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导演
  • 导演必知的电影娱乐法与构图技巧

    想做一名导演,就一定要了解和熟悉导演的职责和工作内容,无论是拍摄电影还是电视剧,导演一般分为三个阶段进行工作,即筹备阶段、拍摄阶段和后期阶段,导演要自始至终参加拍摄的全部过程,可以说任务繁重,责任重大。导演必知的8条和电影有关的娱乐法一、改编权转让合同中有哪些小门道?1、改编权的转让制片公司付出了资金和精力储存了大量享有改编权的小说,但这些小说长期不能改编成影视剧怎么办?在合同中明确约定制片公司可将改编权转让给第三方,或是与第三方联合行使改编权,既可以最大限度地利用所获得的改编权,又可以避免日后与原著作权人发生纠纷。2、续集优先购买权小说改编的电影火了,原著作权人又创作了新的续集作品,要买就加价!对于制片人来说,应该提前想到这种可能性,在双方的第一次版权购买合同中就约定「若著作权人创作出续集作品,应通知制片公司,在同等价格条件下,制片公司有权优先获得续集作品的改编权和摄制权」。二、如何应对电影的寄生营销策略?寄生营销的关键在于建立与正片相似的商业元素,从而实现搭便车的目的。常见的营销策略有:1、混淆片名对策:注册商标;作为美术作品进行版权登记;2、混淆试听——模仿音乐、服装、造型、道具、布景等辅料对策:进行版权登记,化元素为作品;3、主创相同对策:设置排他性条款,比如在与演员的聘用合同中,可以约定未经制片公司许可不得在非本公司出品/制片的类似/续集电影中出演角色。三、电影中的字体使用也会有风险?字体的不正当使用,也可能有侵权风险。那么,该如何避免呢?1、使用开放字体——无版权隐患;2、使用原创字体——有辨识度,易形成品牌;3、取得字体授权——字体授权费用应当列入制作成本中,营销物料部门特别要注意。四、不满意植入视频广告的效果怎么办?在实际操作中,合同的条款是制作方和广告商合作的底线和最低要求。所以要想保障植入效果,就需要在合同中详细规定品牌和产品在影片中的体现方式。此外,合同中应给予广告商审查权,虽然这样做,看似是增加了广告商对制作的干预,是对影视制作的限制,但真正的「合作」一定是为了达到双方的「满意」。五、年轻导演需要注意哪些法律问题?年轻导演需要处理的问题首先是「拉投资」,即如何妥善处理与投资方的关系以便投资协议的达成;其次是署名权的问题,包括具体的署名方式、署名顺序等;当然还有参奖的权利,毕竟对于年轻导演而言,取得的奖项最能够说服制片公司的信任,在以后的合作中给予其一定的自主空间。六、导演的报酬通常是如何支付的?国内电影导演一般有两种片酬支付方式,一是固定片酬,二是固定片酬加票房分账。固定片酬基本没有一次性支付的,都是按照工作阶段,约定合理划分比例,在什么时间支付一定比例的片酬。一般分为三个阶段或者四个阶段:定金、拍摄中期款和尾款。七、剧照授权,摄影师该如何保证自己的权利?摄影师被制片公司聘用拍剧照时,合同里要对作品的使用权限加以规定:制片公司买断剧照的著作权;摄影师与制片公司共同享有照片的著作权;摄影师仅许可制片公司使用(涉及范围和年限,以及可否进行转授权和分授权)。摄影师只要在衡量双方利益需求之后,把自己需要的权利按照最合算可行的方式保留即可,就可以在最大程度上保证自己的「权益」。八、创业型工作室与影视公司签约时需考虑什么?影视工作室通常是创业型团队,有独立的制片能力。对于这样的工作室而言,利用大公司的资源可以保证团队的最低营收,同时又可以增加自己的履历,进而在未来形成独立的制片能力。这时签约主要需要考虑如下几点:1、排他性——是否不能再承接其他业务;2、合作模式;3、作品版权、团队署名、作者署名;4、利润分配;5、其他:分工,人力资源的分配,参与度,工作权限等。导演必知的6个电影构图技巧!一、戏剧性角度摄影机的角度对于一个镜头的意义有非常重要的影响。戏剧性角度可以强化一场戏的情感冲击力。摄影机的低角度显示角色和物体的高大有力。摄影机的高角度赋予角色低姿态,好像观众正在俯视他们。极端角度就是夸张了的戏剧性角度,极端的低角度可以起幅于被摄物的脚下,朝天拍摄。极端的高角度可能是在高耸的办公大楼上向下观看,俯瞰人类的渺小。鸟瞰视角是一种极端角度,就是把摄影机直接置于场景的上方、径直向下拍摄。二、斜角镜头地平线倾斜,一般指是的将摄影机稍微向一边倾斜,通过环境的不稳定感给观众传达角色不稳定的情绪,增加镜头的张力。这种角度会让画面失去平衡感,通常在表现不安、暴力、惊险、醉酒等情境,也能在表达疯狂、丧失方向感、药物对精神的影响或气氛改变时采用。当存在醒目的水平条线和垂直的线条时,这个技巧最具表现效果,摄影机倾斜的角度会得到强化。因为我们的眼睛看任何物体都习惯直上直下,所以由于倾斜的地平线而产生的斜线会立即引起我们的注意。三、画面留白留白是摄影构图中很常用的方法,留白能够让画面变得更加简洁,重点突出画面中的主体,以营造简洁、意境丰富的画面,留白其实也是减法构图的一种方式。在摄影构图时给画面背景多留些空白部分,如单一色调的背景,它们可以是干净的天空、路面、水面、雾气、虚化了的景物等,不会干扰观者视线。举个例子,当灰姑娘被后妈赶到阁楼上去的时候,画面切换到了一个大全景,昏暗的阁楼上空空荡荡,只有一些破旧的家具,灰姑娘在画面中仅占很小的一个点。这个场景就很好的运用了“留白”技巧来凸显灰姑娘在失去父母后的孤独,而从屋顶洒下来的一束光更是运用得恰到好处,促使观众的注意力全部集中到了主角身上。四、实现引导导演可以用这样的方式构成一个场景:运用场景内的被摄物体来将观众的视线引向一个特定的物体、人物或者画面的某一处。视线引导通常需要通过利用较长的物体(一排栅栏、一条蜿蜒的道路)来完成,这个技巧可以使观众在面对一个复杂的场景时明白自己应该看向何处,或者出于美学方面的考虑。五、三/四人构图三人、四人构图是一种很有效的技巧,它可以通过人们自然的眼神使一个场景中的被摄体之间彼此发生关联。出自天性的构图感觉通常使我们在看三角形的物体或者三个物体的组合时感到和谐。在演员不多的场景中,或者当表现两个演员时和一个物体、两个演员和背景的影像符号时,这种技巧非常有效果。在含有三个以上角色的更为复杂的场景中,把每一个演员分隔成各自独立的“三角群( triangle group ) ”是一种有效的处理方法。六、增加层次在每个镜头、每个场景之中,导演都有机会通过构图增加场景的层次。后景中的物体能强调暗示的含义,或者延伸中间场景中的层次。前景物体能显现出对纵深空间的强调。中间层次物体能用于分离前景和后景的层次。为了增加效果,还可以设置内部画框,我们在银幕上看到的画框是被电影摄影机的画面边框所限定的,这个边框叫做外部画框,电影制作者可以在画面中增加一个内部画框,比如一扇窗户、一片灌木丛、一扇门等等。这种效果能够将角色剥离出来,即使他们处于画框中较远处。而且可以使内部画框中的人物从一群在开阔空间中边沿的角色里脱颖而出。这个技巧有利于增强场景中的细节。要知道,一个电影化的镜头并不是简单地对着一张脸或者一个物体,让摄影机拍下来就可以了。场景中的每个细节都能被用来改变观众对于故事或电影语境的感觉,每个构图设置都能用来表达电影人物的处境和情感。以后在看电影的时候,你也可以通过对画面构图的分析,来理解电影所表达的语境意义,也许能够更好的了解导演想要表达的思想。

