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  • 关于梦想,我不在说什么乐

    晚上下班回家的必经之路,在右边的农村商业银行门口的一片空地上,有四个年轻的小伙子跟着音乐在跳街舞。刚开始的时候,我并没有认真留意,觉得好像那些路过宝地卖艺的小商人。因为见得比较多,所以并没有停留去打探那里到底是什么。直到昨天晚上,我看到他们是各自练各自的舞,并不是一段完整的表演时,我才发现,原来他们只是在练习。他们只是街舞的爱好者,正在开始组合练习。他们不是什么名人,身份是车间流水线上的蓝领一族。这是一班并没有得到社会上人多加关注的人们,每天过的是机械一般的生活,来回也就是那么几个动作。对于蓝领的生活,我深有体会,我觉得那简直就没有给人正常上火。有时候通宵达旦的加班,有没有没完没了的剥夺周日休息日,还有的就是生病也不能请假。那种日子,过得很令人颓废,假如真的甘心情愿认真做好那一份工作的人,生活实在是很没趣。我还记得最开始参加工作的时候,就是进了一家非常恐怖的工厂。每天在流水线上不停地操作,那时候组长因为我勤快给我一个特别的“优惠”,最难,最辛苦的工作非我莫属。直到我的手痛得不能动,直到我反抗罢工,她才能够安排我到另一个工序。我并没有娇生惯养的福气,辛苦活干过不少,但是没有想到竟然还有我受不了的工作。可想而知,那些生活是何等的恐怖。不过,因为诸多原因,并不是每一个人都有能理远离那些枯燥无味又辛苦的生活。然而,我说了这么说,只是想要说明,生活是靠自己去改变的。就像我看到的年轻小伙子一样,没有观众,没有对生活的抱怨,用自己的舞蹈和音乐去充实枯燥之外的生活。他们站的地方,是银行门口,而且是大路边,来往的人不少。因为他们有梦,所以并不在意外在的因素,一切都不能阻碍他们向梦想前进的勇气。他们的精神,相对于现在的社会,是十分的可贵。不需要可以炒作,也不用任何人来宣传,用自己的热情去给这个小镇欢笑和喜悦。他们身上散发出来的动力,是任何物质也无法取代的可贵。他们无需包装,不需要向任何人公报自己的出身,用平凡去挑战更高的平凡。这就是人生,是最值得叹服的人生。有句话说:有梦想的人最大。他们的表演现在看起来是廉价的,但是那梦想却是无价。对于没有显赫家庭背景的人,努力是唯一的砝码,奋斗是唯一的鼓励,然而他们始终如一地坚持往前走。不去惧怕前路的渺茫,也不去担忧明天的烦恼,只要自己存在,就用自己的快乐去营造美好的人生。所以,没有谁的梦想是卑微的,也没有谁的生命是低贱的,不管是蓝领还是白领,只要拥有一颗积极乐观的心,不管在哪里都依然是颗闪亮的明星。在我们心中,那些困苦的经历才是最有价值的回忆,前路虽渺茫,但是回忆路上风景更美好。努力,奋斗。梦想是人生中最璀璨的梦,不管此时路上如何困境重重,都要坚定地往前走。虽然人生很多的不如意,但是不能够因为不如意而浪费了让自己快乐的时间。没有华丽的布局,我们有天上的星星在指明;没有牢靠的后台,我们有空中的风儿在呵护;没有热情的掌声,我们有心中的梦想在支持……我们的人生,我们的梦想全由自己掌握,哪怕是小小的舞台,我们也要让年轻人的梦在此飞扬,飞到更美的天地去。彷徨的人们,人生是靠自己去改变的,你何苦要停留在埋怨天地的那一刻呢?

  • 一把反物质抢

    1997年,美国上映了一部华人拍摄的片子,那个时候,这个华人还只是刚刚进军美国电影的刚崭露头角小导演。而后的几十年,这位出生于台湾屏东县潮州镇,祖籍江西德安的华裔导演,获得了三座奥斯卡金像奖、五座英国电影学院奖、四座金球奖、两座威尼斯电影节金狮奖以及两座柏林电影节金熊奖。没错,应该知道说的是哪位导演了,若是你并不熟悉,那么你一定知道他的近期鼎鼎有名的作品《少年派》(life of pi)。关于这位导演,确实有太多的故事可以说。看到过的最有趣的一次访谈莫过于他和龙应台的同台。李 安身上有着华人文化的传统,这一点在他的电影中也带着深深的烙印。这也是我一直好奇的地方:为什么一个华人,竟然能跑到好莱坞去拍美国文化的电影。他的性格特点以及影片风格又有什么独到之处呢?那么就拿这部1997年的电影《冰风暴》说起吧。在这部影片中,看完给我最大的感受莫过于:无奈。当然最让人铭记的莫过于那悠远又不乏悲凉的影片配乐--箫声。这部片子我深深佩服导演表面着手于平静而又平常的美国家庭圈子文化,实际却着眼于对美国整体社会风气和精神状态的洞察。  故事发生在1973年,美国康涅狄格州的一个普通家庭。这个普通的家庭本来可以生活得很平静,但时代的大潮把他们推进了混乱的边缘。平凡乏味的家庭生活使中年的夫妻厌倦,丈夫本·胡德一直在引诱邻居珍妮特·哈珀,而妻子对丈夫的谎言也早已不耐烦了,她与一双儿女无意中目睹了丈夫与女邻居偷情的场面,夫妻间一场情感风暴即将爆发。  在一个暴风雨的夜晚,夫妻两个去朋友家参加一个鸡尾酒会,鸡尾酒会的一个重要内容是进行换宅门钥匙的游戏。这样酒会结束后,每个妻子都可以和别家男人结成新的性伴侣。这是那个年代流行的游戏,夫妻两个一方面无力抗拒潮流风气,另一方面也无法接受这样荒唐的享乐生活。两个人都成了别人的性伴侣,但最终还是相携归去。  本的女儿和儿子也不安分,女儿正陶醉在同邻家男孩子进行的性游戏中,儿子则受到性感的富家女孩的诱惑。就在小镇各家都被荒唐的游戏刺激得兴奋不已之时,一场30年来罕见的暴风雪袭击而来。邻家的男孩死于暴风雪引起的电击,本夫妇和邻居遭到如同天遣般的报应。  好在儿子平安归来,一家四口又重聚在一起,但这个风雪之夜带给他们的震荡还远远无法平息。 电影通篇,其实都是很具有90年代美国老电影的风格,却又与那时候的喧闹的好莱坞电影有极大的不同。沉闷、阴冷、节奏缓慢是整体的特点,纵然有叙事结构上的起承转合,却也是用着及其平稳的步伐娓娓道来。导演这么做,恰恰是类似记录的手法去呈现美国那么一个年代。 那个水门事件的年代,总统的形象、社会的权威,都受到严重挑战。而普通的人们,更是备受那个时代混乱的文化观念、性观念的困扰,家庭濒临破裂的边缘。李安正式洞察到了那个时代中产阶级美国家庭的这种现象,从一个平凡的家庭入手,让观众慢慢察觉到平静下的毒瘤。父母、子女、邻居、兄妹,每个人都看似平常的生活着,但是背后都有着及其严重的心理问题与精神空虚。因为失去的心灵的沟通,他们是一群物质充足缺精神匮乏的陌生人。成人世界有成人世界的病态:夫妻之间的不忠、邻里之间默许的换妻游戏,对开放文化的盲目逐流,对真正家庭含义的茫然与麻木…… 青少年有青少年的问题:对身体的探索与欲望、封闭的内心与不成熟的盲目效仿、对偷尝禁果的欠缺理性……也许,整部电影裡最大的隐喻就是电影本身,气温意指著家庭关系的变化,每个人各自封闭在自我世界毫不交流,情感的温度计开始降低,在持续冷然以对的生活中慢慢低到降雨、抵达冰点,而相处间产生的摩擦日积月累,终于在冰风暴形成的那天全部爆发,这场风暴席卷著家庭裡的每个人,有所衝击有所受伤。经过一场冰风暴的肆虐,四周看似残破不全的灾难景象,却也代表人心的高牆崩塌,历劫归来的他们有了重整家庭关系的新契机,因为人总是痛失后才明白珍惜。 那场大人世界的"钥匙派对",指出了人性在欲望面前把持道德的薄弱力量和丑陋面貌,夫妻关系彷彿游戏筹码般可以交易,或者说,自愿参与"钥匙派对"的那些夫妻,其实都有著和主角一样的家庭问题,到处都可能形成一场场冰风暴。 回归到当下,中国的发展似乎一如美国的90年代。在冲破传统几千年的封建观念的枷锁之后,在物质生活渐渐充盈起来之时,我们的当下的家庭观念又是演进到了何种程度呢?我们的生活水平在进步,可是我们的精神生活怎么样呢?当下的50后、60后、我们父母的一代或者是70后的年轻一代,尤其是工人、农民家庭,也许正面临着精神上深刻的变革和迷茫:对年轻人世界观的惊讶、对当下社会金钱至上、物欲横流的迷茫、对婚姻本质的怀疑、对传统观念的摒弃…… 也许扮演的角色就是电影里的那些夫妻们!这也印证了之前看到的报道:如今二三线城市婚姻家庭关系的混乱、父母与子女交流的浅薄。我们既是生长在这个时代,突然间:西方开放的性文化倾泻而来,很多人在人性的十字路口不知如何选择。也许就像影片最后换妻游戏上的那把钥匙,每个人都可以选择跟任意一把钥匙的主人走。这种看破不说破的游戏,我们似乎都隐隐察觉到了,却羞于说到台面上来。这根本上是观念的趋同与合污。 看了《冰风暴》换妻游戏的那情节的时候,我就突然想到了记得初中的时候,我有一次在母亲卧室玩,偶然间发现了母亲订阅的月刊(《家庭》还是《心理月刊》已经记不得了,总是是很老的那种月刊,估计现在都停刊了。)封面硕大的标题:换妻——城市人的危险游戏(因为此事印象深刻,所以我连标题都清楚地记得。)当时很感兴趣,因为父母从来没有教育过我性方面的知识(感觉自己就是影片中对性很懵懂的那些孩子)就带着罪恶和窃喜偷偷看了一整本的杂志。满足自己的好奇。后来甚至还觉得不过瘾,就经常偷偷跑到母亲屋子里偷看。那个时候并不懂得所谓的文化背景、认知水平什么的,不过现在想来,却是觉得自己就是一个很好的例证。现在长大之后,回望过去,更引发起和电影一样真实的感受。 我从小学习很好,那是因为我听话,我听那些要我学习的人的话,并不会去抗拒。我从小不会抗拒,那是因为我身边的所有同龄人、老师都是如此。没有人告诉我究竟是为了什么而像监狱的囚犯一样人人如此的生活方式。我从小在学习方面,一边被教育认知,一边又被困惑蒙蔽。关于学习,我做的很好。而关于如何生活、如何做子女、如何担当子女的一份责任、如何组建自己的婚姻和家庭,我从未被告知。现在一如拿着那把钥匙,我走到了人生的十字路口。 有人说过:婚姻是爱情的坟墓。也有人说过,婚姻是一座围城。这些句子都披着文艺的轻纱。剖开这些轻纱吧,婚姻是组建家庭,起码是当下社会组建家庭的主流方式。而家庭又是社会组成的最小单元。 家庭间的角色关系,本质上和个体与社会的关系相通。这种关系是一把反物质抢,在你选择保留一些丑恶的欲望和恶的本性之后,就会一下击毙把持道德和维系感情的力量。但是这把抢,并不是要逼迫你去隐忍,而是逼迫你去选择和成长。

