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导演
  • 世界上的90后导演厉害到什么程度了(二)——卢卡斯·德霍特

    这是鲜喵的第 1129 篇吐血原创 喵族码字员:春光 编者按 《天下无贼》中,黎叔有一句名台词——“黎叔:21世纪什么最贵,人才”。 大家应该还记得当毕赣横空出世的时候,都觉得这个1989年出生的导演是中国电影的新希望;同样还有文牧野,1985年的他已经可以和陈凯歌、宁浩等导演拍《我和我的祖国》。 为什么大家对他俩寄有厚望?因为毕赣凭借《路边野餐》在洛迦诺电影节上拿奖的时候才26岁,26岁的年纪在导演世界里,基本上属于学龄前儿童的阶段;33岁拍《我不是药神》的文牧野,顶多算一个小学生。 如果你们仔细观察这几年国际A类电影节的话,像三大电影节的主竞赛单元已经开始出现80后的面孔了。虽然目前80后登陆戛纳电影节主竞赛还有一定难度,但这几年也并不是没有,除了“亲儿子”多兰以外,像《好时光》的导演组合萨弗迪兄弟都是80后。 当这些80后导演们正要崭露头角时,90后导演们已经杀过来了。曾经入围过柏林电影节全景单元的西班牙导演爱德华多·卡萨诺瓦(1991年),处女作《肌肤》极富想象力;即将执导美版《新咒怨》的尼古拉斯·佩谢(1990年);花了6年时间制作一部停格动画的周圣崴(1991年),这些90后导演作品个性十足。 烹小鲜(pengxx)将在“导演帮”这个栏目里,以专题的形式,对世界上的90后导演们进行介绍。本文作为专题的第二篇,主人公就是“比利时多兰”卢卡斯·德霍特。 上一期笔者介绍了“俄罗斯多兰”康捷米尔·巴拉戈夫,这一期笔者将介绍另外一位“冒牌”多兰,“比利时多兰”卢卡斯·德霍特。右为卢卡斯·德霍特 这两位“多兰”都出自戛纳电影节,前后相隔一年,2017年是康捷米尔·巴拉戈夫,2018年是卢卡斯·德霍特。后者同样横空出世,凭借处女作《女孩》首次入围一种关注单元,就拿到了金摄影机奖、一种关注单元-最佳演员、费比西奖-一种关注单元奖、同志金棕榈奖这四个奖项。今年他被选为一种关注单元评委,妥妥的“亲儿子”待遇。 《女孩》被选为比利时“申奥片”,只可惜没有杀入九强名单。CAA(创新艺人经纪公司)马上就把他签了,日后这位“比利时多兰”大概率会去好莱坞发展,去年最火的年轻导演非他莫属。 相比于“俄罗斯多兰”,“比利时多兰”与“正牌多兰”倒是有几分相像,都说法语,都很帅,也都是公开身份的同性恋者。这位同样1991年出生的导演,并不像“俄罗斯多兰”那样精于电影语言的探索,他更擅长于聚焦人物,人物的情绪、身体、性别,电影的形式服从于内容。 有套路但点到为止,戏剧化但拒绝“抓马”,卢卡斯·德霍特的风格稳健得不像是一个才27岁的年轻导演。没有年轻导演想炫技的过欲,这对于一个像他这样年龄的导演来说,实属难得。 《女孩》这部电影前前后后用了卢卡斯·德霍特十年的时间。2009年他18岁,当时他是根特艺术学院视觉艺术戏的在校生。 一天,他从当地报纸上看到了一则新闻,里面讲的是一位叫诺拉·蒙塞库尔的跨性别(男跨女)舞者,在比利时安特卫普的芭蕾舞学校学习,想从男生班调到女生班,但学校并没有允许。《女孩》 诺拉·蒙塞库尔的梦想就是成为一位芭蕾舞者,她的故事让卢卡斯·德霍特非常着迷。如何诚实看待自己的性别身份让卢卡斯·德霍特深受感动。选择这样的故事,也与卢卡斯·德霍特的个人经历有关。 他高中上的是天主教学校,那段时期他很苦恼自己的性向问题,没有诚实看待自己。他从小就是有些女孩子气的男孩,这让他非常尴尬,没有办法让自己变得男性化,他花了很长时间才能接受自己。 于是,卢卡斯·德霍特就联系诺拉,起初他只是想拍一部纪录片。诺拉拒绝了他,因为这会让她在学校的处境更为艰难。她不想因为自己的跨性别而成为拍摄素材,也不愿意让自己的身体出现在大银幕上。 此时,卢卡斯·德霍特还没有坦诚自己的同性恋身份,诺拉在如何认识自己上帮了他很多。虽然拒绝了卢卡斯·德霍特拍纪录片的请求,但是两人合力将诺拉的经历写成了剧本,这个剧本就是《女孩》的初稿。 在刚开始写剧本的时候,二人就决定与外面世界的抗争,外面的负面反应不是剧本的焦点。他们只想着墨于主人公这个角色,以及她的挣扎。 这些都体现在如今的电影《女孩》中,“女主角”劳拉的生活环境充满善意,她的父亲、老师、同学并没有因为她跨性别的身份为难她、取笑她,反倒是对她精心呵护。影片呈现更多的是一个处于青春期的跨性别者如何看待自己的性别与身体。 在写完剧本之后,还在上学的卢卡斯·德霍特并没有机会拍成长片。可能是对诺拉的故事印象过于深刻,其中的一些元素,比如芭蕾舞者、性别身份,都出现在了他后来的短片《撞见》中。 《撞见》中的主人公混合了卢卡斯·德霍特与诺拉的个人经历,一方面片中角色同样是一位芭蕾舞者,另一方面,片中小男孩对于自己的性向处于一种探索、再认知的阶段。 《撞见》 故事是这样的,主人公来到一个城市参加芭蕾舞比赛。一天晚上,他在酒店房间休息的时候,一个被警察追捕的陌生男孩跑进了他的房间。陌生男孩身上野性、危险的气质吸引着主人公,他就跟着陌生男孩出去狂欢,就在相处的过程中,二人之间出现了一种很微妙的情感。 可以发现,《撞见》的出现更像是一种试探,对电影,对导演自己。在这期间,卢卡斯·德霍特还是没有机会把之前写的剧本拍成电影,一直到2016年,他带着《女孩》的剧本来到了戛纳电影节电影基石剧本工作坊,这个项目才有了启动的可能。 从2009年与诺拉相识,到2012年的短片《撞见》,再到2018年的长片处女作《女孩》,卢卡斯·德霍特终于有机会把诺拉的故事拍成电影。 但凡看过《女孩》的人,都会被片中女主角劳拉的扮演者维克托·波尔斯特的表现所倾倒,正是因为他的存在,这电影才成了。 当时为了劳拉这个角色,卢卡斯·德霍特带着选角团队看了500多人,里面有专业舞者,也有普通素人;有跨性别者,也有非跨性别者。卢卡斯·德霍特对于海选的结果不满意,没有人适合劳拉这个角色。 “女”主角饰演者维克托·波尔斯特 这时维克托·波尔斯特出现了。他才刚刚14岁,是安特卫普皇家舞蹈学院的学生。他过来试镜其他角色,卢卡斯·德霍特却一眼就相中了他。 虽然维克托不是跨性别者,也没有任何表演经历,但他演绎的劳拉是2018年大银幕上最美的“女孩”。 如果不查阅资料的话,很难想象他是个男孩,他赋予了劳拉身上那种清新温柔的少女气质,同时也把劳拉身上关于自我认知的坚定与执拗完美地表达了出来。 尤其是最后一场戏,因为舞蹈受伤的劳拉与家人一起度过了平安夜。一切看起来都如此平静,但就在隔天早上,劳拉选择了最极端的方式完成了性别转换,她真正变成了一个女孩。 《女孩》的完成度很高,完全没有一个新导演的青涩。像这样的故事,如果放在好莱坞一定会是一个个体与整个社会进行抗争的故事,剧情可能会极其戏剧性。也许劳拉会出生在一个中产以上的家庭,为了维护家族的体面,父亲绝不会同意自己“儿子”变成“女儿”这样的丑事;在学校,劳拉也会受尽白眼,甚至欺凌。 为了完成一个美式个人英雄主义的神话,好莱坞编剧一定会让劳拉在经历了一顿苦其心志,劳其筋骨,饿其体肤的操作后,完成个人的升华和抗争的胜利。 《女孩》 好在卢卡斯·霍德特没有这么处理,他没有意愿讲一个抗争的故事,他只想讲劳拉这个人。这也让《女孩》从同类影片中脱颖而出,导演没有为了政治正确而政治正确。就在去年,LGBTQ分子还攻击了导演,因为他没有采用一个跨性别演员出演一个跨性别角色。 整部影片除了最后一幕外,都是以平缓的节奏讲述一个想要学习芭蕾舞的“少女”的故事。剧情上没有过多的波澜,导演点到即止,从不让情节滑向狗血、煽情的边缘。 在情节的编排上非常成熟老道,还是以最后一幕为例,为什么劳拉会做出这样的决定?影片已经在此前做好了铺垫,当劳拉与男友准备亲热的时候,她的“男儿身”成为了横亘在两人之间的屏障,她必须成为一个“女孩”。同时,在一次次撕开芭蕾连体服里的贴在下体的胶布后,胶布与肌肤撕裂的声音,流血溃烂的皮肤,都让劳拉和观众毅然接受了她最后的决定。《女孩》利用了LGBT的套路,却也轻巧地避开了这些套路。卢卡斯·霍德特并没有把劳拉当做“异类”来看待,在他的镜头下,劳拉不过是一个普通的青春期少女,她对自己的性格身份有着明确的认知,使这部电影没有落入俗套当中。 卢卡斯·霍德特与巴拉戈夫一样,都是90后导演中的佼佼者。比起巴拉戈夫,卢卡斯·霍德特更为成熟老练,虽然不像巴拉戈夫已经展露了大师像,但却展示了另一条发展路径。 归根到底,电影讲的还是人的故事,刚满28岁的卢卡斯·霍德特显然明白这个道理。他结合自己的身份,给LGBT题材来到了不一样的气质。 他的下一部作品还是一个《女孩》风格的故事,主角同样是来自LGBT群体,会是一部什么样的电影呢,我们可以拭目以待。更多阅读:世界上的90后导演厉害到什么程度了?

  • 全球最火现象级成人动画偶像,幕后也是如此又毒又丧!

