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拍摄
  • 甲方一句话乙方想破头之“缩小的同时放大”

    人们的认知中,缩小的同时放大是不可能实现的,但是在拍摄过程中通过希区柯克式变焦是可以实现的。什么是希区柯克式变焦希区柯克式变焦英文是Dolly Zoom,中文的意思是推拉变焦 。这种手法最早运用在惊悚大师希区柯克的作品《迷魂记》中。电影中一段楼梯的戏就使用了这样一个特殊的拍摄技巧,就是将推轨镜头(Dolly)搭配上变焦镜头(Zoom),从而制造出被拍的主体与背景之间的距离改变,而主体本身大小不会改变的视觉效果。因为希区柯克的首次成功尝试,所以这种拍摄方法也叫“希区柯克式移动变焦”。1958年的《迷魂记》电影片段有哪些经典作品这种手法,由于它标志性的压缩效应,可以增加凸显人物情绪、环境交错的震撼视觉效果,十分具有视觉表现力,从而将观众的注意力引向画面中心,因此曾是电影拍摄领域的一个新时尚。它不时出现在电影史上一些广受好评的经典电影中。例如斯皮尔伯格导演的《大白鲨》,彼得·杰克逊导演的《指环王》。甚至还有不少动画电影,如布拉德·伯德的《美食总动员》。《大白鲨》电影片段《指环王》电影片段《美食总动员》电影片段如何实现希区柯克式变焦由于这种镜头本质上是利用了光学错觉,它的原理是拉伸摄影机的变焦镜头以实现变焦,同时,将摄影机向前推或向后拉。因此想要实现推拉变焦:首先,你需要一个变焦镜头。其次,还需要相对稳定的推拉条件。我们来看看纽约电影摄影师Micheal是怎么实现的:变焦镜头:DZOFILM玲珑10-24mm T2.9电影变焦镜头推拉:Segway平衡车Micheal这套装备很好的解决了推拉变焦的硬件条件下面我们看看拍摄效果:-END-Ps: 可以加DZOfilm小姐姐微信了哦:dzofilm!欢迎来撩~