  • 贾樟柯“离开”平遥,江湖儿女江湖见

    文 | 武怡楠彻夜难眠。这是自贾樟柯宣布离开平遥国际电影展之后,不少电影人、电影爱好者的状态。截至毒眸发稿,许多电影人依然表示“心情很差”,不愿多谈起;有人“在电影宫蹲到两点才走”,也有人甚至在离开平遥后折返回到平遥电影宫,毕竟“明年的情况可能有所不同了”。这一切都来的太突然了。10月18日下午4点多,本届平遥国际电影展的媒体群里忽然通知了采访消息,就当到场的媒体以为只是例行公关活动、平静地问着明年的票务事宜时,贾樟柯忽然宣布了一则大消息:“我们一路走过来,可能今年是我们这个团队做的最后一届平遥国际电影展。”换言之,第五届影展将交给新的团队来主办,届时会有新的策展人、承办团队,来继续打造这个越来越受到关注、正处于上升期的本土影展。由于事发突然,晚上7点30采访开始时,许多媒体都没来得及到场。本来可以容纳百人的采访间里,仅有二三十人,其中不少还是工作人员。甚至连影展的许多工作人员都对即将发生的“大事”毫不知情——某位在纪念品店里忙于招待顾客的工作人员表示,他还是从来往的路人口中知道了这次巨变。意外,却也在意料之中。早在本届电影展放出片单时,《不止不休》《妈妈和七天的时间》《汉南夏日》《裂流》等一批热门电影便引发了影迷群体的广泛讨论,甚至还有人专门为此规划了此次平遥之行。然而在影展开始前,包括《不止不休》等影片在内的几部电影,却都临时宣布取消放映。当即就有不少影迷表示了愤怒,觉得自己这一趟可能会“去了个寂寞”。影展现场,上述几部影片被“藏龙ABCD”的名字代替,并以学术交流的名义,改为非公开放映、特邀媒体场等形式。其中,《裂流》《汉南夏日》《妈妈和七天的时间》都只进行了一场媒体放映、和一场面对观众的“学术交流”。而《不止不休》更为特别,全程只有过一次内部放映,只有被邀请的嘉宾媒体才能参加。匿名影片并不是本届电影节的孤例,在影展期间,不论是临时取消的活动,还是总在前一天深夜才发布的媒体日程表,都让不少从业者在本届电影节感受到了无形的压力。可因为一切都在正常运行着的电影节,又让他们无从感知这种压抑的真正原因。有多方独立信源向毒眸表示,上述几部影片,均还未走完影片申报流程。但为了规避风险,影展并未公开放映这些影片,而是改为内部放映或其他形式;同时,也不再以电影本身的名义公开售票;而电影展将颁发的奖项也以“荣誉”授予。据毒眸了解,上述影片依然存在未走完审批流程的情况。“这是在中国办一个纯粹的电影节必然要面临的问题。不过这次的电影只是流程还没走完,其实最后都能拿到的。”一位电影人告诉毒眸。而据贾樟柯的公开言论来看,退出电影展的不仅仅是贾樟柯,还有他的团队。于是很多人担心,贾樟柯和其团队的离去会对这个电影展造成一些连锁反应——毕竟,贾樟柯在某种程度上,是平遥国际电影展的灵魂。“我就是冲着贾樟柯来这个电影展的”,不少人都抱有这样的想法。的确,贾樟柯对于平遥而言,其意义是不言而喻的。“这四年,‘所有人’都是因为贾樟柯而去。很多人都是他的朋友、或他社交圈可以辐射的人。”一位资深电影人坦言。而这样的号召力,并非只因为贾樟柯的行业地位,更多的,是他对于平遥的付出和精神。平遥国际电影展,就是在贾樟柯的推动下诞生的。第一届平遥国际电影展开幕时,站在崭新的电影宫中,贾樟柯就坦言希望这里能始终保持对电影艺术新发展和新动态的高度敏感、成为优秀的年轻人走向更大舞台的桥梁。2018年,毒眸曾在第二届平遥现场问过贾樟柯关于做平遥的初心是什么。贾樟柯告诉毒眸:“我一直有一个很大的落差,我有机会去到世界各地的电影节接触非常多元化的电影世界,而我们的电影还是比较单调。我希望能够创办一个电影展,让我们中国的观众看到银幕世界其实是一个非常多元化的世界。”于是,在这样的初心下,平遥走过了其重要的四年。当初,在电影导演李安的特别授权下,电影展以“卧虎藏龙”为名,旨在形成非西方电影与西方电影的对话,立足于成为一个大格局、小身段的“精品电影展”。而贾樟柯及其团队除了对平遥电影展有着这样“小影展大格局”的格局,也将更多的用心体现在细节上。为了让更多的人看到这个“多元的世界”,每一年的电影展期间,贾樟柯都事必躬亲,几乎每一部电影的首映礼映后交流、红毯,每一次大师班,都能看到他的身影。有时,忙不过来的,也会请搭档马可·穆勒出席。10月的平遥,气温已经低至可以呼出白气的程度,站在红毯尽头等待和剧组合照的贾樟柯有时衣衫单薄,但他从未“缺席”,有时,他甚至每天都要站立10个小时以上。一位曾因种种原因被平遥“拿掉”影片的主创曾告诉毒眸,当年自己还是因为其他原因去了平遥,得知她前往的消息后,贾樟柯还专门向她表达了歉意。“那一刻,我感觉贾导绝不仅仅是为这个电影展站站台,而是真的在做主事人。”她感叹道。如今,在贾樟柯的不懈努力下,身处中原小镇的平遥国际电影展,已经在短短四年内吸引到了大量国内外的影片参展。到了今年,53部展映影片做到了43.4%(23部)为全球首映、88.7%(47部)为亚洲首映、100%为中国首映,保持了平遥一贯对首映的重视。与此同时,第二届时,贾樟柯已经在思考如何迅速市场化,避免电影展被政府断奶后就失去生存能力。今年,在经历了三年的政府扶持后,电影展已经实现了100%的市场化,今年的平遥“没有花政府一分钱”——这是贾樟柯和他的团队努力的结果。在影迷心中,和贾樟柯之于平遥类似的,是穆勒如何成为威尼斯的代表。2004年,马可·穆勒从瑞士人莫里茨·德·哈登手中接过了主席大印,从那以后,这个日渐衰弱的电影节逐渐复苏,来到水城的明星越来越多,佳片频出,抢走了戛纳不少风头,还为威尼斯当地创造了可观的财政收入。现下,大家普遍担心的是,当明年的平遥电影宫失去贾樟柯的身影时,今年是否真的就算作某种意义上的“最后一届”了。不论是从业者还是影迷,都对被新团队接管后的平遥国际电影展,是否会在影片审美上出现下滑、作品内容被严格限制,表达了担忧。事情还会有转机吗?或许很多人还在期待着新的变化。但在今日的平遥电影宫里,很多人已经顾不上这么多了,他们都想为这里的记忆留下点什么。一位还留在平遥的影迷告诉毒眸,今天上午平遥的礼品店里可谓人山人海,大家都在在抢购所剩不多的周边衍生品,而热门的帆布包等周边早已售罄。其中有不少人在帮忙“代购”杯子、衣服、海报等,寄给未在平遥的朋友。毒眸记者也收到了许多“求助消息”,希望帮忙带一张电影票回来留作纪念。或许,平遥电影展还会继续,或许新的团队也有机会续写平遥的故事。但属于贾樟柯的平遥电影展可能将告一段落。不过,在过去的24小时里,有太多电影人表达了对此事的感同身受,无论接下来的平遥将走向何方,平遥在过去四年里给中国电影和电影人带来的,已经成为了他们前行路上的养分。愿感同身受的人能带着热爱继续前行。早在今年的电影展之前,贾樟柯就告诉《春江水暖》的制片人黄旭峰,想在大屏幕看到《春江水暖》。“现在好了,他应该有大把的时间了,等他空了,我要送过去给他看。”黄旭峰昨晚在朋友圈写道。而再晚一些,赵涛发微博说,贾樟柯,终于可以睡觉了。