  • 扒一扒近几年国产青春片

    过去媒体避谈早恋,电影弥补鸡哥当初不能说的秘密的的青春 早恋在中国一直是羞于提及的话题,明明是大多人都会经历的懵懂感情启蒙,却被各种影视作品压制,我们没有偶像剧,偶尔播个《红苹果乐园》都能成为一代人记忆,直至现在,我们看到的校园剧,不是穿着台湾校服就是日韩校服,憋的我们的青春只能寄情于文字,书籍,所以造就了一大批“青春伤痕文学”作家和作品,现在作为主消费群体的年轻人,想在影视作品里找共鸣,哪怕只是雷同的运动衫校服和红领巾,都能感动的痛哭流涕,是的,我们憋太久了!暗恋学长,隔壁班班花,谈恋爱,劈腿,高考,异地恋……别说这些情节很狗血,就连这些狗血我们都没好好拍过,试问如果我们偶像剧也能做到像日韩一样型男美女天天谈恋爱,估计也没人去影院买这份“情怀单”了。言情小说粉丝群体庞大《左耳》两天破亿,《匆匆那年》将近六亿票房收官,前者改编自饶雪漫,后者改编自九夜茴,拉上时下热门词汇叫IP,但是笔者认为并不全是IP的粉丝效应,记得早年间痞子蔡的作品《第一次亲密接触》也被搬上过银幕,甚至卫斯理系列也有,但为何只有现在才谈及“IP”和“粉丝效应”,因为当下中国观众已经培养出了观影习惯,才导致这些改编和拍摄的收益成倍增加,巨大的市场是由先行者们开拓的,有了巨大的市场,粉丝的概念真正的实现了收益。祭奠75后、80后无处安放的情怀“情怀爆表”,是青春片的特点,似乎不止是电影,现在连产品,日用品,都要打情怀牌,随着大家消费能力的提高,精神层次也有了更高的追求,一样的东西若是拉上文化背景,瞬间好感度倍增,所以《栀子花开》的发布会现场有了课桌椅,并颁发学生证,拿到印着自己头像的学生证一瞬恍若隔空,这种“情怀营销”你实在无法抗拒,我们极其渴望情怀,渴望人文与物质共鸣,但是我们的电影仅仅是做到“情怀营销”,何时能“表里如一”,我们拭目以待,不要让我们的情怀无处安放。据说《致青春2》也在拍摄中,相信一直到2016年,青春片都会保持井喷之势,低投入高收益让制片人屡赚不爽,但是笔者忧心观众迟早有看腻的一天,玩烂一个题材并不是对市场有益的。 青春片卖相好,“小鲜肉谈恋爱”妹纸颜值高。初吻、出轨、堕胎、三角恋,国产青春片怎么了? 酒精 没有酒精的青春简直不可想象,在酒精的催化下,青春片的主人公们哭着表白或告别,说出平时不敢说的话,以便推动剧情发展。 鸡哥看到男女主角大秀酒量,默默感叹:不学好啊不学好。。。 堕胎率100% 根据同名小说改编的国产青春片火了,电影《匆匆那年》上映9天累计狂卷4.06亿票房。从2013年的《致青春》,到后来的《同桌的你》,再到今天的《匆匆》,青春爱情三部曲乘着怀旧东风,票房一路昂首挺进。然而这几部影片却陷入了争议,网上传这样的段子:“眼下的怀旧青春片要被民营医院植入了吗?动不动就给无痛人流打广告!《致青春》里有打胎就算了,《同桌的你》也打胎,《匆匆那年》还打胎。这几个片子干脆改名叫《同桌打胎》、《打胎那年》好了。” 《致青春》里女神阮莞冷着脸亲自陪自己的小三去打胎,然后转身回来对自己的渣男友说了那句“只此一次,下不为例”的经典台词;《同桌的你》把人流情节作为了男女主角走上爱情巅峰的铺垫;而到了《匆匆那年》,女主角倪妮打胎时选择“我不用麻药”,对劈腿男主彭于晏进行了伤人先伤己的毁灭性报复。爱情3部曲,3次打胎,堕胎率高达100%。青春的回忆确实匆匆,青春有时带来的伤痛也让人追悔,但只有用一个意外到来的小生命的消逝才能表达这种追悔?这种伤痛?到了《匆匆那年》,女主角倪妮打胎时选择“我不用麻药”,对劈腿男主彭于晏进行了伤人先伤己的毁灭性报复。总结起来就是,不霸道不表白,不群架不哥们,不酒精不激情,不堕胎不青春。总结下来,也只好引用“名言”来做最后陈词:美国——主角参加各种社团、比赛,然后顺便谈个恋爱,最后既实现了个人价值,又抱得美人归,最后主角说:“我们的青春是如此精彩!”——一段青春期奋斗史;日本——校园热暴力、冷暴力,主角一开始被欺凌,然后在朋友、家人和梦中情人的鼓励下奋起,突然从小孩变成大人,靠自己的努力赢得大家和梦中情人的认可,最后主角说:“我们的青春值得奋斗!”——一段青春期蜕变史;中国——各种恋爱、各种花式作死、各种劈腿、各种约炮、各种堕胎,最后主角说:“我们的青春最终输给了现实。”——一段青春期堕落史。呵呵。而已。

