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拍摄
  • 【电影工厂】专访《钢的琴》摄影指导周书豪

    一、关于《钢的琴》电影工厂: 祝贺《钢的琴》即将上映!作为这部影片的摄影指导,能和【电影工厂】的电工分享一下你的创作经历么?你是如何参与这部影片的创作的?周书豪:2008年 上海电影节时,我和两个很好的英国朋友午餐,他俩都是业界权威的影评人;一位是当时综艺Variety的亚洲电影主笔Derek Elley, 一位是当时国际银幕杂志Screen的记者Stephen Cremin。我问他们今年看了什么好片?他俩异口同声说:张猛的《耳朵大有福》;后来找了看,果然非常好。那年《耳朵大有福》得了亚洲新人奖评委会特别 奖,张猛也因此结识了后来《钢的琴》的韩国监制郭在容和原本中戏的同学秦海璐。09年 张猛带着《钢的琴》的项目回上海电影节,我才认识他,彼此聊得很投机。后来我们常在msn上聊电影; 2010年初我帮艺术家杨福东用黑白胶片拍的短片 《一年之际》被放在PRADA官网上展示当季春夏的collection,我也让张猛去看看,他看了觉得拍得特别好,连夜赶到簋街请我吃饭,觉得一定得和 我合作;基本上是吃了两顿饭决定我参与了《钢的琴》,哈哈。 电影工厂: 作为摄影指导,前期筹备时需要做哪些准备工作?需要和哪些工作人员紧密合作?周书豪: 戡景是前期最重要的,我们也找了韩国的人做画纲Story Board,但毕竟是个大家沟通时的参考。其实最主要的是和导演聊,帮他把彼此对这个故事想表达的概念和构思清晰出来,解构出来;因为导演是创作者,经常 是在自己所独特想表达的一个世界里面,你得了解他,进入这个世界,把他的想法具体化,现实起来,转化成镜头语言,然后定下色彩,运动等等的基调,形成一个 统一的电影视觉风格。电影工厂: 拍摄时摄影指导具体要做些什么?如何与其他部门配合?有没有什么难忘的经历?周书豪: 在国内预算不高的制作,拍摄时摄影指导就成摄影师了;在欧美摄影指导可以专心在光效上钻研,有掌机管画面,但一般国内除了大片,摄影当然都得包。而且我常 说,大陆的导演是半个监制,摄影是半个导演;因为在好莱坞导演是要定机位与镜头的,大陆则因为整个电影文化和环境的不同,多是交由摄影师设计,所以摄影师 也有更多的创作空间。我与张猛因为前期聊出了视觉风格,现场拍摄就有了根据,这样导演就可以把视觉的东西放心地交给你,专心在演员的戏上,分工合作出最好 的东西来。好的灯效是不用说的了,给予电影以精神。除了打光,美术是最重要的肉身,大从搭景小至道具在在都显示电影的品质;长影的张毅很有经验,我与张猛又都是学美术出身的,彼此的审美也很接近,沟通就很省事,这对电影的视觉上有绝大的帮助。比较难忘的就是到长春看样片高速路上见到的大车祸,那惨状我一辈子都忘不掉;不过到了长春,冲印厂的老师傅们都想见见我,强调说他们许久不曾见过《钢的琴》这么高品质的底片了,让我的心顿时宽慰了不少。电影工厂: 拍摄完成后,还需要做哪些工作?第一次看到成片时的感受?周书豪: 我们在韩国做的DI调色,这也是我第一次看到剪好的成片;多亏平时练就的摄影经验,成片还未调色效果就很好,没给中国人失面子,韩国调色师也特别喜欢我们 拍的东西,做得很带劲。尤其色彩与风格因为前期的讨论,拍摄时认真执行,现在都已经呈现在那儿了,看了有一种心满意足的成就感,尤其在大银幕上看到高画质 的投影,很是兴奋。等把颜色在数字中间片上调好,给个统一的调子,基本上摄影的工作就告一段落了。电影工厂: 参与这部影片的拍摄,你最大的收获和感悟是什么?周书豪:哎呀!拍电影需要有靠谱的投资人,需要有靠谱的投资人。这 是我拍摄过程最艰苦的一部电影,中途还真因为资金不到位停工了一天,有一天全组只剩47块钱;但也是拍得最开心的一部片子,因为人与人的关系特别近,所有 工作人员就都像上学时同寝室的同学一样,工作在一起,吃喝在一起,很自在很开怀。所以拍电影这么辛苦,“人和”就真的特别重要。二 职业生涯电影工厂: 是什么契机引导你进入电影行业,成为职业电影摄影师的?其间要经过哪些步骤才能成为摄影指导?周书豪: 虽然我父亲是广告导演,我是在台湾上大学时才迷上电影的,当时学的是美术,但毕业前已经开始拍摄影像艺术。因为想学电影,到了欧洲,过着山中无甲子的日 子,一待就是十二年;在德国柏林艺术学院学的平面摄影,拍实验电影,之后又到西班牙巴塞罗那游学,看看高迪的建筑,学学达利的风范,最后才在英国伦敦电影 学院学的电影。现在想拍电影不像以前得跟着师傅半辈子或拼命钻进学院了,如今随手拿个傻瓜机都可以拍出像样的东 西,倒反而没给人留偷懒的藉口。我的经历其实是个特例,倒是拍电影确实是个文化和技术的事儿,你非得肚子里有点东西,练就出一身本领才能出作品的。怎么修 行,真的得自己在生活中琢磨。电影工厂: 你在英国伦敦电影学院学习电影,你觉得这段经历这对你的帮助有多大?周书豪: 在伦敦电影学院学的是手,或者说内功我早已在台湾东海美术系和欧洲这些年给练就好了。但上手的经验确实也极为重要,其实就是实作,尤其对摄影师来说更是如 此;在我们学校所有电影都是用胶片拍的,从16mm的黑白,16mm彩色,35mm黑白到35mm彩色,从Arri,Moviecam到 Panavision的摄影机,从以色列到瑞典,美国的同学做导演,所以你有许多机会拍不同类型的片子。而且学校还有一帮好朋友可以一起讨论,互相帮忙, 竟争,是个挺不错的环境。电影工厂: 能谈谈你的第一部长片剧情电影《我的唐朝兄弟》么?这是你作为摄影指导第一次和大陆的电影人合作,你觉得和英国的电影人,以及台湾地区的电影人合作会有什么不同?周书豪:其 实拍电影这件事是相同的,但在做人做事的方法上确有着不同。《我的唐朝兄弟》因为是我在大陆的第一部片子,拍的特别较真,也出效果。古装片有打戏,有马 戏,我们拍了50天,算是很快的了。 西方人拍电影还是比较工业化,凡事照规矩来,有工会为从业人员说话,工时,加班也都有规定,你只需要专心干好你分内的活。台湾地区的电影人就更年轻有激 情,钱拿的少,一个人积极地做好几样事,像是家庭手工业。不同的地方有不同的文化,是有它的背景与道理的。电影工厂: 除了拍摄剧情电影之外,你还拍摄什么类型的片子?这些拍摄经历对你有什么帮助?周书豪: 我还拍许多电视广告,让自己对镜头有更精细的把握,也有很多技术上的钻研;也拍纪录片,去年帮美国国家地理频道到少林寺拍摄了个片子,体验不同的生活与拍 摄形式;或者帮国内外艺术家如杨福东拍影像作品,锻炼我对美学上更抽象的思考…我觉得做为一个摄影师,他的生活阅历越多,拍摄的领域与经验越广,他的作品 自然会有更大更好的进步。 三 职业经验电影工厂: 你觉得作为一个职业摄影指导,必须具备哪些方面的能力?周书豪:审美的,空间的感觉,音乐节奏感…太多太多了,不过临场的指挥能力是最重要的。因为现场才是摄影的创作环境,基本上摄影师是导演现场战场上的将军,你得懂得如何带兵打仗。所以在台湾两年的当兵生涯对我拍片也是很有帮助的。 电影工厂:你在自己的职业生涯中,有没有什么必须遵守的原则?周书豪:还是做人做事的基本道理吧,与起码的商业道德。不能为了艺术或者名和利,而不尊重别人,把做人的根本给忘了。 电影工厂:你有没有什么经验可以和【电影工厂】的其他电工分享呢?周书豪:生活经验是一个创作者最好的积淀和源泉。培养自己的观察力,到处走走,看看世界,让自己的审美能力和品味提高。时常动动脑,让自己有独立思考与判断的能力。