    11月是全球剧迷丧星大联欢的日子。为什么这么说?因为他们心目中的成人偶像——没下限、又丧又污的毒鸡汤鼻祖——马男波杰克回归了!这部无疑是近十年来,最火爆的现象级短剧,且出人意料地在国内外都受到了爆棚的口碑好评!到现在,第六季了,豆瓣从没下过9分,烂番茄新鲜度几乎全季满分!《马男波杰克》刚在国内火起来的时候,从微博到朋友圈都是它的“金玉良言”,而剧中的马男和各种人物形象也成了不少人的头像。究竟是什么特质,让这个长着马头的过气男星,跨越了种族与文化,成了叫好又叫座的经典形象呢?原因很简单,因为网友和观众们,在这部剧里找到了自己!今天我们就跟《马男》的主创们看看波杰克的前世今生。01 “生出”马男的“父母”要说马男系列赢在哪儿?首先是大家谙熟的戳心台词,然后必定是画风和角色设定。2014年,网飞宣布,要制作一档以马、猫和狗为主角的动画剧集。动物+动画。不少见惯了美剧里大场面的观众都表示,谁要看这玩意儿啊?剧集一播出,几乎立即就成了“黑色幽默”动画的殿堂级作品,整个行业都惊呆了。动画还能这么玩的吗?而他幕后的创作者,是一个不丧不消极就画不出好作品的艺术家Lisa Hanawalt。▲ Lisa Hanawalt其实马男的原型,从1994年就诞生了。那时小学六年级的Lisa Hanawalt(以下称“丽莎”)在课堂小作文上写道:“首先,我要说的是,我喜欢马,我真的真的很喜欢马,我也很喜欢艺术,我希望有一天,我能因为画马变成名人。”▲ Hanawalt的小作文丽莎有多爱马呢?她被马咬过也被马摔过,但这种既象征自由又受到束缚的动物,对她有着奇妙的吸引力。▲她问: “妈妈,人类跟马结婚合法吗?”▲ 左:骑马时内心的样子,右:骑马时看起来的样子高中时,丽莎结识了才华横溢且患有多动症(甚至在课堂上脱过裤子)的Raphael Bob-Waksberg(以下称“拉斐尔”)。拉斐尔在学校当剧团的导演,丽萨参演并画海报。两人正式开始了一起开脑洞,一起乱吐槽的老友人生。到了大学,拉斐尔写故事,丽萨执笔。两人继续一起创作漫画,马男独特的人设开始在日积月累的磨练中慢慢成熟。直到登上银屏的一天。时间快转到2011年,28岁的丽莎突然收到高中同学拉斐尔的邮件,他丢给她一句话:“忧郁的马男BoJack”,问她能不能画出来,就这样,人生的“完全反面教材”BoJack诞生了。▲ 由于丽莎没有动画经验,BoJack的第一版角色设计是用水彩完成的《马男波杰克》是拉斐尔的思想与丽莎的艺术结合的产物,它不仅是Netflix第一个动画剧集,也是丽莎第一次制作电视动画。▲ 从左到右:BoJack配音演员Will Arnett,编剧Raphael Bob-Waksberg,BoJack本马,艺术指导Lisa Hanawalt因为对马的热爱,当丽莎着手创作BoJack的时候,这个角色长什么模样、穿什么衣服,马上在她的脑海中清晰浮现。人类反倒是最难对付的角色,比如,BoJack的人类室友Todd,在定稿之前就曾遭遇许多变数。▲ 《马男》部分角色设计至于场景设计的部分,除了被网友反复分析的名画之外,角色的服装、房间的摆设,甚至是角落的一张小纸条,统统是值得仔细推敲的细节,丽莎希望做到即便画面暂停,也有故事可说。 ▲ 宅男BoJack的一天02 “我是个没天赋还很糟糕的艺术家”回想起来,丽莎第一次看到《马男波杰克》的剧本就觉得这部剧太丧了。她在创作第一季的时候,经常因为“致郁”的情节难过哭泣。看到第四季,曾经那么冷酷的BoJack妈妈患上老痴呆症,她更是揪心得不行。▲ BoJack和他的妈妈这世界不缺说得好听的心灵鸡汤,如果《马男波杰克》不是如同“心灵砒霜”般的存在,那可能就没有创作它的必要了。而能创造出马男这个丧星的丽莎,本身也是一个丧星。从小有广场恐惧症(因处在拥挤的空间而产生的焦虑症状)的她,当接到马男的项目或不能再自顾自地在工作室埋头苦干,而必须适应和别人一起工作。最初她常常小声嘀咕完她的想法,然后就匆匆躲回她的办公室。“我不是一个好老板,我不想告诉别人应该怎么做。”直到如今第五季,她依然在学习怎么和别人打交道。“我的创作灵感不是焦虑,就是负面情绪。”她说。大部分艺术生在毕业后,都没能马上在画廊办展览,变成想象中的职业艺术家。丽莎也是如此,从加州搬到纽约,只能白天做着朝九晚五的“正经工作”,晚上回家再捣鼓一些网络漫画。以下是她作品集上的一句话简介:“我是个糟糕的艺术家!我很懒还没有天赋而且很糟糕!”▲ 公共卫生间的烦恼:没有扶手;没有厕纸;没有垃圾桶;没有马桶(啊,屁屁好凉)▲丽莎的 "蹲厕"指南于是她只好躲在家里,掉进拖延症和创作瓶颈交织的漩涡。在那些低迷的日子里,她的脑子不时冒出一些悲观的想法,却没想到“悲极生乐”,其中不乏谐趣的灵光一闪。比方说,激励人心的广告词“JUST DO IT”,到了她的笔下就变成拖拖拉拉的“DOOOO IT DO IT COME ONNNNN”(做做做啊,赶紧做!赶紧啊啊啊啊啊啊);以及升级抓狂版:“JUST FUCKING GODDAMNED DO IT AND BE FUCKING DONE WITH IT ALREADY”(快他妈去做!快他妈搞定它!你个大傻逼!)恶搞完一个Nike明显满足不了一个已经被负面情绪侵占并且开始黑化的妹子,于是她把目标继续转向这些公司品牌:麦当劳,把「我就喜欢」换成了「我在品尝」,请联想一下画面……在“雪弗兰”的LOGO上加了一句:“我是个「大」男孩”(好污一妹纸……)丽莎发现黑一黑这些大公司的设计,不仅很有意思,而且还让自己受到了莫大的鼓舞和激励!敢情这些大公司的设计也是来自这么负面的地方嘛!但焦虑恐惧也不是这么容易就会消失,脑洞很大丽莎又找到了一个方法。灵感源自她男朋友看到她这么消极的状态,就对她说了一番鸡汤,丽莎把这番情景画成了漫画,名为麋鹿的手指。一匹叫做She-Moose的马特别喜欢制作粘土手指,却不知道为什么喜欢,不知道这有什么意义,不知道生活该何去何从。▲ “我觉得重要的事,对生活一点意义都没有,我能每天坐在家看电影做手指直到永远吗?”▲ “集中注意力好难啊,我的雕塑都很傻,我只会做一堆奇怪的手指,我到底在干嘛”丽莎还有一个喜好。她经常正经事不做,花大把时间去看名人八卦博客,于是她决定对时尚女魔头Anna Wintour“下手”,画出了爆笑的“我听说的关于Anna Wintour的传闻”:▲ “菜鸟员工禁止正视Anna Wintour”▲ “她的办公室里有一个专门用来小憩的LV行李箱”然而,画这些作品丽莎并不是为了生计或盈利,仅仅是为了宣泄情绪。因为工作的原因,丽莎搬到了洛杉矶,好莱坞的风光不如想象,她总说希望自己再工作十年,存够钱就搬走。但某种程度上,她一定爱着这个造梦的地方。当《马男波杰克》的制作告一段落,终于可以大放三个月的假,她却担心起来,“呃,我现在应该做什么?”丽莎找出之前零零落落画的漫画,她依然对自己不满意,甚至产生了怀疑,“天啊,这堆垃圾是什么?!”当她差点把未完成的作品扔进垃圾桶的时候,她的男友说服了她,经不住劝的她只好破罐破摔继续画下去。这部差点被她扔掉的“垃圾”,最后变成了新书《Coyote Doggirl》。这本漫画几乎是丽莎自传的延续,她在迎接人生新篇章的同时,内心滋生的恐惧和脆弱,一如既往地在动物身上找到出口:故事中的郊狼女孩天性独立我行我素,然而当她回到孤零零的房间,却发现自己无所适从,独处忽然变得不再值得骄傲,于是她试着去打破屏障,去接触外面的世界。▲ “一个人真好啊,跟别人相处累死了”丽莎说:“我经常对我做的事情感到厌倦,而且很容易觉得累。换一件事做可以让我保持新鲜感,这对于创作非常重要。”就是这样一个女孩,却用绘画戳中了全球观众内心那最脆弱的部分。去年,由丽莎和原班人马打造的新成人动画剧《鸟姐妹》上线了。▲ 《鸟姐妹》中的Tuca这是一部围绕两只小鸟展开的冒险动画,也是丽莎第一次写剧本,完全拥有创作话语权的她,要站上更高的位置,并不意味着要压抑敏感的情绪。▲ 《鸟姐妹》中的Bretie于是这部为中年“少女”画的剧集,延续了马男的一些劲爆、开车的场面,但同时丽莎也走起了轻松搞笑的路线。用她自己的话说,她不想给观众带来压力,希望大家看完这部剧都能感到心情愉快。03 团队倾力的细节最戳人只有不寻常的团队,才能制作出不寻常的作品。波杰克想要追求幸福,但他受伤的心灵总是要很久才能痊愈。与其欺骗观众,让观众和自己的“偶像”一起消沉,不如让大家好好享受有趣的剧本和角色。于是在团队工作室里,工作人员用一套独特的体系和技巧,来使波杰克的正负能量保持平衡。▲ 改动的剧本丽莎曾透露过她对人物设计的思路:我给动物设计服装时,喜欢思考他们是哪种动物。我会用一些他们生活中喜欢的东西。比如猫脸的卡洛琳公主裙子上画着鱼,拉布拉多犬花生酱先生短裤上有骨头。我们当时设计花生酱先生家时,在墙上画了好多屁股,因为我觉得狗狗会喜欢屁股(在狗狗的世界里,摇尾巴代表社交礼仪)。▲ T恤上写着:“继续看剧不要停”这些暴露动物本性的情节,更奠定了《马男波杰克》的“黑色幽默”基调,通过“插科打诨”映射我们所生活的现实世界。剧中的其他细节也堪称极致。网上有各种不同的总结帖,比如场景各处挂的画都是致敬原作的,比如角色服装搭配都是紧跟潮流的等等。下图是马男喜爱的几种酒,在团队画设定的时候,将每一种酒的形态、姿态都呈现了出来。不得不佩服制作人员的敬业!波杰克喜爱的各种酒波杰克别墅户型图,面积比想象中更大,装修也更豪华。毕竟过气前波杰克是知名童星来着。波杰克家户型图导演也提示观众:“下次你再看《马男》的时候,一定要注意看群众演员!他们没有一个人是闲着的。喝东西的人必须要喝到嘴里。餐馆的人必须在吃东西。有时没什么奇怪的,但有时又很夸张,很超现实。”制作《马男波杰克》1~4季的动画精英们但将手绘动漫变成一部戳人心的剧,不仅需要编剧和画师。由于动画片和真人片最大的不同在于:动画片没有表演。所以最大的难题就是如何塑造鲜明的角色形象?《马男波杰克》的幕后主创采用的方法是:通过嗓音和语调来表现人物的性格。如果你看过这部剧,可以闭上眼睛回想一下每个角色说话的腔调:波杰克的嗓音低沉丧气;花生酱先生的嗓音明亮且充满乐观;托德的嗓音激昂向上又没心没肺;卡洛琳公主的声音里充满斗志又带着一丝沙哑。所以就连给主角马男配音的主演Will Arnet都曾私下跟主创团队说过:“你得给我的心理治疗付费。”马男的形象,在人们心中可能比哈姆雷特还多。有人说他毒舌,就有人说那是诚实。有人说他致郁,就有人说他治愈。这也是这部剧真正的魅力所在,让人又爱又恨。“马男之父”,编剧拉斐尔·鲍勃也说:“我们从没为了讨喜而设计一个角色,明智的手法是:你要更广泛更开放地去塑造一个角色,而不是广义上的好或坏,让它变得有血有肉,和观众引起共鸣才重要。”这就是作为编剧的他,为什么要创作一部这么丧的剧的灵感来源。2017年起,《马男》以一年一奖的速度,接连斩获安纳西国际动画电影节、美国编剧工会奖、美国第46届动画安妮奖等众多奖项。然而2019年,第6季却迟迟未有播出消息,逼得马男迷们纷纷给制作方留言,但制作方一直保持缄默。直至9月末,官方才首度放出消息,第6季将于10月25日播出上季,明年1月31日播出下季,且作为最终季完结。《马男波杰克 第六季》官方正式预告就这样,我们看着迷失沮丧的中年马大叔,事业大起大落,爱情缘聚缘散,还有他的那些朋友们,每个人都像我们一样,努力前行着。如果你曾被马男波杰克冷到、刺到、萌到或暖到,现在只能准备好跟他拜拜了。波杰克曾经有过这样一段经典的独白:那时候,我总是站在高高的露台上,看着远处的好莱坞山像站在世界之巅,却从没这么孤独过在好莱坞,你就是能体味这种反差就像在一个热闹的派对上,看着满屋子的人,感到既优越又孤独但主创拉斐尔觉得,这段话还应该有下半句。“你还要看看月亮,星空。因为快乐不需要勇气,直面苦痛才需要勇气。”而《马男》,绝不是事不关己地劝你要勇敢。而是在你耳边轻声说:你比你想象中的更勇敢。