  • 本期凡影主题 【特效】

    【一文】电影障眼法——绿幕的前世今生导语:电影特效是个庞杂的工程,能够实现最绚烂复杂的“梦境”。这光影魔术的背后有怎样的秘密?我们通过本期【一文】先了解绿幕——这种电影障眼法——的前世今生,了解特效技术的一些基本原理。在从本期【一图】中介绍更多创造电影特效的方法。最后,本期【一影】将向大家隆重介绍21世纪电影特效的十大革新。正文策划:Sharik翻译:Sonnie“好莱坞的障眼法——绿幕”一、魔术师的手法说到电影特效的话题,就不得不提及19世纪末的早期特效艺术导演乔治·梅里爱。这位世界级的电影艺术家用尽一生的时间为电影特效艺术做出了巨大的贡献,并被誉为电影史上的“魔幻大师”。1898年,在他的电影《多头人》中,梅里爱通过遮罩和多次曝光技术(在一幅胶片上拍摄多个影像)为观众们展现了一场“魔术秀”。梅里爱把一块涂有黑色颜料的玻璃板作为遮罩,用它挡住镜头的一部分,使得胶片的一部分不会感光。拍摄完成后,梅里爱会倒回到同一副胶片,再用遮罩挡住镜头的另一部分,再次进行拍摄。像这样,两次或多次曝光后,不同的画面会显现在同一副胶片上。这种手法被后人视为绿幕合成技术的原始雏形。图1:1898年,乔治·梅里爱,《多头人》导演埃德温·S·波特在1903年的电影《火车大劫案》中再次使用了这种遮罩技术,不过,这次不只是用来做“魔术秀”了,而是利用其呈现更为逼真的宏大场景。电影中车站办公室窗外行驶过的火车,还有邮车车窗外飞掠而过的风景,都采用了遮罩和多次曝光技术。图2:1903年,埃德温·S·波特,《火车大劫案》20世纪的前20年内,特效技术逐渐普及和完善,利用遮罩技术模拟出的场景几乎可以以假乱真。后来又衍生出玻璃遮罩绘景技术,这项技术是将一块画有场景的玻璃板放置于摄影目标和摄像机之间,类似于滤镜,借此营造出置身真实场景的观感。这项技术被导演诺曼·道恩大量运用于电影拍摄中,在没有增加成本的前提下,成功地塑造了许多令人叹为观止的场面。玻璃遮罩绘景技术盛行于整个好莱坞“黄金时代”(1929-1959),并且沿用至今。图3:玻璃遮罩技术的使用示例(左起:三十五毫米单帧投影机,半透明投影屏,傀儡道具表演台,玻璃遮罩,摄像机)二、“黑幕”技术不过,早期的遮罩绘景技术依然存在局限。为了取得良好的画面合成效果,要求动态的拍摄目标不能碰到遮罩边缘,以免出现明显的穿帮。然而,遮罩绘景又常常被应用在活动场面中,如此一来,很难保证特效合成不出纰漏。动态遮罩技术的出现彻底打破了这一局限。这项技术在1918年由弗兰克·威廉申请了专利,因此也被称为“威廉遮罩法”,并在1927年F·W·穆尔瑙的电影《日出》中被首次使用。动态遮罩技术的运用分为两个阶段。第一阶段是前景拍摄,即拍摄演员表演部分,在摄影棚里的纯黑背景板前拍摄。这时,摄影机中的负片只对前景中的人和物感光,对背景不感光。第二阶段是背景拍摄,即拍摄环境部分。将活动遮罩和前景拍摄中得到的底片同时装进合成摄影机中,遮罩上的轮廓剪影会遮挡住底片上已感光的前景,环境影像会通过遮罩中的透明部分使胶片感光,填补第一次拍摄时未感光部分。由于活动遮罩和前景中动态的拍摄目标在几何尺寸和运动相位上完全一致,就能保证合成的画面不受活动限制了。蓝幕技术当然,“威廉遮罩法”仍然有其弊端,比如,所有拍摄目标的阴影会在动态遮罩中消失。由C.DodgeDunning于1925年发明的“邓宁蓝幕技术”孕育而生。这项技术利用了彩色照明设备,使背景呈现蓝色,而前景呈现黄色,再通过渲染和滤镜等处理,将前景与背景分离,进而形成动态遮罩。通过这种处理方式,动态遮罩中便能够保留拍摄目标的阴影。1933年的电影《金刚》中可以看到这项技术的首次应用。不过邓宁蓝幕技术只能在黑白影片上起作用,彩色电影对于特效提出了更高的要求,促使创新仍在继续。1940年,特效大师拉里·巴特勒的电影《巴格达大盗》实现了电影特效发展史上的又一次飞跃。巴特勒在蓝幕前进行前景的拍摄。之所以选用蓝幕,是因为蓝色与人的肤色反差最大,而且蓝色的像素颗粒最小。将蓝色从三色印染的底片中分离出来,巴特勒就得到类似于威廉遮罩法中的剪影遮罩。然后,利用可以将多条胶片合成一条胶片的光学印片机,将之前分开拍摄的前景和背景进行合成。这项蓝幕技术为劳伦斯·巴特勒摘得了1940年的奥斯卡最佳特效奖,但它当时还不是非常成熟。首先,工序繁琐,耗时很长,还要经历复杂的光学打印过程;其次,一些没有抠干净的蓝色背景会在镜头中出现;最后,还有一些细节上的问题,比如头发的纹理、缕缕烟丝、模糊或动态画面等都无法实现百分百的精准抠像。不过,这种局限并未影响蓝幕技术的普及和发展,尽管之后也有“黄幕”技术的出现,但蓝幕技术依然占据主导地位,直到数字绿幕合成技术的崛起。“黄幕”技术1950年,影视特效行业中大佬之一PetroVlahos开发了钠光灯遮罩技术,又称为“黄幕”技术,这是颇为颠覆的开拓性创举。黄幕技术会让包含演员在内的前景处于正常打光环境中,而使用钠光灯(也就是我们通常在街边看到的橘黄色路灯)对白色背景板照射强光。钠光灯发出的光线平均波长为589.3纳米,这种波长经过一种特殊滤镜的处理后,会被剥离到黑白胶片上,轻松区隔出前景画面和动态遮罩。钠光灯遮罩技术在五十年代中期得到广泛应用和发展,在六七十年代更是成就了很多经典电影。迪士尼在1961年的电影《天生一对》和《飞天老爷车》中就用到了这项技术。而1964年的电影《欢乐满人间》更是充分发挥了钠光灯遮罩技术的优势,最终获得那一年的奥斯卡最佳特效奖。数字绿幕技术的崛起数字绿幕技术,又称为色度键抠像技术。在基础视频混合处理系统中,色键是颜色的数字化标识,相当于把所有颜色转化为视频信号,我们日常看到的天气预报动态效果就是一个典型的例子。90年代开始,数字绿幕技术全面崛起。因为数字拍摄已经逐步取代了老式胶片摄影,而许多数字感光器材都对绿色更为敏感,所以在绿幕背景下拍摄将更方便制作活动遮罩。同时,由于蓝幕和天空颜色相近,在涉及到户外场景的拍摄时,绿幕能避免蓝幕带来的抠像不完整等麻烦。并且,绿色服装也不像蓝色服装那样常见。正如当年乔治·梅里爱和诺曼·道恩所期待的一样,绿幕技术能够精准地剥离出前景和背景。数字绿幕技术还大大压缩了特效制作的时间。因此,电影特效师们如今都更加偏爱使用绿幕技术。结语:缅怀过去的观众会感慨,如果电影过分依赖于电脑合成特效,就会失去原有的本真。但是,电影特效师为电影工业带来的进步意义是不容忽视的,特效技术实现了许多导演天马行空的想象。从埃德温·S·波特的火车进站,到现代的超级英雄动作场面,电影特效在人们的质疑中不断成长。电影特效师们不断发掘问题,解决问题,最终一点一点靠近自己的梦想,也让我们有更多机会体验“梦想成真”的感觉。参考文献:http://filmmakeriq.com/lessons/hollywoods-history-of-faking-it-the-evolution-of-greenscreen-compositing/---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一图】你可曾见过这些特效?导语:如今,很多电影都会在后期制作时应用大量电脑生成动画,也就是CGI。人们谈起特效时,也往往意指CGI。但它并不是创造电影特效的唯一选择。从电子动画,到古老的电影拍摄技巧,本期【一图】将为你呈现各种“特效”工具。---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一影】21世纪电影特效的十大革新导语:回看老电影时,我们会敏锐地发现其中特效镜头的不自然,哪怕是我们曾为之惊叹的那些镜头。电影导演和观众对于呈现效果的要求越来越苛刻,特效师们也为特效技术的完善做出了很多努力。本期【一影】向大家介绍21世纪电影特效的十大革新。听译:小超人校对:Fred后期:小超人请在WIFI环境下观看视频链接:http://v.qq.com/page/o/r/5/o0158at71r5.html