  • 95后的摄影师的片场拍摄分享 l 十一书系列微纪录片之《卢德铭的行军书》拍摄手记

    《卢德铭的行军书》微纪录片拍摄手记大家好,首先自我介绍一下。我叫郭浩然,毕业于中国传媒大学摄影系,95后,是一名年轻的电影摄影师、广告片摄影师。(为数不多的片场工作照中我觉得最正经的一张)《卢德铭的行军书》这条片拍摄执行在11月初,距这条片子全网上线已经将近过了半个多月的时间。在拍摄之余,写下一些文字和大家分享一下我在拍摄《卢德铭的行军书》这条片的一些心得和体会。(《卢德铭的行军书》全网上线)(《卢德铭的行军书》正片截图)十月份的时候,这条片的导演朱昊找到我,问我有没有兴趣拍这样一条红色题材的故事片。对朱昊导演的作品的欣赏,我便第一时间将这件事答应了下来。后续看到片子的脚本,工作经验的的敏感度告诉我,这是一条工作量极大的片子。片子需要多种不同的气氛调性,演员数量、调度和镜头数也比较多。同时这条片也有艺人参与的部分,艺人的时间也是有限的,所以不可能一个场景完整的拍完再拍下一个场景。拍摄的时候需要反复的换景以保证艺人部分的拍摄效率。最重要的是只有一天的拍摄时间,并且一天的拍摄要撑起将近八分钟成片的内容需要。这对于每个人来说都是一个挑战。所以这部片的前期筹备对于我来说就十分关键。因为对拍摄量有明确的一个预估,所以在拍摄日之前就没有再接其他的工作,将工作重心都放在这条片的筹备之中。在我的工作习惯中,视觉参考是一件重要的事。在我看来,视觉参考其实并不是意味着摄影师的影像概念不明确,而是需要将概念落地呈现给导演,呈现给其他工作人员,让所有人都清晰的认识到:你,作为一个摄影师。想要呈现什么气氛,什么质感的画面。在前期筹备阶段,我和导演朱昊一同也翻看了大量的类似题材的片子,觉得这类题材的片子拍摄内容、场景、手法都大同小异,但总是缺少了那么一点味道。后来想来想去,我觉得是类似题材的广告片缺少了那么一点点细腻。不管是情景的演绎还是艺人的深情诉说,在宏大的主题下总是少了那么一点点“人文关怀。”所以在《卢德铭的行军书》这条片子初期筹备阶段,在影像气质的大方向上,我想把“人情味”拍出来。所谓的“人情味”,在我看来就是要更加注重细腻的情感,而不是过多的去在意画面本身需要有什么样的镜头运动、光线设计。广告的画面“好看”是基本功,色彩搭配和反差关系是细节。所以在这条片子中,需要把演员张艺兴尽可能的还原成真实的人,而不是“纯粹的好看的”明星。光线在美的基础上尽可能的还原真实,在不真实的光线下尽可能要戏剧冲突感更强。按着这个大方向,不断的去推进片子的摄影前期筹备工作。(前期筹备期间的一张电脑桌面截图 依据场景的调性需求在搜集整理不同调性的参考图)《卢德铭的行军书》这条片子,依据脚本内容,我将之划分为四大部分。第一部分是张艺兴的自我讲述部分、第二部分是内容的情景演绎、第三部分是关于在昏暗房间场景的内容、第四部分是战壕的场景。依据每个大场景的气质,再去细化每个场景的气氛和调性。(第一部分 张艺兴的讲述)(第二部分 关于内容的情景演绎)(第三部分 昏暗房间的场景)(第四部分 战壕的场景)在画面调性的处理上,第一部分和第二、三、四部分是有一个较大差异的。这样的设计也是依据文本内容而来。第一部分是纯粹的讲述,而二三四部分有着具体的表演内容,这样的色彩处理会使影片的结构感更丰富。在二、三、四三个部分,黄色是主色调,但是每一部分的黄色在色相、明度、饱和度上也是存在差异的。第二部分的黄色偏低饱和的褐色,第三部分的黄色偏一点点绿,第四部分的黄色是明亮纯正的。不同黄的倾向表现,是故意为之,我会在下文提及。在这条广告片中,器材方面我选用了常规的Alexa mini +MP镜头的组合。一台机器用来拍摄地面镜头,一台机器上炮随时调用,拍摄高机位镜头。另外为了实现在前期沟通阶段和导演确认的特殊效果画面,在常规的拍摄器材之外还准备了探针和移轴镜头来满足特殊画面效果的实现。另外,在器材选择上也准备了微光、铜微光、白柔、山羊皮、雾镜等效果滤镜,以强化前期拍摄效果。有人曾经说在数字摄影时代,大部分滤镜已经失去了原本的“功能”,因为在后期都可以进行模拟,并且给后期留出更多的可能性和操作空间。我对这样的观点和看法是认同的。电影拍摄时间相对来说比较充裕,我们在后期阶段可以一点点的调整,以便达到我们想要的效果。但是在节奏和周期相对紧张的广告片的工作中,我觉得画面风格前置是一件效率更高的事。在后期阶段,调色师可以依据前期既定的大方向对画面进行更精细的调整。在《卢德铭的行军书》这条片中,前期拍摄和最终呈现的影调在大方向上是完全接近的。下面我会以二三四,三个部分为例。和大家分享一下我在拍摄时的经验和感受。第二部分是关于少年卢德铭内容的演绎,在色彩的处理上偏低饱和的褐色。这样的一个色彩倾向灵感来自于美术指导王雪的一张场景气氛图。(美术场景设定气氛图)(第二部分 灯位图及机位图示意)在光线的处理上这部分比较简单,以舞台戏剧光效为主。三组太空灯分别吊在道具陈设上方,摄影机的运动随着演员的表演而运动,每个区域的光源随演员的表演有着明暗的变化。灯光师也是我毕业到现在经常一起拍片的老朋友金治钢,我们一起拍了很多条片子,所以他对我的偏好风格十分了解。在前期和导演确定好画面调性风格后,我们之间的沟通非常顺畅,我只要告诉他我想要的风格大方向,他便可以着手安排布光。包括在现场拍摄阶段,我们也不需要太多的沟通。只要我摆好机位,他便能知道我的灯光调整需求。(第二部分 情景演绎)此外,在这部分还有两组单组单独的镜头。一是卢德铭小时候写毛笔字的场景。在这个场景里,我也没有进行大的灯光调整。在拍摄近景镜头的时候,稍微柔化了一点顶光,并且对人物补了一点光。在写这篇手记的时候突然想到,对于这样的近景镜头,可能有人偏向于人脸的处理更明亮一点。我个人觉得没有绝对的对与错。但在拍摄的时候,我会觉得这样的气氛在这样的场景里会更真实吧。(第二部分 情景演绎 少年卢德铭)第二组镜头是卢德铭送别的场景。在这个场景里,在顶灯的基础上加了弱弱的逆光,一是强化雪的程度,二是加强门、玻璃的质感。在下图人物附近虚虚实实不是马赛克,是用了我自己DIY的镜片得到的画面效果。我认为这样的画面效果会让观众更关心于气氛的塑造而不是关于在于人的本身。同时弱化了其他人身份、样貌,从而更好的关注卢德铭这个人物角色和内容。第二张图片是正片未使用的镜头,镜片通过光学的折射又形成了清晰的影像。拍摄的时候大家都觉得非常惊喜、有意思。只可惜为了照顾成片的氛围和情绪,只好剪掉了。(第二部分 瑞琴送别卢德铭)(第二部分 瑞琴送别卢德铭 非正片内容)(第二部分 瑞琴送别卢德铭)第三部分是个独立场景,并且是有现实逻辑的。在这部分,光线设计依据逻辑光源的角度出发,用蝴蝶布打射光的基础上加了一盏1W灯的直射以增强光感,另外在顶部挂了四盏太空灯,依据镜头的需求随时可以给到合适亮度的散射光。(第三部分 灯位图及机位图示意)(第三部分 卢德铭写信情景)(第三部分 卢德铭写信情景)在前期筹备阶段,翻看类似题材的影片,我发现写信都是一个非常重要的元素。如何将写信拍的有意思,视角新颖,这个问题让我想了很久。写信镜头无非是特写,或者大特写,顶多再加上一些推拉摇移的运动。后来在拍摄的时候,我并没有选择常规的拍摄方式,而是选用了一只探针镜头。探针镜头相比普通镜头而言,有着更为特殊的视角,可以离拍摄主体更近,画面的冲击感更强烈。在最终的成片中,画面的视觉呈现是和别的片子有那么一些不同的感受。(探针镜头拍摄的画面)(探针镜头拍摄的画面)同样的特殊呈现方式,我也在张艺兴的一段讲述内容中有同样的尝试。就文本而言,这段讲述的情绪是更不安和愤慨的,为了强化这种情绪,我使用了移轴镜头。移轴镜头可以使镜头的视角偏移,造成一种特殊的虚化视角。(第一部分 使用移轴镜头的画面)(第一部分 使用移轴镜头的画面)第四部分是战壕的场景。这个场景的画面调性也是最早确认下来的。在我看来,这个场景既是写实的也是写意的。在读完文本后,我脑海里第一时间想到了《银翼杀手2049》的画面风格。大面积的色光以及人物的剪影,都是非常好的烘托气氛和情绪的选择。为了更好的契合战争的环境气氛,在黄色的色光的基础上做了一些关于绿的偏移,让颜色更“脏”一点。(电影《银翼杀手2049》画面截图)(第四部分 战壕场景)(第四部分 战壕场景灯位图)作为一名年轻的95后摄影师,还有很长的路要走。借以此次项目的机会,和大家分享我在拍摄《卢德铭的行军书》这条片的一些想法和感受。如有不足,请大家多多指出。同时也欢迎大家和我交流分享。最后和大家分享几张在拍摄期间的片场照。(《卢德铭的行军书》片场工作照)(《卢德铭的行军书》片场工作照)(《卢德铭的行军书》片场工作照 左:执行导演 张宁豪 右:摄影 郭浩然)(《卢德铭的行军书》后期tc 调色师 李昆仑)(《卢德铭的行军书》片场工作照 导演朱昊 )