  • 王思聪如果倒了,会砸到娱乐圈的谁?

    今日,王思聪被法院列为被执行人空降热搜第一位。 王思聪大家都熟悉,作为中国最出名的富二代,“娱乐圈纪检委”,他的知名度甚至不低于一般明星。 那什么是被执行人?说白了就是打官司输了要赔钱了。 有人告王思聪欠款约1.5亿,法院宣判要他偿还。这听起来很像是谣言的事情已经被北京市第二中级人民法院确认了。 “王思聪确有在我院作为被执行人的执行案件,案号为(2019)京02执1325号,于11月4日刚刚立案执行,刚才发布的那条信息是在中国执行信息公开网查询到的被执行人信息。” 不过这个操作并不影响他本人的征信,也没有被列入失信人名单,只要把钱按时还上就啥事没有。 说王思聪是“老赖”的人属于吃瓜没吃明白的。 其实从事件本身来说,1.5亿对于王思聪来说应该不是什么大事。毕竟,他的父亲王健林有句名言叫做“先定一个能达到的小目标,比方说我先挣他一个亿”。 这件事情被曝光后,有网友说“真可惜,(王思聪)创业失败了只能回去继承千亿家产。” 但是,这件事背后的意义却并没有那么简单。 像王氏父子这样级别的富豪,哪怕欠了别人的钱,一般也不会被人告到法院。一方面是,债主相信他们的还钱能力,另一方面,把人告上法庭就相当于撕破了脸,会得罪人。 所以,有人把王思聪告上了法庭,其实更像是一个讯号。 有钱人的日子其实并没有普通人想象中那么安稳。 前阵子,罗永浩上了法院的限制消费令名单。曾经风光一时的“老罗”成为了现在的“老赖”。 各地首富破产的消息更是随便一搜一大把。 王思聪的消息之所以能引起更多人的注意力,与他本身“娱乐圈纪检委”的名号脱不开关系。 王思聪,与娱乐圈走得非常近。 那么,如果王思聪真因此陷入困境,会影响到影视圈的谁? 01这些年,和王思聪交好的明星 小王在娱乐圈混迹多年,那可不是白混的。不少明星都与他私交甚好。如果小王真的遇到了困难,这些人免不了面临表态。 提到王思聪的好友,林更新应该是第一个被想到的演员。 他与王思聪因游戏结缘,关系可谓非常铁。林更新有电影上映的时候,万达所有的官博都会换成林更新的头像为他造势,这种待遇可谓独此一家。小王这样的手笔也表现出他和林更新的关系。 陈赫和王思聪是好友也是众所周知的事情。俩人本身就是邻居,同样是因为游戏成为好友,几个月前,英雄联盟明星赛中陈赫才刚刚带队赢了王思聪,上演了一出“相爱相杀”。 曾经爆红但已经半退圈的任泉也和王思聪关系非常好,两人经常一起吃饭。王思聪评价任泉是“我见过最有商业头脑的艺人”。王思聪对任泉的态度十分尊敬,都是称呼泉哥。 李易峰是王思聪好友这事他的粉丝应该都非常清楚。两人一起去日本旅游,也经常吃饭聚会。上个月,王思聪和李易峰同出席活动,王思聪对李易峰亲昵的态度还上过热搜,很多人才知道两个人关系这么好。 黄晓明和王思聪的关系也很亲密,当年黄晓明和AB大婚,王思聪就被邀请作为伴郎。 吴亦凡和王思聪的关系也一直不错,两人是因为王思聪在广州谈业务相识,之后因为不少一起合作节目,感情也很稳定。 如果王思聪落难了的话,这些曾经号称他的好朋友的人将会陷入非常尴尬的境地。但是,也仅仅是尴尬而已,相比这些前途难测的作品,他们的影响还是小的。 02打着王思聪烙印的节目和电影,应该何去何从 明星的表态其实说起来也不算什么大事,估计也就是公关团队为难一下。但是,王思聪参与的节目和电影面临着的就是存亡问题。 在前不久结束的芒果TV招商会上,公布了一档名为《小葱秀》的脱口秀节目。这是一档王思聪个人IP的综艺节目,暂时定于2020年第一季度播出。 在2016年,王思聪曾经就做过《小葱秀》的脱口秀,在熊猫直播播出,但当时没做几期就黄了。 如果王思聪遇到的问题可以解决,也许反而能够为这档节目增加话题性。 但如果问题不好解决,这次节目重启会比2016年那次凉地还快。 相比福祸难测的脱口秀,王思聪投资的电影结局就简单明了了。 王思聪一手打造了香蕉娱乐帝国。 就在今年6月18日晚,他还风光举行了“香蕉好奇之夜”。 当天,王思聪主导的“新编剧圆梦计划”除了为新人导演编剧发奖外,还公布了两个电影计划。 一个是《我和我的休·格兰特》,一个是《我是大明星》,都是参与香蕉计划的获奖作品。 其中,《我和我的休·格兰特》还特别邀请到奥斯卡获奖者鲍德熹担任监制。 现在看起来,这两部电影的命运是凶多吉少了。 此外,香蕉影业执行总裁还宣布即将上映的陈思诚监制作品《误杀》是公司重点投资作品。那么,手头缺钱的王思聪还有多少钱拿来做《误杀》的宣发呢? 这些王思聪投钱的项目虽然前途暗淡,还可以努力寻找新的投资,但他旗下的公司却已经早早被宣布了病入膏肓。 03谁来解冻这些王氏公司 搜索王思聪的公司,就会发现他相关的公司多半都在被起诉、清算、失信、股权出质中,而且中,很多都和影视相关。 作为一名投资人,王思聪在影视圈布局颇多。 这些面临破产的公司,也是他对娱乐圈最大的影响。 王思聪旗下的普思资本投资规模超过30亿人民币,万达影视、乐视体育、笑果文化等都有普思资本的身影。 万达和乐视不用说,笑果文化可以说是现如今国内最有地位的脱口秀公司之一,出品了《吐槽大会》、《脱口秀大会》、《冒犯家族》、《超级故事会》等多个热门综艺。 目前,普思资本股权被上海市宝山区人民法院冻结,具体冻结数额不详,冻结日期为3年,自2019年10月15日起至2022年10月14日。 上文提到的香蕉计划同样不容乐观。7月15日,王思聪亲手创办的香蕉计划旗下多家公司股权陆续遭到冻结。 香蕉文化不但和多位导演、编剧有合作关系。香蕉娱乐还签约了多位艺人,其中包括尤长靖、林彦俊、傅菁、强东玥等人。他们分别在《偶像练习生》和《创造101》中为人熟知。 尤长靖、林彦俊、傅菁还分别在组合NINE PERCENT和火箭少女中出道,现在人气都还可以。 尤长靖 他们未来的道路,可以参考一下熊猫直播的各大主播的去向。 他们其实是不愁前路的,但那些不出名的签约艺人大概和当初熊猫不出名的主播一样,要碰运气了。 此外,随着香蕉陪葬的还有上海水晶荔枝娱乐文化有限公司。这一家公司是由王思聪与林更新共同创立,王思聪股份占比80%。 列为被执行人也许没有那么严重,但是接连的公司股票冻结,也够小王头疼一阵子的了。 也许王思聪最终如王健林曾经所言5亿折腾光拍拍屁股回万达去上班。 只有影视圈留下了一地鸡毛。 不管这件事最终如何收场,王思聪以后再怼天怼地,将会有无数“被执行人”留言等着他了。