  • 哪里是属于你的地方?—简谈电影《鸟人》

    观看《鸟人》的过程,脑中会不停的浮想起其他相关的电影,对于有些人是《霸王别姬》,对于有些人是《黑天鹅》,对于有些人是《搏击俱乐部》,而对于我来说,它是《激战》,是麦浚龙的《僵尸》,更是阿仑诺夫斯基的《摔跤王》。进一步说,不止关乎人格分裂、社会批判,我联想更多的是关于中年危机,是戏如人生,且几部电影在主演的选择上更是与角色本身具有相当大的重合性,构成了戏里戏外无比丰富的人生。所以这些演员既是在演别人的生活,更是在回首自己的过往,并在“扮演”的过程中迸发出强烈的戏剧张力与感染力。《鸟人》中迈克尔基顿饰演的角色瑞根,是百老汇一名剧场演员与导演。瑞根曾经是大热的超级英雄电影《鸟人》的主演,取得了巨大的成功,一部一部的接演让他心生疲惫,终于选择退出。晚年专心于话剧艺术,可是一直没有得到肯定。他厌恶于无聊的超级英雄片,将自己隔绝于当下流行文化,一心想为观众奉献出自己最好的严肃表演作品,但强烈的个性与执拗搞的他的工作和生活均一团糟。工作上,他与合作演员有着各种摩擦,生活上,与女儿的关系也充满火药。一切矛盾在片尾的一声枪响后似乎划上了句号,瑞根在观众面前轰掉了自己的鼻子,演出获得了成功,自己出了名。可是,这是他真正想要的么,他要的不过是获得一种作为演员的普通的尊重、一种日常生活的和谐,但不是通过这种虐的方式来得到,可是现实却将他逼疯。他虽然看似新生了,可是,当瑞根在医院里取下脸上的绷带,对着镜子看自己手术后的样子时,整容之后的鼻子分明更像一只鸟的鼻子,而他,也更像一个鸟人。在这时,镜头略微一转,镜子里出现飞鸟侠的画面.是啊,这个身影从未消失。纵使获得了成功,可这种方式是沦为被围观者,这其实同扮演飞鸟侠,演出那一个个虚假无聊的动作场面而获得关注的方式是没有区别的。所以,瑞根仍旧没有得到心灵的拯救。最后,瑞根跳出了窗外,后来女儿焦急的寻找父亲,在窗台边,她先是往下看,像发现了什么,但又继而视线上移,面露微笑。这是一个开放性的结尾,是一个融合了现实与超现实的段落。我们可以理解为瑞根死了,这是从现实的角度来看,女儿向下看的眼光中似乎可以捕捉到这一点信息,但又是那么模糊。我们也可以理解为瑞根飞翔了,这是从超现实的角度看,女儿之所以笑了,想必她也是理解父亲的,她深知自己的父亲在这个世界上不会得到满足,不管是艺术上还是生活上,所以她看到了父亲如鸟儿般飞起了,但不是以飞鸟侠的身份,而只是作为自身,自由自在,不再附于尘世。跳脱于戏外,主演迈克尔基顿,今年初终凭该片提名奥斯卡最佳男主,这迟到的肯定是对这位64岁影坛老人的最大褒奖。自从1989年与1992年的两部大获成功的《蝙蝠侠》电影后,有太多年了,基顿隐身于好莱坞,再无有力作品问世。Birdman∕Betman,即使导演的创作不是为基顿量身打造,可是戏里戏外的人生确是高度重合。好莱坞残酷的现实环境风蚀着这位有追求却无机会的演员,一直等到花甲之年。本片长镜头的拍摄方式对于演员有着极高的要求,这也是基顿证明自己的一个机会,他与爱德华诺顿之间的几场对手戏,台词密度之高、情绪氛围之重,足以验证两位的实力,足以让迈克尔基顿表明:我,是一个演员。类比2013年的港产惊喜之作—麦浚龙编导的《僵尸》与2008年阿仑诺夫斯基的《摔跤王》,我们可以进一步探讨戏里戏外的中年危机,关于事业与生活的种种起伏。新式恐怖片《僵尸》是一部诚意十足的好片,虽是出自一位年轻导演之手,但却是满载着对香港类型电影的情怀。本片的主演钱小豪也是在演绎自己的人生,这位80、90年代动作片的著名配角,一生角色无数,但留给观众印象的不多,片中他给观众展示了几套衣服,其中一个印象较深,是1993年与李连杰合演《太极张三丰》时的戏服,小时候看时就非常喜欢。这是他颇为成功的反派形象,是被观众深深铭记的角色,所以他珍视至今。片中,这个事业与个人生活均失落的大叔,孤身一人来到一处空荡的居处,选择在这里默默的结束自己的人生,在上吊的前一刻,他将自己半生的电影生涯与现实融汇,在自己的脑海中自编自导了一出奇幻的僵尸片,但在这部虚幻出的电影里却了无过往僵尸电影的打闹与幽默,而尽是落寞与伤感。在生命剩余的时间里,或许也只有在电影中,他,一个过气演员,才能找回自己的价值,但也终究是一场黄粱美梦。这就如《鸟人》中的瑞根一样,抽身于大片而投入舞台剧,近乎不疯魔不成活的把台上与台下的生活混淆,在观众面前做出一个惊世之举—朝自己开枪。在《摔跤王》中,主人公与角色的重合度近乎百分之百。该片主演米基洛克是好莱坞80年代的英俊小生,其实我最初知道他,是在《罪恶之城》与《钢铁侠2》,但当时却并不了解他的过往,更无法将眼前这个满脸横肉、面容粗糙的颓废大叔与1986年《九周半》里那个帅气小伙相联系。在知晓他的曲折人生后,瞬间对这位多饰演粗糙大汉的大叔产生了一丝哀叹与可怜。他的人生起起落落,成名于拳击手,之后投身电影,短暂的高峰期后被迫返回拳台,同样在短暂的胜利后接连重创,并导致多次毁容,如今他的鼻子与面部均接受了整容,因此短短20年后的他已尽是苍老。在身体条件不允许他继续比赛后,他彻底告别拳击,再次返回好莱坞混口饭吃,开始接演一个个的小配角,可谓生活凄苦。《摔跤王》中的米基洛克,延续自己曾经的职业身份饰演一名摔跤手,当时他已56岁,然其让人热泪盈眶的表演,终凭借此片获得金球奖最佳男主与奥斯卡最佳男主提名,与迈克尔基顿一样,在暮年迎来业内最高肯定。片子中的洛克,虽然仍是一脸横肉,拳台上依旧暴力狂放,可是比赛背后的辛酸、那伤痕累累的身体、生活的困苦,和他一次次强调的自己的孤独,都让人心疼。与《鸟人》一样,片中也都设置了主人公与女儿之间的隔阂,且都是主人公无比看重的情感纽带,但总因为自身的种种原因而将关系搞砸。相比而言,米基洛克在《摔跤王》中的几场与女儿的对手戏虽然戏份短,但却更为动人,那眼泪,不仅是为角色而流,更是为自己而流。同样,米基洛克与迈克尔基顿的角色一样,在片尾将自己的执拗进行到底,在属于自己的舞台上寻回荣耀。一切走向高潮,一切又都戛然而止,是在一声枪响后,是在一个“战羊绝杀”的跳跃后。继而,留给我们的问题是,我们是谁?我们属于哪里?我们终将归向何处?

  • 不多解释-请随意欣赏

    2015-05-31 潘海涌 KOMEDIAFRANCE KOMEDIAFRANCE前几天,我们为大家呈现了法国电影及广告界非常著名的分镜头脚本绘制公司及其作品;之后很多朋友给我们邮件和留言,希望能够看到更多好的分镜头作品和其对应的视频。今天我们就为大家带来了三条非常与众不同的广告分镜头脚本及视频。不多解释,请随意欣赏。第一篇/奥迪TT跑车广告;这一条广告从创意到拍摄,在国内绝对不可能出现。第二篇/欧宝汽车广告;这一条广告的创意,在国内您写了也拍不了。何况拍车的手法很有技巧。第三条,秒杀男人的劳力士手表广告;不多解释,请随意欣赏。公司微信号上线一个月以来,我们一共上线了10篇关于法国电影工业内容介绍的文章及视频,点击率总数已经超10万。我们十分荣幸的收到很多朋友的留言和邮件,对于大家的喜爱我们不胜荣幸,关于大家提出的很多要求和咨询内容我们会逐一为大家解析。祝中法电影工作者“五一”假期愉快。Bonne fête du travail.微信关注点击大标题下的“KO MEDIA FRANCE"进入关注,或点击下方二维码,进行识别关注。