  • 电影布光案例丨驾车场景的布光技巧,用最少的灯光拍出高级质感

    开车场景一直是片场拍摄的难点,特别是当你想进行实拍的时候,因为路面环境的复杂性,不仅拍摄难以完美控制,收音效果也很难到达预期,如果演出要求拍摄对象必须亲自驾驶车辆,那么人身也会有一定的风险。当然,如今也有许多办法可以规避这些问题,最常见的就是使用平板拖车了。平板拖车又称平板车、全挂平板车、全挂车等,它大到足以容纳整台车子和众多打光器材。然后再用另一辆车拖着平板拖车,这样拍出来的效果就像是演员自己在开车一样。不过租用平板拖车同样需要不少钱,对于许多小成本影片方来说是一笔不小的费用,许多并不充裕的电影制片人只好另寻替代品,其中最受欢迎的是一种称为「穷人平板拖车」的技巧,这是低预算电影制片人录制开车场景的最佳方式之一。你可以使用绿幕和移动灯具或投影屏幕来架设「穷人平板拖车」。这个技巧的最大好处是方便掌控。你可以加入各种灯光或天气特效,还可以随时停止或启动车子,这就是特效的魔力。布光方法1:绿幕这是「穷人平板拖车」中最常见的配备。这种方法非常容易布光,唯一的条件是车窗外要有一个平整、柔和打光的绿幕,以及一些特定的阴影和光线变化来制造车体的移动效果。在这个场景中,我们在窗外放置了一个DOF 隼-150D,并将它调到最亮。我们还在驾驶座窗上方用另一个150d向上朝着海报板反射光线。这为整个绿幕提供了一个柔和的补充光,这有助于模拟日光。这种布光方法还可以增添一些更实际的特效,为场景增加更多真实感。在这个场景中,我们可以在窗外多加一盏电扇,用以制造在开窗时微风徐徐吹来的效果。布光方法2:夜间驾驶这是最复杂但也是最值得的搭景。为了达到打光效果,我们需要至少五名剧组人员来移动和改变灯光、以制造会车和经过路灯的效果。在这个搭景中,我们使用了一个DOF 隼-150B,色温调到2400,来制造一种橙色钠蒸气光芒。灯光架设得很高,而且离得够远,因此不会在窗户上产生眩光。我们使用C型支架的末端来回摆动这盏灯,用以营造出经过路灯的效果。然后,我们使用了一个大面积的方形反光板来反射另一盏隼-150D的光,一名剧组人员拿着反光板旋转来模拟车辆经过的场景。将光线调到最亮并透过后窗,再以画圆的方式微微移动,以模拟其他车辆的大灯。在这个布光方式中,移动灯光是最重要的技巧。我们还使用了一台投影机来帮助模拟。布光方法3:暴风雨特效掌控环境的另一个好处是能够掌控天气。在这个拍摄场景中,我们想尝试制造暴风雨效果。这时候方便又实用的新款DOF 隼-30C就能派上用场。这款小型电池供电的LEDRGB彩灯有内置打光特效(如闪电、灯泡故障等),使得它成为制造暴风雨灯效的首选。最后,不管拍摄以上哪一类场景都需要用到大量的灯光器材,如果没有做好器材管理很容易手忙脚乱。所以使用一个合适的制片管理工具也是非常好的选择。

  • 一年5部直逼满分的神作背后,是一群怎样的摄影师?

    这两天,厂长的朋友圈又被一部直逼满分的神作刷屏了。看到戴维·阿滕伯勒的名字就反应过来,又双叒叕是BBC!有完没完!一年要出多少部自然纪录片才够!也不怕观众审美疲劳……然而事实是,真的不会疲劳!……开播两集,就已经9.8霸榜。向来严苛的IMDb都给出了9.7的高分。画面和场景以及故事线,保持了BBC自然纪录片的一贯高水准。帧帧是壁纸!当然,厂长不是来给你安利这些纪录片的,网上介绍片中震撼画面的文章要多少有多少。今天,我们来聊聊BBC纪录片幕后的故事。图片来自BBC官网其实不光《七个世界,一个星球》,仅仅过去这一年里,BBC就播出了5档高分自然纪录片。从去年末9.5分的动物纪录片《王朝》,到今年的自然纪录片《我们的星球》(9.8分)、航拍纪录片《从太空看地球》(9.6分),再到非洲大草原生态纪录片《塞伦盖蒂》(9.5分),大家已经形成了一种习惯:看到BBC,就是看到了纪录片的保证。以一年5部的速度,出品着超高质量纪录片的BBC,不仅带给了我们视觉盛宴,还给了我们强烈的心灵冲击。然而在它们的幕后是一群兢兢业业的摄影师们,他们到底是怎样的一群人?他们吃过什么苦?受过什么罪?他们为什么要冒着生命危险去拍摄?看了下面这些纪录片拍摄的幕后瞬间,你可能就明白了。01 “还没到南极我们就废了!” 在《七个星球,一个世界》的第一集中,摄制组要到远离大陆的一个南极洲岛屿上拍摄。然而,唯一的方式就是在狂风巨浪中颠簸整整10天。其中一个摄影师,行程没到一半,胃已经吐干净了……没人笑得出来。用他的话来说就是:“就像在洗衣机里一样,怎么会有人有成为航海家的梦想?”为了避免疲劳和晕船,他们不仅是摄影师,还是航海员。化身舵手轮流交替开船。登岛之后,摄影师们已经累得跟企鹅们一起小憩了。然而,那位在船上狂吐不止的摄影师上岸以后,却活蹦乱跳了起来。强颜欢笑道:“我希望能再次学会微笑。”然而,上岸后等着他们的,是日夜流转,与企鹅和海象们共进退的生活。这些动物好像对摄影师们熟视无睹,但摄影师却要忍受它们从肚子里打嗝出来的气体浓重的味道。有时候,在他们想联络的时候,会遭遇信号不畅通……有时候,他们会被一望无际的企鹅臭晕。才发现原来自己也好几天没洗澡了,浑身散发着跟企鹅一样的臭味。当然,他们也会经历人生前所未有的经历:零距离看两头4吨重的巨型海象打架。但千万不能激怒它们,因为这些巨型动物,也会蠕动着身子追着你跑……这个时候,啥也不能多想,抱着摄影机掉头跑就是了!苦是苦了点,臭是臭了点,但这些绝美的画面,它们也是第一次拍摄到。它们享受着眼前壮观的美景,也享受着相对宁静的时刻。02“炎热、潮湿、蚊虫肆虐” 在炎热、潮湿、蚊虫肆虐的印度尼西亚雨林,苏门答腊的宿哇保护区。摄影师们为了拍摄红毛猩猩,却被猩猩们耍的团团转。摄影师们只好扛着摄影机一路小跑、穿越树林和泥潭追着拍,满身泥泞、疲惫不堪。有时候,好不容易等到时机,却被一层又一层茂绿的树叶挡住...简直伤透了摄影师们的心。(前方高能预警!)(图片可能会引起不适,请小心观看或直接跳过)?长时间泡在水潭、沼泽中,摄影师的小腿也止不住地过敏、发炎……他们还得继续拖着摄像机、三脚架,在齐腰深的泥里前行。数周之后,却还是一无所获。03 “你跟花豹近距离对视过么?” 在俄罗斯的西伯利亚寒带,为了捕捉濒危物种西伯利亚虎,摄影师们只能在野外长期蹲守,他们制作了一个小木屋,为了隐蔽性,这个小木屋也就比棺材大一点,刚刚够装下一个人...蹲守多久呢?运气好的话,需要几个月……所以他们备好了一些生活用品,床,摄像机,卫星通讯设备,照明弹,温度计,咖啡和茶,水壶,煤气炉,炊具,两双短靴,砍刀,一盒果仁,还有一个尿壶...由于空间实在太小,一旦架上摄像机,就没有地方睡觉...就连站直和转身,都很困难。最终,他们等待了两年。两年啊!!终于有了收获——几分钟的西伯利亚虎夜间行走影像。印度,静悄悄的城市郊区夜晚,为了拍到花豹在城市捕猎的镜头,另一个摄影师,藏在帐篷里等待着那美丽的身影出现……摄影师片刻不敢休息,因为在他刚走神的瞬间,一头花豹突然在镜头前并且只有3米的距离!心脏简直提到嗓子眼!!!04 “当海象来敲门…” 为了拍摄迁徙的海象,在俄罗斯北极海岸的荒原中,有一个小木屋,里面挤了十个摄像大哥……有一个摄影师,指着一个黄桶说道:看,这就是我们拉屎的地方。但大自然总是让人充满惊喜……和意外。谁能想到,一个晚上的工夫,这座岛上,竟然来了10万头海象!!密密麻麻,多到来敲他们小木屋的们……苦逼的摄像大哥们,只能忍着大雪、冰雹,在屋顶上拍摄...但惨不忍睹的是,由于岛上的海象太多,这些海象一个个从悬崖上坠落、翻滚、死亡...然而摄影师们却无能为力……全球变暖的缘故,海象们不断北上。到数百公里以外去觅食,让它们疲惫不堪...而摄影师们,拍下了这触目惊心的一刻。告诉我们,在千万里之外的地球上,正在发生这样的惨案。05 “我只希望,我们能留住这些地方 并好好保护它们” 以上这些片段,来自《七个世界,一个星球》的幕后花絮,以及纪录片《我们的星球:镜头背后》。然而这部幕后纪录片开头,滚动着这样一组数字。准确说出了这群摄制组人员的付出:4年拍摄时间涉及60多个国家3375个拍摄日子40万小时遥距摄影监控6600次无人机飞行海上911天潜水2000小时600个工作人员在窄小的房子独自等上2个冬季在闷热潮湿的森林等上2个月...在刺骨寒风里等待3个星期...在阴森恐怖的深海与鲨鱼游泳...数以万计的拍摄时间,最终才化成了短短数百分钟。他们,不羡慕酒足饭饱的生活,不期待温暖的被窝和家人的关心,但他们却敢在这残酷的世界里游历,用镜头揭开丑陋的伤疤,以动人的故事和真相填充。干旱的沙漠,零下70多度的冰川,人迹罕至的丛林,黑暗幽闭的深海,陡峭林立的峭壁...BBC的纪录片到底因何而屡屡震撼人心?我想是因为影像的背后,有这样一群用行动爱动物、爱世界、爱自然的摄影人们。还记得那个船上狂吐、上岸活跃的摄影师吗?他说:这可能是我一辈子仅有一次的体验。这里给我留下了许多美好的回忆。同时,我也很难过。这地方真的很特别,我不知道该怎么讲。我只希望我们能留住这些地方,并且保护好它们。-END-