  • 从电影剧本的发展史看中国电影业

    这篇标题似乎大得有点可怕,我斟酌这一篇也有些时日了。之所以要学习电影剧本的发展史是因为从历史的演变过程我们可以了解事物发展的脉络,一些普通规律,然后结合实际的情况,为下一步作出更合理的规划,以更快地达到理想目标。打个浅显的比喻,两个人过河,一个人先过了河,并标记出哪里有石头可以垫脚,哪里有深洼,这时第二个人如果够聪明的话就可以根据第一个人留下的记号,再根据自己的身体状况来判断适合自己过河的标准,从而更快更安全地到达对岸。当代电影剧本是西方国家电影发展的产物。电影就是一种活动的影像。我国早在汉朝(公元前202年)就有了关于“走马灯“的记载,灯内点上蜡烛,烛产生的热力造成气流,令轮轴转动。轮轴上有剪纸,烛光将剪纸的影投射在屏上,图像便不断走动。1835年比利时物理学家尤瑟夫-普拉托(Joseph Plateau)发现的视觉暂留原理(Persistence of Vision)给电影的播放奠定了理论基础,这也促成了后来的视频帧率的完善,现代电影普遍使用的帧率是每秒24帧,一帧便是一个图像,也就是说一秒需要播放24张连续的图像以保证最佳视觉的连贯和流畅。1879年英国摄影师埃德沃德·迈布里奇(Eadweard J. Muybridge)发明了最早的电影播放器 - 动物实验镜(Zoopraxiscope),是一种可以播放运动图像的投影机,将连续图像绘制在一块玻璃圆盘的边缘,随着玻璃的旋转,将影像投射出去,这样就使这些影象显得像在运动。现代意义的电影最早只是一种聚众猎奇的玩意,并非用于叙事。最早最出名的一部电影是由法国Lumiere兄弟在1895年12月28日的一个私人聚会上播映的影片。这部影片由十部小短片组成,每个小短片约40秒长,各有一个小标题,如“工人离开工厂“、“宝宝的早餐“等等。这些短片其实只能算作情节,但它们的标题正标志着当代电影剧本的起源,被称为“情节描述格式“(Scenarios)。为了更好的描述和推广电影,这种格式一直在电影发展的初期被延用,直到1897年被美国艾迪生制片公司(Edison Studios)扩展到一个新的高度,最著名的一段描述是关于影片“枕头战“(Pillow Fight)。“Four young ladies, in their nightgowns, are having a romp. One of the pillows gets torn, and the feathers fly all over the room.”“四个年轻女子,穿着睡裙,正在嬉闹玩耍。其中一个枕头被扯烂,羽毛飞得满屋都是。“可以看得出这种描述比之前标题式的描述更具体更具画面性,但它也还属于Scenario。1901年后,随着影片长度的增长,叙事的需求日益突出,编写剧本的重要性也与日俱增。为了保持叙事的连贯性,电影剧本诞生了。学者Béla Balázs在1970年出版的《电影理论》一书中提到:“当电影发展成为一种独立的艺术形式,当它的拍摄必须提前安排好,而不再可能仅仅依靠在摄像机前对视觉效果的即兴发挥的时候,电影剧本就诞生了“。简单来说,剧本的诞生是为了更有效率的制片服务的。这里不得不提的是1902年法国导演Georges Méliès自编自导的一部默片“月球旅行“(A Trip To The Moon)。为了这部片的拍摄,他首次编写了以一长串场景组成的剧本,交待了场景的内容以及场景的顺序。这里我就不翻译了。这样的剧本仅仅只是对导演的技术辅助,它只交待了哪个场景要拍什么,并以怎样的顺序排列。1903年由Scott Marble为美国导演Edwin S. Porter编写的默片“火车大盗“(The Great Train Robbery)的Scenario在电影剧本格式上实现了一个飞越,它已不再属于“情节描述格式“了,它标志着现代电影剧本格式的诞生,即“主要场景格式“(Master Scene Format),只是差了对话而已。20世纪初是个很重要的时期,不仅仅是电影剧本的格式已经成形,而且电影制作也开始产业化。那时的电影制作是以导演为中心的,也就是说从影片的开头到结尾都是导演负责,从剧本到组织制作团队到市场推广,这种体制叫“导演中心制“,一些大导演成为明星人物,如大卫-格里菲斯(D.W. Griffith)。大家记住,这是一百多年前的事。但是,时代在变。19世纪末到20世纪初的近20年间,导演和摄像师在电影制作过程中起到了主导作用,他们在片场现场决定怎样拍摄,他们想怎样拍就怎样拍,想怎样改就怎样改,坐在这样的位置上的人确实威风!但是随着剧本故事的复杂程度不断增加,由单纯保证故事的连贯性发展到还要顾及视觉的连贯性,制作规模不断扩大,继而制作成本不断增加,导演中心制显然不合时宜了,想一想,让上百号人在拍摄现场等着导演指挥下一步做什么怎样做是多么浪费时间和金钱,于是,一个新的电影制作体制呼之欲出。1911年9月,一个小电影制作人托马斯-因斯(Thomas Ince)穿着借来的大衣和租来的钻石戒指走进了纽约制片公司(NYMP)老板Charles Baumann的办公室,请求在美国西海岸设立一间公司来做西部片。因斯如愿以偿,他签了一份三个月的合同,以每个礼拜150美金的薪酬,带着妻子、摄像师、常用女主角等一行人前往西部,直奔加利福利亚州。很快,因斯等人到达了位于洛杉矶现在Echo公园所在位置的NYMP的分公司办公室,开始布置他的工作。在靠近落日大道和西太平洋高速公路处的一个1.9平方公里的农场上,因斯成立了他的制片公司Inceville,也就是世界上第一个现代的电影制片公司。因斯开始了一场电影产业革命,他首次将汽车生产巨头亨利福特的装配生产线理论应用到电影制作上,通过前期对电影的仔细规划,他发明了一种新的剧本格式-“连续性剧本“(Continuity Script),包含了各种对制片有用的信息,如谁会在场景中,有什么样的戏,室内还是室外,摄像机的具体要求,以及成本的控制。通过对剧本的解析,他就可以规划出最合理的拍摄计划。因斯是现代制片公司的始祖,他最卓越的贡献是在于把电影剧本由单一的电影叙事转变为整个电影制作的蓝本,它把电影制作由一次只能做一部片转变为同时可以制作多部片,制片公司的发展也因此达到前所未有的速度和规模。剧本作家、导演、摄像师、灯光师、录音师、演员、后期编辑师等等各个环节上的人紧密合作,同一时间可以进行多部影片的制作,大大提高了效率。“导演中心制“的制片方式因此瓦解,因斯的角色也从一个导演转变为一个制片人,他开启了电影史上的一个全新时代,一个全新的制度诞生了,那就是“制片人中心制“,而这一切都是归功于他对电影剧本格式的革新。因斯发明的“连续性剧本“格式成就了好莱坞的黄金发展时期,几间好莱坞制片巨头公司控制着从影片的产生、制作一直到发行上映的各环节,形成垄断,引起小制片公司的不满。1948年的出名的派拉蒙案中,美国高等法院裁定好莱坞制片巨头们必须放弃电影放映权的控制。在那之前,巨头们拥有电影院的所有权,可以强迫电影院成批购买整个季度的影片,在案件之后,巨头们只能一次性向电影院绑定五部电影,可想而知,如果他们想让电影院放映更多的影片,就得做足推销功夫。从那以后,巨头公司的兴趣逐渐转向融资和市场营销,而远离了他们成立的初衷-制作电影。好莱坞巨头系统开始瓦解。与此同时,独立制片人开始兴旺起来,他们的兴趣所在是制作电影,他们找到好剧本,找到导演、演员和制作团队,然后包装项目向巨头公司推销,获取融资和发行渠道。这时,电影剧本的格式随着电影业的变化又发生了改变,“主要场景剧本“格式又重回舞台,一直延用至今。与“连续性剧本“不同,“主要场景剧本“的重点在可读性,它侧重于故事,成为一个吸引各方参与影片制作的文本,于是摄影机镜头的描写、场景编号、怎样转场等这些信息从剧本中退出。但是,一旦剧本被放绿灯,获得投资可以开始拍摄的时候,它便会在导演的指导下被改为“拍摄剧本“,也就是之前的“连续性剧本“,作为拍摄时的具体指导文件。不难看出,电影剧本的发展史完全是电影产业发展的缩影,电影剧本格式的改变是应电影制作需求的改变而发生的。以后我会专门详细介绍好莱坞剧本的格式。我之所以写这篇文章是因为我迫切地感觉到规范中国电影剧本格式的必要性。我在网上搜索电影剧本,英文的随便一搜就一大把,中文的我至今没有搜到一份象样的。在美国洛杉矶,电影剧本写作的课程、讨论、讲座等等可谓铺天盖地,写剧本几乎成了一种全民爱好,而且绝大多数都是业余的。在中国,我丝毫感觉不到这方面的氛围。网上搜到的中文剧本让我哭笑不得,查到的电影剧本写作的课程也是令人失望至极,从我开始写这个专栏至今,经常会有人问及一些剧本格式的问题,一些十分基础的问题在很多人眼里都还是模糊不清的,其中包括一些从业人员。好莱坞一百多年前的导演中心制在中国的现实中有似曾相识的感觉。好莱坞是全世界公认的电影中心,全世界都在向它看齐,向它学习。它就好象过河的第一人,后面过河的人其实可以借鉴经验,更快更稳地过河。我无法更加强调电影剧本格式的重要性,电影始于剧本,要繁荣电影产业,必须从规范电影剧本格式入手,起码我是这样认为的。路漫漫其修远兮,吾将上下而求索。

