体会和感悟。如果你对这些影像原理的理解不深，你就基本上不可能达到一个至高的摄影水平。02光色应用是四大摄影造型手段之一我们先画出一个框架，弄清光色应用在摄影造型中所处的位置。教科书将摄影造型手段分成四大类，而划分的方法有两种：1，构图、光线、色彩、运动；2，构图、光学、光色、运动。第一种方法是传统的分类，我们读书时就这样学的。第二种方法认为光和色是一种无法分割的手段而将光和色合而为一。另外增加了光学。光学主要指摄影的成像元件，也就是属于实体工具的镜头、滤色镜等。同时也是指在摄影创作中使用这些光学工具的方式方法。其实，造型手段就是指方法和技巧组成的技艺总和而并非实体工具。因此第二种划分中的光学造型手段，不包括定义为实体工具的光学部分，只指向非实体的方法、技巧所构成的手段。这样的分类似乎不够严谨。另外就光色一体的概念而言，虽说有光才有色，有色必有光，光色是不可分离的。但在教学上还是将光线和色彩分别分析和讲授才更加方便，才更有利于理解。因此，我们可以暂且折中地划分为五大摄影造型手段：光学、光线、色彩、构图、运动。我们在此所谈的“光色应用”就是其中的“色彩”范畴。03摄影光色应用中，应该改变和抛弃的常规概念和习惯用法1、白平衡白平衡是光色造型的基础概念，是摄影光色控制的前提。它是针对技术基准控制方面的概念。例如光学镜头色差和感光元件的感光度、显色性等等，都是为摄影师提供的摄影工具所必须制定的技术标准。就像我们要为地球制定海拔高度和格林威治时间以及摄氏0度一样。但在进行创作的时候，我们必须要把它忘掉。为什么？现实中不存在纯白的色光和纯白的物体，画面中也不存在纯白的颜色。“标准白色”是一个相对的概念。即使这个相对的白色概念有具体的控制方法，摄影师在进行创作时也不要将它作为色彩运用的标准。因为摄影师运用色彩造型就像用不同温度的水来营造不同感受一样，而不能将现实中不同温度的水都控制在0度左右。再用绘画来举例：梵高并不是用纯粹的蓝色画出天空的颜色，而是用其它不同的颜色画出蓝色的感觉。同样，摄影师的创作并不只是为了还原物体和环境原有的色彩，而往往要通过改变原有的色彩来表达摄影师各种不同的色彩感受。以前胶片时代有一个固定的标准概念就是“色彩还原”，是指彩色胶片在生产、拍摄和洗印加工过程中，其色彩与原景物色彩的一致性标准。它是胶片研发、生产厂家和洗印厂专门为控制胶片感色性而设定的专业技术概念。也是与现在“白平衡”相类似的概念，应该在摄影创作中忘掉的。设想，如果摄影师们在每个画面中都严格地还原了物体的“原本色彩”，所有的白色都一律控制成“标准白色”（如果物体的“原本色彩”和“标准白色”能够真正确定的话），那岂不是自动放弃了摄影创作的色彩表现手段，真正成为“一张白纸”（调白平衡）走遍天下了？2、CTO、CTB和色温概念CTO、CTB这两个系列的色纸是我们以往最常用的，也是可以走遍天下打通关的。其实它们并不是调整光线色彩这一概念的色纸，而是胶片时代为了灯光型和日光型相互转换而出现的，也就是说它是专门用于色温调节而设计生产的。英文Color Temperature Orange、Color Temperature Blue就说明了它们的原始功用。色温的概念和白平衡一样，也是一个技术标准，用于表示光源颜色的物理量。从色彩的角度来说，色温的高低仅仅包含了暖黄色域和冷蓝色域，而绿色、紫色、红色等色彩却很难用色温的数据来准确表示。所以，我们在运用色彩进行创作时，要丢弃色温的概念，将所有颜色的色纸都当作绘画调色板上的颜料看待。虽然CTO和CTB都有不同深浅的型号（全、1/2、1/4、1/8），它们所矫正的色温数据均有所不同，但是它们的差异并不改变光的色相。而调色板上的颜料则是具有不同色相的。我们要使用具有不同色相、明度和饱和度的色光来完成摄影光色的创作，这也是摄影“用光作画”的意义所在。“用光作画”不仅仅是指光影。