  • 本期凡影主题 【编剧培训】

    【一文】编剧如何升级,看全球四大院校的技能卡导语:世界电影业对于编剧人才的需求越来越大,各个国家也愈加重视对编剧人才的培养。本期【一文】将着重介绍世界四大电影学院的编剧培养状况,我们可以看到各个院校的方法和差别。本期【一图】将详细列举四大电影学院的相关编剧课程设置,【一影】将为大家带来好莱坞编剧对于刻画电影人物的心得体会。编剧如何升级,看看全球四大院校的技能卡策划:Nevo翻译:李思雪 想要成为一个优秀的职业编剧,一套系统的训练课程是必不可少的。现如今,专业的电影学院遍布全球,这些学校在培养职业编剧的同时也在划定着区域电影文化的风格。本次一文就在全球所有顶尖的电影院校中选取了四个最具代表性的学院,来看看他们是如何成就人们的编剧梦。 ▲ 纽约电影学院不同于李安毕业的纽约大学,“纽约电影学院”是一所专门的电影学院。其办学特色就是让电影制作“零基础”的学生们,能够快速了解电影制作流程并获得制作电影的能力。拥有一个创意十足的故事并不难,难的是如何把这个故事讲的引人入胜,这就是纽约电影学院教授的精髓所在。▲ 布拉格电影学院B.捷克的布拉格电影学院因为学位认证的问题,导致欧洲的学生们很少选择这个久负盛名的电影学院,由于自身复杂的历史背景,捷克电影学院的文化氛围是极其浓厚并且严肃的。不过作为东欧历史最为悠久的电影学院,其编剧课程的设置是非常值得关注的。▲ 法国高等国家影像与声音职业学院C.法国高等国家影像与声音职业学院同样是一所致力于培养实用型人才的电影学院。相对于法国传统上一直重视的理论教学,国际音像学院更加注重技术革新与电影艺术的结合。这对于改善法国电影的现状来说不失为一种好的思路,因为法国作为欧洲电影的重要阵地,不仅仅为了要丰富文化的多样性,同时也需要找到具备民族特点的发声方式。▲ 英国国家电影电视学院D.英国国家电影电视学院是一所根植于英国文化的电影学院,相信每一个喜爱英剧或者英国电影的观众都能够明显地感受到其对比美国影视剧所凸显出的那种独特的气质,而这种气质的来源正是他们在培养编剧的过程中逐步培养出来的。编剧培养历来是各大电影院校投入众多教学资源的一个方向,本文从编剧培养的四大核心内容--编剧基础、故事创意、创作技巧、写作实践--四个方面着手,分别对比这四大电影学院在培养编剧上的各自偏向。一.编剧基础编剧基础是每一个想要成为职业编剧的人的必修课。这门课程不仅包含了最为基本的格式、理论、历史等元素,同时也暗含了一个编剧最开始认识剧本的方式。这看似隐秘的一点却在很大程度上决定了一个编剧未来的职业走向。纽约电影学院从课程内容上来看,编剧基础的内容相对较多,主要是通过讲座、电影观摩、课内训练等一系列活动着重培养学生的基础编剧能力。其中的剧本研读课主要是以近十年获得奥斯卡金像奖的电影剧本为研究对象,通过课堂观影、剧本阅读、教师讲授以及小组讨论的方式,使学生更加深刻地理解1920年代以来剧作艺术的发展。戏剧剧作研读则是强调了戏剧剧本的特殊性,即戏剧剧作不能依靠奇观或者娱乐性取悦大众,而是必须充分利用剧作的戏剧化因素:角色、冲突、人物关系和主题,通过排演、朗读、分析等方式教授学生如何提高影视剧本核心情感的传达。布拉格电影学院布拉格电影学院更重视系统的理论知识培养,不仅包括剧作理论,同时也包括文学理论。布拉格电影学院的课程设置或许是四大电影院校中强度最高的。以影片分析课为例,这门课程的内容在许多其他院校都是一门非常吃重的专业课,而在布拉格电影学院,这门课仅仅列于众多基础课之中,足见其课程设置的强度。法国高等国家影像与声音职业学院相对来说,国际音像学院的编剧基础课更偏向于职业基本素质的传授,总共196课时的课程虽说强度也不低,但是更偏向于实务性的基础理论。从内容上来看,国际音像学院的编剧基础课与其他学校并没有太大的差别,但是每一个课程都透露出强烈的务实性。所有这些理论课程虽然也是在教学生如何写剧本,但少了许多理论上的条条框框,而是在传授完写作工具的使用方法之后让学生通过自身的写作经历去感受电影剧本写作的奥妙。英国国家电影电视学院英国国家电影电视学院也是偏向于通过成熟剧本的分析来教授学生们如何写出好的剧本,同时由于他们的编剧课时相对较短,所以英国国家电影电视学院的课程核心更偏向于实践。这些实践来源于大量的阅读和分析,这种教学思路类似于纽约电影学院,但更强调学生对于一个剧本优秀与否的辨识能力。二、故事创意如果说剧本是电影的基石,那么故事创意则是剧本的基石。一个好的故事创意不仅要有很强的故事性,同时还要适合相对应的艺术表现形式。纽约电影学院纽约电影学院的高级写作研讨课分为角色发展和场景写作两个部分。在角色发展这一部分,课程设置结合了心理学知识与剧作技巧,将教授学生创作能够主导故事走向的人物。学生通过小组合作式的工作坊实践,一对一探讨、分析电影和文学作品,来挖掘他们独一无二的视角,随之模仿、创造出能够成长和蜕变的迷人角色,最后形成完整的叙事作品。而在场景写作这部分课程里,则要求学生暂时放下剧本整体,微观地专注于某一场戏的细节。要求学生从其完成的作品中节选出3-5页,着重于情感发展、对话、动作、角色逻辑与动机,以及本场戏的节奏、写作风格、潜台词、事件以及转场等方面,力图让剧本更为精致。布拉格电影学院布拉格电影学院的剧本写作研讨课通过练习指定话题的剧本写作,学习利用影像叙事,掌控影片时间与剪辑点,突出其中的细节。学生们还将学习写作对白、发展与丰满人物、创作精彩的影像与桥段,以及考虑影片的播出媒介,并且学习相关音轨知识。而在剧本写作的极端策略这一课程中,则跳出电影形式的框架,教给学生们各种艺术形态当中故事的展现方式,扩展学生们对于故事的理解,尤其是在一些特定的艺术形式之中故事展现的特点。法国高等国家影像与声音职业学院国际音像学院在故事创意课程上是将理论课与实践课分开。理论课共24个课时,实践课则有126个课时。在实践课上,学生们将会在给出的特定主题中创作故事并在实际的故事创作中理解故事、情节、事件三者之间的联系与区别,同时还要去实践人物塑造以及对白处理等方面的能力。英国国家电影电视学院英国国家电影电视学院的故事发展磋商研讨会则是在学生们现有的剧本实践课的基础上不断打磨学生们的剧本,通过讨论、分析、观摩、朗诵等方式让学生们去分析剧本的故事性是否优秀,故事潜力是否足够。这个课程的特色在于,每一个故事创意都是学生自己的,他们将会分享是什么动机让他有了创作这个故事的想法,而其他同学则会评判这个故事是否能够成为好的影视剧本,同时给出建议。三、创作技巧同样的故事经由不同的人讲出来会有完全不同的感受,而创作技巧就是要教会每一个试图成为职业编剧的人什么是讲故事的魅力。纽约电影学院纽约电影学院的新媒体课程主要向学生介绍当今新媒体发展的整体图景:网剧、手机短剧、品牌娱乐以及营销渠道为电影创作者提供了未曾有过的机会。并且,也将探讨新媒体创业及其游戏规则。有了对新媒体的全新认识以及对于改编的深入了解之后,对于创作者来说,创作过程中的目标设定、项目计划、时间管理和项目管理的技巧同样重要,纽约电影学院也有相关课程展开。通过这些课程,可以看到纽约电影学院在技巧层面的教学思路,即迎合最新的电影工业发展方向。布拉格电影学院布拉格电影学院的电影技术课程包含了电影摄影基础、灯光、数字电影与数字摄影机、特效技巧、3D摄影、电影摄影运动器械等多项内容。剧作语言与电影语言、文学风格与改编研讨课的设置则需要学生在了解电影技术的基础上更明确地区分视听语言与文学语言的区别,以及在创作过程中如何在非影像故事与影像故事之间灵活自如地进行转换。法国高等国家影像与声音职业学院国际音像学院编剧技巧课程最大的特色,是将各种影像故事形式都容纳进编剧需要掌握的范畴。这种授课方式与其说是迎合娱乐市场的需要,不如说是一种务实精神的延续。毕竟无论是什么艺术形式的编剧,最为核心的能力就是讲故事,而讲好故事需要对各种艺术表现形式有融会贯通的理解。英国国家电影电视学院英国国家电影电视学院的课程设置与纽约电影学院在编剧技巧方面并没有很大的差别,但却延续了其学生互评、分享、总结的教学方式。这种方式并不单纯是师徒式的传授,而是鼓励学生在实践过程中去发现、体味书本上抽象枯燥的术语。一种情节或许有着上百种表现手段,那么评估其中哪些表现方式更适合剧本整体的风格就至关重要了。而英国国家电影电视学院正是要让学生掌握这种评估能力。四、写作实践写作实践是学生们在真正进入行业体系之前最好的锻炼方式。纽约电影学院纽约电影学院在实践课的安排上不仅有传统的电影、电视剧剧本创作,同时还包括分镜头剧本创作以及编剧职业的各项综合素质的培养。在电影剧本创作课中学生将通过独立写作、课内训练将之前学习到的编剧理论及技巧运用到写作中,并不断与同学讨论分享加以修改自己的剧本。最终可以达到独立完成一个标准长度的电影剧本。而剧作实务课的核心在于掌握“艺术的分寸”,为即将进入一个庞大的工业体系做好准备,包括怎样和经纪人、制片人打交道。课程的另外一部分是实习项目,或是提交一篇与行业体系相关的调查性论文。布拉格电影学院布拉格电影学院的实践课是继续深入了解电影行业不同领域、不同环节的情况。以试听设计课举例,该课程的目标为介绍行业生态与实际演练。课程也将组织学生去片厂实地考察,以便他们有机会同片厂经理进行直接对话。布拉格电影学院的课程之多、涉猎之广是很多学校都无法比拟的,而且学生们不仅要完成众多实践课要求的任务,同时还要在毕业之前拿出自己认为优秀的作品。法国高等国家影像与声音职业学院国际音像学院的实践课共有634个课时,时间上来说是理论课的两倍,不仅如此还要再加上390个课时的作品摄制课。学生们将会亲力亲为地投身到创作剧本和影片摄制的过程中去,而这个过程并没有局限在传统的电影电视剧的制作,还包括电子游戏、广告、网剧等多种多样的影像故事形式。英国国家电影电视学院英国国家电影电视学院在实践课这一环节最大的特色是设置了很多职业编剧外围环境的介绍。这些行业规则、行业现状的介绍相信是即将进入行业体系的职业编剧们最渴望知道的。参考资料:https://www.nyfa.edu/bfa/screenwriting.php#courseshttps://sp.amu.cz/en/stplan15-ects.htmlhttps://nfts.co.uk/our-courses/diploma/script-developmenthttp://www.femis.fr/-screenwriting----------------------------------------------------------------------------------------------------------【一图】四大电影学院编剧课程设置细节导语:通过对比几个国家在相同编剧培养主题下的不同课程设置,我们可以了解到各个国家对于编剧培养的不同侧重与偏向。本期【一图】将为大家展示五大电影学院编剧课程的不同设置情况。---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一影】剧本写作人物之重要性导语:人物对于一部电影的重要性时常被人们忘记,本期【一影】为大家带来对好莱坞资深编剧的采访,我们可以学习他是怎样建构人物发展模型的。翻译:KK校对:Lexi后期:CTnight视频链接:http://v.qq.com/page/y/j/w/y0164jcyrjw.html