  • 干货丨摄影造型活动的任务逻辑

    本文已获得作者@侯咏 (中国内地摄影师、导演、编剧、制作人)授权转载。01摄影造型活动的定义摄影造型是人类从事的一种艺术行为。是利用摄影工具(照相机、摄影机等)在二维平面(胶片、相纸、银幕、屏幕等承载影像的材料)上对应客观现象(景、物、人)制造出具有立体感和空间感的二维视觉影像的一种创作活动。其影像给人造成的三维视觉假象是摄影者通过运用镜头、光影、影调、透视、色彩、构图、运动(活动影像)等创作手段和技巧来实现的。 02摄影造型活动的根本性质1、 对现实的记录 ——写实性、真实性自摄影术发明之后,摄影影像就被认定是对现实最具真实性的写照。时至今日摄影图像还经常被当作毋庸置疑的证据在法庭上发挥作用。由此可见,摄影图像是对现实的真实写照这一点是摄影活动的基本性质。也就是说,摄影能够真实、准确地记录我们面对的自然世界和现实生活。但是,“真实”是一个模糊而相对的概念。“纯粹的真实”只能存在于文字定义中,现实中却很难找到。而真实与否的标准也无法以精准的刻度来量化。如果说“全然的真实”就是人眼所看到的现实状态,摄影只需将它们照搬成视觉影像即是“纯粹的写实”。且不论每个人眼中的“现实”都不尽相同甚至完全不同,就说“照搬”即能相同这一点,从概念上二者就各具属性,根本不可等同。而在实际中就更无法设立一个标准来衡量二者是否相同。因为原本二者就是处于不同维度的两种完全不同的形态。我们眼中的现实世界是三维的,而作为摄影活动结果的视觉影像是二维的。从空间物理的角度来说,二维是一维的N次方,三维是二维的N次方。也就是说,二维是三维的N次方分之一的投影,二维是无法具备和包括三维的全部信息的。由此得证,视觉影像是现实世界的N次方分之一的投影,视觉影像无法获取它所对应的现实世界全面完整的信息,也就不可能具备现实的真正属性。因此,纯粹真实的摄影影像和对现实完全“照搬”的摄影活动都是不存在的。所以,摄影造型活动的“记录现实的写实性和真实性”这第一个根本性质其实仅仅是理论而已,实际是站不住脚的。2、 对现实的改造 ——扭曲性、创造性照相机、摄影机是需要摄影师来操作的,所有的视觉影像都不是摄影机而是摄影师拍摄而成的。换句话说就是,通过摄影机拍摄出的视觉影像呈现怎样的形态,完全取决于摄影师的操作。也就是说,任何一个视觉影像的形成,无不带有摄影师的主观烙印。那么,带有摄影师主观烙印的影像,必然不是“纯粹的”、“自然真实” 的现实世界,而是经过摄影师“改造过”的现实世界。因此,这种摄影师对现实世界的改造性或创造性,是摄影造型活动的第二个根本性质。相对于第一个根本性质——真实性——来说,创造性显得更为重要,也更有说服力。因为它对我们摄影艺术创作的意义和作用更加重大。第二性与第一性是反比关系。也就是说在摄影创作中,摄影师的参与性和创造性越强,其结果的真实性就越弱。反之亦然。例如,你为女孩拍照,把她拍的越丑(影像)就越不像她本人(现实);相反,你拍的越美也同样越不真实。第一性÷第二性= 103摄影师从事摄影造型活动的目的和任务摄影造型活动的性质决定了摄影师从事摄影造型活动的目的和任务。而目的和任务可以分为高低两个层次,或者称作基础任务和核心任务。1、 客观再现现实这是摄影师从事摄影造型活动的基础。也是基本目的任务。内容包括学会摄影专业基础知识、掌握摄影专业基本技能。此阶段还谈不上创造性。就好比说这是一个先学会识字和写字的基础性阶段,可以抄写文章,而不会创写作文,充分表达自己的感情和思想。即使写出了文字,也仅仅停留在流水账式的叙事日记水平上。2、 改造和创造现实创造性地表现摄影师对现实的特殊感受,给“客观现实”赋予摄影师 鲜明的“看法”和“态度”——个人感受。这样才能被称之为摄影“创作”。尤其是从事故事类的影视摄影创作。在此类影视摄影作品中,摄影师的个人感受越强烈,对“客观现实”的改变就越大,创作的成分就越多,其创造性就越大。还是举前面为女孩拍照的例子,如果你把她拍的(影像)与她本人(现实)几乎一模一样,未做任何加工(美化或丑化或者其它别的意味添加),那么,你觉得这个摄影创作有意思吗?作为一名有学养、高水平的专业摄影师,你觉得满足吗?创造性是加法,是在客观现实的基础上,附加摄影师的“态度”。就像俗话所说“照猫画虎”,在此取其“改造和创造”之意,就是1+1≥2。所以说,创造性是摄影创作活动的核心任务。04摄影创造性的来源摄影师在从事摄影造型活动中的创造性来自两个方面:1、 外部条件的规范剧本内容——题材、类型、时代、地点、行业、人物、事件等等。导演要求——导演对创作的具体想法和要求。预算规模——制作成本的水平和等级的规定。周期计划——时间、季节的期限。以上各项为摄影师规定了摄影造型活动的不可逾越的范畴。摄影师的基本职责就是根据这些要求进行影像化呈现。因此,摄影师的创造性是有任务、有责任的创造性。其中,完成摄影造型任务的底线是服从导演。这些外部条件的规范,看起来完全是对摄影师的创造性造成捆绑的枷锁。但是这些限制的压力一定会作用于摄影创作,反而激化和推动摄影师的创造性。所以说,摄影师的创造性首先是在外部条件的规范下生长和运行的。从这一点来看,摄影师的创作并不是单纯个人化的。2、 自身素养的储备知识——广度与深度兼具的书本知识、间接认知。经验——实际操作的经历、经验、能力和功夫,以及实践验证后的认识和结论。修养——全面深厚的知识与实践养化而成的文化、艺术素质,特别是文学、绘画、音乐、科学、哲学等方面的修养。感受力——对客观世界、现实生活的感受能力和敏感性、敏锐度。共情心——对周边的人和事具有感同身受的深刻情感。品味——对艺术和生活具备高尚的鉴赏标准。境界——对世界、自然、人生、事业经过了深度的哲学思考,形成了比较正确的世界观、人生观和价值观,眼界宽广、心胸开阔、心中有爱、无私奉献。是一种理想的人生高度。 05摄影创作过程的逻辑层次在客观再现现实的基础上更强地发挥摄影的创造性是摄影创作的核心任务。摄影的创造性是摄影师通过摄影创作活动得以实现的,是在摄影创作的成果中蕴含的。摄影师的所有工作都包括在这一过程当中。以下,我们用降序的方式依次分析、阐释发挥摄影创造性的创作过程以及过程中各个环节的层次和逻辑关系。它们是由形而上的抽象意识逐渐具象化的次第。若是升序排列,则是具象向抽象发展变化的次第:1、 态度摄影创造性的发挥最终要体现出摄影师对待所表现的客观事物的态度。包括观念、立场、观点、看法等等。未达到这个高度的摄影创作,其创造力则是疲软乏力的。也就是说,摄影的创造力不但要有力度,而且要有高度和深度。态度是建立在摄影师于影像表达中所传递的情绪和感情之上的。也就是说,态度以情感为载体。没有感情的态度是冰冷无味、毫无说服力和感染力的。严格来说,没有感情的态度不是真正的态度。2、 情绪、感情摄影师在创作中会努力传达某种鲜明的情绪和强烈的感情,通过画面影像呈现出来。而情绪和感情来源于摄影师对客观事物的感受。没有感受则不可能有情感。3、 感受表达鲜明、强烈地表达个人感受是摄影创作的灵魂,也是摄影创造性所依赖的最重要的因素。摄影师的个人感受产生于对事物的感知和认识。而无论态度、感受和情绪,都是一种个人的主观化意念和抽象性意识,都需要借助于客观的具体物象得以呈现。4、 形态、氛围形态的定义是“视觉感官所能感知到的信息总和”,通俗讲是现场所见或镜头摄入的所有视觉景象。包括场景气氛、人和物以及画面的状态和动态等等。氛围则是与形态共存的环境气象和情势,是一种不可视的气场和能量的可感知状态。形态和氛围是介于抽象与具象之间的概念,是建立在场景气氛的基础上,作为承载摄影师表达感受的依托而较为具象的存在。5、 场景气氛作为摄影创作的基础因素,包括由每个场景的不同气氛所构成。气氛的概念有两种含义:第一是近似氛围之意,是指“可以引起人强烈感觉的景象或情调”,“是弥漫在空间中能够影响情绪和行为的心理因素和心理感受的总和”;第二是摄影专业用语,特指不同时间段的光线效果,比如:日景气氛、黄昏气氛、夜景气氛等等。此处所涉及的气氛偏重于第二个含义,但同时也包含有第一个含义。二者的关系是:第一含义建立在第二含义基础上,第二含义依赖于第一含义而产生、而存在。6、 光效光效的定义有两方面指向:一、现实环境;二、视觉影像。包括光影和影调的概念,是构成气氛的基本因素之一。也就是说,气氛首先是由场景中的不同光效而体现出来的。前辈们常常强调“光效气氛”,说明它们在摄影创作中的重要性。光效,也可称为光线、照明。严格来说,光效属于诸多摄影造型手段中光线、照明的核心内容,它既是摄影创作中最基础的环节,同时还是发挥摄影创造性所依赖的重要技能之一。7、 镜头、色彩、构图、运动这些因素都是与前项的以光效为主要构成的“光线、照明”一同作为摄影创作所依赖的造型手段,同属摄影的“十八般兵器”。它们都是具有各自特长的工具。比如:除了光效气氛之外,人物的位置和景别的安置(构图)、镜头角度与透视的选择(镜头)、冷暖光色及色彩基调的处理(色彩)、摄影机的走向和动态设定(运动)等等,都可以为摄影师创造气氛和氛围而服务,最终为发挥摄影的创造性提供方便和依靠。气氛是通往摄影创作终极目标通道的下端,在此通道的上端依次是氛围、感受、情绪(感情)和态度。而摄影的“十八般兵器”,即摄影的造型手段,就是在通道中通往终极目标的战车,是摄影艺术创作学科体系中最为重要的内容,需要另外展开论述。8、 自然形态处于通道最下端的起点就是摄影师进行创作之前,客观现实的本初状态。是摄影师和镜头面对的原始现象。如果不对它做任何加工,不添加任何人的主观意念,也许就是所谓对现实的“真实记录”(当然此种情况只存在于理论层面)。如果摄影创作活动的性质真是如此,那就意味着我们站在摄影创作的通道口原地不动。那么摄影创作的起点就成为了终点。我们所学习和掌握的“十八般武艺”就毫无用武之地了。因此,现实的自然形态是摄影创作活动的基础和依托,是摄影师步步向上攀登、通往创作终极目标的出发点。上述的八个方面,涵盖了摄影创作活动的所有阶段和内容,为摄影创作展示出一幅总体结构规划图,让摄影师能够透彻理解摄影创作活动的本质;全面而又系统地明了摄影创作各个环节之间层层递进的联系和逻辑关系,从而为更好地发挥摄影师的创造性提供帮助。00作者简介侯咏摄影师、导演1960年9月生于陕西西安,毕业于北京电影学院摄影系,中国内地摄影师、导演。上海戏剧学院教授、硕士生导师。主要作品与成就1、作为摄影师1983年,首次担任摄影师拍摄影片《九月》,从而正式开始电影摄影师生涯。1984年,拍摄田壮壮导演的影片《盗马贼》。1985年,担任传记影片《孙中山(上下)》的摄影师,并凭借该片首次获得第七届中国电影金鸡奖最佳摄影奖。还拍摄了《一个都不能少》、《王朝的女人杨贵妃》、《夜色撩人》、《我心雀跃》、《泡芙小姐》等影片。之后,又因在影片《晚钟》、《鸦片战争》、《我的父亲母亲》中的摄影造诣,相继获得中国电影金鸡奖最佳摄影奖。成为中国唯一一位四次荣获金鸡奖最佳摄影奖的摄影师。2、作为导演1991年开始从事导演创作,执导影片《天出血》。2004年执导的影片《茉莉花开》荣获第七届上海国际电影节评委会大奖。2006年执导的历史剧《卧薪尝胆》获得第2届首尔国际电视节最佳长篇电视剧奖以及最佳导演提名。2007年,执导体育题材影片《一个人的奥林匹克》。2008年,执导年代剧《闯关东中篇》。2012年,执导年代悬疑剧《愤怒的摄影师》。