比如我们需要使用偏绿的黄光或偏紫的蓝光这种微妙的色光造型的时候，CTO、CTB以及色温的概念就根本帮不了你。它们只能作为色彩缤纷的调色板上的个别颜料偶尔被使用，而不能让调色板上只有CTO和CTB这两种颜料。我们仔细想一想，全世界有太多太多的影片其实就是只用了CTO和CTB这两种色纸拍摄完成的。对于电影的色彩这应该是一件很恐怖的事情，而更恐怖的是我们还有很多摄影师、灯光师没有意识到这个问题，继续只扛着这两卷色纸闯天下。3、色温平衡、统一色温的概念类似上面所说的另外一种习惯性做法也是相当可怕的，就是将一个场景中的所有光源统一成一个色温数据进行拍摄，这种做法相当普遍。以前很多技术控的摄影师和灯光师严格地检查每个灯泡发光的色温数据，努力将其统一在一个数值上。这个行为应该是灯泡制造厂进行的产品质量检验环节，而不是摄影师要做的。造成这种错误做法的根本原因就是统一色温的错误概念，严格地讲应该是对“色温平衡”的概念错误地理解造成的。以前教科书教我们严格控制光源的色温，将色温控制在一个条件下。后来发现现实中没有色温完全一致的光线环境，绝大多数场景的光线都是混合色温照明。不是有其它光色的光源，就是有不同光色的反射光（受不同色彩的物体或环境影响）。摄影光色应用的根本任务就是寻找现实光线中丰富多彩、变化多端的光色变化，而不是将光色统一成一种单调的色光。这与白平衡的概念相似，都是与摄影的光色创造原则相违背的。我们可以看到很多欧洲的低成本影片的摄影光色自然而生动，层次变化丰富，冷暖关系无比美妙。我们同样可以看到中外很多影片中的场景却都是在统一色温的条件下拍摄的。特别是一些好莱坞商业大片。也许因为条件太好，使用大量大功率的人工光源，将自然光光色中微妙的冷暖关系一扫而光，画面中仅剩下物体固有色。这种光线条件下暗调或高调的画面色彩表现很难有透明感，就是正常影调下的光色表现也趋于单调乏味。我将此类风格称之为“彩色素描摄影”。4、习惯性色温设定大部分摄影师的习惯做法是：日景环境中将摄影机的色温设定在5400K左右，灯光环境中将摄影机色温设定在3200K左右。虽然摄影机的色温设定仅仅是为监视效果服务的，并不会改变所记录的画面数据的色彩表现。但作为现场监视效果来说，这样做会影响摄影师对画面色彩的掌控。就像曝光控制一样，应该把基准曝光点放在动态范围的中部或中部偏上的位置，而不应该放在顶端或底部。同理，色温的基准点也应该放在光色区域的中部，以便于更好地观察光色的变化范围，更好地安排不同光色在画面整体色域中的位置。而很多摄影师在所有日景场景中使用一个色温设定拍一天甚至几十天如一日，这就更有问题。问题不在这种做法本身，而在于对色温设定和光色表现的概念理解不清。5、泡沫板（米菠萝）作反光板泡沫反光板学名是聚苯乙烯泡沫板，又名EPS板，俗称“米菠萝”。由于它接近标准白色，反光率高，便宜轻便，所以经常被当作反光板使用。但是我要告知大家，我们在摄影创作时一定要慎用，而且不仅仅是泡沫反光板，所有的白色物体作为反光板都是如此，为什么？白色物体作为反光板，其作用和目的就是反射入射光，使物体的背光部分的亮度提高，同时对其进行结构刻画和光影造型。问题不在包括泡沫板在内的白色物体本身，而在于反射什么入射光。一般情况下，我们都是将物体的主光用反光板反射到暗部，这样做必然会在提高其亮度的同时，将原本的暗部散射光取而代之，同时就必然会冲掉原本散射光所具有的环境光色，这样就自然而然地形成了“色温平衡”的状态，而使主光与副光、物体的亮部和暗部的光色相一致，丧失了自然光中物体受环境光的影响所具有的微妙的冷暖反差和丰富的色光变化。造成物体脱离环境而孤立存在的失真效果。6、拍摄光色不足，后期调色弥补很多情况下摄影师在现场要么由于条件所限、要么是信心不足、或者懒得费事、或者掌控失误等种种原因，总会依赖后期调色来弥补现场拍摄时光色的不足。