  • 《陈皮糖》导演手记

    《陈皮糖》导演手记这是一次非常赶的任务。从写剧本筹备到拍摄后期,总共不超过15天。剧本磨了就有一周,改了很多版本,但时间紧迫,有些细节和一些情节设计,也没有再细究,要留些时间给后面制作。15分钟,15场戏,剧本比较规整。三天拍完,一天平均5场。刷了一个大夜,集中拍便利店的戏份。这次拍摄是我第一次找美术师帮我做美术工作,因为我希望这个片子的色彩设计可以参与到叙事中来,以前拍片完全不讲究这些,当然也是没有资金支持。这次拿到了6000元的资金支持,所以狠下心拿出3000元来花在美术上面。主要的美术工作是角色人物形象设计和场景的搭建。在我跟美术师的沟通下,美术师先给我了一个色轮配色图,定下大的色彩搭配。剩下的事情就好办了。人物设计图和场景气氛图也很快拿到。剩下的事情就是花钱买买买,剧本里面牵扯到的服装道具,色彩上都按照那个配色图来购置就行了。买了不同颜色的头盔,背包,衣服。最花钱的是女孩家里的那个场景,我找了一个在外面租房子住的师哥,借了他的家来拍片。我们再按照我们原先设想的重新布置一遍。拍完之后又要复原回去。片子想借用色彩的变化来表达女主的心情变化。开心的时候,暖色调居多,忧伤的时候冷色调居多。美术直接影响了画面的基调,所以经过这次拍片,认识到美术(钱)的重要性。这是一个跟雨撇不开关系的神奇剧组。拍了3天,赶上清明节,基本上都在下雨。所以我称我们是雨水最多的剧组。天气的原因,主要影响两个方面:灯光和转场。片子的基调定的是明亮的,清新的。但老天不赏脸,一直是阴天,阳光没有想象的那么好,室外没办法,找机会拍,一有阳光马上出去抢戏。室内就只能靠灯光硬打出来阳光的感觉。这次拍摄器材一半使用的是BMPC,一半使用的是FS7,FS7主要拍摄夜戏便利店,剩下的都是BMPC拍摄的,最佳感光是ISO400,而且我们没有大光圈的镜头,用的是佳能24-70 F4,70-200 F4 所以很吃光。我们灯光最大的灯也只是575W镝灯,钨丝灯都是1K 650W。所以教室那场戏浪费了半天时间来布光,用了我们组所有的灯具,才勉强打出有阳光的感觉。如果镜头光圈能再开大些,有更大功率的灯具电话就可以加快很多速度。下雨也把转场的我们害惨了,用三轮车拉着一车设备,害怕器材淋坏了,拿大油布铺在上面,我们推车的学弟只好淋着大雨,甚是狼狈。我也非常感谢我的学弟们,愿意这么拼的帮助我拍片子,很靠谱!后期剪辑熬了3个大夜,音频那边也拼命在做,用了整整2天时间。因为片子里面对白非常少,大多数都是动效和环境声音,现场录出来的声效不够细腻,包括不可避免的下雨声,所以环境声音也用不了。这个片子85%的音频是后期做出来的。环境声重新做,动效重新拟音,连那寥寥无几的几句台词,也进行了ADR,录音师嫌现场录的不够干净不够实。音频工作室三台电脑同时在做这个片子,一个人负责环境声音,一个人负责拟音效,一个人负责音乐编辑,最后工程合并,做一个终混就好,最后音频总共用了将近100轨,而科幻战争电影估计要上几千轨了,轨数越多越细腻,细节和层次就会更多。音乐上虽然都是罐头音乐,但还是有设计的,做了主题再现,有一首主题音乐重复在适当的时机出现,来表达青涩的爱情这个主题。调色上也有个小技巧,我把它称之为“达芬奇刷墙术”在饭店的这几场不同时间的戏,是同一天拍摄的,只是演员换了衣服,换了情绪,但饭店的墙面是红色的。在后期调色的时候,将墙面用吸管选出来,进行色相偏移,让其成为蓝色。弥补了我们剧组没有钱用油漆刷墙的短板。最后效果也达到效果。2016年5月

  • 《菜根潭》的拍摄记录与后续

    2018年,似就像是一杯薄酒,一首骊歌,尝不尽的酸涩与歌不尽的潸然,在这一夜之间空了,也止了。才惊觉与懊恼原来我就这样失失然的与2018年道了别。这一年,还是走了蛮多的路,学到了许多东西,也更加清晰的摸索到了前方的路。获得的成绩这块不提也罢,始终觉得这些成绩还不足以支撑起我“狂妄”的资本。我也庆幸着两年前的抉择,拒绝了周围一切的声音与期待,让彷徨的自己能够坚定不移的选择把自己投身于现实社会的丛林里去磨练,站在各种不同的格局与立场去思索问题,看看那些优秀的人是怎么去发现问题,以及解决问题。创业的这个过程,本就是“一个人就是一支军队”,时时刻刻能够感知到周遭空气里无形的压力,这种压力之下,便会压榨着你的潜能与不断的扩宽你未来的可能性,让自己的生活更加的有期待感。在18年的末梢,和平潭网首次合作,拍摄了这个关于平潭美食文化的片子,把这个作为18年的休止符。其实早在两个月前,我就和老周有交涉过合作拍摄的可能性,在去年《天堂的来信》因为制片费用与拍摄人员,场地的冲突问题,导致了夭折,当然有很多的原因是自己的责任与问题,所以对于想要做非商业的个人创作这种事情,其实是很难的,加上剧本内的道具与美术的高需求,就更难了。因此,一个金主爸爸的重要性,非常关键。终于在12月初时候,老周来福州出差,顺路来我们公司就和我聊了聊(起初其实是想要试着招揽我们,结果,聊着聊着,就被我引到了合作这件事情上,感觉自己有点坏,哈哈) ,老周他是一个很有想法和梦想的媒体人,与我认识的传统媒体人不同,你可以从他的每一句话里,都能感受到他对于想要将平潭宣传出去,有多么渴望,因此我们就一拍即合,形成了合作。刚开始时候我们确立了以平潭美食为主题的栏目,风格可能更趋向于类似舌尖上的中国这样的纪录片,但后来我经过了几次的思考,寻找不同创意的可能性,最终就将它变成了这种带有故事形式的,又像是纪录片,又像是TVC广告,又像是宣传片或微电影的四不像类型。想要通过故事的形式,来将平潭美食的特性融入到更高级的哲理与为人处事上去,例如咸埘的特性是团聚,团圆,也就是团结一致,坚定,还有在制作咸埘过程中,是需要每个模块里的人团结在一起才可以诞生出咸埘的。(每行每业只专注于自己专业内的事情,渔民只捕鱼,农民只种地,类似匠心精神之类)。故事的脉络就是老钱在上海创业,因为自己的不坚定,以及对同伴的不信任,没有将自己的团队凝聚在一起,最后团队里的人一个个的离开,宣告了创业的破产。然后在失意与失落过后,决定出去走走,无意间就到了平潭,将平潭塑造成一个世外桃源的地方,在忙碌的大都市生活圈里压抑许久的人都向往的乌托邦。在这里,老钱在做平潭著名小吃咸埘的过程中,以及在平潭的所见所闻,终于接受和面对了自己的失败,也重新的振作起来。片子的名字叫《菜根潭》,起源于《菜根谭》这本书,书里主要就是讲为人处世的哲理,且最后一个字和平潭的潭字又吻合。这次拍摄,一共拍摄5天半,在平潭拍了4天,在上海拍了1天半。片子里绝大多数的镜头其实都挺有意思的,要细细看才能慢慢看懂,包括我比较喜欢的那几段意识流的片段,比如弹钢琴那段,具体的就不做过多的详细说明啦。这次拍摄,我们也是抱着轻装上阵,拍摄执行团队一共四个人,器材使用也很简单,用的是5k不到的A6500,三个适马的apsc定焦头,以及一个1k左右的上古胶片镜头“阿富汗少女之镜”。今年我也彻底从一个器材党转换为更多会去思考片子创作内容,因为拍摄那几天都是阴雨天,其实也造成了很多不方便的地方,例如做咸埘场景,其实想的是一个夕阳西下的感觉,后面也只能通过灯光的架设来布置打出那种环境,其实最后咸埘出锅和端出来那些画面都已经是晚上了,但是片子里,你完全看不出来那是晚上,就是归功灯光的功劳,在这里也要表扬下我们的灯光师翁嘉嘉。为了营造那种热气腾腾的氛围感,我们买了电工胶带和烟饼做配合,作出弥漫着烟气的感觉,提升了环境的温度感。还有包括渔民的镜头,也是一波三折,一直在等阴雨天什么时候过去,因为每天潮汐都不同,渔民什么时候出海回来时间也不同,所以我们也都是随时在待命和做好了随时去拍摄准备。拍人文时候也都是一直在等天气,好在运气还是很好的,在最后一天时候,终于放晴了。上海拍摄,是我自己一个人去的,考虑到成本等等因素。在来上海之前,我就已经做好了详细的拍摄计划,一个是地铁站,一个是东方明珠和小外滩。第一天的下午三四点就跑到了人民广场地铁站去蹲守,一般到了5点开始,人民广场的地铁就会达到人潮的高峰期,为了表现那种人流涌动,并且带有一点慌忙虚幻的感觉,这里要说一下索尼大法有多好,可以降快门去拍视频,用十分之一的快门去拍人潮,所以画面就变成了像开头那样各种人潮虚影窜动的感觉。这次上海之行,刚好还巧遇到了老友Andrew从温哥华回国,他回国想拍一个行走中国的vlog,上海是他的第一站,于是我们就约了一起,还趁了他一波的Red。到了后期制作,其实这次后期制作的时间,远远超过了拍摄时间,也是我有史以来最久的一次后期,因为这次,我找到了老同学,也是薄荷绿乐队的肖勇来当我的音乐指导,两年前,刚从四川回来时候,肖勇那时候问我说,什么时候可以合作一次啊,我说会有机会的,这一等也等了两年,笑。片子里的音乐都是原创的音乐,因为白天他很忙,还有各种演出,现在也已经是一个小有名气,经常邀请参加国内众多比较知名的音乐节了。我们也都是约在晚上开始推进工作,连续好几个晚上到凌晨三四点还在沟通和调整音乐,对于这个片子,也是花了我们很多都心血。2019年,从明天开始,我会暂时的先停下来,慢下来,去做一件更为纯粹的事情,花一年的时间或学习,或旅行。