  • 影视摄影光色应用的深层干货,看这一篇就够了

    本文已获得作者@侯咏 (中国内地摄影师、导演、编剧、制作人)授权转载。今天我在这儿讲的并不是电影摄影的基础理论,而是针对摄影专业观念的较深层次的探讨。它是我多年来关于电影摄影的思考和感悟,也可以称作我的摄影观念。有些观点可能令人感到惊奇,甚至改变“三观”,亦或不以为然。无论如何,仅作为一家理论,供大家参考。由于时间关系,我只讲几个观点,并简单解释一下为什么。而详细的论据和论证就不能一一展开。01两个根本性话题1、摄影的本质究竟是什么?教科书上传统的摄影基础理论对摄影的定义是:摄影是使用专门设备对实物进行其影像记录的过程,是一门真实记录现实的艺术。也就是说纪实性和真实性是摄影的本质。但是有一天你会突然意识到,摄影艺术更为核心的真谛其实并不是仅仅复制和纪录现实,反而恰恰是改变和创造我们眼中的现实。当你认识到这一点的时候,你才是小学毕业了。2、摄影师应该具备哪些素养?“书到用时方恨少,捡到篮里都是菜。”所以说,素养多多益善。这里别的不说,只谈绘画的修养,这是最最基础的,也是摄影师能否成为研究生的必要素养。你不一定会画画,但一定要懂得绘画原理,比如素描的影调原理和色彩的冷暖关系原理。当然,如果不经过绘画的实践,你是不会对这些原理有深层的体会和感悟。如果你对这些影像原理的理解不深,你就基本上不可能达到一个至高的摄影水平。02光色应用是四大摄影造型手段之一我们先画出一个框架,弄清光色应用在摄影造型中所处的位置。教科书将摄影造型手段分成四大类,而划分的方法有两种:1,构图、光线、色彩、运动;2,构图、光学、光色、运动。第一种方法是传统的分类,我们读书时就这样学的。第二种方法认为光和色是一种无法分割的手段而将光和色合而为一。另外增加了光学。光学主要指摄影的成像元件,也就是属于实体工具的镜头、滤色镜等。同时也是指在摄影创作中使用这些光学工具的方式方法。其实,造型手段就是指方法和技巧组成的技艺总和而并非实体工具。因此第二种划分中的光学造型手段,不包括定义为实体工具的光学部分,只指向非实体的方法、技巧所构成的手段。这样的分类似乎不够严谨。另外就光色一体的概念而言,虽说有光才有色,有色必有光,光色是不可分离的。但在教学上还是将光线和色彩分别分析和讲授才更加方便,才更有利于理解。因此,我们可以暂且折中地划分为五大摄影造型手段:光学、光线、色彩、构图、运动。我们在此所谈的“光色应用”就是其中的“色彩”范畴。03摄影光色应用中,应该改变和抛弃的常规概念和习惯用法1、白平衡白平衡是光色造型的基础概念,是摄影光色控制的前提。它是针对技术基准控制方面的概念。例如光学镜头色差和感光元件的感光度、显色性等等,都是为摄影师提供的摄影工具所必须制定的技术标准。就像我们要为地球制定海拔高度和格林威治时间以及摄氏0度一样。但在进行创作的时候,我们必须要把它忘掉。为什么?现实中不存在纯白的色光和纯白的物体,画面中也不存在纯白的颜色。“标准白色”是一个相对的概念。即使这个相对的白色概念有具体的控制方法,摄影师在进行创作时也不要将它作为色彩运用的标准。因为摄影师运用色彩造型就像用不同温度的水来营造不同感受一样,而不能将现实中不同温度的水都控制在0度左右。再用绘画来举例:梵高并不是用纯粹的蓝色画出天空的颜色,而是用其它不同的颜色画出蓝色的感觉。同样,摄影师的创作并不只是为了还原物体和环境原有的色彩,而往往要通过改变原有的色彩来表达摄影师各种不同的色彩感受。以前胶片时代有一个固定的标准概念就是“色彩还原”,是指彩色胶片在生产、拍摄和洗印加工过程中,其色彩与原景物色彩的一致性标准。它是胶片研发、生产厂家和洗印厂专门为控制胶片感色性而设定的专业技术概念。也是与现在“白平衡”相类似的概念,应该在摄影创作中忘掉的。设想,如果摄影师们在每个画面中都严格地还原了物体的“原本色彩”,所有的白色都一律控制成“标准白色”(如果物体的“原本色彩”和“标准白色”能够真正确定的话),那岂不是自动放弃了摄影创作的色彩表现手段,真正成为“一张白纸”(调白平衡)走遍天下了?2、CTO、CTB和色温概念CTO、CTB这两个系列的色纸是我们以往最常用的,也是可以走遍天下打通关的。其实它们并不是调整光线色彩这一概念的色纸,而是胶片时代为了灯光型和日光型相互转换而出现的,也就是说它是专门用于色温调节而设计生产的。英文Color Temperature Orange、Color Temperature Blue就说明了它们的原始功用。色温的概念和白平衡一样,也是一个技术标准,用于表示光源颜色的物理量。从色彩的角度来说,色温的高低仅仅包含了暖黄色域和冷蓝色域,而绿色、紫色、红色等色彩却很难用色温的数据来准确表示。所以,我们在运用色彩进行创作时,要丢弃色温的概念,将所有颜色的色纸都当作绘画调色板上的颜料看待。虽然CTO和CTB都有不同深浅的型号(全、1/2、1/4、1/8),它们所矫正的色温数据均有所不同,但是它们的差异并不改变光的色相。而调色板上的颜料则是具有不同色相的。我们要使用具有不同色相、明度和饱和度的色光来完成摄影光色的创作,这也是摄影“用光作画”的意义所在。“用光作画”不仅仅是指光影。比如我们需要使用偏绿的黄光或偏紫的蓝光这种微妙的色光造型的时候,CTO、CTB以及色温的概念就根本帮不了你。它们只能作为色彩缤纷的调色板上的个别颜料偶尔被使用,而不能让调色板上只有CTO和CTB这两种颜料。我们仔细想一想,全世界有太多太多的影片其实就是只用了CTO和CTB这两种色纸拍摄完成的。对于电影的色彩这应该是一件很恐怖的事情,而更恐怖的是我们还有很多摄影师、灯光师没有意识到这个问题,继续只扛着这两卷色纸闯天下。3、色温平衡、统一色温的概念类似上面所说的另外一种习惯性做法也是相当可怕的,就是将一个场景中的所有光源统一成一个色温数据进行拍摄,这种做法相当普遍。以前很多技术控的摄影师和灯光师严格地检查每个灯泡发光的色温数据,努力将其统一在一个数值上。这个行为应该是灯泡制造厂进行的产品质量检验环节,而不是摄影师要做的。造成这种错误做法的根本原因就是统一色温的错误概念,严格地讲应该是对“色温平衡”的概念错误地理解造成的。以前教科书教我们严格控制光源的色温,将色温控制在一个条件下。后来发现现实中没有色温完全一致的光线环境,绝大多数场景的光线都是混合色温照明。不是有其它光色的光源,就是有不同光色的反射光(受不同色彩的物体或环境影响)。