  • “限古令”也无妨,00后的片单还很长

    这是鲜喵的第 1132 篇吐血原创喵族码字员:崔百珎编者按都说90后、00后是“挂”在互联网上长大的两群人,这个被统称为“Z世代”的群体(另有说法是95后、00后的统称),与其他以出生年度为分界划分的群体们一样,有着各自的特点和个性。但是,他们却也因为借着“互联网”的机遇相同,而存在不少共性。例如,追剧方式。随着互联网的发展,越来越多的年轻人早已习惯了在网络上“追剧”,他们选择剧集的方式方法更倾向于圈层化——换言之,“Z世代”群体的观剧习惯受“直给型宣传”影响较小,他们更倾向于通过自己的喜好而选择影视娱乐作品,更进一步还会有因为喜好相同而走到一起的同好互荐。为此,笔者策划了“典藏剧”专题,将分别从“国产情景喜剧”“家庭剧”“古装剧”三个类型维度出发,以期探寻“Z世代”所热衷的国产剧都有哪些特性。本篇文章为此系列的第三篇,看一看“Z世代”喜欢的古装剧有哪些。狄更斯说,这是最好的时代,这也是最差的时代。如今的影视行业虽看似进入了“寒冬”,不时还有些偶发性新闻出现,但真正对影视行业有热爱的人都还在坚持创作初心,也依然相信优质内容的价值。与此同时,总有一些对“古早”影视作品十分喜爱的观众,仍会选择收看复播剧集,甚至会在网络上回看旧时剧集。其中,就不乏对古装剧十分热爱的“Z世代”。回看本次典藏剧取样分析的“国产情景喜剧”“家庭剧”“古装剧”三个类型的影视作品,除个别国产情景喜剧外,大多古装剧更易受到90后、00后的热爱。不同于国产情景喜剧式微的现状,古装剧在如今的影视创作市场中,仍有着较大的比重,也深受创作者们喜爱。电视剧《莲花童子哪咤》相关表情包客观而言,在“古装剧”的形式下,情景喜剧及家庭剧的内核也可称为影视创作的题材。所以,仅从影视作品形式而言,“古装剧”所受到的关注更多。例如,描述宋朝时期家宅故事的《知否知否应是绿肥红瘦》,其实也不乏“家庭剧”相关元素;在“Z世代”心目中十分优秀的古装剧《龙门镖局》同时也是情景喜剧......各式各样、题材不一的“古早”古装剧再次被网友翻出来,逐一品味。统计列表汇总的剧集,因不同平台用户及抓取维度不同而有所差异。在豆瓣平台,众多发人深思的影视作品拥有更高的评分。《西游记》《红楼梦》《三国演义》等由著名文学作品改编而来的影视剧,大都已被广大观众奉为了经典之作。另有与历史元素息息相关的几部影视作品,也因故事架构、演员演绎,服装、置景等层面获得了用户的认可。而2015年播出的电视剧《琅琊榜》,则是近几年为数不多口碑和传播度双丰收的古装剧。与此同时,在“Z世代”用户占比61%的B站,受欢迎的古装剧更侧重有较强的娱乐元素,但也不乏口碑稳定的系列剧集。影视剧《天地争霸美猴王》是一部诞生于1998年的剧集,如今它在B站几近“封神”。截至撰稿,在《天地争霸美猴王》两千一百余万的点击量背后,有26.3万标记追剧。值得一提的是,这部会员专享剧集,需要成为B站大会员方可观看第三集及之后的内容。由此可见,陈浩民出演的“美猴王”在90后、00后中的影响力。白底为豆瓣抽样案例,蓝底为B站抽样案例娱乐、严肃两相宜,在豆瓣评分高达9.7分的《走向共和》,讲述的是旧中国19世纪末到20世纪初的风云变幻。历史书上的重要时刻,被影视化创作后呈现在了荧屏上。电视剧《走向共和》剧照在北洋水师全军覆没后,日军陆续攻占平壤、旅顺、威海卫等地,清军计有20余万被击溃,北洋水师提督丁汝昌饮恨自尽。随后,李鸿章在众人指责中赴日和谈,签下了不平等条约《马关条约》。在电视剧《走向共和》的第十二集中,李中堂头负重伤言的谈判场面让人心疼。“赔款再减少5000万......行不行?”“不行。”“2000万?”“不行。”“无论如何再减少点儿,就作为......老夫回国的旅费吧!”“不行。”国力强盛方能国泰民安,“阿中哥哥”一路走来虽历尽艰辛,但他确实是一步步从黑暗走向了光明。人都说,历史是个任人打扮的小姑娘,仅借一部影视作品的剧情就贸然与“历史”挂钩,显然并不科学,但这些有历史元素的影视作品,却的确能够影响观众了解相关历史的积极性。除了厚重的历史剧,武侠风的作品、帅哥美女云集的作品,也深受大众的喜爱。曾经的“天涯四美”“古装美男”等,都是引发观众追剧热情的重要看点。电视剧《小李飞刀》焦恩俊要知道,如今大女儿都出道一年有余的焦恩俊,当年可是一位风流倜傥、容貌俊雅的古装小生啊——除了迷倒了“西门大妈”,他也是彼时观众公认的美男子。直至2005年,由他主演的古装神话剧《宝莲灯》,还创下了央视八套黄金时段9.1的收视纪录。“康康我发现了什么好东西!”总有一些颇有年头的剧集画面上,有这样的弹幕。互联网的发展、视频网站的内容汇总,都给观众复看旧剧提供了便利。在B站上,偶有新更新的旧剧上线,就会有网友争相感叹资源的丰富,也会有观众恨不能实时在弹幕或评论区,表达自己对这部剧的旧时记忆。旧剧复看,观众们带着“爱意”找寻bug的行为都是充满情怀的。而那些深入人心的演员们,也都是如今守在视频网站上的观众们的童年回忆。甚至,有不少剧集本身漏洞满满,但是仍被大家喜爱——这样的案例或许就是“白月光”一样的存在。电视剧《九岁县太爷》奇葩的“婚恋模式”如今,早已鲜少登上荧屏的曹颖,曾是不少90后、00后童年公认的美人。与其同在影视剧《九岁县太爷》中出现的释小龙及曹骏,也是承载了旧时记忆的一对“萌”CP。但若说起剧情来,这部因为技术也好、条件也罢的古装剧,不时露出的bug,而今已经成为了躲在时光滤镜背后的趣味点——而当初由曹颖和曹骏这一对“官配”所带来的奇葩婚恋观念,也早已成为了“Z世代”童年的记忆。电视剧《风云》名场面无论是借着“吐槽”恢复热度的古装剧,还是曾被奉为经典的剧集如今仿若“沙雕番”的迭代,旧时的古装剧总能给如今的网络用户带来新的快乐。有网友说“最好看的剧,总是在十年前。”《风云》中曾让人眼前一亮的特效,以及拳拳到肉的打戏,都令“Z世代”为之折服。而在旧剧中找熟面孔,也成为了观剧的一大乐事——聂风的娘“出演”了《都挺好》里的蒙太,甄嬛的爹在第一集就被杀掉了......此外,不拖拉的快节奏剧情也收获了90后、00后们的好评。“Z世代”刷旧剧,大多时候图的是“开心”。所以,当这些剧集自带喜剧元素或恐怖因子时,则更会受到B站用户的欢迎。例如,《风云》中的步惊云就被“Z世代”调侃出了“手办达人”“羊毛卷达人”的等逗趣的称呼;另有网友坦言,现在复看“童年阴影”《聊斋》,却连片头都舍不得“跳”——“片头曲怎么听都好听,就连开篇的那只吓人的小灯笼都多了一分可爱。”与之对应的豆瓣用户们,则更青睐“脑力值”更高的剧集。演员也是“Z世代”追旧剧的重要看点。这些演员的号召力大致可以分为两种。第一种,是在剧集播出之初就极具影响力的当红小生or小花,“正当红”的他们所拍摄的剧集不仅影响了当时的收视率,更影响了一部分有着童年记忆的“Z世代”的选择。第二种,则是被新近发掘出的“宝藏演员”或“惊天美貌”。《小李飞刀》中的焦恩俊,《少年包青天》系列中的周杰、任泉等人,以及那时常在荧屏上的少年演员释小龙、曹骏等演员,用今天的热词“流量担当”形容之并无不妥。在那些古早古装剧中,家喻户晓的明星亦是吸引观众的王牌。《铁齿铜牙纪晓岚》系列剧“铁三角”组合如今,认准了古装剧中的“王牌”演员们的观众,不乏年龄尚小的“Z世代”。在B站上有着不俗播放量的《铁齿铜牙纪晓岚》系列的弹幕及评论区中,就有不少向“铁三角”张国立、王刚、张铁林表白的90后、00后。让“Z世代”为之折服的这些演员,或多或少都是因角色与本人的“共存IP模式”而被大众所接纳。例如,出演了《还珠格格》系列中尔康的周杰,甚至还以表情包的形式一直陪伴着“Z世代”,但深情男子蜕变为喜剧元素也着实令人捧腹。此外,在“Z世代”中颇有号召力的“美猴王”陈浩民,自带“帝王相”的张国立,和珅“本人”王刚等,都因角色与本人开启了“共存IP模式”,反而留给观众的印象更为深刻。与此同时,另有许多“颜值爆表”的古装剧集,深得“Z世代”的换新。在B站《聊斋》的评论栏,有人惊呼:“《聊斋》每集都有漂亮小姐姐!”“Z世代”惊叹于当年无滤镜、纯天然的演员们的颜值,赏心悦目的观剧的同时,还不时感叹演员们美得“各具风采”的旧时光的美好。《聊斋》里陈红饰演的连城、出演了《风云》的田丽、蒋勤勤,《倚天屠龙记》中贾静雯饰演的赵敏、高圆圆饰演的周芷若,《仙剑奇侠传》中刘亦菲出演的赵灵儿......《神雕侠侣》里“白古”古天乐扮演的杨过,还有倾倒了无数粉丝的“天涯四美”——钟汉良饰演的顾惜朝、乔振宇饰演的欧阳明日、严屹宽饰演的李建成、霍建华饰演的徐长卿。旧时光里的俊男靓女,让“Z世代”跨越时空为之倾倒。颜值在线的演员,演技也与之匹敌,从而留下了深入人心的荧屏形象。今年的古装剧市场其实不乏口碑收视双佳的作品,但整体而言大都宣传声量较小,但在“Z世代”中掀起声浪的新古装影视作品,其实也具备了经典古装剧的一些特质。例如,所演绎的故事情节连贯动人、演员的颜值演技在线等。然而,至今仍有数十部汇聚了大众关注的古装剧待播,这从另一个侧面反映出了影视创作者们为满足市场需求所做的努力。当电视剧随着技术的变化,分化成为了电视剧及网剧,甚至是短视频剧等其他视频内容,通过视频“讲故事”的内核没变,千变万化的其实只是内容的传播介质。然而,纷繁的影响因素总会裹挟着身处其中的影视创作者们的选择。笔者曾在某网剧制作人口中得知其人及其公司的“创作理念”,他笃信B站等视频网站属于小众平台,掀不起多大的“浪花”,如今,在“影视寒冬”中的当下,想要有钱赚还是得“抱紧”主流视频网站、一线卫视平台的大腿......不巧的是,在之前某主流视频网站的一个版权剧相关负责人,曾在采访中明确向包括笔者在内的媒体表示,平台选择的合作方能够“懂用户”是硬性标准。换言之,主流视频平台仍旧重视观众的喜好和选择,而这其中,年轻一代用户的选择尤为重要。也可以看到“Z世代”对优质剧集的认可和喜爱。综合而言,除个别自带“怀旧”要素的剧集外,情景喜剧、古装剧有着更多的年轻观众,但家庭剧相关内容的用户较少。“Z世代”在观看、欣赏影视剧时,对于各有韵味的古典美、自然美的演员,甚至是贴合角色本身特质的演员形象更易产生好感,而过度滤镜、画蛇添足的妆化充斥荧屏的“新作”反而不易被他们接纳。回看“典藏剧”系列专题长大后的“Z世代”,终于“玩坏”了家庭剧 | 深鲜企划·典藏剧让00后疯狂的国产情景喜剧,魔性在哪?| 深鲜企划·典藏剧