  • 《广告点翠篇》导演后记

    《广告点翠篇》导演后记这是陕西大型文化综艺《马可de世界》的先导片,主要是拿给中宣部领导看的,进行立项,拿到国家各方面的资助。所以这个先导片成为了关键点,这个综艺主要做的是重走商业丝绸之路,素人明星华侨真人秀,带动沿线商业发展。而在片子中制片想充分体现爱国情怀。剧情上我们加入了爱情元素,中国传统手工艺品点翠技艺等具有中国特色的东西。人物设定是意大利华侨,逃亡到欧洲的爷爷等,人物比较多,关系复杂,牵扯到三个时空,如何在3分钟之内讲清楚这件事情成为关键。美术设计片子最大的难点在于三个时空的划分以及影像的把控上面。三个时空我们在美术上面想了很多办法:现代时空就以素色为主,现代感强一些;马可小时候时空稍微暖色多一些,怀旧风,突出他和爷爷的感情温馨;中国民国,则是大量使用中国红和黑色,加上中式家具头饰等,以此来区分三个时空。意大利欧式内景制片在秦岭脚下的别墅区内找的样板间。中式内景是在西安白鹿原影视基地拍摄的。最大的问题是在一个阁楼上面,有两个特别低的梁,只有1米7高,演员都是1米8以上的,在拍摄的时候就要尽力避开这些穿帮的地方。美术部门去堪过景后给出了气氛图。最终陈设出来的效果跟预想的差距不大,完成度很好。(效果图)(实拍图)摄影这次我们并不想拍的特别像商品广告,而是借鉴欧美的广告,更具有电影感一些,突出情感。所以影调并没有很通透很亮,而是追求更多的层次,暗部占比也不用那么拘谨。拍中国民国戏的时候,为了强调出故事感,传奇色彩,全程使用了柔光镜,让画面更柔和,更加不真实一些。全西安找不到任何品牌的柔光镜,本来想用天芬的黑柔,但最近的大城市最快能寄到的只有一套施耐德,最后只好用了这套施耐德好莱坞黑魔法柔光镜,他其实是1/8柔光加雾化。在上次《上岸》拍摄过民国戏后,这次更加有信心,听取了师哥的意见,注重演员面部打光。有些地方镜头前面套了白纱布,出来的效果很棒。不过要注意现场的光线如果着在镜头前的白纱上是会反光的,对画面影响比较大,根据情况和预期效果调整遮光斗。这次拍摄使用的是ALEXA Plus 第一代传感器,直出2K ProRes4444感觉素材在噪点和宽容度上,跟ALEXA MINI不太一样,可能ARRI第二代传感器做了进一步优化。这次素材噪点还是有点明显的,不过比其他机器倒是少很多。镜头使用的是UP定焦组,让我大失所望,好轻,塑料手感,跟CP设计上好像区别不大。感觉PK6都比UP有电影镜头的气势,PK6和MP有些相似。变焦镜头用的是安琴25-250 片子中有好几处推焦镜头,不想后期放大损失分辨率,就现场拧上去。后期剪辑调色都是用的达芬奇12.5,现在达芬奇的剪辑功能已经很好用了,我一直使用PR来剪辑,达芬奇来调色。这是我第二次全程使用达芬奇进行后期的片子,好处在于不用套底,速度快,可以直接看到遮幅和色彩。但对我而言,如果是素材量比较打的长片话,还是选择转代理,用PR更舒服一些。DI调色套用了模拟胶片 柯达2383 D65的LUT这次拍摄有一个想法,没有完全实现。在民国戏里,有一场废墟气氛的戏,用了两颗1.2K镝灯从窗户打进来,还放了很多很多的烟饼,但好像丁达尔效果不是很明显。还有完全掌握这种技巧。是以后突破的一个点。2017年2月