摄影光色应用的根本任务就是寻找现实光线中丰富多彩、变化多端的光色变化,而不是将光色统一成一种单调的色光。这与白平衡的概念相似,都是与摄影的光色创造原则相违背的。我们可以看到很多欧洲的低成本影片的摄影光色自然而生动,层次变化丰富,冷暖关系无比美妙。我们同样可以看到中外很多影片中的场景却都是在统一色温的条件下拍摄的。特别是一些好莱坞商业大片。也许因为条件太好,使用大量大功率的人工光源,将自然光光色中微妙的冷暖关系一扫而光,画面中仅剩下物体固有色。这种光线条件下暗调或高调的画面色彩表现很难有透明感,就是正常影调下的光色表现也趋于单调乏味。我将此类风格称之为“彩色素描摄影”。4、习惯性色温设定大部分摄影师的习惯做法是:日景环境中将摄影机的色温设定在5400K左右,灯光环境中将摄影机色温设定在3200K左右。虽然摄影机的色温设定仅仅是为监视效果服务的,并不会改变所记录的画面数据的色彩表现。但作为现场监视效果来说,这样做会影响摄影师对画面色彩的掌控。就像曝光控制一样,应该把基准曝光点放在动态范围的中部或中部偏上的位置,而不应该放在顶端或底部。同理,色温的基准点也应该放在光色区域的中部,以便于更好地观察光色的变化范围,更好地安排不同光色在画面整体色域中的位置。而很多摄影师在所有日景场景中使用一个色温设定拍一天甚至几十天如一日,这就更有问题。问题不在这种做法本身,而在于对色温设定和光色表现的概念理解不清。5、泡沫板(米菠萝)作反光板泡沫反光板学名是聚苯乙烯泡沫板,又名EPS板,俗称“米菠萝”。由于它接近标准白色,反光率高,便宜轻便,所以经常被当作反光板使用。但是我要告知大家,我们在摄影创作时一定要慎用,而且不仅仅是泡沫反光板,所有的白色物体作为反光板都是如此,为什么?白色物体作为反光板,其作用和目的就是反射入射光,使物体的背光部分的亮度提高,同时对其进行结构刻画和光影造型。问题不在包括泡沫板在内的白色物体本身,而在于反射什么入射光。一般情况下,我们都是将物体的主光用反光板反射到暗部,这样做必然会在提高其亮度的同时,将原本的暗部散射光取而代之,同时就必然会冲掉原本散射光所具有的环境光色,这样就自然而然地形成了“色温平衡”的状态,而使主光与副光、物体的亮部和暗部的光色相一致,丧失了自然光中物体受环境光的影响所具有的微妙的冷暖反差和丰富的色光变化。造成物体脱离环境而孤立存在的失真效果。6、拍摄光色不足,后期调色弥补很多情况下摄影师在现场要么由于条件所限、要么是信心不足、或者懒得费事、或者掌控失误等种种原因,总会依赖后期调色来弥补现场拍摄时光色的不足。这也是一种较为普遍的心理模式。但真正有调色经验的摄影师都知道,后期调色实际上只能够“锦上添花”,根本无法“扭转乾坤”。也就是说,后期调色只能在很小的范围内进行一些修饰性调整,要想大幅度地改变原始画面的色彩倾向和色彩构成,可以说那只是没有办法的办法。如果硬要这样做,其结果将会是画面色彩失真、色调浑浊、色阶层次不清、冷暖比例失调、色彩与物体质地剥离。不仅如此,还会严重影响画面的影像质量。所以要记住,优美的画面色彩一定是摄影师先天造就的。再优秀的调色师和调色软件都不能成为大变活人的魔术,用来挽救先天不足的摄影画面的色彩缺失。04几种摄影光色应用的典型效果分类及案例1、 单一色光(白平衡):《年轻气盛》、《越界》2、 单一色光(偏色):《美错》、《万物理论》3、 单一色光(消色):4、 冷暖对比色光(自然光):《荒野猎人》5、 冷暖对比色光(人工光):《巴黎五区的女人》、《真探》6、 冷暖对比色光(强化人工光):《激战柏林》、《恍惚》05画面色彩的构成与光色经营的核心就前期拍摄阶段而言,画面的色彩构成主要有两个方面:一是光色,二是物体固有色。物体固有色是由美术和服装等造型部门控制的因素,不属于摄影掌控范畴。摄影所能控制的就是光色。现实中物体的色彩永远是被光所影响的,也就是说光色决定物体的颜色。摄影的光色造型就是建立在光线改变物体固有色的基础上,通过调整光色来完成摄影的光色造型。借用解释构图概念的词汇“经营”来表示光色造型似乎更为贴切。那么光色经营的核心密匙是什么呢?我们用一把尺子来衡量那就是控制光色的冷暖关系。如果我们把一个环境中的光线统一成一个色温条件,那就丧失了光色中丰富的冷暖变化和对比,那光色中的色哪去了?画面上的色彩就只剩下物体的固有色而失去了色彩一半的意义。另一方面,大家还要了解色彩对人生理、心理和情绪的影响及其规律。不同色彩对人会产生不同的直观感受。低色温黄暖色光让人感到温暖,高色温青冷色光使人感到清凉。例如红色在中国代表喜庆让人感到兴奋,在西方代表扩张和暴力,使人产生焦躁和不安,蓝色表示希望,让人感到安静,同时也使人产生孤独和凄凉感。再比如法国国旗上的蓝白红三条色带的宽度是按37\33\30的比例制作的,但看上去感觉三色宽度相等。原因就是不同色彩给人的膨胀感和收缩感不同,三色等宽会让人觉得红色的面积最大,蓝色最小。这就证明色彩对感官和情绪的直接影响,有一整套惯例和规律。所有这些有关色彩的因素都将化为色彩的核心——冷暖关系。我们在经营光色的过程中就是在经营色彩的冷暖关系,大家一定要记住这一点,慢慢去体会。00作者简介侯咏摄影师、导演1960年9月生于陕西西安,毕业于北京电影学院摄影系,中国内地摄影师、导演。上海戏剧学院教授、硕士生导师。主要作品与成就1、作为摄影师1983年,首次担任摄影师拍摄影片《九月》,从而正式开始电影摄影师生涯。1984年,拍摄田壮壮导演的影片《盗马贼》。1985年,担任传记影片《孙中山(上下)》的摄影师,并凭借该片首次获得第七届中国电影金鸡奖最佳摄影奖。还拍摄了《一个都不能少》、《王朝的女人杨贵妃》、《夜色撩人》、《我心雀跃》、《泡芙小姐》等影片。之后,又因在影片《晚钟》、《鸦片战争》、《我的父亲母亲》中的摄影造诣,相继获得中国电影金鸡奖最佳摄影奖。成为中国唯一一位四次荣获金鸡奖最佳摄影奖的摄影师。2、作为导演1991年开始从事导演创作,执导影片《天出血》。2004年执导的影片《茉莉花开》荣获第七届上海国际电影节评委会大奖。2006年执导的历史剧《卧薪尝胆》获得第2届首尔国际电视节最佳长篇电视剧奖以及最佳导演提名。2007年,执导体育题材影片《一个人的奥林匹克》。2008年,执导年代剧《闯关东中篇》。2012年,执导年代悬疑剧《愤怒的摄影师》。

  • 干货技巧!2020年最期待日环食来了,这份拍摄指南请收好!