  • 李安的超时空电影《双子杀手》:十年一觉电影梦

    《双子杀手》上映N天,没爆。电影在国外褒贬不一,国内票房排在同天上映的《沉睡魔咒2》《航海王》和上映21天的《中国机长》后头。这部投资1.38亿美元的烧钱大片,大概率又要赔本了。但这并不会动摇李安对新技术的坚持。他问中国观众:是我有问题,还是世界有问题?【近乡情怯】上一次采访李安,远在荷兰阿姆斯特丹,要坐十几个小时飞机去,再坐十几个小时飞机回,只为能和他见上一面,聊一小会。哪家媒体会放过这样的机会呢?“那可是李安哎!”多少年来,记者们都只能从一本《十年一觉电影梦》里挖各种角度写文章,来向这位站在华语影坛金字塔尖的大师表达敬意。影迷爱他,业内崇拜他,上海电影节请他来聊了聊,业内人士的朋友圈瞬间就被金句刷屏。没想到三年后,见李安突然变得易如反掌。这回不是我们去,是他来。几天前,李安在上海某酒店的两个专访间里来回挪步,从早到晚一口气做了二十多家采访,娱理工作室是其中之一。一周内,他奔忙于国内不同城市之间,中午还在上海见面会上和中方投资人谈笑风生,晚上就飞到武汉与高晓松对谈。安叔是个很接地气的人,在发布会上猝不及防开车,让威尔·史密斯演示“处男步”;红毯上他尽量满足每一个影迷求握手求签名的呼唤。复旦大学活动,他和郭广昌互相调侃对方“闷骚”,俩人还当众脱下西服外套,换上大学生送的校队棒球衫。见面结束后,李安像个嗨到想Pogo的摇滚歌手,猫着腰一一击掌台下上百条挥舞的手臂。他似乎想讲尽一辈子的话,餐叙时间滔滔不绝,几乎没动筷。这样的李安,我们还真是没见过。他不厌其烦,一遍又一遍安利120帧的美好愿景。65岁的李安,拼了。他笑言“少年子弟江湖老”,感慨自己身体在不断衰老。这时,他略带苦涩的表情里流露出一丝焦虑和紧迫感。从《少年派的奇幻漂流》起,李安头也不回地走上了技术探索之路。走得越远,就越容易碰钉子。钉子碰多了,路就愈发明晰了。譬如最新这部《双子杀手》,有再多克隆人,灌注其中的不还是那个俄狄浦斯情结?别看主演是威尔·史密斯VS威尔·史密斯,你还可以理解为是一个典型的东方家庭故事,是李安和他父亲之间的那些纠结和遗憾。李安明白这一点。“虽然我拍了很多西片,中国文化是我的基本文化,面对观众会有一种近乡情怯的感觉。电影发展了100多年,很多东西已经僵化了,像美国市场已经有疲惫感,反而中国充满了希望。”对于李安的所有作品,中国影迷也一向拿出极大的热情来支持。上一部《比利·林恩的中场战事》是李安第一次试验3D、4K、120帧/秒格式,影片成本4000万美元,全球票房约3093万美元,其中中国票房1.64亿元,占全球七成多。从官方到民间,中国都愿意跟李安联手投资未来。国企华夏电影牵头研发了Cinity系统,全国18座城市的30块银幕都可以看到120帧/秒的《双子杀手》;到今年年底,数目将涨到100块。在这几天的一次放映活动上,有影迷问李安以后还会继续拍120帧吗?李安笑答:“会,只要还有人投资的话。”一位如此功成名就的导演,还需要顾虑投资吗?或许李安预感到,自己选择的是一条孤独求索的路,“一个人,没有同类”,可能真的要赌上他在好莱坞拥有过的一切。《比利·林恩的中场战事》和《双子杀手》都有中国投资份额。无论从文化情感、票房市场还是产业趋势来看,中国都是李安未来最好的选择。果不其然,李安最近透露,他正在写一个中国新片剧本。眼下局面,正是属于李安的“中场战事”。【不如我们从头来过】目前《双子杀手》微博大V推荐度64%,豆瓣评分7.1,评价尚可。国外就很值得玩味了,烂番茄观众评分84%,影评人只有25%。上次《比利·林恩的中场战事》上映时,国外有些影评人就颇不客气,说高帧率的电影丧失了“电影感”——哪怕美国至今连一块能放4K、120帧/秒的银幕都没有,对很多人来说,对新技术的抗拒几乎是本能反应。娱理工作室问李安:面对北美口碑,有怀疑过自己吗?他说:“怀疑当然会有,可是我宁愿相信我亲眼看到的东西,不是他们亲眼看到的。我的眼睛已经跟其他人不太一样,因为我整天在这里,现在让我看24格已经不习惯了,人的眼睛是会变的,解析能力是一直在调整的。”李安看似在玩技术,实际上颠覆的是通用百年的电影语言和工业体系。中国电影资料馆策展人沙丹说:“戈达尔说,电影始于格里菲斯,终结于阿巴斯。安叔要做的,就是当21世纪的格里菲斯。”为什么说李安要挑战的是全世界?举几个简单的例子。以前,拍动作戏可以半虚半实着来,速度感、打击感靠专业替身、后期调速、镜头剪接等等就能实现。但在高帧率画面里,每颗飞行中的子弹、人的每个毛孔都看得清清楚楚,来不得一点点糊弄和遮掩;以前电影导演可以利用焦点和景深来引导观众视线,而4K、120帧画面里,你的目光可以在亮丽的大景深画面里恣意游走,主动发掘你感兴趣的东西,就像在现实世界里一样;再比如你要造一个人,做到100%像只是第一步,如何能让大家在情感上接受他是个真人是非常玄学的一件事。打个比方,你给朋友拍张照片,即便看起来不像他,他也不会因此苛责你;但你要做一个CG人物,哪怕感觉上只有0.01%不对劲,就会认定他是个玩偶,还有点恐怖。以上这些,24帧和120帧的各部门制作流程、审美方式全部都不同。《卧虎藏龙》时李安就想革新动作戏拍法,苦于没有技术可以作为支撑;今天,如果你用120帧再拍《卧虎藏龙》式的动作戏,会发现“两个人像是在跳双人舞,而不是想伤害对方。”命运总是很神奇,被取名“安”的,竟是一辈子都不安分的人。《双子杀手》里50岁的威尔·史密斯试图把人生经验传授给23岁的克隆版自己,被后者拒绝了:我要自己走弯路,不用你告诉我怎么做。这句话像是李安说给自己听的强心剂。如果今天65岁的李安遇见10年、20年或30年前的自己,他大概会说同样的话。遵从内心、永葆初心,才能不被舒适圈所诱惑,坚定走自己的路。敢于试错,敢于失败,人过中年之后,每一部电影都挑战全新的题材和类型。他心里那根不安分的弦儿,一直都在。这才是李安作为一名电影导演最令人尊敬的地方。【孤独的人不可耻】最近,如果你跟李安提起“高帧率”,他会马上纠正道:“我认为120帧不是高帧率,是普通帧率,以前的才该叫低帧率。24帧其实就是当初片商为了成本考虑(制定的),24本身是低帧率的,没什么绝对科学道理。过去在低帧率里投入过很多情感和艺术,我们喜欢的是情感和艺术,不是喜欢低帧率。你就停在过去吗?”《双子杀手》国内第一次公映后,他问观众:“现在只有我一个人这么拍,是我有问题,还是世界有问题?”技术,技术,他满脑子都是技术,像个闭门修炼刚出山的大侠,不疯魔不成活。或许作为开路者,势必得表现得“偏执狂”一些——李安知道,如果连他自己都动摇了,这项技术就不会再进行下去。120帧是一项造价不菲的技术,必然耗费巨大的精力,“老实来说,我这个年纪开发新东西是很吃力的。做不熟悉的东西,总会有很多碍手碍脚的事情。”年轻导演没有地位和资源,也担不起赔钱的风险,因此在65岁的李安的心头,有一股使命感。“学习不见得有什么目的,学习本身就是人生的目的。能赚钱当然最好,如果基本生活还可以的话,有一些理想,有一些虚妄的念头,有时不切实际也不是那么坏的事情。现在我多赚点少赚点都没关系,希望能对大家有启发。”万事开头难,一项新技术只有各方面都成熟了,变得便利、廉价、步入正轨,才会有很多人愿意去尝试。在那天到来之前,它可能都会是个吃力不讨好的赔本生意。当然也有过很多技术抗争多年,最后还是失败,成为被人遗忘的历史尘埃。1895年电影诞生之初,还不知电影为何物的观众们被银幕上的《火车进站》吓得四散逃开;1927年第一部有声片《爵士歌王》诞生,遭遇默片从业者们的激烈反抗,多年后默片才彻底退出历史舞台…电影帧率从手摇摄影机时代一直延续至今,早已具备改进的条件,要打败的只是人们的惯性。李安和他的120帧/秒最终会不会成功,谁也不知道。恐怕只有时间才能给出答案了。无论成败与否,我们都不该嘲笑敢于吃螃蟹的人。前不久,马丁·斯科塞斯关于“漫威的电影(Movies)不是真正的电影(Cinema)”的一席话引发轩然大波,这是一场关于电影本质的讨论。我们发现,其实焦虑的不止李安一个人,世界一流大导演几乎都在思考电影的未来走向问题。娱理工作室也问了问李安,他说:“漫威那种热闹的电影,我本身不是很有兴趣。我不能说它不是电影,它当然是电影,我不至于像斯科塞斯那样对它们不屑,因为也都是认真做出来的大制作,可是我本身不是很有兴趣,观众看着也会疲乏吧。同样的招数反复使用,你只有输给网络。现在看影像这么方便,过去我小时候连电视都没有,必须去戏院才能看到。现在手机上都能看得很清楚,这个样子继续下去,我不是很乐观。开发新的电影体验对我来说,蛮急迫的。”流媒体平台崛起,传统发行格局改变,史蒂文·索德伯格、马丁·斯科塞斯、科恩兄弟、阿方索·卡隆等大导演们纷纷与Netflix合作,电影世界,真的要变天了。主题乐园式的爆米花电影,与剖析人性的艺术电影,正逐渐分化到不同的媒体介质。那么电影院该如何证明继续存在的必要呢?答案就是不断升级技术、探索沉浸感与体验感。只不过其他导演的方法是求大,高概念、大制作、叮叮咣咣眼花缭乱,李安的方法是求精,仔细阅读每一张面孔,把它们读透了,直抵人心。李安曾把自己比作鲨鱼,哪怕停留在原地,也会被认为是退步,他只能执拗而孤独地继续前行。见天地,见众生,见自己,李安走到了最后一步。

  • 世界上的90后导演厉害到什么程度了?