  • 徐峥,回不到过去

    文 | 吴喋喋编辑 | 吴燕雨《我和我的家乡》的五个单元故事里,若票选最令人印象深刻的角色,《最后一课》单元的中范伟饰演的“范老师”可能是人气最高的。豆瓣高赞短评写道:“范伟把我的泪点掐住了”、“教科书级别的演技”;微博上,范伟雨中奔跑的花絮冲上热搜第一,评论说:“范伟真的厉害,从他跑出教室我就开始哭,一直到单元结束”。也有观众能够指出,范伟动人的表演不止是范伟自己的功劳。作为这个单元的导演,恰好在徐峥的导演方法论里,表演也是重要的话题。“导演对表演,必须达到一种切身的理解,要完全能够站在演员的立场上,为演员的表演提供有帮助的指示。”10月12日,徐峥在丝绸之路国际电影节的大师班上,传递了这样一种观点。对表演的理解深度,或许是徐峥作品里容易诞生“高光演技”的原因之一:从《我和我的祖国》里惊艳的小演员“冬冬”韩昊霖,到《我和我的家乡》里“掐住观众泪点”的范伟,都凭借演技引发了话题。另一方面,叙事功力也是《最后一课》受到好评的另一个原因。豆瓣一则热评写道:“(最后一课)展现出徐峥某个程度的细腻,他很擅长从小的切角去展开一个宏大叙题。”《最后一课》中,村民为帮助身患阿尔兹海默症的范老师,设下“重返1992年”的骗局,最终骗局的败露,也揭示了家乡的发展变化遮掩不住。徐峥在大师班上这般解释如此构思的原因:“因为观众是非常害怕说教的”,所以要通过一个“过去无法重塑”的故事,去展现变化。而毒眸通过徐峥在大师班上的讲述,也感知到《最后一课》与徐峥个人轨迹的某种暗合:从演实验话剧的先锋文艺青年,到家喻户晓的影视演员、商业片导演,近年来的徐峥正在试图回归到更接近个人表达的状态。但过去无法重塑,徐峥要做的不是变回90年代那个文艺青年,而是带着对过去自我的同理心和多年积累的经验,介入到当下青年导演的创作中去——成为青年导演的电影监制。徐峥提到,大部分导演正如当年的自己一样,是因为热爱艺术而投身电影创作的文艺青年,而现在的徐峥和他所成立的真乐道文化,正在通过“监制”这一角色,去服务青年导演,帮助“曾经的徐峥”们缓解创作之外、全产业流程上的压力。某种程度上,范伟饰演的乡村教师,也带着几分徐峥的自我投射:一个人仅凭自己的力量是无法改变“家乡”或者“环境”的,但是把经验分享出来,帮助更多有能力改变的人,环境就会向好的方向变化。文青徐峥“程耳找我拍《犯罪分子》的时候,是在1998年,那时候我也是个文艺青年。”大师班上与青年导演对谈的徐峥,回溯了他的青年时代,但很快又调转话锋:“现在如果让他(程耳)看我的电影,他肯定看不上我,觉得我已经不是一个艺术青年了。”二十年前,徐峥在大众的认知里是《春光灿烂猪八戒》里的猪八戒、《李卫当官》中的李卫。但其实在古装喜剧之外,他还是个演先锋话剧的艺术青年,这一度会让许多观众感到惊诧。但近年来,1999年问世的《犯罪分子》的重新流行,再度将文青时代的徐峥带回观众的视野。这部31分钟的小成本犯罪片拍摄时,导演程耳还在北京电影学院毕业读大四。作品有“北电史上最牛学生作业”之称,豆瓣评分7.4,一条2014年发布的热门短评无不惋惜地评价男主角徐峥:“大脑袋有大智慧,演技真实准确,可惜了现在的被定位。”《 犯罪分子》剧照但彼时观众跨越时空的“惋惜”对徐峥来说,未免来得迟了一些——文青时代的徐峥是不为观众所青睐的。《十三邀》中,徐峥和许知远走进了上海话剧艺术中心——1994年从上海戏剧学院毕业后,徐峥的第一个工作单位。艺术中心进门处的墙上挂满了剧照,徐峥很快从中发现了自己的身影:《拥挤》《艺术》《股票的颜色》......而后者令徐峥在1998年摘得白玉兰戏剧奖最佳男主角。根据徐峥的描述,从戏剧学院毕业后没有人找自己拍戏,所以他一直在演话剧。那时,话剧演员徐峥一度“小有名气”,徐峥还和朋友组建了剧社,并自己担任导演排了两部先锋的实验作品《拥挤》和《母语》。“当时就受到很多质疑,别人说你排的戏看不懂,这那的,当时我就很激动,还会跟人争辩。”徐峥在《十三邀》里说道。但他很快转变了思路,开始反思过于先锋的内容是否有意义,他认为自己应该对作品的传播效果负责任。愿意主动做出这样的改变,是因为徐峥虽然接受过高屋建瓴的戏剧教育、具备做出先锋性表达的能力,但他并不是那类厌弃成功的、忧郁的、纯度很高的文艺青年。徐峥在艺术性和商业化两个方向里同样具有可能性。世纪之交,徐峥开始涉足影视圈,同时也仍然在排话剧,前者所带来的曝光一度让徐峥的话剧事业“沾光”。2000年1月《春光灿烂猪八戒》在各大卫视反复播出,据索福瑞收视数据,该剧在湖南卫视、黑龙江卫视、山东和江西卫视播出的平均收视率均超过20%,最高平均收视达到31%。次年徐峥主演的喜剧话剧《艺术》在宣传不多的情况下,于上海连演15场。尽管徐峥自嘲现在的程耳一定看不上自己,但事实上,2007年程耳和徐峥又再度合作了悬疑惊悚剧《第三个人》。2009年,徐峥主演两部公路片,一部是指向喜剧和商业成功的《人在囧途》,一部是暗黑的《无人区》,后者入围了柏林国际电影节主竞赛单元。《无人区》海报文艺青年的人格从未离开徐峥的躯壳,只是一度被喜剧演员的光环盖住了——面向大众的商业喜剧片、古装电视剧能够辐射的受众,远比话剧和严肃电影来得多。但近年来,随着主演作品《我不是药神》的上映和徐峥个人导演作品中愈发明显的人文表达,他的“前文艺青年”身份不再显得太过违和。《我不是药神》在豆瓣被150万用户打出9.0分,位列豆瓣电影top250第47名——达到了近20年来华语电影鲜少能触碰到的金线。《最后一课》在《家乡》的五个单元之中,口碑亦属于上乘。徐峥延续了执导《我和我的祖国》单元《夺冠》的经验,从小人物的动机和情感出发,反而真实恳切;在叙事上,他在过去与现在的故事线反复切换,用重塑过去来反衬现在;细节也值得咂摸,比如颜料打翻在水里化成了彩虹的颜色、范老师一路走进教室那个调度复杂、明星云集的长镜头。而从颜料到彩虹溪水,再到片尾真实存在的“彩虹学校”,也是导演思维所创造的震撼。“最重要的是,这所小学是真实的,”徐峥强调。现实中,“彩虹学校”坐落于浙江省淳安县富文乡,真实存在的小学让影片的诗意得以落地,而非空中楼阁。这份细腻,与刻板印象里的喜剧演员徐峥、爆米花商业片导演徐峥,似乎是背离的,同时也是向着文青时代徐峥的某种回归。拥抱观众回归独立表达的欲望,一直草蛇灰线地埋伏在徐峥高歌猛进的商业成功之路里。并伴随其从演员向导演、监制身份转换的过程,流露得愈发明显。《十三邀》里,站在剧照墙前的徐峥,向许知远介绍了一部自己出演过的剧目《资本论》,剧情讲述了资本涌入文化领域,蚕食、吞噬文化的过程,主旨自然是艺术家对资本影响艺术创作独立性的担忧。“这个戏演完以后,(资本入侵文化)就真的发生了。”说这话的时候,徐峥语气平铺直述,听不出明显的情感色彩。正如徐峥没有纠结太久,就顺畅地从做先锋戏剧的艺术青年转型为拥抱观众的国民喜剧演员。决定出演《春光灿烂猪八戒》意味着与文艺青年的价值系统彻底分道扬镳,但徐峥坦言转变的过程没有太大的困难,在《十三邀》里,徐峥自嘲:“因为(我)就是比较偏俗。”徐峥做客《十三邀》 那几分的“俗”,或许指的是徐峥天然能够享受演喜剧,乐意听到观众的笑声。在大师班的分享里,徐峥提到自己早在学生时代演话剧时,便着迷于逗笑观众:“我发现我很喜欢演喜剧,你只要站在台上,你说一个包袱,下面‘哗’,马上就笑了,你会瞬间获得一种满足感。”《资本论》是徐峥主演的最后一部话剧,这部剧目演出的年份是2010年,这也是徐峥主演作品《人在囧途》上映的年份,这部700万的小成本喜剧电影最终收获3700万票房,并让“囧”系列成为徐峥往后十余年里挥之不去的作品符号。《人在囧途》之后,是票房12.67亿、创下当时华语电影票房新纪录的《人再囧途之泰囧》,这一纪录直到2015年才终于被《捉妖记》打破。《泰囧》不仅是徐峥的电影导演处女作,也开启了徐峥的事业新阶段:2012年,徐峥与妻子陶虹、经纪人刘瑞芳创立北京真乐道文化传播有限公司,这家公司也《泰囧》的联合出品方。电影《泰囧》海报看上去徐峥有计划地、高歌猛进地进行着身份的转换并获得更大的商业成功。但他自己却认为,转型导演是个“一点点介入”的过程。在成为影视演员之前,话剧舞台上的徐峥就在兼顾表演之外的工作,担任过话剧导演,带领整个剧目的演员进行长时间的联排。成为影视演员后,徐峥也自然而然地关注到表演层面之外、剧组的各种状态。在徐峥看来,表演是需要土壤和空间的,前期的准备、氛围的营造缺一不可,“处在一个比较对的环境里面,才能谈得上你的表演,场景、服装、造型哪都不对,你演什么?你是演不出来的。”随着在演员层面对剧组环境提出越来越多要求,徐峥开始谋求转型为导演。这一心态用徐峥自己的话来说是:“要不然我还是自己来吧。”因此,与“吞噬文化的资本家”形象截然相反,徐峥介入创作时带着平衡商业与艺术的初衷。但这种初衷在徐峥成为导演和公司高管的前几年并没能很好地实现,他被商业所掣肘了。徐峥多次在采访和公开场合流露出对“囧系列”的某种拒斥,更多的时候是避而不谈,在《十三邀》里则明确说,自己不喜欢“囧”这个字。这个字代表着国产商业片最具价值的IP之一,但徐峥却想要终结它的商业片属性。“大部分观众认为囧系列就是爆米花电影,但我自己知道不是,我只是之前做得不够成熟,但随着我越来越深入,我必须让它脱离爆米花电影。”另一方面,他又对辜负观众的期待感到自责。“我其实非常理解观众,他们其实就想看我和王宝强折腾一下,你怎么就不给我看?你在里面探讨什么中年危机的,烦不烦。”徐峥在大师班上这么说道。他甚至将自己的尝试归结为“教训”,并以此奉劝青年导演:如果要做的电影是一个商业IP,就应当遵守跟观众以及市场的约定,“作品里面保留观众最认可的这种元素。”从跨界做导演到创立真乐道文化,徐峥的初衷是平衡商业性与艺术表达,但这种平衡术本身,也对徐峥构成了矛盾和撕扯。超越“满足于笑声”但随着徐峥近两年执导《夺冠》《最后一课》,并解锁电影监制这一新身份,他的撕扯也得到了某种纾解:文青徐峥和爆米花商业片导演徐峥之外,存在着更多可能性的外延。作为导演,徐峥认为,自己到了可以规划更多自我表达的阶段。两次“命题作文”的尝试为徐峥指引了方向:“基于我做了《最后一课》和《夺冠》,我希望能够找到那种人跟时代交织的(题材),比较有情怀,也有个体的故事,好像现在市场上这一类的电影不是特别多。”用“命题作文”来概括徐峥的这两部短片似乎也是有失偏颇的。毕竟他做得非常有诚意:徐峥的导演团队为《最后一课》进行了大量的采风,人物原型是基于大量调研乡村教师后进行的艺术再创作,彩色玻璃小学也是现实中存在的扶贫成果。从两次短片的创作经历中,也能清晰地看出,徐峥对自我表达的执着已经不再是文青式的了。他不再囿于主观视角,徐峥惊异于自己居然很享受“命题作文”,站在“他视”的角度,观看故事主人公的情感与心路历程,这个过程让他感到快乐。作为监制,徐峥在帮助更多当下的“文青徐峥”们——那些带着创作热情进入电影行业的新人导演。徐峥认为,当下的电影行业仍然有很多像当初的自己一样,忿忿于观众“看不懂”自己作品的文青式导演。徐峥和真乐道文化,便期待为他们提供帮助、让其找到更舒服的创作方式。“现在的市场会把年轻导演搞得很焦虑,既要找到投资去完成自己的作品,又要在作品当中完成自己的表达,片子拍完了,还得面对市场的考验。”在徐峥看来,年轻导演正需要一个监制的角色去帮助他们缓解创作以外的压力。导演杨子2019年执导的《宠爱》正是徐峥监制、真乐道文化出品的一部电影。在《北京日报》当时的采访中,杨子提到徐峥与自己一起修改了十个月的剧本,态度十分严苛,每当杨子认为剧本已经过关时,徐峥还能提出更高的要求。徐峥还建议杨子“稀释”掉宠物题材的概念,以扩大观众的接受度。大师班上,杨子再次回忆徐峥作为监制给导演提供的帮助:“一个是抓点,一个是抓面。徐峥老师抓不会只是从大的层面去给予一些建议,而是会细化到点上去。”除了对具体的作品创作提供建议,徐峥对整个青年导演群体如何实现能力进阶,也有自己的思考。比如演员出身的徐峥意识到,大量青年导演对“表演”缺乏重视。为此他提到自己有一个心愿:“办一个导演表演训练班。我来请几个表演的老师,然后我带着导演们一起做表演的练习。”而徐峥相比其他导演出身的监制,优势也正基于他的“现役”演员身份——不仅在表演层面上,甚至在表演之外,徐峥可能都是最擅长与演员沟通的监制。由六个单元故事组成的《宠爱》启用了十余组明星演员,《我和我的家乡》中,《最后一课》也是明星数量最多的一个故事,按照常理,明星越多的剧组导演、监制可能会焦头烂额,但对徐峥来说,大量启用成名艺人反而是省力的办法。徐峥在大师班上提到,今年疫情、汛情让拍摄进度变得紧张,在这样的情况下,“找明星演员是一个比较图快的方式”,因为成熟艺人在徐峥的调度下,能够快速的找到人物感觉,省下了不少与演员磨合的时间。此外,大量的话剧经历也让徐峥非常强调导演同步提升自身的文学、美学、音乐素养。“最终混录的时候,音乐、画面聚在一起调试,需要导演有综合的能力。你自己的品位决定了最后的作品是什么样子。”不过,监制不是一个人的工作,更多时候,也基于徐峥背后的真乐道文化的团队工作。真乐道曾经只是经纪人刘瑞芳与徐峥陶虹夫妇共同创立的工作室,如今已经转型为在前期创作、商务合作、中期制作、后期宣发、数据分析上全流程为创作者提供服务的电影公司。据刘瑞芳表示,2018年的《超时空同居》之后,真乐道真正开启了扶持新导演、内容多元化的阶段,不久之后,真乐道又通过《风语咒》涉足了国漫领域。也正是基于背后团队强有力的支撑,徐峥才得以在监制、演员、编剧、导演的身份之间辗转腾挪,在各个领域都交出不错的成绩单。“范老师”回不到1992年,徐峥也回不到先锋话剧的舞台,资本涌入文化市场的大潮无法逆流,但或许有人能在浪潮中把握好船头的方向,这个方向必然不会是单打独斗的英雄主义,而是工业化和人文表达的平衡。