    2020年6月21日,夏至日,本年最重要的天象:日环食将重磅来袭。本次日环食开始于非洲,穿过中东、南亚,进入我国境内。在我国将穿过西藏、四川、贵州、湖南、江西、福建和台湾。这次日环食是未来10年中国境内唯一的一次,错过后就要等到2030年6月,所以是机不可失时不再来。红线条内地区可见日环食,而其他地区则可见不同程度日偏食。日食一般分为初亏、食甚和复圆三个时间点。初亏是日食刚开始发生,食甚是太阳阴影达到最大程度,复原则是日食完全结束。由于地球自转,不同地区对应的食甚时间也是不同的。中国主要城市可见日食的时间表全国主要城市可见日食效果图这么难得一见的天象,有什么好的拍摄方法?有什么注意事项?又要准备怎样的器材呢?掌握下面的几个小技巧,一定能拍出让你满意的日环食照片。【拍摄器材的选择】1. 减光滤镜除了在日出日落的短暂时间里,绝大多数情况下,大家都不适合直接用肉眼或者相机观测和拍摄太阳。我们需要使用一款名为“巴德膜”的滤镜,通过它可以有效减光,从而让拍摄日食成为可能。除了“巴德膜”外,镀铬玻璃或者标号为ND100000的减光滤镜也是不错的选择。这两种滤镜都需要放置在镜头前端才行。使用墨镜、低倍减光镜都不能有效减光。特别注意的是,在没有装载任何滤镜的情况下,直接用肉眼通过望远镜观测太阳会造成双目失明。而直接通过长焦镜头拍摄太阳,也会烧坏相机CMOS。因此,大家一定不能掉以轻心,以免造成不必要的损失。2. 镜头拍摄日食照片的方式很多,不同镜头会有不同的拍摄效果。使用广角镜头,可以拍摄出日食和地景合影,或者拍摄日食全过程,再多张叠加形成日食串。这种情况下,佳能EF 16-35mm f2.8L III USM镜头是很不错的选择。该镜头焦段覆盖广阔,画质出众,可以非常方便的结合地景构图。如果想要拍摄日食的特写,那么你就需要一支佳能EF 100-400mm f/4.5-5.6L IS II USM镜头,它不仅焦段长且便携性极高,镜头仅1,570g,不像天文望远镜那么沉重,在追逐日食旅行时会轻便很多。而且它的分辨率和锐度也同样优异,可以拍出日食精彩的细节。3. 机身在选择相机时,我们需要兼顾连拍速度、像素和画质,因为日食的食甚阶段只有短短的几十秒,而贝丽珠的景象只有短短一秒时间。要抓住日食每时每刻的变化,就需要我们用的机身有较快的连拍速度。另外,高像素也同样重要,更高的像素意味着更多的细节,并可以适当的二次构图。EOS 5D Mark IV和EOS R是拍摄日食不错的选择。它兼具连拍性能和高画质,在拍摄这种转瞬即逝的奇观时,更加稳定可靠。摄影APP帮助制定拍摄计划使用一些摄影类APP,能帮助我们拍好日环食照片。可以使用巧摄中国版Plaint,制定这次日食串的拍摄计划。在这个软件上,我们就可以看到具体位置的日食各个节点发生的时间,太阳运行轨迹等重要信息。如何对太阳进行对焦拍摄日食时,我们往往会遇到对太阳的对焦问题,这时自动对焦功能往往不起作用。对焦点在无穷远附近,但具体位置必须在安装好巴德膜后,通过相机的实时取景功能,放大10倍,微调对焦环,选取太阳最小最锐时即可。这个对焦方法和拍摄星空有些类似。值得注意的是,由于温度变化,相机和镜头长时间在炙热的阳光下晒着,也会导致对焦发生偏移。所以在食甚阶段前,需要进行再次对焦,确保食甚阶段对焦准确。不同角度的拍摄方法1.长焦镜头拍摄日食特写拍摄日食特写时,需要我们使用到尽可能更长的焦距以及更短的曝光时间。在天气晴朗时,我们必须使用巴德膜进行拍摄,拍摄参数以拍到清晰且不过曝的太阳为准。2019年智利日全食的贝丽珠奇观,400mm, ISO200, f/7.1, 1/320秒与日全食不同,日环食在食甚阶段,是否使用巴德膜,是很难事先确定的。它受太阳高度角,食分和天气状况等综合影响。最好是在肉眼看太阳不刺眼时,才考虑取掉巴德膜。否则稍有不慎,取掉巴德膜后可能会导致相机CMOS损毁。值得注意的是,受地球自转的影响,我们在固定拍摄时曝光时间不能太长,否则太阳移动就会使画面不清晰,这时可以考虑使用赤道仪进行跟踪拍摄延长曝光时间。在食甚阶段也可以调整不同曝光参数进行HDR拍摄,获取更多细节。在重庆多云天气下拍摄的日偏食现象, 400mm, ISO160, F/16, 1/320秒若所在地区为多云或阴天,并偶尔出现太阳,目视太阳不刺眼且黯淡时,也可以不使用巴德膜,直接使用相机拍摄。因为这时的云层就起到了天然减光的效果。2.广角镜头拍摄日食全过程(日食串)的拍摄方法拍摄好日食,我们需要根据日食阶段太阳的高度和朝向进行前期准备,再根据地景确定拍摄计划和构图。2019年智利日全食,图片由16张照片叠加完成拍摄日食全过程,需要我们仔细看好初亏、环食始、食甚、环食终和复原的时间点。在初亏到环食始的阶段, 以及环食终到复原阶段,是必须使用巴德膜的。而食甚阶段可以使用巴德膜和不使用巴德膜各拍摄一张。在用巴德膜拍摄时,我们的拍摄参数以拍到清晰且不过曝的太阳为准。如果能去掉巴德膜,那么拍摄参数就类似于黄昏时刻的拍摄参数。拍摄每张照片的时间间隔,可以用30秒或者2分钟。这样通过连续曝光就可以记录全程了。在后期处理时,我们需要根据构图需要,选择同间隔拍摄的多张照片,进行叠加处理。叠加的底片可以使用在食甚时拍摄的照片,而叠加软件则可以使用Starstax或者Startrails。3.使用中焦或广角镜头直接拍摄食甚2019年智利日全食食甚阶段的美景,47mm, f/4.0, ISO800, 1/30秒2017年美国日食,16mm, ISO400, f5.0, 1/20秒用中焦或广角镜头拍摄食甚时,也许可以不用考虑使用巴德膜,就能拍到食甚的照片。拍摄参数和黄昏相似,但曝光时间尽量短。由于天气影响,拍摄参数并不固定,也有可能会使用到多重曝光,获取更高的宽容度和细节。通过小孔成像原理拍摄日食除了直接对太阳拍摄外,我们也可以间接观测和拍摄日食。比如利用小孔成像原理,准备两张白纸,一张白纸上穿上整齐的圆形小孔,另一张放在小孔后面,让太阳光投影在纸面上,就可以看到纸面上投影出的月牙。通过小孔成像观测日食在日食的时候,我们也可以在林荫道拍摄,树荫的缝隙会成为天然的小孔。在树荫底下的小亮点就是太阳的小孔成像。关于天气最后也是最重要的因素就是天气了。从目前状况来讲,日环食带上最好的观测地点是西藏阿里地区和四川理塘到西藏昌都地区。虽然天气是最让人捉摸不透的,但是观测太阳对气象环境要求也不是绝对的高,有时有薄云,反而会为照片添彩。如果所在地天气晴朗,可以拍摄日食串和日食特写的照片。若天气多云,也可以通过透光云拍到日偏食的特写。学会拍摄技巧,快拿起你的相机,等待6月21日,拍摄出你的日环食大片吧!转自:色影无忌网