  • 手把手教你制作一张完美的VR全景照片

    一、几点说明l 所涉及的硬件设备像要仔细阅读说明书,预先调整设置好;l 所涉及的软件事先下载安装,并能够基本操作;l 以下操作都是基于笔者的配置:MacBookPro、EOS-6D、16-35、720云旅行版全景云台,如你的硬件配置有差异,操作过程或设置上会有一些出入,但整体思路没有变化;l 按照以下流程操作,一定能够成功。二、前期准备l 全景拍摄云台,具备翻拍补地功能;l 全画幅单反相机,也可使用非全画幅单反,但要增加拍摄张数,需要实际试验;l 广角镜头,焦距决定拍摄张数;l 稳固的三脚架;l 计算机,内存高于16GB;l 下载并安装好相关图像处理软件:Lightroom、PTGui、Photoshop,某宝有远程安装服务;三、拍摄1. 全景云台的校准全景云台依照不同的相机、不同的镜头,需要进行节点校准,校准方法请参见全景云台说明书,同时设定水平旋转分度为45°。2. 相机的设置l 镜头:16mm段;l 曝光方式:AV,光圈优先;l 光圈:室外16-11,室内8-4,尽量使用小光圈,以加大景深;l ISO:400;l 白平衡:依环境决定,不要使用自动档;l 调焦:手动方式,使用实时取景,放大主景物,手动调实焦点;l 自拍定时:采用延时2秒拍摄,以便有时间躲避人影和避免相机抖动;l 存储格式:RAW,便于后期修片;尽量参照以上设定,以获得更好的原始图片。注意当拍摄夜景时,特别是在较多人的环境下,可以尝试长曝模式。3. 现场拍摄l 拍摄现场的选择,强烈建议拍摄点地面有明显纹路,便于完美补地;l 云台向下倾斜-60°拍摄一张,水平旋转45°拍摄一张,……,共拍摄一圈,共计8张;l 云台调整到水平方向0°拍摄一张,水平旋转45°拍摄一张,……,共拍摄一圈,共计8张;l 云台向上倾斜+60°拍摄一张,水平旋转45°拍摄一张,……,共拍摄一圈,共计8张;l 翻拍补地,转动三脚架,分别拍摄90°、0°、­90°,计3张地面照片,尽量保持镜头节点在空间的位置不变,一些微小的偏差可以通过软件优化得以修正,改变角度拍摄三张的目的实为最大限度减少地面盲点,使补地更加完美。以上总共拍摄27张照片。四、后期处理1. 导入照片文件建立一个当天的文件夹,并在里面生成一个新的文件夹,命名为“原始文件”,将相机里的27张照片拷入此文件夹内,再将此文件夹拖拽至桌面,用作修片,目的是不破坏原始文件。2. Lightroom修片l 打开Lightroom软件,导入桌面文件夹里的照片;l Command+A全选导入的照片,点击右键-逆时针旋转;l 选中第一张,点选修改照片,调整适当的色温、对比度设定为30、清晰度设定为30、鲜艳度设定为30、饱和度设定为20,这些参数是普遍调整的;l 在第一张照片处,点击右键-修改照片设置-复制设置,选择全选-复制;l 使用Command+A指令全选所有照片,并点灭第一张照片,点击右键-修改照片设置-粘贴设置,这样所有的27张照片这几项参数全部调整到与第一张一致了;l 根据每张照片的实际情况,逐张调整照片的其他参数:曝光度、高光、阴影、白色色阶、黑色色阶、以及其他有必要的参数,使每张照片都达到最佳效果,此时要注意照片之间的均匀性避免拼接后图像的斑块效应,如果不是很一致也没有关系,可以在拼接后实时调整,直接观察效果;l 使用Command+A指令全选所有照片,点击图库-导出-选择(选择一个导出位置,建议放在桌面\原始文件)-选择-导出,此时导出进程开始,等待完毕。3. 照片缝合l 打开PTGui软件,记住千万不要关闭Lightroom软件,点击装载图像,选择桌面-原始文件-未命名导出-全选照片-打开,完成照片导入;l 开始缝合(拼接)图像;l 确定主视角,选择主视角按钮,将鼠标放置在水平中线上确定你要主视角位置,点击鼠标左键即可;l 调整画面水平,依照画面垂直景物,利用鼠标左右键分别调整整体画面的水平;l 是用蒙版擦出三脚架,点击蒙板按钮,确定下方是擦除画笔,按住鼠标左键,分别对第0、1、2、3、4、5、6、7、24、25、26照片勾勒出三脚架轮廓,后填充;l 选定绿色画笔,分别在0、1、2、3、4、5、6、7这几张照片上圈定一下补地范围,以减少24、25、26照片的大小;l 点击放大镜-点选边界线显示,仔细观察补地效果,发现有细微错位;l 点击优化按钮-高级,点选地面德张照片24、25、26,进行优化,优化计算后检查结论,若显示“好”或“很好”,便可执行优化操作,优化后检查发现先前的接缝处很完美了;l 检查拼接好的全景图细节,打开显示接缝线,观察接缝处,通常状况下应该可以接受了;继续观察每张照片的修片效果,如发现某一张照片曝光与周边的不协调,可以再Lightroom直接对该照片重新调整参数,后在全部导出,记住是全选全部导出,我们可以在PTGui软件里实时观察到效果,直到满意为止;l 各方面确定无误后,可以导出拼接好的照片,选择全景图生成,调高画面锐度,开始生成;4. 局部修补l 拼接完成的JPG照片有时会发现有一些污点、影子等,这是我们需要用Photoshop进行简单的修复。打开Photoshop,将合成好的照片(位于桌面\原始文件\未命名导出)导入,选取污点修复画笔工具,在污点或阴影部位点击鼠标左键进行自动擦除修复,修复时可以放大显示细节;l 确认照片没有瑕疵后,导出最终的全景照片,点击文件-存储-确定即可。五、发布制作好的全景照片,我们必须利用全景网站平台进行欣赏,下面以720yun平台为例,介绍全景照片发布流程。l 前往www.720yun.com网站进行注册并登录;l 进入作品管理-素材库-上传素材-上传并打水印,选定拼接好的全景照片,点击打开,即开始上传;l 全景素材上传完成后,回到首页,点击网页上方的上传,开始进行发布编辑,选定刚才上传好的全景素材,填写相关信息,执行发布;l 随后进如作品管理,开始对发布的作品进行必要的参数设置,使之达到完美,当然也可以省略,这些设定需要以后慢慢摸索,省去不影响直接观看,完成后保存-返回;l 进入个人主页,即可看到刚刚发布的作品;六、欣赏自己制作的全景作品欣赏自己的全景作品有两种方式:一是在电脑端欣赏,打开自己的主页,选择作品欣赏,可以利用鼠标快速选择视角,也可以任其自动慢慢旋转;二是在手机上安装APP并登录欣赏,此时除可以用手指选择视角外,也可以利用手机的陀螺仪自动旋转,如果放进VR眼镜盒里更具现场感;当然使用手机扫描电脑端分享的二维码,无需安装APP也可以。七、分享自己的全景作品发布完成后,任何人只要访问720yun官网,就有可能够看到你的作品,但是要想有目标地去寻找你的作品也是一件很难的事儿,当然可以搜索作品名称,也可以顺着编目类别查找,但是一个不知道你作品任何信息的网客想要发现你的作品也是一件难事儿,或许几个月过去了,作品的人气才有几十,还都是自己欣赏的,因此,你可以分享你的全景作品到微信朋友圈、QQ等社交媒体,扩大定向传播力。l 在电脑端打开自己的发布的作品,点击分享,会出现一个二维码,用手机一扫就可以在手机上带你的作品,再点击手机右上角分享,可以看到许多渠道:发送给朋友、分享到朋友圈、收藏、分享到Facebook、分享到QQ、分享到QQ空间、邮件,甚至复制链接……。各个全景平台发布流程和功能设计大致相同。