  • 本期凡影主题 【数据分析】

    【一文】向Netflix学习解构影片导语:Netflix的影片推荐系统之所以独树一帜,是基于内部影片进行更加细分的归类,为此他们还聘请了员工专职看电影。这个影片推荐系统会为受众推荐好的热门电影,还会多样化地推荐长尾电影,一定程度上帮助Netflix控制内容采购成本,优化内容结构。本期【一文】就首先介绍Netflix是如何解构影片的。本期【一图】还展示了Netflix与HBO的竞争现状。最后,通过本期【一影】看看Netflix的职业电影观众——“标签员”是如何工作的。正文:如果你是Netflix的用户,你可能早已经对它极具针对性的影片推荐产生了好奇。这些推荐是如此精细和精准,以至于让人感觉不可思议:情感丰富的人机大战纪录片、基于现实生活的皇室古装片、20世纪80年代的欧洲魔鬼故事……Netflix已经拥有多达4千万的用户,很难想象它需要多么复杂和庞大的个性化分类数据库去定义其内容库中的所有影片。这种个性化分类被称作“微类型”。Netflix雇佣并培训一群人,由他们对影片中的性暗示内容、暴力程度、浪漫桥段,甚至剧情叙事等元素做出精确的分类和评级。他们捕捉了数万种不同的电影属性,甚至给影片中虚拟人物的道德水平评级,当这些标签与数百万观众的习惯相结合,便成了Netflix的竞争优势。Netflix的核心目标是吸引并留住其订阅用户,这些“微类型”就是他们公司战略的重要组成部分。Netflix在2012年的官方微博中写道,“我们给每个用户量身定制他们喜爱的微类型内容,这些内容与用户的观影习惯完美匹配。我们已经观测到订阅用户的黏度得到了有效提高。”除去在用户体验上的提升,“微类型”也让Netflix在制作内容上拥有了绝佳的优势:Netflix已经建立了属于自己的美国观众观影偏好数据库。这个数据库虽然不能告诉导演或编剧该如何制作内容,却能告诉他们影视剧里需要什么样的元素。那么,这个“微类型”数据库到底是怎样的构成?有是如何运作的呢?“微类型”数据库的构成1Netflix上,不同“微类型”的网址是按编号排列的,有人据此获取了“微类型”的完整数据库,并指出了以下几点发现:1.1.不是所有的微类型都有其相匹配的影视剧这些类型只是穷举了所有可能性,而不是对现有电影的归类。比如,第91,300类“自我感觉良好的浪漫西班牙语电视剧”就没有相对应的影片;第91,307类“视觉震撼的拉丁美洲喜剧”也仅仅对应了两部电影;而第6,037类“视觉震撼的浪漫剧情片”则对应了20部电影。实际上,Netflix现有76,897个用以划分已有影视剧的微类型。1.2.Netflix有其特定“微标签”影片来源地与数量惊人的名词性形容词(比如西部片和恐怖片)这些最终构成“微类型”的“微标签”在其数据库中不断重复出现。影片的创作来源(比如基于现实、基于古典文学)和影片的设定年代(比如爱德华七世时期)也经常出现。还有影片分级或观影级别(比如适合8-10岁)也是经常可以见到的。最有趣的是,这些描述能让我们从侧面了解典型的美国思维和个性。“微类型”数据库的“语法”2如果一部以浪漫主义为题材的影片获得过奥斯卡奖,那么“奥斯卡获奖”的描述总会被置于最前:“奥斯卡获奖浪漫剧情片”。而关于时代设定的修辞总会被置于最后:“奥斯卡获奖浪漫剧情片来自20世纪50年代”。单个形容词,例如浪漫,则会被简单地排列在一起,比如“奥斯卡获奖浪漫禁忌爱情片”。而内容主题则通常会放在最末:“奥斯卡获奖浪漫爱情片关于婚姻题材”。这些描述用语的组成有一定的排列规律。通常来说会有以下几个部分:影片微类型=地区+形容词+影片类型+创作来源+设定时间+故事情节+内容+适宜观看人群还有一些不好归类的描述词,比如“大众口味”、“女性主导”、“绝望的爱情”,以及一些重量级的主演或者导演,但数量较少。所有76,897种微类型都是基于以上组合公式构成。其次,根据统计结果,还得出了Netflix最受欢迎的形容词、最常见的时间设定和最常见的地点设定,这同样能够反映美国观众的观影口味。最后,将Netflix“微类型”数据库中的描述语进行排列组合,可以产生有趣的令人意想不到的结果。比如:“以中东现实生活为背景的为儿童打造的深海父子情剧情片”“欧洲小说改编的为8-10岁儿童打造的神秘社会里争夺名利相互暗杀的赏金猎人剧情片”“关于友情的后世界末日时代喜剧片”是不是让人脑洞大开?紧接着,我们审慎些仅使用少量的形容词,就立刻发现了好莱坞影片制作的逻辑:一些相同主题的不断重组。比如:“经典动作片”“面向家庭的西部片”这就是好莱坞!来自Netflix的反馈3根据Netflix产品创新部副总裁Todd Yellin的反馈,上文中展现出的观察结果其实只是整个Netflix系统的最底层,一个终端产品而已。Netflix公司系统所分类和储存的数据与信息远远超出了上述内容。Todd Yellin是这套系统的缔造者,是他提出了给每部电影贴标签的想法,并撰写了一份长达24页的提案来指导如何贴标签和创建系统。在2006年,Yellin与几位工程师通过数月努力,开发了一套名为“Netflix量子理论”的计划,其中“量子”指代每部影视剧中包含的核心元素,即现在所谓的“微标签”。为了能够系统地将上千部影视剧拆解,同时保证所有的工作人员对这些“微标签”的理解是一致的,这份“Netflix量子理论”的文档阐述了如何标注影片结局、主角的社会接受度以及构成一部电影的其他各个方面,并且所有的标注都可以量化为1-5分的评分。比如说,每部影片都会得到一个“浪漫值”的评分,而不仅是贴上“浪漫电影”的标签;每部电影的结局都会从“喜”到“悲”逐级评估;包含每个情节、每次主角出现、每次地点转化在内的所有事件和角色都会被一一标注。这就构成了Netflix数据金字塔的根基。Netflix的工程师根据这些“微标签”创建了一套类型语法体系。这其中最关键的一步是:把人们对影片的主观认知(微标签)与机器算法(语法)进行有效结合。这与Netflix过去的影片推荐系统有很大不同。之前的那套系统能够预估观众在观影结束后给影片打几分。他们还曾拿出100万美元悬赏,奖励能提高这套预估评分算法精确度的技术团队。经过几年时间的改进,准确度仅仅提升了10%。在不断摸索之后,Netflix认为,比起感性的影片得分,更具个性化风格的微类型细分,才是观众真正想要的。除去了解用户的喜好,或为用户匹配相应的电影,Netflix的这个“微类型”数据库的意义还在于能更进一步地探讨和分析影片内容本身。当艺术性更加明显的电影碰上科学性更为显著的计算机技术,相信还会产生更多惊喜。策划/文章:Zoe(微信zoecai0510 邮箱zcai.hk@gmail.com)原文来源:http://www.theatlantic.com/technology/archive/2014/01/how-netflix-reverse-engineered-hollywood/282679/---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一图】对峙:Netflix VS HBO导语:在2014年年末,Netflix的用户数已经超过了HBO, 在收入上超越HBO也将是指日可待,但是在利润上,Netflix估计短期内只能依靠YY了,因为差距是十倍。我们来详细看看这两家公司的竞争现状。---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一影】Netflix的“标签工人”导语:观影过程是主观的。因此,不论技术多么先进,对影片内容的解释和说明仍然需要人力付出,为此,Netflix聘请了一批员工专职看电影,对于电影发烧友来说,这或许是美梦成真了吧。翻译:小超人校对:Zoe制作:小超人请在WIFI环境下观看视频链接:http://v.qq.com/page/x/9/1/x0153bkha91.html