  • 灯光化妆师!如何打光才能让演员看起来更年轻或苍老?

    电影制作中,除了透过特效化妆改变演员外观外,“灯光”也为烘托人物形象的重要角色之一,不同的打光方式,提供照明、营造场景氛围之余,也能塑造出角色不同的性格,甚至是改变演员视觉上的年龄。简单的打光技巧,可以使演员的脸变得更柔和,或是使其皮肤显得粗糙、年迈,从而改变演员整体的视觉形象。2019 年影像器材公司爱图仕(Aputure)释出的影片中,摄影指导 Jon Salmon 告诉我们,如何运用不同的光法,获得不同效果的戏剧性外观。改变角色视觉年龄,灯光同时也是化妆品“灯光的原理几乎和化妆一样,如果你知道化妆品的使用方法,就能运用类似的方式照明。”—— 摄影指导 Jon Salmon摄影指导 Jon Salmon 表示,可以将灯光视为“遮瑕膏”使用,若演员想要遮盖脸上的瑕疵,则可将光源集中在欲掩盖的部位照亮,使其消失。同样地,有时也会以大面积的光源作为“底妆”,让演员的整张脸看起来更为柔和。Jon Salmon 建议,将光源靠近被摄者的眼线附近,也能使其看起来更讨人喜欢,增添角色的亲和力。讓演員變老的打光秘訣:頂光、底光的交互運用影片中,摄影指导 Jon Salmon 以他曾参与过的严峻监狱场景为例,讲述如何透过灯光的变化,增添演员的沧桑感。他先使用灯具 LS-1C 作为顶光(Top light),由上往下打在演员的头顶上,增添诡谲的恐怖氛围,并指出这是最常见的光法之一,可以凸显人物脸上的每一条皱纹,增加角色视觉年龄,呈现苍老、年迈之感。Jon Salmon 亦将灯具F7放在演员腿上,以底光(Under light)的方式补光,由下往上照亮人物脸部,使画面看起来更为诡异,唤醒观众的不安心理。而这也是人们拿手电筒照亮自己下巴,用来吓唬人的常见方式之一。背景则运用聚光灯,照亮演员身后的墙壁,营造严峻氛围。Salmon 采用上述这些布光方法,能为人物塑造出苍老、阴森的感觉,若这时演员再微微低着头瞪着镜头,瞳孔下方因底光产生的反光,使角色的恐怖形象更为鲜明。燈光也能「回春」?讓演員變年輕的打光技法为减少演员脸部的皱纹或瑕疵,Jon Salmon 则是透过“柔光”的方式呈现,使人物的皮肤看起来更光滑、无暇。他以更衣室的常用灯泡照亮背景,并采用“书式布光”(Book light)的方法,创造较为柔和的灯光。Salmon 使用 120D II、300D 及 Mini 20C 等灯具进行补光,修饰脸部细纹,并利用灯具LS-1C将人物主体与背景分离,使画面呈现更显明亮、柔和。他强调,让演员看起来更年轻的重点,在于将灯光集中在脸上有皱纹的地方,就像是化妆的“遮瑕”一样,才能柔化肌肤,达到减龄的效果。书式布光怎么打?书式布光的主光,来自于反射光源,并非灯本身。做法是将反光板及柔光布(Grid Cloth)以夹角组合,像是一本打开的书,再将灯以约 45 度的斜角打在反光板上,借由控制反光板与柔光布间的距离,决定光线的柔和程度。符合演員真實年齡,自然又不失質感的人物光法若不特地追求让演员变得苍老或年轻,只是单纯想营造出具电影质感的影像呈现,摄影指导Jon Salmon 表示,重点是以大型光源强调演员的眼部。他使用了两盏 120D II 为主灯,以“反射式打光灯法”(Bounce Lighting)照明,避免在演员脸上产生明显的阴影;再以 Mini 20C 和反光板,作为演员另一面阴暗处的补光,并将聚光灯照射至背景的烟雾,增添画面深度与戏剧性,使剧中的人物、情节更显神秘。

  • 杨述老师在线指导:一名优秀的摄影师是如何炼成的?

    杨述老师您好,请问如何判断一位摄影师的摄影水平?这个问题要分两个方面回答,首先是摄影师在拍摄现场的整体把控力,这一项是极为重要的。过硬的摄影技术是基础和必要的前提,这里就不赘述了。摄影师是拍摄现场的领导者,而导演是整个片场的精神领袖。我们要拍什么或者说要表达什么,这是一个导演的工作。而现场的实际操作中,对现场的把控力、对灯光、对摄影,对其他部门,甚至是将所有的现场工作人员调度好。何时出现,如何按照一个工业流程有条不紊的操作。这都是必不可少的。好的摄影指导会在非常公平的单位时间内,给自己团队充足的时间,保证质量的协调配合时间,同时也给其他部门留出时间,从整体上来把控好整个节奏。一种秩序的和按部就班的生产过程。这个就是作为一个好的摄影师在现场的把控力。好的电影摄制组,在片场一定会是万众瞩目的焦点,有非常坚定的目标、有非常有效率的工作、有特别快的反应。那么这样的摄制组也一定会是非常团结的。第二是结果,是电影最终呈现出来的效果。一个好的摄影师,他所有的技巧都埋藏在电影当中,拍摄技巧一定要源于故事情节本身,决不能超脱电影本体,让观众感受不到摄影的存在,这个摄影师才是成功的。这是我发自内心的体会。您是如何帮助引导学生拍摄的?摄影师之间都会遇到过类似或相同的问题,不论是在技术上或者是创作思路上,这些都是成长为一名合格的摄影师必须要经历的。一定是在这个行业里摸爬滚打之后真正渴望通过学习来丰富自己,或者说意识到摄影是自己在这个人生阶段中最重要的事情才会真的想要学习的。这样我们之间有一定的默契。我们中国的教育体系是没有经历过启蒙运动的,应该如何去思考、如何发现自己的内心、如何真正认识自己的本质、我们要表达的人性是什么?从这个角度来说,我想做的就是鼓励他们去认真的思考。技术方面相比是相对容易的多的事情。我们就是要养出具有一定水准的、能够到一线去从事摄影,未来在影视工作中能有所作为的从业者,所以学员们掌握这种思考模式就是特别重要。首先在精神上是想培养大家这样的一种态度,其次是灌输一种热爱本质工作的心态。想鼓励大家更多的去认知这个世界,好的摄影师一定会有庞大的知识体系,五花八门的,非常广阔博学的,不用太精,但是需要你什么都得知道一些,都有一定的经验。这需要日积月累,从现在开始用心去感受、去体会,长期以往的坚持,慢慢的,不论你拍什么题材,都将能得心应手的投入到创作思考中去。跨过那道从无到有的门槛,剩下的就是去做到从好到更好的自我提升的过程。只有这样,你拍出来的作品才是一个个“真实”的世界。摄影师该如何平衡自己的工作和生活?工作和生活一定相辅相成的,我认为这里的平衡是生活品质的反映。摄影师这个工作是非常特殊的,不同于其他行业。我们伟大的袁隆平院士,他的工作是必须用大量的时间在田间。但摄影师不同,电影工作是需要摄影师全面的涉猎各种各样的美丽的东西和人性的东西。所以摄影师的生活也是电影的一部分,因为这潜移默化的影响着摄影师未来的电影创作。我们再引申一下,其实要讨论的实际上就是幸福观或者说幸福指数,到底你怎么样才能让自己幸福。生活并不是要多么的物质,但却是要有一定要求的,比如说自己洗衣服,自己做饭给家人吃,不能做一个四体不勤,五谷不分的人,这些都是能够给我们带来快乐的,劳动之后的疲劳带来的感受也是生活品质的一部分。所以说好好的生活,充分感受生活中的点滴,这是摄影师在电影创作中的基石。转自:影视工业网