    《天下无贼》中,黎叔有一句名台词——“黎叔:21世纪什么最贵,人才”。大家应该还记得当毕赣横空出世的时候,都觉得这个1989年出生的导演是中国电影的新希望;同样还有文牧野,1985年的他已经可以和陈凯歌、宁浩等导演拍《我和我的祖国》。为什么大家对他俩寄有厚望?因为毕赣凭借《路边野餐》在洛迦诺电影节上拿奖的时候才26岁,26岁的年纪在导演世界里,基本上属于学龄前儿童的阶段;33岁拍《我不是药神》的文牧野,顶多算一个小学生。泽维尔·多兰如果你们仔细观察这几年国际A类电影节的话,像三大电影节的主竞赛单元已经开始出现80后的面孔了。虽然目前80后登陆戛纳电影节主竞赛还有一定难度,但这几年也并不是没有,除了“亲儿子”多兰以外,像《好时光》的导演组合萨弗迪兄弟都是80后。当这些80后导演们正要崭露头角时,90后导演们已经杀过来了。曾经入围过柏林电影节全景单元的西班牙导演爱德华多·卡萨诺瓦(1991年),处女作《肌肤》极富想象力;即将执导美版《新咒怨》的尼古拉斯·佩谢(1990年);花了6年时间制作一部停格动画的周圣崴(1991年),这些90后导演作品个性十足。要说其中翘楚,在今年戛纳电影节上就有一位1991年出生的导演锋芒毕露,被前线记者戏称“俄罗斯多兰”,他就是康捷米尔·巴拉戈夫,新片《高个儿》更获得了一种关注单元最佳导演奖以及费比西奖一种关注单元奖。烹小鲜(pengxx)将在“导演帮”这个栏目里,以专题的形式,对世界上的90后导演们进行介绍。本文作为专题的第一篇,主人公就是“俄罗斯多兰”康捷米尔·巴拉戈夫。康捷米尔·巴拉戈夫除了这位“俄罗斯多兰”,还有一位“比利时多兰”卢卡斯·德霍特,跟巴拉戈夫一样,后者同样是1991年出生,同样也是戛纳电影节今后培养的嫡系。“比利时多兰”的处女作《女孩》入围过一种关注单元获得了金摄影机奖以及费比西奖一种关注单元奖,他今年被选为一种关注单元的评委。巧的是,“三位多兰”均参加了今年的戛纳电影节,“正牌多兰”入围了主竞赛单元。随着近几年“正牌多兰”在创作上疲态尽显,涌现出了像“俄罗斯多兰”、“比利时多兰”这样的新鲜力量。不论是对于戛纳电影节,还是世界电影,这都是一件好事。电影界同样需要新老更替,新导演纷纷上位,他们可以拍出更符合现在年轻观众口味的作品。半路出家也可以成为戛纳嫡系康捷米尔·巴拉戈夫已经三度入围戛纳电影节,已经被戛纳电影节重点培养的他,其实一开始学的并不是电影。他在大学主修经济,但他并不喜欢这个专业。后来,他父亲给他买了一个照相机,他就开始拍东西,并在他的老家纳尔奇克拍网剧,就这么拍了大约一年的时间。他的朋友向他介绍了以后的恩师——俄罗斯名导亚历山大·索科洛夫。当时,巴拉戈夫还不知道索科洛夫是谁。亚历山大·索科洛夫就在巴拉戈夫认识索科洛夫的三年前,索科洛夫在纳尔奇克当地办了一家电影学校。这家电影学校就设在纳尔奇克大学的一栋教学楼里,原本索科洛夫想把电影课程可以持续5、6年,但是学校不同意,索科洛夫就把电影课程定为5年。就在巴拉戈夫参加这个电影学校之前,他连什么是法国新浪潮都不知道。他看的电影都是院线放映的主流商业片,在他的老家纳尔奇克并没有艺术影院,巴拉戈夫对于艺术电影的接触,完全是从零开始。在学习的过程中,他开始大量看片。2013年,他拍了一部40分钟的短片《依然年轻》和一部38分钟的纪录片《安德烈》;2015年,他的短片《First I》入围了戛纳电影节的短片角单元,这是他第一次去戛纳电影节。这一年,他24岁。要说俄罗斯电影导演,无非是亚历山大·索科洛夫、安德烈·萨金塞夫、安德烈·康查洛夫斯基。除了这几位,俄罗斯电影近些年很少推出让人印象深刻的导演,像尤里·贝科夫、万·特韦尔多夫斯基,算是其中还不错的导演。康捷米尔·巴拉戈夫得亏了索科洛夫的电影学校,才让我们盼到了康捷米尔·巴拉戈夫这样的潜力股。为什么说巴拉戈夫是潜力股,一部电影的好坏无非就是从形式与内容来进行判断。恰巧,巴拉戈夫这两方面都很突出。他的颜色对比独树一帜先看一看他两部作品的海报,左边是处女作《亲密》,右边是新作《高个儿》。左边是《亲密》中女主角伊拉娜与弟弟的拥抱,在这可以看到蓝色与土黄色之间极具视觉冲击力的撞色;右边是《高个儿》中女主女高个儿,绿色、黄色、红色交织在一起。在巴拉戈夫的作品中,颜色具有叙事的功能,颜色之间的大胆撞色外化着影片中的戏剧冲突。在现实中的高加索地区,也就是巴拉戈夫的故乡,卡巴尔达人一直与犹太人居住生活在一起。《亲密》中一个母题就是卡巴尔达人与犹太人之间的冲突,女主角来自一个犹太家庭。一天,她的弟弟被一伙卡巴尔达人绑架了,并索要高额赎金,而这是伊拉娜一家所支付不起的。唯一的解决办法就是让伊拉娜嫁给一个当地有钱人家庭的儿子,戏剧冲突就是从这里开始的。伊拉娜从始至终都是一身的蓝色,而她所处的环境是以土黄色为主,包括她工作的汽车维修厂,以及她家,甚至她母亲的着装,全部都是土黄色。电影中的一个核心矛盾点就是伊拉娜与她母亲之间,关于如何解救弟弟。从始至终,伊拉娜的身上都有蓝色的物件点缀,蓝色的外衣、蓝色的帽子、蓝色的毛衣来凸显她对于外界压力的反抗。《亲密》在影片的最后,举家搬迁的过程中,母亲将一件土黄色的外套披在了伊拉娜,象征了母女二人之间关系的和解,同时也象征着伊拉娜反抗其犹太身份的失败,她最终会被周遭同化。在《高个儿》中,颜色对比较《亲密》更加强烈,影片的一开始,就可以看到女主角高个儿一袭白色护士服上的绿色衣领,绿色也是高个儿的主色调,她的绿色毛衣以及绿色连衣裙。导演在她周围一直打的都是黄光,以此来突出她与周围环境的格格不入。在无意之中,她造成了另外一位女主角玛莎的孩子意外身亡。随后,一头红发的玛莎从柏林前线回到了列宁格勒。她的着装是以红色为主色调。高个儿与玛莎一绿一红,从视觉上就形成了鲜明的对比,她俩之间的核心冲突点就在于儿子芭莎的死。《高个儿》玛莎遇到了一个高干子弟,并与之相恋。她又计划让高个儿与其他男人同床并怀孕,以此怀孕来补偿玛莎。在影片的后半部分,高个儿与玛莎有过一次颜色的互换,玛莎穿上绿色的连衣裙,而高个儿穿上了一件橙红色毛衣。玛莎换上绿色衣服可以理解为她想抛弃过去的身份,而把当一个妈妈的任务交给高个儿。从这里可以看出,巴拉戈夫对于颜色的高敏感度,每一种色调给有着不同的意义,这点他倒有些像张艺谋,利用高饱和度的颜色之间碰撞推进电影的叙事。维托里奥·斯托拉罗曾经说过,"色彩是电影语言的一部分,我们使用色彩表达不同的情感和感受,就像运用光与影象征生与死的冲突一样。”巴拉戈夫是同辈导演中对于颜色运用最好的。前辈不敢触碰的题材,他敢俄罗斯电影中不乏影射政府腐败、权钱交易的影片,像萨金赛夫的《利维坦》,尤里·贝科夫的《警界黑幕》、《危楼愚夫》。巴拉戈夫的两部作品挑战了以往俄罗斯导演极少触及的题材。《亲密》是发生在卡巴尔达—巴尔卡尔共和国,俄罗斯联邦共和国之一,地处高加索地区,离着车臣共和国非常近。在二战时期,斯大林把大量卡巴尔达人流放到西伯利亚。直到斯大林去世,卡巴尔达人才回到了故乡,但他们的伊斯兰文化已受到了严重破坏。当苏联解体后,伊斯兰复兴活动就开始在卡巴尔达复兴起来。《亲密》巴拉戈夫在《亲密》中所讨论的问题,并不是简简单单一起绑架案,而是当地由来已久的宗教矛盾。在片中,经常会出现电视机,电视中放的画面是车臣战争,巴拉戈夫本身就是卡巴尔达人,他通过这样一个狗血的故事,阐述当地复杂的宗教关系,以及在俄罗斯干涉的背景下,愈演愈烈的民族对抗。在《高个儿》里,巴拉戈夫将镜头放在了二战之后。在他的镜头下,战后的列宁格勒并不是一派百废待兴的场面。满眼皆是物资的匮乏,人与人之间的猜忌。主人公高个儿从前是在炮兵部队,却因此患上了PTSD,她所工作的医院,医治的都是些缺胳膊少腿的士兵。当政府来看他们的时候,这些士兵得到是虚假的慰问和寒酸的礼物,其中一位士兵斯乔巴为了不连累家人,请求高个儿为其安乐死。玛莎是随军慰安妇,一次次怀孕再堕胎,已使其丧失了生育能力,而过世的芭莎是她唯一的精神寄托。《高个儿》巴拉戈夫通过双女主的故事来讲述战争过后人民所面临的满目疮痍。像这样的历史题材,别说是巴拉戈夫这样的年轻导演,就算有经验的老导演都未必敢操作。如果说《亲密》还略显稚嫩,那么《高个儿》已经可以看出巴拉戈夫超强的控制力,远超其年龄的成熟以及可以实现其叙事野心的能力。《高个儿》这么有难度的故事,巴拉戈夫将形式上的风格化与文本上的复杂性完美地结合在了一起。以目前巴拉戈夫的发展轨迹来看,他是目前涌现出的新人导演中,最具有成为大师潜力的一位。虽然现在的90后导演还没真正成为气候,但是他们已经给电影界带来了新的元素,用他们更为年轻的视角,带来了不论是视听上,还是叙事上更加个人化、更加独树一帜的作品。当年奥逊·威尔斯26岁就拍出了《公民凯恩》,影响了后续的电影制作。导演分很多种类型,有的导演是一鸣惊人,更多的导演还是稳扎稳打积累经验。希望巴拉戈夫在一鸣惊人之后,还可以稳扎稳打。毕竟新人导演还是需要多积累人生经验,不要过度地消耗自己,避免成为第二个多兰。作者:春光编辑:高婧兮更多阅读:世界上的90后导演厉害到什么程度了(二)——卢卡斯·德霍特