这也是一种较为普遍的心理模式。但真正有调色经验的摄影师都知道，后期调色实际上只能够“锦上添花”，根本无法“扭转乾坤”。也就是说，后期调色只能在很小的范围内进行一些修饰性调整，要想大幅度地改变原始画面的色彩倾向和色彩构成，可以说那只是没有办法的办法。如果硬要这样做，其结果将会是画面色彩失真、色调浑浊、色阶层次不清、冷暖比例失调、色彩与物体质地剥离。不仅如此，还会严重影响画面的影像质量。所以要记住，优美的画面色彩一定是摄影师先天造就的。再优秀的调色师和调色软件都不能成为大变活人的魔术，用来挽救先天不足的摄影画面的色彩缺失。04几种摄影光色应用的典型效果分类及案例1、 单一色光（白平衡）：《年轻气盛》、《越界》2、 单一色光（偏色）：《美错》、《万物理论》3、 单一色光（消色）：4、 冷暖对比色光（自然光）：《荒野猎人》5、 冷暖对比色光（人工光）：《巴黎五区的女人》、《真探》6、 冷暖对比色光（强化人工光）：《激战柏林》、《恍惚》05画面色彩的构成与光色经营的核心就前期拍摄阶段而言，画面的色彩构成主要有两个方面：一是光色，二是物体固有色。物体固有色是由美术和服装等造型部门控制的因素，不属于摄影掌控范畴。摄影所能控制的就是光色。现实中物体的色彩永远是被光所影响的，也就是说光色决定物体的颜色。摄影的光色造型就是建立在光线改变物体固有色的基础上，通过调整光色来完成摄影的光色造型。借用解释构图概念的词汇“经营”来表示光色造型似乎更为贴切。那么光色经营的核心密匙是什么呢？我们用一把尺子来衡量那就是控制光色的冷暖关系。如果我们把一个环境中的光线统一成一个色温条件，那就丧失了光色中丰富的冷暖变化和对比，那光色中的色哪去了？画面上的色彩就只剩下物体的固有色而失去了色彩一半的意义。另一方面，大家还要了解色彩对人生理、心理和情绪的影响及其规律。不同色彩对人会产生不同的直观感受。低色温黄暖色光让人感到温暖，高色温青冷色光使人感到清凉。例如红色在中国代表喜庆让人感到兴奋，在西方代表扩张和暴力，使人产生焦躁和不安，蓝色表示希望，让人感到安静，同时也使人产生孤独和凄凉感。再比如法国国旗上的蓝白红三条色带的宽度是按37\33\30的比例制作的，但看上去感觉三色宽度相等。原因就是不同色彩给人的膨胀感和收缩感不同，三色等宽会让人觉得红色的面积最大，蓝色最小。这就证明色彩对感官和情绪的直接影响，有一整套惯例和规律。所有这些有关色彩的因素都将化为色彩的核心——冷暖关系。我们在经营光色的过程中就是在经营色彩的冷暖关系，大家一定要记住这一点，慢慢去体会。00作者简介侯咏摄影师、导演1960年9月生于陕西西安，毕业于北京电影学院摄影系，中国内地摄影师、导演。上海戏剧学院教授、硕士生导师。主要作品与成就1、作为摄影师1983年，首次担任摄影师拍摄影片《九月》，从而正式开始电影摄影师生涯。1984年，拍摄田壮壮导演的影片《盗马贼》。1985年，担任传记影片《孙中山（上下）》的摄影师，并凭借该片首次获得第七届中国电影金鸡奖最佳摄影奖。还拍摄了《一个都不能少》、《王朝的女人杨贵妃》、《夜色撩人》、《我心雀跃》、《泡芙小姐》等影片。之后，又因在影片《晚钟》、《鸦片战争》、《我的父亲母亲》中的摄影造诣，相继获得中国电影金鸡奖最佳摄影奖。成为中国唯一一位四次荣获金鸡奖最佳摄影奖的摄影师。2、作为导演1991年开始从事导演创作，执导影片《天出血》。2004年执导的影片《茉莉花开》荣获第七届上海国际电影节评委会大奖。2006年执导的历史剧《卧薪尝胆》获得第2届首尔国际电视节最佳长篇电视剧奖以及最佳导演提名。2007年，执导体育题材影片《一个人的奥林匹克》。2008年，执导年代剧《闯关东中篇》。2012年，执导年代悬疑剧《愤怒的摄影师》。

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