  • 本期凡影主题 【独立电影】

    【一文】从十个维度来观察美国艺术影院导语:艺术电影既是一个电影的文化概念,又代表着一套独特的专业运作方式。每个国家或区域都有一部分艺术家通过电影的形式完成艺术探索和自我表达,但这不代表他们不需要考虑“生存问题”。本期“凡影周刊”策划的【一文】,将通过一些浓缩之后的信息介绍美国艺术影院的市场状况;【一图】则整理了在国际市场中,艺术电影“野火烧不尽”的发展状态;【一影】谈到了利用互联网技术宣传发行艺术电影的可能性。原文作者:大卫·波德维尔策划:浅蓝大肥猫编译:浅蓝大肥猫正文:从十个维度来观察美国艺术影院一数量艺术影院于二战后大量涌现,这源于当时外语电影在美国的迅猛发展,来自世界各地拥有多元文化形态的艺术电影,促进了美国本土艺术影院的建设。 艺术影院在初始阶段的发展,是因为受制于当时美国电影本身创作的乏力,一部分影院开始选择放映小发行商的进口影片,有时也会参杂放映具有艺术质量的本土电影,最终逐渐形成了有强烈偏好的固定观影人群,这部分人群同时又促成了更多的影院选择放映艺术电影。 目前,美国拥有57家不折不扣的艺术影院,以及226家经常放映外语片的影院,人口20万以上的城市至少有一家艺术影院,全美大概有1000块银幕作为主力在放映艺术电影。 二分布放映艺术电影的大部分影院都地处都市中心,靠近中产阶级的核心活动区域,也有一些影院在郊区,为数不多的一批影院分布于小镇中,这些影院多数只有一两块银幕。 三运营形态艺术影院的产权归属分别是个人所有的营利性影院,或者集体所有的非营利性影院。一些文化艺术机构(比如美术馆、博物馆、大学)也设有艺术影院,还有的艺术影院干脆直接归属当地政府的文化中心所有。 多数影院是独立经营,但也有一部分影院形成了连锁经营模式,成为了艺术院线,譬如Landmark和Sundance。 四建筑形式一种是类似剧院,建筑经典、历经沧桑、屡次翻修,是当地历史遗址和艺术表演中心。一种类似酒吧,是二十世纪七十年代的电影院,双screener低垂,装扮一新,并可提供点心和贴标咖啡。一种类似艺廊,银幕或安置于博馆物的礼堂内,或摆放于大学报告厅,艺术氛围浓郁,精品琳琅满目,黑衣侍者弯腰向提供咖啡和食品。 五片源主要放映外语电影、艺术品质高的英语电影,纪录片、经典老片的修复版等。六大子公司发行的艺术电影是艺术影院的中坚力量和票房最好的大片。索尼经典、环球焦点、福克斯探照灯电影依托于六大的发行能力,通常是艺术影院拥有最高上座率的电影。其次就是独立制片公司发行的影片,如相对论传媒、温斯坦公司、狮门/顶峰等。独立小发行商发行的电影是另外一种选择。如Kino Lorber、IFC、Magnolia、Strand、Roadside Attractions、Oscilloscope、Zeitgeist等,这些公司主要发行更纯粹的艺术电影和主题严肃的情节剧,以及一些纪录片和外语片。像其他同行一样,这些公司需要视频播放市场支持放映权的购买。最后,就是经典老电影。很多艺术影院在放映最新电影时也展映经典老片。遗憾的是,总体上排片不多,懂得电影史的节目策划太少。如果当地没有电影资料馆的话,观众便很难有机会了解电影史。 当然现在有了线上影院(后文会提到),情况有了很大改观。 六收益相对于院线电影每年动辄九十亿(美元,下同)的票房,艺术电影票房甚微,在美国最佳百部电影排行榜中,仅有六部艺术电影作品:《国王的演讲》(The King’s Speech)、《黑天鹅》(Black Swan)、《午夜巴黎》(Midnight in Paris)、《汉娜》(Hanna)、《后裔》(The Descendants)、《亡命驾驶》(Drive)。这六部电影一共创造了3.09亿的票房,比《变形金刚3:月黑之时》还要低4千万。这些数据都只是指票房总收入,发行商只能拿到其中的一半。 其他更严格意义上的艺术电影作品如《寻求庇护》(Take Shelter)、《花瓶》 (Potiche)、《我们都为比尔着盛装》(Bill Cunningham New York)、《永远的车神》(Senna)、《原样复制》(Certified Copy)、《头版内幕》(Page One)、《六楼的女人》(The Women on the 6th Floor)、《米克的近路》(Meek’s Cutoff )每部仅创造了一两百万的票房收入。 至于“专业剧目”总票房收入更少。米兰达·裘莱(Miranda July)的《未来》收入仅有50万美元。《能召回前世的布米叔叔》总票房收入为18.4万美元。戈达尔(Godard)的《电影社会主义》(Film Socialisme)票房收入低于3.5万美元。对于一些发行商来说,艺术电影主要依靠下级渠道收回成本,如DVD、家庭影院,影院获利可以忽略不计。 在北美,因为市场相对成熟,大的制片公司并没有放弃这样一个分众的市场,出现了一批“精品制片商”,焦点和索尼经典就是其中翘楚。某些艺术影院也参与到了发行中。集发行和放映商为一体,像电影5和纽约客就是IFC和Music Box的前身。 还有一种横向选择,即电子影院、在线影院。现在一些公司通过网络提供在线影院服务。他们向签约电影院传输高清加密文件,Emerging Pictures是电子影院的主导者,该公司传输很多独立发行商的影片,譬如索尼经典、IFC和Magnolia发行的电影。Emerging还提供演艺秀节目的片源。Specticast、Proludio 及 Storming Images等公司亦提供或准备提供类似的服务。 在录像带问世之前,依靠放映费里尼电影、伯格曼电影,艺术影院仍能赚得盆满钵满。如今,只有为数不多的影院能够继续靠放映盈利,大部分艺术影院的运作资金都不是通过票房,而是靠捐款、基金会、政府部门,如艺术委员会等资助来支撑。它们按照NGO的运营方式,其管理者擅长社区影院策划、精通义工管理、能从当地影迷和社区专家手中拿到慈善款项。威斯康辛大学麦迪逊分校的电影中心通过市场调查了解到:以上策略非常有效,前提是电影策划要符合当地社区文化定位。 七观众一般来说,艺术影院的受众都受过良好教育,相对富裕,年纪偏大,美国艺术影院只有13%的观众属于“儿童/高中生/大学生”,其余均为成年人。更有1/3的观众年龄在65岁以上。 八协会五年前,圣丹斯(SundanceInstitute)创办了艺术影院项目,每年都在电影节前举办年会,参会人员不仅有发行商、运营商、代言人,还有发行公司代表、服务厂商、设备制造商等。艺术影院联合体已成为非正式贸易协会。 九推广经常会采取的形式是将特定的电影与区域文化和亚文化相融合。推广经典电影会通过举办电影花絮知识竞赛、影迷招募、电影主题曲演唱比赛等展开。新上映电影的推广,会设置一些现场讨论,并聘请电影制片人和当地的电影专家到场。 观众的培养则是通过放映戏剧、歌剧、芭蕾以及演唱会来吸引对艺术更为敏感的观众,大型机构如Bryn Mawr Film Institute和 Jacob Burns Film Center还提供电影制作和电影欣赏课程,同时专门为儿童、青少年和其他社区成员准备了特别课程。 十排片策略 主流多厅影院的银幕也将放映在艺术影院反映良好的电影。如果电影深受大众欢迎,智能影院会在一段时间内连续放映以树立好口碑。这就是所谓的“平台发行”策略。现在,一些多厅影院正在放映《谍影行动》(Tinker Tailor)、《后裔》(The Descendants)、《我与梦露的一周》(My Week with Marilyn)等影片。据杰克·佛利(JackFoley)估计,美国大概有250到500个影厅正在播放此类电影。参考文章:http://www.davidbordwell.net/blog/2012/01/30/pandoras-digital-box-art-house-smart-house/---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一图】独立电影发展现状导语:美国自由经济体系下的艺术电影一般被归到独立电影产业范畴去讨论,本期一图用大量数据图表介绍了北美1983年——2013年独立电影产业变迁、主要问题、发展瓶颈。启发我们从商业角度去思考艺术电影如何在市场细分下服务好特定群体的影迷,做有别于商业大片的小众“精品”,既尊重市场生存法则,又保持艺术性和独立性。---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一影】独立电影发行的未来导语:在移动互联时代,艺术电影如何利用科技手段去主动寻找观众、自我营销?如何越过被资本把持的发行门槛,在逐利的商业环境中寻找自身定位?互联网打破信息不对称、资源不对等的同时,是否能给“艺术家们”开辟出新的天地?本期【一影】短小精辟的介绍了美国电影人在这方面的有效尝试。翻译:小超人校对:浅蓝大肥猫制作:小超人请在Wifi环境下观看视频视频链接:http://v.qq.com/page/s/j/v/s0154o610jv.html