  • 摄影指导揭秘《小丑》拍摄幕后

    作为《宿醉》系列的摄影师,劳伦斯·谢尔和导演托德·菲利普斯一直保持着密切合作。《小丑》中的哥谭市是1981年纽约市的缩影,而谢尔对这个时间地点非常熟悉。谢尔在新泽西州附近长大,十几岁的他曾坐着公交车潜入这座城市。谢尔将这些经历(以及对他影响深远的80年代纽约电影)和阴暗疏离的哥谭噩梦联系在一起。“在拍摄《小丑》的时候,我会根据记忆中这座城市的样子来补充一些画面信息。当然,当时的电影也对我的拍摄有很大的帮助,因为在我真正开始学习电影时,它们对我产生了很大的影响。”劳伦斯·谢尔在拍摄现场问:这部电影的背景设定在1981年的哥谭市。既然你是在附近长大的,那时候是不是也经常会去城市冒险?谢尔:是的。我过去经常偷偷坐公共汽车去纽约。1983年,我13岁的时候还在时代广场被抢了。我经常说这是慢动作抢劫(笑)。我和我哥哥还有几个朋友去城里买假身份证,直到事情结束我们才知道自己被抢劫了。当时有一群人围着我们,问我们要不要假身份证,我们说:“多少钱?”他们说:“你口袋里有多少钱?”他们把我们的钱都收光了,然后就离开了。我们想说“好吧,至少我们有假身份证”。然后半个小时过去了,我们才意识到“哦不,我们只是被抢劫了”(笑)。我记得我们还去找街角的警察,我们这群13岁的小孩,对他们说:“嘿兄弟,我们被抢了,你们能做点什么吗?”他们说:“那儿有个公交车站,回你们的泽西老家去。”问:看的时候也能感受到80年代纽约电影对《小丑》的影响。谢尔:在这类电影中,有很多是针对一个或两个角色的研究,而拍《小丑》最有趣的事情之一也在于我们是在为一个角色服务。每一场戏,亚瑟(杰昆·菲尼克斯饰)都在引导我们的拍摄。这很有趣,因为从视觉呈现上来说,你必须知道如何通过镜头或灯光和角色产生情感上的联系。在电影开始的时候,我们想要非常广的镜头,亚瑟在画面中非常小,小到几乎看不见他。然后我们把这些镜头和大特写混合在一起,让这两种视觉效果在同个场景中进行对抗。这么拍的目的是把亚瑟夹在中间,让他的世界产生幽闭恐怖的感觉,即使是在他周围都是人的情况下。而当他的性格发生转变的时候,镜头会开始突出他的存在,在画面中给他一些力量。问:你是什么时候决定用数字摄影机拍摄的?谢尔:可能就在拍摄前两周,在即将花费大笔钱来改变一切以前。(导演)托德意识到我们需要摄影机能够灵活地进行拍摄,也希望杰昆·菲尼克斯可以自由地进行表演,于是他说:“我们考虑一下(用数字拍摄)吧。”选择数字的主要原因是,我们觉得用大画幅拍《小丑》的主意很不错。托德把剧本发给我,我们第一次谈话的时候就说到:“兄弟,用65mm胶片拍这部电影应该很好玩吧?”但是大家都劝我们不要走这条路,因为65mm胶片摄影机真的很难找到,而且价格也有点贵。然后我们就有了拍35mm胶片的想法,而用ARRI 65拍摄的前景又让我们回到了大画幅的初衷。托德说:“我们带上35mm摄影机,再带上ARRI 65,去拍摄现场的街上拍一拍,再对比看看。结果真的非常接近。我记得当时我坐在纽约Company 3公司的放映室里,当时只有我、托德和编剧斯科特·西尔弗,我们为选择胶片还是数字争论不休。在这样一部电影中,数字技术在某些方面确实起到了作用。大部分时间拍摄都非常的随性,我们不会排练或者在地板上做标记。数字摄影机让跟焦员能够完成高质量的画面,永远不会出现严重失焦的情况,也不会出现当下无法知晓的技术问题。我们有一个很棒的团队,也许拍胶片也能拍得很好,但还是会有一些失焦到没办法使用的镜头。同时我们也知道,要捕捉杰昆的精彩表演通常需要一到两次的拍摄。我认为是这些因素结合在一起,让托德考虑用数字拍摄。《小丑》拍摄现场问:你一直是Panavision Primo系列镜头的忠实用户,但是这次你选择了ARRI Prime DNA系列镜头。谢尔:坦白来说,这和资金也有关系。对我来说,《小丑》在艺术上是绝无妥协的,但是在每一部电影中(甚至是2亿美元的电影中)都有各种各样的力量在为你做决定。拍摄《哥斯拉:怪兽之王》的时候我选择的是ARRI 65(只提供租赁,无法购买)。我们拍摄的是变形镜头,使用的Panavision C和E系列老式镜头实在是太棒了。但那是一部投资1.8亿美元的电影,而《小丑》的投资只有5500万美元(尽管这对读这篇文章的人来说是一大笔钱,对我来说也是),这其中的差别是非常重要的。为了混搭使用Panavision和ARRI(他们都从租赁服务中获得了既得利益),我们决定使用ARRI镜头。最终,我们选择了不同镜头的组合:4只DNA镜头和其他一些大画幅镜头。在测试镜头的时候,我有三个要求:第一,我不想要太锐利的画面,我想要老旧玻璃的感觉;第二,我要在低照明条件下拍摄,因此需要(曝光)更快的镜头;第三,我需要可以近距离对焦的镜头,因为我们要拍杰昆的近距离特写,我希望摄影机可以离他很近。《小丑》拍摄现场问:好像只有几只DNA镜头能达到T2以上?谢尔:是的,80mm的DNA镜头是T1.9,这是一只很棒的镜头。我还带了六只Cinoflex镜头,它们重装了老式镜头,焦距更近,曝光速度更快。我们带了两只35mm的镜头,一只光学效果更好,一只曝光更快。出于同样的理由,我还带了两只50mm的镜头。我带的一只58mm T1.3的尼康镜头也非常棒,我们拿着它疯狂拍摄。还有一只成像优美的135mm佳能镜头和华丽惊人的280mm徕卡镜头。电影的结尾有一个特写镜头,画面从杰昆的眼睛拍到嘴巴,而他只是盯向前方,跟着音乐哼唱。这是用一只350mm镜头在大约8英尺(约2.4米)的地方拍摄的微距镜头,是我最喜欢的特写镜头之一。问:我非常喜欢警车正驶过哥谭市,杰昆坐在警车后座上,开心地看着街头闹事的镜头。谢尔:这个镜头是我们在泽西用58mm镜头拍摄的夜景,是为了模仿电影开头他在公交车上的镜头。几乎是完全一样的位置和大小。我们想要模拟窗外的灯光(着火以及其他他正在看的东西),但是在拍杰昆的时候还没有拍街头闹事的镜头,所以我们想出了一个解决方案。你知道放在卡车后面做广告的那种大屏幕吗?我给其中一个打电话,问他:“你的这个大屏幕能把任何媒体都放进去吗?”然后我把一堆有火的防暴视频剪在一起,放到一个LED屏幕上。那辆卡车就开在警车旁边,杰昆坐在警车里,卡车上的屏幕给他的面部提供了互动照明。电影里,他先是靠在车窗上,然后靠在金属隔板上对警察说:“这不是很美吗?”接着他们就被车撞了。我们用两个机位拍下了车祸前他在警车里的画面。《小丑》电影片段警车左边还有一辆装有摄影机的车,车上有一串移动的灯光,可以模拟杰昆在窗外看到的场景。车上还有一个电工,在适当的时候给撞上警车的汽车做前灯的特效。第二个机位位于两个座位之间,所以当杰昆靠过来的时候,我们可以一次拍完。广告卡车在警车的一边,有灯的汽车在另一边,这样三辆车就可以像舰队一样并列驾驶。我们沿着这个路线跑过一次,托德说:“我们还是在摄影棚里拍吧。”我说:“再来一次,我们能拍到的,真的很漂亮。”他说:“是的我知道,但是如果棚拍的话,我们更能控制局面。”因为不管怎样,我们已经在棚里拍过其他镜头了,但是电影里的镜头主要还是我们在街上拍的那些。问:还有个我特别喜欢的镜头是在莫瑞•富兰克林(罗伯特•德尼罗饰)的更衣室里,亚瑟登上脱口秀舞台之前。镜头在杰昆的身后,他向后靠在椅子上,嘴里叼着一根烟,脚翘在虚焦的背景中。谢尔:这就是拍《小丑》让人兴奋的地方。托德喜欢在我们喊开机前就开始拍摄,在喊停后继续拍摄。有的时候我们会不停地拍,直到托德或杰昆觉得厌烦了,才会停止拍摄。在这个场景中,房间里放了两台手持摄影机,在杰昆(亚瑟)和莫瑞·富兰克林谈话的时候,我们从他的头顶上方拍了一个比较广的镜头。这个镜头是由A机掌机杰夫·哈利拍摄的,杰昆坐在我们前面的椅子上,靠在椅背上。这个镜头特别的棒,是现场即兴拍出来的。问:除了这些,还有没有什么特别有挑战性的场景?谢尔:地铁杀人是电影中最有挑战性的场景之一。整个场景都是用LED屏幕拍摄的(地铁车厢的窗户),得益于灯光师史蒂夫·拉姆齐和视效团队共同的技术努力。如何获得车窗外的场景,有两个可行的解决方案。一种是找到一截废弃轨道,在一个真实的火车车厢上拍摄。有一场戏是这么做的:亚瑟跳上地铁躲避警察,车上所有的人都戴着小丑面具。但是在真正的铁轨上拍摄意味着你不得不加快拍摄速度,在更多的限制下进行拍摄。《小丑》拍摄现场一旦你决定棚拍,你有三个选择。你可以放黑幕在车厢两侧,但是这样你不会真的觉得是在不同的环境中移动。另一种选择是放蓝幕或绿幕在那里,然后把背景素材合成进去,但是这样会影响灯光布置。我们想到的解决方案是用LED屏幕,尽管这样做会产生额外成本,我们不得不减少一天的拍摄时间。我们把LED屏幕放在车厢两侧,这样不仅可以拍摄屏幕和上面的素材,还可以为人物提供互动照明。但是,我们还是需要找到让素材在屏幕上播放的方法。因为国土安全法案,我们不能在地铁外面安装摄像头。我和视觉特效总监埃德温·里维拉就在晚上坐着地铁,拍摄一些照片和视频素材。我们是这么想的,也是这么做的。我们走进地铁站,站在那里照一张照片,然后向左走一步(再照一张照片),直到我们做出这些巨大的全景照片。《小丑》车厢场景素材电影是每秒24帧的静止画面,这就回到了我们刚刚讨论的,如何用静止画面进行电影摄影。在这里,我们用电影的创作精髓来做窗外的互动影像。从车子停靠车站,女人下车,到亚瑟独自坐着,车子离开车站。窗外的静止画面被放在一个巨大的时间轴里,我们通过改变静止画面的速度来制造地铁速度变化的错觉。我坐在显示器前实时操作,按下一个按钮,车厢里的灯会全部熄灭,地铁站从窗外划过。按下另一个按钮,窗外会划过一束白光。我对最后呈现出来的效果非常满意。《小丑》车厢场景设计图地铁里的场景都是手持拍摄的。某种程度上来说,这也是亚瑟逐渐变成小丑的场景之一。除了可怕的笑声,这个场景也让你对亚瑟产生同情。我们试图从亚瑟的视角来处理他的情绪和观众对他的恐惧。我们所做的一切都是为了把观众吸引到亚瑟的视角上。亚瑟的镜头很近,但是很广。男孩们离他很近,我们把摄影机放在亚瑟坐的位置,模拟出他的视角。从构图来说,我们尽量不与他平视。尽管是棚拍,手持摄影机的灵活性让我们可以拍出真实感,也可以在男孩们嘲笑他的时候灵活地来回移动。这些都是单机位拍摄,我们的掌机杰弗里·海利是世界上最好的摄影师之一,当时就是他和演员们一起待在车上。这里表现出的亲密感也是这个场景引发关注的原因,我们感觉就像在一个随时会爆炸的火药桶里。除此以外,劳伦斯·谢尔在接受《综艺》杂志采访时还分享了电影中的名场面——小丑在楼梯上跳舞的场景是如何拍摄的:楼梯是亚瑟世界的一部分,也是角色升华的一部分,他的最终归宿。楼梯井是亚瑟每天回家都必须忍受的,因此它所代表着艰难。你可以想象他每天是如何回家的——这部电影是关于二分法和我们自己的两面性。我们都是好人,也都有可能变成坏人。亚瑟上楼的镜头处理地很慢,走路的速度也很慢。楼梯顶部拍摄的镜头是静止的,摄影机没有移动。而下楼的部分,我们使用了一台升降机,这样我们就可以和他一起来来回回。每次回家,亚瑟都试图成为更好的自己。他努力变得更有人性,但是在电影的最后,亚瑟终于变成小丑的时候,他表现出了自己最真实的一面(也是最混乱、最暴力、最愤怒的一面)。跳舞是为了庆祝,下楼比上楼容易多了。本文由电影摄影师编译自:filmmakermagazine.com 原文作者:Matt Mulcahey补充内容编译自:nofilmschool.com原文作者:Jason Hellerman