  • 恐怖电影常见光法:如何透过灯光营造角色邪恶形象?

    拍摄电影时,为表现剧中角色的邪恶形象,制作团队除了以面具、特效化妆等方式呈现怪异外观外,也经常会透过“灯光”的变化,模糊或扭曲人物脸部,使其看起来更诡异,营造出骇人的恐怖氛围。资深摄影师 Rubidium Wu 分享了恐怖电影常见的几种照明方法,透过这些光影技术,更能呈现角色的邪恶外观:• 底光:从脸部底部由下往上照明• 顶光:从顶部照明,在脸部创造出宛如“骷髅”的效果• 剪影:在拍摄对象身后照明,使他们完全处于阴影中01 唤醒内心的恐惧—— 非人化、死亡和扭曲“恐惧是人最自然的本能之一。我们害怕我们不了解的东西。”—— Brogan O’Callaghan 《Shadows in Horror Films: Fear of the Unknown》为什么电影中许多恶棍都会带着面具或口罩?为什么小丑这么吓人?为什么苍白的脸会使我们感到恐惧?人们容易因为未知的事物感到害怕,而透过面具或苍白妆容,更能让观众认知到角色可能并非一般常人的事实。眼睛是灵魂之窗,当我们看见他人双眼可以评估他们是否为善类或恶类,以及其威胁程度。而当脸部被遮掩起来时,很难判定人物是否会构成危险,从而产生焦虑与恐惧心理。 象征死亡的颜色:苍白、红色与绿色什么颜色会让你想起死亡、恐惧和危险?通常红色会让你联想到爱与热情,但它同时也是血液、警告标志、火和地狱的象征。电影中时常可见到人物出现在红色的灯光下,借此呈现他们嗜血、危险的恐怖形象;另外,绿色也能表现嫉妒、疾病和贪婪的一面。为表现此种阴森的绿光,可以将绿色的滤色片结合照明技术使用,营造人物诡谲、不安的氛围。02 恐怖电影中常见的 8 种怪异照明技术• 照明 Uplighting• 剪影 Silhouette• 聚光灯 Spotlighting• 曝光不足 Underexposure• 刺眼的灯光(强光,明暗对比)Harsh light• 阴影投射 Prominent and projected shadows• 透过实物拍摄(如窗户)Shooting through objects• 透过元素拍摄 Shooting through elements03 善用阴影变化,增添观众的想像力尽管恐怖电影的内容日新月异,但引发恐惧心理的摄影技术却大同小异。从小当我们在讲鬼故事时,就知道用手电筒照亮自己的下巴可以吓人,而在老式恐怖电影中也经常可见这种方式。现代恐怖电影制作人更善用不同手法,使光线变得更加微妙、诡谲,不再只是无聊且过时的手电筒照明。遮挡光线 Obscuring through lighting如聚光灯、曝光不足与刺眼灯光,以及透过实物或元素的拍摄等,这些方法不会扭曲被摄物,而是掩盖或隐藏它们。尽管你看得见影像中的某些画面,但却无法看见全貌,这会增添神秘感,使观众感到紧张、营造悬念。 2015 年《吵闹鬼》(Poltergeist)利用聚光灯技术吸引了小丑的注意。灯光失真 Distorting through lighting而像是照明、剪影和阴影投射等,则能完全与真实世界脱离,借由灯光变化让画面失真。对观众来说,剪影可以增加角色的扭曲程度,无法提供观看者所需要的足够讯息,例如面部特征、服装等。采用阴影投射时,扭曲变形的程度会更加严重,提升人们面对未知的恐怖心理。1960 年《惊魂记》(Psycho)的经典淋浴场景,我们知道有人在挥舞着一把刀,却无法得知它是谁或什么东西,增添神秘、恐怖氛围。1922 年《吸血鬼》(Nosferatu)具有恐怖电影史上最著名的剪影。灯光闪烁 Light Flashes有时当影像持续闪烁灯光时,也会使观众感到困惑。而当光的间隔和频率短且不规则时,人们也会开始对所看到的角色感到不安。“电影制片人经常使用阴影,因为人们的联想力会使恐惧极大化。” — Brogan O‘Callaghan归根究底,以上所有照明技术皆是操纵阴影的一种方式。部落客 Brogan O’Callaghan 曾发表了一篇解释恐怖电影制作人这样做的目的,他曾说:“阴影只会使我们对事物的本质有所扭曲,导演利用阴影来操纵对未知的恐惧。如果电影必须创造一个骇人的怪物,那么他们必须将不惧怕该怪物的观众区隔开来。这是一种引起恐惧最简单而高效的方法。”因此下次当你试着自己制作恐怖电影时,请记住,吓观众不全然是你的首要任务,若采用合适的照明方法,也能成功营造悬念与恐怖氛围,观众最终也会自己吓到自己。