  • 本期凡影主题 【黑色幽默】

    【一文】黑色幽默电影的特性导语:黑色幽默是一种反传统的喜剧形式,在观看具有黑色幽默元素的电影时,观众常常会有恐惧与欢乐并存的审美体验。那么,“黑色幽默”到底是什么?黑色及幽默都来自哪里?本期【一文】将解释黑色幽默的起源和涵义,并总结部分国内外黑色幽默电影中常见的三种冲突与悖论。【一图】则将简单描绘国内黑色幽默电影的发展历程。最后,【一影】将盘点十部经典的黑色幽默电影。正文:策划/文章:阿戚“ 黑色幽默电影的特性 ”黑色幽默的概念与起源在《大英百科全书》中,是这样定义黑色幽默的:是一种绝望的幽默,力图引出人们的笑声作为人类对生活中明显的无意义和荒谬的一种反响。黑色幽默诞生的初期,是美国20世纪60年代出现的一个小说流派。1965年,美国作家布鲁斯·杰伊·弗里德曼编辑了一本名为《黑色幽默》的小说集,集结了海勒、品钦等12位美国和法国当代小说家的作品片段。从那之后,很多文学评论家开始使用这个概念,用“黑色幽默”来指称运用荒诞、病态幽默手法的文学作品。而美国评论家尼克伯克发表《致命一蜇的幽默》一文,明确将这类作家称为“黑色幽默派”,于是“黑色幽默”便作为一个现代主义文学流派在美国诞生。 黑色幽默的内涵“黑色幽默”是“恐怖”与“滑稽”的结合。“黑色”代表恐怖,是可怕的现实;“幽默”代表滑稽,是对这种现实的嘲讽。创作者利用独特的视角,从并不令人愉快的现实中看到了令人发笑的特质,使人在对作品中呈现的现实感到绝望和无奈的同时,仍然能发出笑声,借以缓解莫名的生存焦虑和令人窒息的压抑感。所以,尽管黑色幽默中包含悲剧性的内容,但它仍属于喜剧的范畴。而与传统幽默不同的是,黑色幽默的作品往往充斥着一种不可理喻的悖论,使得现实看起来荒诞不羁。比如《疯狂的石头》中,小盗贼为了生活戏耍了装备精良的国际大盗;卡夫卡的《城堡》中,K先生永远找不到但永远敞开的门。其次,正如“黑色幽默”的一个别称——“绞刑下的幽默”所带给人的感受,黑色幽默常常来源于对死亡的冷漠。刽子手会在行刑前问犯人:“你觉得这玩意儿结不结实”。“在这里,悲剧的情节得到了戏剧化的处理,喜剧的形式又被赋予了悲剧的内涵。”黑色幽默利用喜剧的思维来揭露现实、嘲笑权威、颠覆常规;人们则在非常态的笑声中,解放自我,并重新看待世界的阴暗和浮华。 黑色幽默电影中的悖论悲与喜,恐怖与幽默,这些元素的交集让黑色幽默电影呈现出非常迷人的气质,但同时也酝酿出一些悖论,主要会体现在三个层面。(一) 个体身份 “人”是黑色幽默电影关注的中心,而人的“身份”是多种情节冲突的来源。黑色幽默电影往往会呈现出人物身份的多重性,这种多重性天然的矛盾既带来了幽默,也常常是此类电影中黑色元素的所在。《让子弹飞》中,姜文饰演的张麻子本来是令人闻风丧胆的土匪,之后摇身一变成了“鹅城”的父母官。同样是姜文的电影,《一步之遥》里,马走日本来是贵族出身,选美大赛主持,评委会主席,却一夜之间成了通缉犯,而项飞田也从马走日的莫逆之交变成了追捕他的仇人。这种前后身份的截然不同使得人们在观赏电影时可以跳出原始的身份带入。土匪也可以是执政者,好人也可以是坏人,这样的电影给观众更多机会去思考人物本来的意义。也就是说,这种多重身份的天然矛盾使得“身份”本身破裂,反而更能刺激观众对“身份”的存在意义进行评判。(二) 价值判断黑色幽默电影往往还会引出一个有趣的哲学问题:生命和尊严、荣誉、爱情等等相比,什么更重要?《无人区》里,利欲熏心、睚眦必较的潘肖在逃生和营救他人的抉择前选择了后者;《让子弹飞》里,可怜的六子为了证明自己只吃了一碗粉,剖腹而死;《疯狂的石头》里,包世宏不顾台下观众的呼唤,只想痛痛快快地上个厕所。这些情节都包含价值判断的矛盾:潘肖为了律师费,给恶人辩护,欺负好人,小人嘴脸跃然荧幕,这样的人最后却选择了舍生取义;六子在一个如此明显的诡计面前,刨开肚子自证清白,宝贵的生命显得无足轻重;当然,在即将登台领奖时,一般人也不会为了上厕所而放弃荣耀的一刻。原始渴求与价值选择间存在冲突,这正表达了黑色幽默提出的哲学问题。(三) 社会环境黑色幽默往往还需要社会环境的支撑。人物和环境的相互作用,使得黑色幽默得以大行其道。《黄金大劫案》的故事背景是动乱纷争的抗日时期,《两杆大烟枪》的故事则发生在一个毒品、赌博和欺骗横行的社会。影片中人物之间的冲突和矛盾看似荒诞夸张,却是现实社会问题的真实写照,人物际遇看似极端,却也映射出当下社会底层小人物的影子。电影是对现实生活的艺术加工,而黑色幽默电影就是对社会生活的黑暗面进行幽默的包装,使得人们能够在嬉笑怒骂中直面社会问题。黑色幽默的另一个来源是社会环境带给个人的压迫感以及个人对社会环境的反抗。《无人区》中,潘肖在杀人后因为恐慌选择了毁尸灭迹,但是无论如何都不能如愿,这种与成为阶下囚的对抗成为了这部影片最具喜剧效果的元素。这种对抗的诉求一而再再而三的无法得到环境的满足,事实上这就是环境对人物的一种挖苦,更加突出了人物的无力。 结语:简而言之,在现实社会中相对恒定的“身份”在黑色幽默电影中被频繁转换,促使观众能够对人物进行更加微观的透视,发现情感的真相;当被社会公认的价值观,在黑色幽默电影中被不断解构重构,会让观众更加明白价值的底线和意义;当创作者们将残酷的现实以轻松幽默的方式展现给观众,在引人发笑的同时进行潜移默化的表达,激发出观众有意或无意的深层思考。这些因为悖论而产生的特性,是黑色幽默电影让观众如此着迷的原因,这也是电影这种强情节的故事形式最能够带给观众的意义所在。 凡影周刊注:本期策划尝试在一个基础理论框架内,进行一些关于电影本体的思考,与凡影往期文章的主题会略有不同。这样的尝试是否能给从业者带来启发,我们非常愿意聆听您的意见,欢迎反馈。 参考文献:若尘.斯威夫特与《格列佛游记》[J],世界文化,2006(12):25修倜.论黑色幽默的悖论性[J].外国文学研究.2010(05):154-162李燕.黑色幽默电影研究[D].徐州:中国矿业大学.2014:15-27李川.论宁浩电影的黑色幽默[D].重庆:西南大学.2013:2-4曾杭丽:《美国黑色幽默探源》[J],《鸡西大学学报》,2010(3)---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一图】国内黑色幽默电影的发展导语:国内黑色幽默电影起始晚,但在持续成长。本期【一图】将梳理黑色幽默电影在国内的发展历程,并对具有代表性的部分电影进行简单评析,供参考。---------------------------------------------------------------------------------------------------------【一影】又见Top10,黑色幽默篇导语:对观众来说,一部好的黑色幽默电影往往意味着离奇的剧情和荒诞的人物,意味着在因为故事而发笑的同时,有意或无意的陷入更深层次的思考。本期【一影】就来盘点和推荐十部具有影响力的黑色幽默电影。策划:阿戚听译:何雯雯后期:小超人请在WIFI环境下观看视频链接:http://v.qq.com/page/m/7/w/m0157bmmh7w.html

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