  • 我的东京旅拍攻略

    这些年来,每到一地旅行,摄影是不可缺少的任务。自打得知要来日本东京出差,就提前做好了摄影计划。说起日本,虽然已来过无数次,但最近的一次是在2008年初,已有近十年没有踏上这块土地了,心里挺想念的。由于此行在东京只停留四天,因此每天的Golden Hour/Blue Hour变得十分宝贵,必须加以充分利用,当然还要看老天爷的脸色。这次出行,拍摄主要有两种形式:全景照片和延时摄影,这也是我这些年一直追求的目标。临行前就在网上查找东京摄影攻略,尽管百度出来很多,但大都源自一个版本,仔细阅读后,明确了自己的目标,这些都是临行前必做的功课。但几天拍摄下来,感觉网上的攻略有些欠缺,一些地方介绍的并不仔细,给我带来一些困惑,所以有必要就我去过的几个景点加以修正。 首先明确一下在东京出行,一定要乘坐公交车辆,地铁和电车(高架列车),在东京有许多拍摄点都是高楼的展望台,需要付费,要有心理准备,至少比国内强许多。在国内高层几乎没有展望厅,想花钱都没有门,所以才有许多爬楼党,当然笔者也算其一。2. 东京塔日落网上的东京摄影攻略有这样介绍:如果你在东京很短时间,世贸中心展望台必须要去,……。在我看来,这句话完全错误,下面我也先介绍这个拍摄点。位置:东京世贸中心位于山手线浜松站,紧邻电车站旁,是座老建筑,高度才四十多层,在东京塔东边,适合拍摄东京塔日落。门票:620日元,不算贵。评价:的确这里拍摄东京塔日落的确不错,遇到晚霞一定能够出大片儿,但是环境比较恶劣,大楼西侧已经升起一座高楼,开始入镜,严重影响画面构图,而且能够拍摄东京塔最好的角度仅剩下一两个窗子;玻璃贴膜划痕很多,这一侧禁止使用三脚架,常有工作人员巡查,本人曾见保安前来制止一个摄友,当然可以使用桌架;拍摄时最好配上遮光罩避免反光;累了可以坐在凳子上或地上休息。日落时分这个角度人很多,有条件要早去占一个好的机位。现场环境:拍摄样片:3. 东京站夜景位置:东京站位于山手线上,其实是许多电车地铁交汇换乘车站,非常之大。来这里主要是拍摄老东京站建筑,被现代建筑所淹没。记住到了东京站,不要出八重洲出口,要走丸之西侧的内出口。门票:公共场所,完全免费。评价:这里拍摄夜景很美,当然白天蓝天白云下依然美丽;注意在广场上不让使用三脚架,拍全景的我只能使用人肉云台,还好把握得当;其实拍照片最佳角度则在对面商场的六层,有个观光平台,据说也禁止实用三角架,这对拍延时的摄友有点憋屈,我曾使用小型架子固定在栏杆上拍摄一会儿,而未遇保安前来阻止,全凭人品了;当然,地面轴线上远一些就是街心花园,可以三脚架拍摄;这个角度我没有尝试过日出日落的感觉,期待摄友一试。现场环境: 拍摄样片:4. 鸟瞰新宿位置:新宿是东京最繁华的地区,这里有众多电车地铁交汇,交通繁忙,也是游客必来之地;新宿东口又著名的歌舞伎,西口又是商务区,高楼林立,著名的都厅大楼在在这里,登上都厅五十几层的展望台,可以鸟瞰新宿和整个东京。门票:由于是公立设施,必须免费。评价:这里最大的诱惑就是可以免费登高观景,随时可来,晚上2200才闭馆,便于拍摄夜景,当然同样禁止使用三脚架,但你将相机可以放在窗边,说实话这里的环境还是不错的,绝对适合平民多次前来拍摄。拍摄样片:5. 新宿车流既然来到新宿,那么东京的繁忙车流也顺便拍摄吧,这里有不错的拍摄位置,经常被引用。位置:这个位置我也是看攻略几次寻找才找到的,在新宿站西口出来一座天桥上,天桥上有些抖动,拍延时要使用去抖插件。门票:道路天桥,完全免费,注意不要影响路人哦。评价:这个位置是一个不错的拍摄点,白天夜晚都可以使用长曝,拍出特殊效果,但是抖动要特别注意;这个位置可以反映出车水马龙的繁华意境;三脚架您尽管使用,只要不影响路人就行;在这里常看到有摄友拍照。拍摄环境:拍摄样片:6. 六本木之丘记得2003年曾经来过六本木,那是参观在这里的朝日电视台。时隔多年,才知道这里有个高楼叫六本木之丘(Roppogi Hill),顶层有个观景台,可以瞭望整个东京,由于是在东京塔西侧,因此拍摄东京塔日落非常不错,特别是Blue Hour,这次日本之行这一站必须有。位置:六本木站只有地铁日比谷线通达,电车在此木有车站;出地铁站要步行五分钟,就可以见到一个摩天大楼,这里是商业区,非常繁华,紧挨着朝日电视台。门票:去往六本木之丘展望台需要和上面的艺术展同时购票,票价1800日元,不可分别买票,这种捆绑销售的确有些贵,让人很不舒服;此外,你若想到屋顶的直升机平台,额外加500日元,景色更完美。评价:六本木之丘顶层展望厅很大,四周玻璃也很干净,还经常看见有人擦拭,以保证摄影人士需求;沿玻璃窗前,摆放许多座椅,供游客休息,环境非常不错;你可以架设三脚架,但拍摄夜景时一定要考虑遮光,因为有许多游客使用闪光灯;另外如果到屋顶直升机平台需要存包(100 日元),不准使用三脚架,笔者的迷你三脚架也没带上去;屋顶风很大,时常有保安检测风速,当风速到达一定数值时屋顶会关闭;笔者由于拍摄延时需要固定相机,想借用栏杆下方的灯箱外罩,请示保安获得许可,……;正当太阳日落时来了个新保安,让我取下相机,任凭我如何解释都没有效果,无奈取回相机,可恨的是当我离开,别的游客又将相机放在同一个地方时,还没有加以紧固,保安却视而不见,感觉有歧视中国人的劲头……。所以这次六本木之丘摄影之行以失败告终,2300日元打了水漂,看来还是应该选择室内拍摄,血的教训,供读者参考。实际上在屋顶直升机平台,笔者看见有人使用卡具云台将相机固定在栏杆上,的确对于拍摄延时的摄友,固定相机是一件烦恼的事;实际上在栏杆外侧,是设备层以及擦窗机轨道,并非万丈深渊。拍摄环境:拍摄样片:7. 富士山富士山是日本的象征,到日本旅行不到富士山,就像到北京不去长城故宫一样,不是好汉。说实话到富士山的游客有几个真正登过顶,再说就是爬山过程也看不到富士山的美,因此这次富士山之行我特意向导游请教在哪能看到富士山的美景,我就在此一天恭候,尽情拍摄,注意每年6-9月,富士山顶是没有雪的哦,当然最美的季节要数11月。位置:拍摄富士山有许多好的位置,这里着重介绍富士吉田市河口湖天上山公园山顶,可以乘坐缆车上去哦。门票:缆车往返票价720日元,也可步行上山,乘坐缆车傍晚特别要注意停运时间。评价:由于是头天夜晚来到富士吉田市,只打听到富士山的朝向,没有仔细查看酒店周边地形,第二天清晨,看到不远处的富士山,在酒店周边竟没有找到最佳拍摄点,只能胡乱拍了一些,错过了金色富士山的美景;当然当来到天上山顶口,就不舍得离开了,这里可以一览富士山全貌,在这里拍摄延时、拍摄日落都是绝佳的地点;当然也能找到湖水倒映下的富士山拍摄点,但由于风大,估计倒影也不会有,所以一天木有挪动位置,拍出许多惊人的照片。拍摄环境:可以不使用三脚架,而是利用观景台围墙的平台,很宽敞哦。早上登山拍摄日出的确难度很大,若想拍摄日出,可以选择一个开阔地点,如停车场。拍摄样片:8. 遗憾几天日本之行,留下许多遗憾,也为将来再次前往留下伏笔。细数一下下次日本之行拍摄目标:台场东京日落、六本木之丘东京塔日落、海鸥号列车、日本民风、富士山倒影。据传拍摄富士山倒影在这里,可以住在这家酒店静静地等候。视频欣赏:http://www.xinpianchang.com/a100627?from=space 全景VR欣赏:http://720yun.com/t/401j50kOtk8?pano_id=7661351