  • “打鸟”镜头哪个好?关于“打鸟”镜头选择的一些看法

    众所周知,鸟类摄影对于摄影师来说是比较困难的,因为鸟类总是快速移动且飘忽不定,而且与人类也总是保持一定距离。那么,这就需要一只长焦镜头来进行“打鸟”,最好的鸟类摄影镜头:尼康AF-S NIKKOR 80-400mm f/4.5-5.6G ED VR镜头。在鸟类摄影中,使用长焦镜头拍摄可使在不需要靠近拍摄对象时就可填满整个镜头画面,额外的焦距增加了透视压缩,这样就可将图像与拍摄背景隔离开来。而当您使用的镜头不够长时,您就会发现,虽然拍摄对象所处的位置很完美,但自己却因与拍摄对象之间因很远的距离而感到沮丧。如果您想要拍摄全画幅图像、想要一只400mm镜头。或许您有两种选择:一种是在您已有的镜头上尝试增倍镜,但会发现在拍摄时场景会变得很暗,另一种是花费几万元来买一只出色的镜头。但这两种选择相对来说还是花费比较大。而这只适用于鸟类摄影的尼康AF-S NIKKOR 80-400mm f/4.5-5.6G ED VR只需一万多元即可买到。佳能EF 400mm f/4 DO IS II USM镜头可能重量轻且锐利,但其固定焦距限制了其在鸟类摄影中的使用,对于普通摄影师而言,其昂贵的价格也令人瞠目结舌。鸟类摄影时镜头的焦距范围是至关重要的。如果您足够幸运可以让一只鸟靠近您,那么使用400mm的定焦镜头就没办法拍摄了,因为该镜头的聚焦不够近,或是因为这只鸟在镜头里呈现的体积过大而无法使用。而尼康AF-S NIKKOR 80-400mm f/4.5-5.6G ED VR的焦距范围可让你在拍摄时灵活使用。鸟类拍摄不仅是为了让拍摄对象填满镜头画面,而是为了可以拍摄出一张清晰锐利的图像。尼康AF-S NIKKOR 80-400mm f/4.5-5.6G ED VR镜头配备先进的光学性能和自动对焦系统,配备的减震(VR)功能也提供了镜头的良好的稳定性。但该镜头唯一的缺点是最近对焦距离大约1.75m。其实在体育摄影中,拥有较近对焦距离可能很重要,但在鸟类摄影中就显得无足轻重了,因为在拍摄鸟类时一般鸟类都会与人类保持一定的距离。如您认为还有更好的“打鸟”镜头,也可留言分享。

  • 学会这个技巧,访谈布光无压力

    电视台在制作访谈节目时,布光是一个非常重要的环节,合理的布置灯光,演播室灯具安装得当,就可以得到很好的灯光效果,以提升访谈节目的表现效果。 访谈演播室灯光布置方法一般采用交叉式布光方法。第一步是用1台LED影视平板灯从左方以水平45°的角度投射到右侧人物的面部作为主光,作为左侧人物的侧光;第二步使用1台LED影视平板灯从右侧以水平45°的角度投射到左侧人物的面部作为主光,作为右侧人物的侧光;第三步使用1台LED聚光灯在人物后侧方斜向下对着人物肩膀处打光,作为人物的轮廓光,当实际的灯光数量根据演播室的人数变化做调整,当我们要进行简单访谈时,我们可以适当调整,下面就来例举富莱仕快捷访谈布光案例!首先用一盏G1200平板柔光灯作为顶灯,主要目的是用来打亮头部和肩膀处增加立体感,在没有铰链的情况下,可以用灯架架起来打轮廓光。其次,用一套DOF隼-150D小型聚光灯,从左侧45°角往嘉宾的位置打过去,加上浅口柔光罩,亮度足够的同时保证光线柔和,不会给嘉宾造成不适。最后,用一台G1200柔光灯从右侧45°角打向主持人方向,左右两台灯同时也作为相互的侧光,保证脸部布光的均匀。三台灯同时打亮的效果从镜头的角度来看,人的脸部布光是非常均匀的,且脸部亮度和上半身亮度差别不会太大,不会形成突兀感。上图可以看到背后有影子没有消除,如果有条件的情况下可以拿一台柔光面板的板灯放地面向墙面的方向倾斜打过去,可以把阴影消除,同时还能增加人物立体感。 打亮访谈演播室灯光布置还要结合人物的特质来布置,例如主持人为女性,起头发多而长,那么灯光就需要布置的亮一些、散一些;而如果嘉宾为一位老年男性,起头发较少,且有不少白头发,那么灯光就不宜太亮,需要适当的把灯光调暗一点、柔和一些。在有些电视节目中,我们会看到人物脖子处有阴影,那么就可以适当的把主光和侧光的位置调低一点,以消除阴影。了解更多布光知识,请关注富莱仕影视器材!

  • 小法师,你是不是对柔光镜一无所知

    Hi,大家好,这里依旧是怒豆渣。本期电影自习室和大家聊聊“梦幻感”神器——柔光镜。柔光镜原理柔光镜可以数码相机锐利的画面变得更加柔和,其原理就是镜头表面上有一层环状或者网状的结构,使照射在镜头的光线呈现漫反射从而使被摄物的轮廓柔化反差降低,产生一种“柔光”效果。这种“柔光"效果无论是人像拍摄还是户外拍摄中都有极强的创作体验,它既可以修饰皮肤上的瑕疵,使人物变得更加光润媚人,也可捕捉在强烈日光下或夜晚霓虹闪烁中的神秘与浪漫。 柔光镜的使用场景世界01在拍摄波光粼粼的湖面或者阳光倾泻的路面,使用柔光镜可以帮助我们加深画面的梦幻感。02柔光镜可以增加画面的记忆感与年代感《夏洛特烦恼》中夏洛刚回到高中时的镜头便是大量使用柔光效果,强调梦境中的年代感。03在复古风格中的影片,柔光镜可以帮助我们弥补优化现代机器过于锐利鲜明的光线,使其更加具有油画质感。《燃烧女子的肖像》这部影片便是在柔光镜的配合下用RED拍出油画质感,除使用了大量的白旗柔光布之外,柔光镜极好地弥补了画面中大量的光线明暗过渡。04当然拍出“白月光”也少不了柔光镜的帮助。柔光镜不仅可以让画面看起来更梦幻,还有一定的前期磨皮功能,让人物在画面中皮肤更加柔和有质感。同时柔光光源可以形成漂亮的眼神光,它从眼睛闪亮的部分反射出来,让眼睛显得特别亮。05最后一个相对小众的玩法就是利用柔光镜拍摄夜晚的霓虹灯。像在东京、香港这样的城市,利用柔光镜去拍摄霓虹闪烁的画面会更加具有未来感和梦幻感。搭配雨夜食用更加,因为雨天空气湿度增加,光线本身会形成漫反射的效果,双“柔”并济。没有柔光镜怎么办01油脂柔光法,可以利用手指或棉签将凡士林涂抹在UV镜上,模拟柔光镜的效果。通过其涂抹的薄厚程度对光线进行引导性虚化,打造不同程度的柔光效果。当然,涂抹位置的不同,也可以得到不同的柔光效果,例如将凡士林涂抹在边缘,则可以强调中拍摄物品,虚化背景。02网纱柔光法只需要将丝袜套在镜头前,即可模拟柔光效果,我们可以通过丝袜的材质和网孔大小获得不同的柔光效果。多多尝试,总有一款丝袜适合你03透明胶带法和网纱法类似,把不同颜色的透明胶带固定在镜头前或遮光罩前就可以获得各种朦胧美感。04通过后期其实也可以达到柔光效果,利用 Final Cut Pro ,选取需要做柔光效果的素材,选择高斯模糊,然后混合模式使用柔光,根据画面和自己预想效果进行参数调整。最后希望大家可以通过本期电影自习室正确了解并使用柔光镜创作自己的硬核梦幻么么渣?

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