  • 《平安福建守护者》系列纪录片预告—导演阐述

    每个从科班毕业出来的导演或者摄影,其实心里都住着一个执念,那就是有朝一日能够拍一部电影题材或者是一个纪录片系列。在去年完成了第一个小目标,一部电影后,终于在今年四月份接到了省委政法委和福建法治报社的一个宣传任务,就是这部前后一共花费了整整半年时间完成的十集纪录片——《平安福建守护者》 半年的时间,带着七八个人,披星戴月地跑过5000多公里路,都快把整个福建的地图都踩在了脚下。扛着各种“长枪短炮”上高山,下大海,走村庄,进都市,听着各种或是感人,或是悲愤,或是无奈,或是激昂的故事。而这些精彩也绝不是几句话就可以讲完。印象最深刻的就是几乎每去一个地方拍摄,每个经办和拍摄对象对我们脱口而出的第一句话都是“你们多大了?”“导演,你看过去好年轻啊!”“我们科室最年轻的小伙子都比你们大很多”诸如此类的话,但是几天以后,他们跟着我们一起拍摄结束,就都改成了“你们,好专业”。这个转变倒是我觉得挺自豪的一件事情,可能是被限制在了“年轻”这个上面了,以前建超经常要我留一点胡子,要我多穿一点深色老气的衣服,要给自己怎么怎么样包装一下,反正就是要尽量“老化”一点自己,因为每次一起出去时候,如果建超没有介绍我是谁,拍过什么片子,甚至即使是介绍了我以后,还是会有领导看我们的目光都是充满了疑问,然后他总是开玩笑说我没有给他足够的“安全感”。 但是到了拍摄过程中,我对画面的要求其实是非常非常非常高的,我希望画面能够尽可能的不只是拍摄与被拍摄的关系,我希望画面里的光和影以及构图能够塑造出我想表达的情绪和信息,想要赋予一些画面存在的意义。 比如为了体现独腿交警谢启明是如何一步步在人和生活的不断质疑声中,去证明自己即使只剩下一条腿,也可以和正常人一样,甚至守护正常人交通安全。用这种长焦借位,让他从底下楼梯一步步走上来,就有种给人感觉是人们在不断的踩踏他,但是他却依然在人群里不断向上攀爬的感觉。 再比如拍摄刺桐花未成年保护时候,因为涉及到案件的真实性,拍摄的很多对象其实就是案件本身的那个人,正常情况是要打马的,尤其是未成年人,但其实我是很不喜欢打马的。当时我们去他们家里,一进他们家里就被他们家情况给惊讶到的,家里只有一位每个月领着1500工资的妇女,手上牵着四个孩子,最大也不过9岁。家里整个环境就是一个半毛呸的一个状态,甚至连厕所马桶站的地方也没有,用家徒四壁来形容是再合适不过了。然后当时看到小朋友在玩纸飞机,就想到了这组镜头,把镜头压的很低,地板占了三分之二,唯一的空隙就是小朋友的手去捡纸飞机,这种感觉就给人一种很压抑的感觉,像是被生活压的喘不过气来,而小朋友捡的那纸飞机又像是唯一的希望那种感觉,同时也规避了小朋友正脸形象,不用打马之类。用构图和光影去放大和强调了了环境和氛围,缩小了人物本身的存在感。 拍摄影片,其实现场的临场能力是很重要的,有时候一些好的作品,其实都是这些搅局者成就出来的。当时我们坐车去拍一个场景,然后路过有一座天桥底下,看到窗外有一束光斜斜的射过来,也许在别人看来就是一个很常见的一个东西,但是当时我是真的很惊喜,在想如果让女主角在那道光里是什么样子,所以马上就让大家调头回去,才有了这组镜头。 类似的还有拍摄体育场时候,都是利用了现场的光影去增强戏剧性。 很多人也会经常问我说,如果我不去解释这些画面的意义,其实很多人是看不懂的,但是我觉得这个并没有什么影响,我觉得一个好的作品,你一定要能够先过了自己这关,才有资格拿出去,我是一个比较喜欢有仪式感的拍摄,甚至拍摄时候也会听着古典乐带着情绪去创作,因为只有当你想赋予作品更深的意义和思考的时候,它才会有生命,而我希望我的作品是能够带给大家思考和“找茬”的。总制片:林建超总导演:施翌伟总编导:魏秀文 执行导演:翁嘉鸿/冯雅琳/郭梅杰/万盛编导:陈曦/义翔/馒头剪辑:Vison/买买/李新晨出品单位:福建省委政法委/福建法治报