  • 跟随这8位顶级摄影师的脚步,培养自己独特的风格!

    当你想到你最喜欢的电影人时,无论是导演还是摄影师,你首先想到他们的是什么? 是他们电影中的一个特定场景?他们电影的音乐?还是你第一眼看到他们作品时的感觉?一个高超的导演有能力创建一个可信的世界。一部好的电影,背后必定有一位好的摄影师去执行导演的想法。在业内有很多导演和摄影师的黄金组合,比如科恩兄弟和罗杰迪金斯、 克里斯托弗·诺兰和沃利·菲斯特、 保罗·托马斯·安德森和罗伯特·埃尔斯维特。当导演和摄影师合拍时,可能发生一些非常惊人的事情,一些摄影师在他们所拍摄的电影中有很高的辨识度,使影片有独特的气质。但每个摄影师观察世界的方式不同,他们都有自己擅长的事物和个人独特的风格。让我们来跟随他们的脚步,一步步培养属于我们自己的拍摄风格。霍伊特·范·霍特玛凭借《星际穿越》的卓著声名,霍伊特·范·霍特玛在近些年获得了巨大成功。他近些年的作品有:《007:幽灵党》、《她》、《锅匠,裁缝,士兵,间谍》等。而且他曾凭借《生人勿近》(2008)引起了大卫·O·拉塞尔的注意,他也因此成为了《斗士》最年轻的摄影师。他不像大多数电影摄影师那样过度曝光人物的脸,他的背景几乎都是同样的光照水平作为人物脸部的光照。至于焦距,他最喜欢用35mm镜头拍摄特写、中景,如果你是用数码单反相机拍摄,那么将是50mm镜头。他经常用很浅的景深拍摄,这种技术(加上最少的背光)将角色与周围环境隔离开来,让观众去注意演员情感和行动,而不是背景。 罗杰·狄金斯从20世纪70年代后期开始,罗杰·迪金斯已经成为了一个伟大的电影摄影师。即便在十三次奥斯卡提名都未能获奖的情况下,他仍没表现出任何节奏放慢的迹象。而且他的作品嫣然已经证明了他是一个非常可靠的艺术家和顶级的摄影师。且不久后,我们将能再次欣赏到他的大作,电影《银翼杀手》续集《银翼杀手2049》。正如上面所看到的,迪金斯与霍特玛不同,他让背景照亮与人物相反,在保持紧密接近的同时进行空间分离。他经常以闻所未闻的方式打光拍摄主体,使画面充盈引人注目的影像。至于外景,迪金斯常在确保主题作为取景的焦点同时为我们展示了辽阔的背景让大家惊叹。在这方面他最好的作品是在去年的《边境杀手》。罗杰·迪金斯非常喜欢数字摄影,而且他最喜欢ALEXA和ARRI master primes系列镜头的搭配。瑞德·穆拉诺在过去的几年中,瑞德·穆拉诺逐渐成为了让人不可忽视的摄影师,作为一个全职的导演和摄影师,她的工作是充满激情和富有深度的。她最近的作品是和马丁·斯科塞斯合作拍摄的HBO出品的电视剧《黑胶时代》,她的风格非常温和和亲密的,并且很喜欢浅景深。虽然《黑胶时代》穆拉诺使用起重机和移动摄影车等等,但她喜欢手持拍摄,这会给她带来电影的亲近感。她在2015年导演了处女作《小镇迷踪》,同时担任摄影师,穆拉诺表现出明显的亲近感。她的镜头对着演员的脸,让我们觉得那一刻的观众和演员在一起。“使用手持拍摄,几乎是最不受限制的方式。如果你朝一个方向移动几步,一个神奇的眩光可能发生,或者你从一个不太常规的角度,会捕捉到演员非常对的表情。你可以把情感传递给观众,让他们深入到故事之中、人物之中。”——穆拉诺罗伯特·理查德森另一组常见的工作合作搭档是罗伯特·理查德森与昆汀·塔伦蒂诺。罗伯特·理查德森拍摄人物时善于使用背光,这种强烈的背光可以用柔和的光线反射在人物的脸上补光。他常与重量级导演合作,所以也获得了导演们的充满信任和足够的创作空间,他也充分的展现了他的拍摄技艺。他最新的大胆尝试是在《八恶人》上,采用了Panavision 70毫米胶片,一举提名奥斯卡。在这个领域没有谁能像理查德森这样,能拍出如此好的全景镜头,当然我也希望能看到更多更好的理查德森的作品。布拉福德·杨他最出色的作品当属2014年的《赛尔玛》以及与J·C·尚多尔合作的《至暴之年》,那是他创作最为猛烈的一年。杨的下一部影片是《降临》,即将上映(11月11日于美国上映)。与这篇文章中的其他人相比下,他展示了一贯强大的视觉风格。他的作品之一《贱民》,受到了很多赞誉,也引起了圈子里的一些大咖如艾娃·德约列和大卫·洛维的注意。他常把角色安排在画面构图的边缘,杨给他的画面一个范围和经典的感觉。即便用数字来拍摄描绘80年代的纽约和60年代的亚拉巴马。杨发现故事需要让影像有生活感,在他的作品中一个突出的主题就是曝光不足的影像。这种方法让他的作品具有鲜明独特的感觉,他选择的题材以及空间意识结合昏暗的特点,建立了杨的独立视觉呈现。罗伯特·艾斯威特他最大的成就当属《血色将至》,艾斯威特凭借该作品获得了2007年奥斯卡金像奖最佳摄影。他的作品对任何对摄影有兴趣的人都是一种鼓舞,他喜欢用宽画幅摄影机工作,每一帧都是一幅画。他经常与保罗·托马斯·安德森合作,拍摄时常使用变形镜头。艾斯威特喜欢用介于纯软光和硬光之间的3/4强度顶光进行拍摄,使主要的区域过曝。在他近期的作品《夜行者》中,他使用了ALEXA进行拍摄,艾斯威特热衷于数字摄影机,特别是夜间的拍摄。他之前用胶片拍摄,这对于他来说这是他通常的工作方法的一大转变。“ALEXA的一个伟大之处,是曝光指数最快达到柯达胶片的两倍,快到可以逃避谋杀。在有很多街道和商业照明的地方拍摄,我没有用背光。 ”——艾斯威特贝努瓦·戴比丰富的颜色和抽象的风景,没有人会像贝努瓦·戴比那样,让这样的影像出现在屏幕上。他的合作导演有加斯帕·诺、维姆·文德斯,以及哈莫尼·科林。他影片的颜色被推到极致,因为他的传统风格和方法完美的融合在电影中,形成奇怪的主题色调。戴比刚刚完成与维姆·文德斯合作拍摄了下一部电影,他是非常值得大家关注的一名摄影师。“当你拍摄时,你在视觉上会注意光、对比度和颜色方面。然后随着剪辑越来越接近尾声,你看到事实会越来越好。有时你可能会改变颜色和对比度的想法,你脑子里会想一些悲伤或紧张氛围是什么样子,当你看到它后,它可能似乎太亮了。然后,当你可以看到一个几乎完成的电影时,你可能会决定改变光的强度,或使颜色变暗。这可能不是一个大的变化,但有时会改变一整个序列,我觉得它会使电影变得更好。”——贝努瓦·戴比艾曼努尔·卢贝兹基包揽三次奥斯卡最佳摄影奖得主的卢贝兹基,大家并不陌生,与多产的导演如泰伦斯·马力克、阿方索·卡隆,还有亚利桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多合作较多,卢贝兹基的工作是他成为现在最不可预测的突破性艺术家。卢贝兹基运用摄影机的运动拍出各具特色的长镜头,使用自然光和人工光,无论是什么主题,他都似乎找到了一种方式来打破你的想法,并从第一帧让你的进入他的世界。数字摄影机应用越来越多,卢贝兹基用ARRI 65带来的实验性工作成果,突破性让人们意识到光和摄影机所能做的事情。拍摄主体在他镜头下,如此连接紧密又不可避免的带有卢贝兹基的色彩,即使是单独的一个场景。他过去得到的三个奥斯卡奖,调性和题材如此不同且分明,然而你始终能感到卢贝兹基的气息----生动、深刻。——培养自己的独特风格——尽管这些大牌摄影师会显得资源无限(某些时候),他们很重视自己的声誉,会与工作中的接触制片人、导演以及工作人员好好合作,一路走来建立自己良好的声誉。他们知悉视觉效果和美学感受,有自己的方式投入到故事中、工作中。这种匠人般的认知和享受,会让他们走得很远。作为摄影师,无论你是否喜欢电影,你的工作都会被解构得错综复杂,围绕这些事物的探讨持续进行。只要你坚持去拍摄、努力变得更好,人们终将关注到你并传播到全世界。这不仅适用于电影以及商业、公司、音乐MV和视频制作,不同于任何其他的职业,你都需要奉献。跟真正的DPS在行业工作,如何发展和为什么建立自己的品牌是很重要的。