  • 撰写人物小传的11个细节

    人物小传写起来非常繁琐,但是在构建剧本框架的时候却必不可少。一个剧本中,如果每个角色都是由他们自己的故事组成,那这个剧本就会更加真实,更加引人入胜。你为一个角色提供的细节越多,观众就越能识别他们,剧本就越容易被投资人看中。为了让你的角色成形,建议你为他们写一个人物小传。今天我们将介绍角色人物小传与一句话角色简介的概念,以及应该怎么写。1.什么是人物小传?人物小传是构成角色故事的段落性文字。它们有助于修饰角色的特征,并有助于角色的发展和绘制角色的成长路线。人物小传应该给读者一种与角色亲密联系的感觉。无论他们是主角还是反派,小传需要提供使这个角色更具人性的信息。这些小传不必出现在屏幕上。但是作者、导演和演员应该知道角色在每个选择背后都有深度和意义,并且可以根据需要在剧本中提供背景故事。而一句话角色简介是一个句子总结的人物,例如,“布鲁斯韦恩是一个亿万富翁的慈善家,穿着像蝙蝠,以报复他的父母死刑的罪犯。” 当你介绍角色时,角色简介要简单明了。但是如果你要写一篇史诗巨著,你可能想要写一个更长的人物小传,因此首先需要确切地知道你对你的剧本中的人物会有什么期望。2.角色人物传记的11个细节当你扩展角色传记时,一时间很难想到制作一个完整的人所需的所有细节。这里收集了11个提示和技巧,以帮助你添加角色的故事。1.个人信息这个很容易。我们应该怎样了解你的角色?身高,体重,发色肤色,个人风格。尽量避免陈词滥调,例如将女性标记为性感或美丽,或者描述男性的肌肉状态。当然,如果你需要描述一个超级英雄,这些陈词滥调也许会被嘲笑,但效果很好。例如,当我们见到瘦小的美国队长时,我们对史蒂夫罗杰斯了解多少?2.他们的家人正如Dom Torretto可以告诉你的那样,没有你的家人,你什么都不是。因此,无论你是扮演爸爸眼中的乖宝宝,还是小丑脸上带着的恐怖微笑,或是俄狄浦斯的母亲,了解角色的家人有助于角色形象的立体化。3.优势超人可以轻易跳过高层建筑,并且比高速的子弹更快。你的角色擅长什么?很多故事都集中在主角战胜一个个困难这件事上。而规划出来的方法就是看看他们擅长什么,并确保能够用来克服障碍。因此,挑选出你认为你的角色擅长的东西,并确保这个技能很闪耀。4.弱点超人害怕氪石,那你角色的“氪星石”是什么?《律政俏佳人》中的Elle Woods过分依赖人们对她的看法,并且对她能做到的事情没有足够的思考。类似这些弱点将有助于指导你的故事结构。通过谈论角色有问题来保持人设不断进步,这样我们就有了比较完整的成长曲线。5.缺陷虽然这可能会与弱点混淆,但它更加个性化。也许你的弱点是氪星石,但是一个性格缺陷就是比如蜘蛛侠愿意拯救每个人而不花时间拯救自己。蜘蛛侠彼得帕克重视自己是一个英雄,而不是一个孩子,这意味着牺牲了很多与朋友相处的时间。这种生活中在朋友身边的缺席就是一个巨大的性格缺陷。如果我们将其包含在人物小传中,我们将知道围绕这个缺陷如何制作我们的故事,甚至是未来的电影或电视剧集。6.他们的背景故事每个人都来自某个地方,背景故事非常重要,你的角色是一样的。告诉观众他们的来源以及他们的优势,劣势,缺陷和家庭。把上面这些合起来就是角色的背景。想想银河守护者的Gamora。她成为一个凶悍的战士,正是因为塔诺斯抚养她,把她从堕落的星球上带走。7.我们为什么要关心移情是最强烈的情感,这就是我们与你的角色联系的原因。每个角色人设都需要同理心。我们需要知道这些人正在经历什么才能让我们接触到他们。正如前段日子大火的《都挺好》,苏明玉身上经历的原生家庭的痛,重男轻女的伤,都能够很大程度上引起观众共鸣,所以观众喜欢苏明玉。8.他们想要什么渴望得到某个事物是驱使角色前进的意图。它们可以说是角色生物中最关键的部分。观众买票去看你的电影,就是希望看到角色达到他们的目标。因此,观众要知道是什么驱使角色在前进,这也是一个剧本基础的逻辑。那么你的角色想要什么?它可能像Thanos一样,统治宇宙,或者它可能只是一个小目标,却推动了一个更大的故事,就像Mud希望让他的船运行一样。9.他们的行为方式是什么面前有哪些困难以及如何战胜困难,这是角色存在的意义。因此,看过以上8条接下来是时候定义这个角色是谁以及他实现梦想的方式。就像《Moonlight》(中文名《血色月光》)中印第安纳琼斯希望成为找到方舟的人,但他必须击败纳粹才能到达那里。每个角色都必须克服站在他们面前的东西,以实现他们在人物小传的设定。10.他们的动机是什么然后就是角色的成长线。成长线是故事的支柱,应该与故事背景保持一致。当谈到人物小传时,我们想知道它们的起点和去向。这在电视中尤为重要,因为如果这个角色在故事中一直活着,观众就需要对他们的目标有所了解与期待。11.他们有秘密吗最后一个技巧是给你的角色一个秘密。有什么东西是他们不与世界分享的,或者不能被揭露的真相。这些秘密可大可小,比如《权力的游戏》中Jon Snow是Targaryen等等。这也可能是一个内心的某种情愫,如隐藏的恐惧或爱。角色的秘密让他们陷入困境,再增加一些情感,就能够构成剧本的框架。声明:转载此文是出于传递更多信息之目的。若有来源标注错误或侵犯了您的合法权益,请作者持权属证明与本网联系,我们将及时更正、删除,谢谢。

  • 逆天了!看大二学生做的超写实CG卷尾猴!

    在短片《Fusspot》中,一只超写实的CG猴子学习《美食总动员》中的老鼠瑞米,担任了主厨。这是由一批来自在赫特福德大学才华横溢的大二学生赋予了它生命。短片中,一只CG卷尾猴为主人的约会之夜做努力,在正在制作的晚餐中添油加醋地混入各种食材,最后把晚餐搅得混乱不堪。让我们来欣赏一下这个有趣的小短片吧!可以从短片中看出,猴子特别生动写实,而真正令人感到惊讶的是,特效短片中栩栩如生的猴子并不是经验丰富的创意团队的作品,而竟是一群学生的作品!赫特福德大学的数字动画大二学生为了挑战自己,制作了一个以写实3D角色为核心的真人短片。赫特福德大学创建于1952年,是英国女皇亲自批准成立的大学,英国最大的十所学府之一,其动画CG专业英国排名第一。《Fusspot》中有一系列的创意,这些挑战通常是由拥有多年创意专业知识的专业人士才能处理的:复杂的毛发对环境光照的变化做出反应;将CG与真实世界合成在一起;关键帧动画与真实猴子的特质相符。即使是经验丰富的专业人士,这种写实的作品也不是一件容易的事。对于一群大二学生而言,要达到《Fusspot》所见证的水平,可以说是一次巨大的挑战。面对这些挑战,赫特福德大学的学生最终实现了他们的目标。那么,大二学生到底是如何制作出如此写实生动的CG小短片呢?我们采访了《Fusspot》项目负责人Callum McKay,了解了许多关于制作过程以及他们是如何在ftrack Studio的支持下提升了技能。Callum McKay-赫特福德大学的大二学生“ ftrack Studio将每个人的工作以及我们的进度都可视化,并为我们的项目制定可预测的计划。”《Fusspot》的教育意义是什么?在《Fusspot》上的工作让我们第一次真正体会到了为一个更大的行业项目做出贡献的感觉,并在这个过程中教会了我们创意电影制作的协作要素,还有在团队中表达自己的声音。在长达一年的创作过程中,《Fusspot》对所有参与其中的学生都非常宝贵。在创作的过程中,我们遇到了这样的情况:我们需要提供和接受反馈,或者将我们的质量边界推得更远。我们还学习了如何在团队中工作,开发强大的协作流程,进而制定并坚持一个精确的时间表,ftrack Studio在这一部分提供了很大的帮助。制作《Fusspot》遇到的主要挑战是什么?《Fusspot》背后的整个创作过程极具挑战性。从技术角度来看,选择制作一个写实的3D动物——尤其是猴子——对大二学生来说是一个巨大的挑战。即使是对于视觉特效行业的专业人士来说也是一个的挑战,就像是跨越悬崖峭壁的巨大挑战。另一个困难来自外部:新冠疫情。疫情封锁后合作成为一个更重要的考虑因素,因为我们不能面对面进行会议,必须在家里跟踪进展。尽管如此,我们从导师和行业专家那里得到了非常有价值的指导。每个人都非常努力地工作,寻找新的协作方式。我们从中获得了非常宝贵的经验。一开始是怎么知道ftrack Studio的?《Fusspot》需要模仿真实项目的挑战和协作方式。我们很想知道行业内的专业人士用什么来管理他们的项目,并询问了一些毕业生了解到ftrack,这是我们第一次听说ftrack Studio。我们小组的一名成员有机会在Blue Zoo的暑期实习期间使用了ftrack Studio,他们对那次体验评价非常肯定。而且,我们没有太多的预算,所以当我们发现ftrack Studio为学生提供了相当大的折扣,我们就马上做了决定。在创意项目模块讲座中,我们介绍了我们的《Fusspot》时间表和计划。我们的导师非常支持我们使用ftrack Studio进行项目管理,因为他们很熟悉这个平台。此外,我们可以自己在ftrack Studio中组织一切,而不需要导师过多参与,指导我们完成整个过程。从一开始,ftrack Studio就教会了我们系统地、独立地工作。ftrack Studio在《Fusspot》每日的交付上是如何帮助你们的?ftrack Studio使《Fusspot》的制作变得更加专业,就像我们在做一个真实的工作室项目一样。ftrack Studio的界面让我们的态度也更加认真专业。我们使用了大量ftrack Studio的跟踪功能。我们可以制定一个精确的时间表,看看一切进展如何,每个人在单独的任务上花了多少时间。看到这些信息也有附带的好处:他们不再拖延了!因为可以看到其他团队成员在项目中工作,实时完成的任务!ftrack Studio真是我们前进的动力。当新冠疫情出现时,ftrack Studio还让我们轻松过渡到远程协作。我们很幸运能拥有ftrack Studio,可以跟踪进度和远程通信,而不会中断我们的工作流程。我们不必在项目进行到一半时为了寻找解决方案而惊慌失措!在这段时间内,ftrack Studio的媒体审阅功能是否有帮助到你们?新冠疫情爆发后,我们所有人都待在家里办公了,我们开始大量使用ftrack Studio的审阅功能。ftrack Studio的媒体审阅功能帮助我们更快地审批工作和迭代交付。每个人都可以在ftrack Studio界面中直接查看快照并添加注释。在进入大三之后的项目,你会继续使用ftrack Studio吗?必须的!我们在《Fusspot》上的经验表明,创意项目管理可以轻松实现。此外,由于短期内无法再进行面对面的会议,因此ftrack Studio将仍然是非常重要的远程协作工具。即使我和我的同学不在同一个房间里,ftrack Studio也会可视化每个人的工作和我们的进度,并为我们的项目设定可预测的计划。

  • 干货丨详解古典油画质感的美术置景思路

    影视作为一门综合艺术,结合了文学、音乐和绘画等艺术形式的特点。近期,新片场学院线下实训会撰写几篇文章教大家拍摄具有古典油画质感的画面,今天先来拆解美术置景的思路。 最终置景效果说到油画,它的发展经过古典、近代和现代几个时期,不同时期的油画受到时代艺术思想支配和技法之约,完全呈现出不一样的面貌。历史条件奠定了古典油画的写实主义倾向。到了十七世纪,一部分油画开始强调画的光感,利用色彩冷暖对比、明暗强度对比和厚薄层次对比进行光感的塑造,形成画面戏剧性气氛。还有一些画家打破之前油画中和谐的光感,强化画面上的明暗对比,往往用画面背景的大面积暗部,衬托前景明亮的人物,令人感到画中光线耀眼。 这次我们来到了一个华丽的摄影棚,但场景现在是空的,需要我们用道具一步步将这个景填满。可以看到棚内本身有墙纸,非常适合作为复古背景,因为墙纸有冷色调的青绿色和暖色调的暗金色。复古墙纸首先基于先前对油画的认知和现场的环境,明确需要的道具——桌子、水果、蜡烛、椅子、装饰画、吊灯、植物、器具等。古典油画中通常有桌子,我们用桌子作为视觉中心把整个场景构建起来,所有的东西都围绕这个桌子来布置。 摆上桌子这个桌子是木制结构的,而且桌腿是X形状的,看起来更特别。虽然桌子有点旧,但是整体比较复古,桌面有瑕疵的地方,我们可以用桌布稍微遮盖一下。然后,我们在桌子上摆一些蜡烛台。在文艺复兴时期,还没有电灯,所有的照明依靠蜡烛或阳光。所以这样的场景中有烛台非常必要,一方面是提气,另一方面可以作为逻辑光源。 摆上桌布和烛台古典油画中,蜡烛、鲜花、水果和女孩是经典元素。桌子已经布置完整了,摆放的东西也非常有序,从深色葡萄到浅色葡萄,颜色有递进关系,白色、嫩黄色的假花中间点缀嫩绿色的枝叶。中间的水果篮里,紫色葡萄是冷色调,芒果、苹果和橘子是暖色调,冷暖对撞使得画面协调。而且蜡烛是燃烧过的,蜡痕清晰,非常具有质感。 摆上鲜花、水果接下来,我们要考虑女孩坐的椅子是什么样的?现场道具老师准备了一个皮具的沙发。这个皮沙发底座很矮,给人感觉很沉重,颜色和背景也不太搭。这个时候,我们可以在椅子上加事先准备好的与场景符合的布料。 两种布料的反光率不同,左边的棉布是哑光的,右边的丝绸反光率高,能有丝绸质感。沙发上铺布料从构图上看,现在的画面左边比较空,需要再填补一些道具,油画、绿植、罐子和椅子等都可以。我们准备放几幅画,但不想直接把画钉在墙上,显得刻意,所以需要一个柜子,把画靠在墙上。同时要注意美术的统一性,每一个道具都要与场景风格贴近。摆上画之后,还要用棉布作搭配,棉布有纹理,而且整幅画是暖黄色为主调,点缀了绿色叶子,藏红色的花和白色花蕊,和背景色彩搭配协调。 画左不断填充了新的道具,画面越来越丰富,有陶罐装着的散落下垂的花,还有画架和横放的画,这样能保证画面里的所有元素在视觉上有线条的连续性。画左前面再放了一把椅子,椅子上有一些小物件,能增加生活质感。这样画左的场景就搭建完成了。 现在的整个画面还缺少不规则的线条,比如特制的雕塑或艺术品,这次我们准备了造型独特的树枝,在树枝上还可以挂小提灯。最后,我们在树枝旁边放一个柜子,让整个画面的两侧是规则的线条,中间的树枝来作为变化,最终达到比较理想的美术效果。 以上是整个美术置景的大概思路。在木制结构为主的场景中,亮色影调拍摄时,木头具有独特的质感,配合明亮的道具,冷暖色彩变化及光影变化丰富;暗调拍摄时,木头会变成深棕色,周围暗调环境会和主角形成强烈的明暗对比关系,用大面积的暗烘托小面积的亮,在油画中很常见。完成美术置景后,我们在这样的基础上开始灯光的架设和机位的选择,最终拍摄出具有古典油画质感的画面。大家可以关注我们下周推送的“古典油画质感场景的摄影灯光讲解”。同时,欢迎大家来新片场学院线下实训的《影视摄影灯光实战进阶课》真实体验场景还原和情景拍摄。老师会实景演示讲解拍摄逻辑,你更能实操电影级摄影灯光器材,拍摄属于自己的TVC广告作品。课程拍摄现场

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