  • 爆款旅拍的三个特点,我们帮你整理好了

    《小王子》里说:仪式感就是使某一天与其他日子不同,使某一个时刻与其他时刻不同。仪式感是恋人确定关系时的告白,是夫妻临睡前的互道晚安,是朋友间准时的生日祝福,是父母不厌其烦的叮咛......这些小确幸的背后都藏着美好的期冀和爱的表达,足以抵抗庸庸碌碌的一生。世界那么大,我想去看看。也有越来越多的情侣、夫妻或闺蜜选择共同旅行,陌生的环境会让自己和身边的人更加相互依赖和亲近,山海见证彼此的情感,而镜头的记录让这一切变得更加有存在感和仪式感。在这样的背景下,近年来旅拍愈发受到大家的欢迎。根据调查数据显示,2018年仅婚礼行业的旅拍产值已达220亿,比上年更是增长了30%,这个数值还在不停地上升。正因市场的火热和高利润,想加入其中的从业者也越来越多。不过因为缺乏对旅拍的系统认知,他们的作品质量往往参差不齐。一个好的旅拍作品往往兼顾了前期筹备、中期拍摄和后期处理三个环节,在这些环节中,场景元素的发现、文案的搭配、调色的选择都发挥了重要的作用。02合适的拍摄元素一般情况下,和客户交流后,一个合格的旅拍师会对故事的内容有感性的认知,并产生各种灵感。之后,他们会去了解拍摄地的气候、文化、民俗等,制定实际的拍摄计划。对拍摄地有简单的了解后,要筛选拍摄的场景,最重要的就是根据不同的场景展现不同的元素,让作品展现不同的情绪。优质的旅拍作品一般都平衡了真实的环境与创作的意境。比如休闲的家居服搭配午后的暖阳,清新的穿着搭配郊外的草坪,浪漫的仙女棒搭配静谧的夜晚,还有湖边荡漾的水波,落日的余晖……这些都能让人物更好地融入场景之中,带来更强的感染力。此外,还可以设计不同的景别让画面更加的丰富,比如用全景表现整个大环境,用特写表达人物现有的情绪。不同的景别选择和组合都需要创作者对镜头的把控力,唯有如此,后期才能通过剪辑的节奏将观众带入故事中。

  • 静物拍摄中要注意的5个点,布光和位置摆放都需重点关注

    摄影中大家都会选取各种不同的题材,其中飞奔的运动选手、流动的河流,还是巍峨不动的崇山峻岭这都是大家喜欢的拍摄素材,其实说来说去就是动态和静物的摄影。静物包括了不动的风景,不动的死物,比如玩具、建筑、办公用品等等,它的范围是非常广的,所以我们拍摄不能一概而论,需要分类别来拍摄,因此这节内容我们就聊聊静物常用的一些技巧,我总结了5点出来,如果大家还有更多的小技巧,也欢迎在评论区告诉我哦!下面开始讲解。一:展现静物的形式美其实我认为在静物摄影既可以在信手拈来之间诞生精彩,也可以在灯光附件齐备的影棚中进行严肃的创作。其实生活中的常见物品都可以成为静物摄影的拍摄题材,只要我们能够从它们自身的形状及颜色特点,在画面中做好布局进行敏锐地拍摄,这样就能拍出不俗的摄影照片。其实不管在什么场合,我们对于静物的摆放都有自身特殊的形式美,规律地码放好静物能够带来对称的感觉,而零乱的自由摆放又蕴含着一种自由洒脱。最重要的就是我们要有一双善于发现的眼睛,这些都是静物的形式美,至于怎么展示,那就需要了解静物的特征,然后再进行构思拍摄了。二:控制静物的景深我们都知道,在进行静物拍摄的时候,如果被摄主体在画面中很单一,那这样就很容易凸显出我们要表达的主题,并且能够将主体的细节完美呈现出来,此时我们最需要注意的就是景深问题了。第一个为了表现被摄主体的空间纵深感,我们可以采取对它的某一侧面进行拍摄,前提是光线的方向是从正面打过来的,这样才能侧面出现阴影,从而保障了空间感的形成基础。第二个就是我们进行静物拍摄时,如果让镜头跟静物的距离过近,这就导致景深变浅,画面中的明暗对比也会变得不够明显,使画面变得很“素”,当出现这样的情况,而我们又不能张开距离,那就可以通过放大照片细节来掌控画面的景深。三:静物的摆放有规律其实我们在进行静物拍摄的时候,大家一定要注意静物的摆放方式,可以说恰到好处组合那是最好的,但我们不必强求,只需要保证合适的摆放,才能拍出想要的理想效果,就让我给大家说说静物摆放的几种方式。第一种就是摆放就是造型的对比。即同类的被摄主体,经过我们的摆布也往往能产生形状和功能的变化,再通过合理地利用这种变化对它们进行组合搭配,可以在画面中产生造型和功能上的对比,这样从而使被摄主体的特性得到凸显,并且还引起了观赏者视觉上的冲击力。第二种就是表现局部。通常我们在进行静物整体的拍摄时,都会采用开放式构图,这样在一定程度对被摄主体的某一部分得到了凸显,毕竟,追求细节是我们进行静物摄影的重要属性,而表现局部的组合搭配方式正好迎合了这种需求。四:静物的布光方式拍摄静物之前要对其进行布光,这样才能保证拍摄时的光线是正常的,下面就来介绍几种布光的方式。第一种便是很常规的布光方式。我们在进行静物产品摄影创作都是选择在影棚中,这为我们拍摄提供了便捷,大家在拍摄时会将被摄主体于镜头前,然后再在左右两侧各设一盏安装了柔光箱的影室灯,这样就可以营造对称的光线效果,同时在数码相机的闪光灯热靴上添加引闪装置。就我所知,这种对称的布光方式是最常见、适用范围最广的布光方式,它对反光率一般、材质普通的拍摄对象最为适用。当被摄主体的表现形式不同,那么布光方式也要随之发生改变,一般我都是在被摄主体左右的上方进行投射光线。第二种则是侧光的布光。物体的属性千差万别,对静物摄影来说,最重要的不同来自物体的反光率和表面质感。当我们拍摄表面粗糙、质感强烈的物体,如麻布、核桃、树皮时,往往就要采用侧光的布光方式。因为采取这样的侧光拍摄,可以让画面产生强烈的明暗对比效果,使被摄主体显得更有质感,从而突出被摄对象的特性。在使用侧光的布光方式时通常会去除闪光灯上的柔光箱,使软光变为硬光。但是为了避免被摄主体由于明暗分界太过鲜明,我们可以在相对闪光灯的一侧添加一块大面积的反光板,通过反光来减少画面的反差,营造和谐的光线效果,让观赏者感觉没有那么突兀。第三种则是营造拍摄静物的背景光。除了针对拍摄物体的布光方式以外,我为了开拓大家的思路,我就来介绍这种旨在营造画面背景效果的布光方式。我们在影棚中开展的静物摄影为了获得纯净统一的画面背景效果,通常会在被摄主体的后方设置一块面积较大的幕布。虽然幕布的颜色各不相同,但无论使用哪种颜色,单色的背景会给大家带来显得单调乏味。为此,我们可以在幕布后再安放一支接驳了标准罩的闪光灯,用它的闪光在拍摄时从后方照亮幕布,产生一个渐变的圆形光亮区域,这个区域的颜色和幕布的颜色相一致。这种布光方式可以产生精致、神秘的画面效果,同时也使观赏者的视线更加集中在画面的中心。五:勾勒透明物体黑边在静物中有像玻璃这一类的,他们能够反射光线和吸收光线,而且拍摄不易掌握,不少人觉得透明玻璃器皿的拍摄是静物摄影中的难点,咱们就以拍摄玻璃这种透明的物体来讲解。由于玻璃属于高反光物体,使用常规方法拍摄,这就导致物体表面极易产生一个个高光泛光点,同时其围的细节也丧失殆尽。其实大家也不用担心,其实只要将一盏装配有柔光箱的闪光灯置于被摄主体的后方,在拍摄时闪光灯会将绝大部分面积的玻璃打透,并在它的边缘勾勒出一条黑线。我认为这种非常规的布光方式简单易行、效果完美,只是大家需要注意的就是镜头的抗眩光能力。小结静物的拍摄其实不难,难就难在要对进行布光,还有就是对其的位置摆放都会影响拍摄效果,像其他的构图、拍摄技巧和其他事物拍摄并没有太大的区别。一般来讲,很多的静物拍摄大多都是广告用品,而且我给各位说的布光方式可以在拍摄小件透明的物体时发挥作用,大家在拍摄的时候作为重点注意的点。

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