  • 专访中国最好的纪录片导演之一:周浩

    《大同》之后,周浩已经有四年没有新的长片面世了。“这有非常多的客观原因,也不全是我个人的原因,有的片子拍完了出不来,有的在剪辑台上,有的还在进行中。”周浩说。周浩丨CFP已经拍出9部纪录长片的周浩,依旧不敢说自己是个“熟练工”。在他看来,拍摄者与拍摄对象的沟通,是创作一部纪录片的核心工作,而每次拍摄都会出现新的沟通问题,都得想新的办法去解决。所以他说,拍片子永远都是如履薄冰的感觉。他的拍摄题材很尖锐,但他面对拍摄对象却很“敬畏”。“我不认为把别人赤裸裸地呈现在镜头面前,就叫纪录片。”周浩说。他认为,只有拍摄者处理好自己跟拍摄对象的关系,才能让观众认同拍摄对象。相比强烈地站在某一个立场上去批判别人,他更愿意去呈现一个人物的多面性。对于这个小众行业来说,除了需要解决创作的问题,资金问题也依旧困扰着甚至是处于金字塔顶尖的创作者。第一次获得金马奖(《棉花》,第51届金马最佳纪录片奖)时,周浩就对媒体开玩笑说自己对于奖金期待比对奖杯期待更大,毕竟很多纪录片导演都“缺钱”。即使是现在,他依旧需要带着新作《孤注》的样片参加大大小小的提案会,以便获得更多的资金帮助。周浩导演《孤注》获“腾讯谷雨 x CCDF:最佳提案奖”丨CNEX周浩并非学院派出身,从纸媒转行纪录片的他,曾被人称为“记者型导演”。但其实,当我们以电影的视角去看他的作品,会发现许多极具原创性的影像呈现。在他的诸多受访文章中,我们也能读到他从实践经验总结而出的独特创作理念。他强调,纪录片的本质,是人与人的沟通;拍纪录片,于己于人都是一种完善自我的过程。相信读过周浩相关创作谈的人,都会拍纪录片的冲动。拍电影网(Pmovie)就带着学习的心态专访了周浩导演,向他讨教纪录片的创作方法和理念。无论什么题材,我本质上都在研究人Pmovie:您最近正在拍摄新片《孤注》?周浩:对,我一般是几个片子同时在拍摄。Pmovie:我看《孤注》的简介,直观感觉它是关注人的心理问题。在题材上,它跟您之前那些比较尖锐的带有鲜明社会性、时代性的影片是否存在区别?周浩:这个片子拍的是“创伤后应激障碍”(PTSD),其实还是一个集体性的问题,有些报告显示,中国有PTSD症状的人,也许超过一个亿。也许我们身边的人,也许你我,都曾经历过,只是我们没有特别注意到这个问题。很多人不去深究这个问题,但不深究并不意味着这个问题就会被彻底埋葬掉,它还是会不断地回响,还是会对当事人的心理造成非常大的影响,进而影响他们的生活质量。我这里的两个拍摄对象,都是非常勇敢的人,都愿意去跟别人分享自己的故事。他们希望大家跟他们一样,从阴影里走出来。我觉得一个社会要健康、正常地发展,人的心理健康问题是必须去探讨的。我们经常简单地把犯罪行为归结于人的一时冲动,其实在精神方面、社会学方面也有很多影响因素,这是我想去探讨的领域。可能就像你刚才说的,它好像不是一个很尖锐的社会问题,不是传统意义上的讲弱势群体或者阶级矛盾的问题,但是我并不认为这就跟我以前的片子有特别大的区别,其实都是在研究人。Pmovie:您的拍摄对象很丰富,影片产量也很高,对您来说,是不是不缺拍摄题材?您曾说,好题材是“遇到”的,那为什么您能“遇到”这么多好题材?周浩:其实就是一个多年的媳妇熬成婆了。纪录片实际上是我的一种生活方式,所以我的神经末梢也许就会比一般人要稍微敏感一点。我本身以此为职业,肯定在生活中时时刻刻遇到什么事情,都会想它会跟我的工作发生什么关联。这种联想、转化是自然而然的,并不是刻意为之。我做到现在,有时候题目也会来找我,比如现在这个《孤注》。Pmovie:您一般会如何结束一部纪录片的拍摄工作?因为有些纪录片不是一个事件,没有明确的开头、结局,那什么时候可以结束拍摄?周浩:肯定是有些自然的节点,我们当然是希望时间越长越好,但是也不可能一直拍下去。很难去描述一个具体的点,但总归是有一个时间点。打个比方,比如拍春夏秋冬,有人愿意把结尾放在生机勃勃的夏天,有人则愿意把结尾放在萧瑟的冬天,这就是拍摄者对事件不同的解读方式。但也不是自己完全主观的决定,还是跟拍摄对象的行动有关,当事情发生到某个节点的时候,我觉得可以做一个结束,那就自然地结束了。《龙哥》纪录片的独特性,源自你跟人打交道的方式Pmovie:您并非学院派出生,但从《厚街》到《高三》,影片的结构感更明显了,剪辑、摄影上也更讲究技法了,这个改变是怎么发生的?周浩:《厚街》那部片,我开始做后期的时候,并没有觉得它是一部电影。如何定义这个作品,我好像也并没有特别在意。做完之后,别人就说你做的是电影,那之后我自然而然地去学电影的拍摄技法,就看别人怎么拍的,然后依葫芦画瓢,就有了《高三》。因为拍摄器材廉价化了,拍电影的门槛也变低了,而且我这种小电影成本也不高,很多东西都是在拍摄实践中学到的,这是一个潜移默化的过程。《高三》我还不是特别喜欢,它的结构我觉得太匠气了,总觉得有点中规中矩,现在再去拍的话,也许会有更好的处理方法。《高三》Pmovie:您纪录片的结构主要是诞生在哪个环节?前期会有比较详细的计划吗?周浩:早期会有一个大概的方向,但结构在后期一定会发生天翻地覆的变化。如果一个片子在拍摄前就想好了,最后拍出来的样子跟刚开始想象的一模一样,那肯定不是我的片子。我蛮期待事情在发展过程中所产生的变化,随着这个变化的肌理,它自然会有一个结果。但有很多片子在拍摄结束后都没有结果出来,那我就跟剪辑师共同把结果“再创作”出来。Pmovie:前期调研的时间有多久?周浩:很短,只要别人同意我拍了,我就会开始拍。其实最关键的问题是别人愿不愿意让我拍,如果他愿意,同时跟我事先的某种想法又契合,那我就着手拍摄。Pmovie:您曾说,拍纪录片最重要的就是跟拍摄对象的沟通。具体需要什么样的沟通能力?健谈,跟拍摄对象自来熟?周浩:不是简单的自来熟。自来熟是你说话比别人说话多,你会变成主角,其实这在拍片子的过程是蛮忌讳的事情。你是要去观察别人的生活,不能自己唱主角,更不是跟别人说自己有个特别大的主题,忽悠别人来拍摄,这肯定也是不可取的。拍片子的开始都是因为双方有一个契合点。我拍片的目的是什么,我先告诉拍摄对象,如果他们正好也愿意分享自己的故事,这就在第一个层面上达成了共识。只有当我拍片的意愿和跟拍摄对象的意愿相互重合的时候,这个事情就可以往下进行了。而且在交流过程中,拍摄对象会问你,为什么要拍他,对他的什么东西感兴趣。拍摄对象大多是不许报酬的,那别人为什么要让自己未来一年的生活都被一个摄像机跟着?所以你首先要说服你的拍摄对象,但说服不是欺骗,是需要表达出自己真诚的意愿。你为什么要做这个片子?做这片子干嘛用?你要跟别人说清楚。然后对方觉得好,说我们一起来试一试吧。《龙哥》Pmovie:生活中不善于交际、沉默寡言的人,能拍好纪录片吗?周浩:其实拍纪录片跟一个人内不内向没有本质的关系。内向的人可能有些题材拍不了,比如《大同》这样的题材,但可以去拍自己最擅长的题材,比如说拍自己的父母或者最要好的朋友,那这也许就是我进不去的地方。每个人做片子都是这样,就是做自己最熟悉那一块。我理解纪录片的本质,就是呈现你跟别人打交道的方式,就是用你的人生阅历,用你对世界的感悟,通过影像的方式去把它谋篇布局出来。羞涩人可以用他自己的方式去感受事件,他的感受方式跟我一个粗线条大老爷们的感觉方式就不一样。比如说像《高三》这部片,我去拍和他去拍就会是完全不同的两个片子,我用我的视角去解读别人高三这一年是怎么经历的,那他也会有他的解读方式。而且并不存在谁的视角更公允的问题,每个人都是用自己的视角来观察事物。观众在看片子时会觉得,这个视角,这种跟人打交道的方式是我以前没有感受到的,而这就是一部纪录片的独特性所在。并不说只有外向的人才能去拍纪录片,而羞涩的人不能拍纪录片。比如说我认识的一个纪录片导演叫沙青(凭借《在一起的时光》获得日本山形国际纪录片电影节小川绅介奖),他就是一个特别内向的人,但他同样也可以拍出非常棒的纪录片。一部影片如何能够与众不同?首先你得有自己的一个角度。纪录片就是一个导演用自己的思维方式、行为方式来研究其他人,本质上是这样的。每次拍摄都如履薄冰Pmovie:纪录片会展示拍摄对象的正负面,这是客观性的体现。但在拍摄过程中,如果拍摄对象要求隐藏自己的负面,或者提出其他的拍摄要求,您会如何保持自己的主控性?周浩:这种情况永远都有。纪录片的拍摄过程,实际上是你和你的拍摄对象互相了解的过程。当双方有了足够的了解,拍摄对象信任你的把控,那你就能自如处理。我经常说,拍片子永远都是那种如履薄冰的感觉,就是你一定要在拍摄对象、我(即拍摄者)和观众之间找到某种平衡。我每一部片子其实都是在这个边缘上走出来的。我并没有觉得自己在这方面处理得非常好,都不敢说自己是“熟练工”。因为每次遇到的问题都是新问题,都得想新的办法解决。包括最近拍这部片子,实际上我们跟拍摄对象之间也会产生一些的冲突和观念认识的不一致,然后这部分内容可能也会拍进影片当中。而且我并不认为把别人赤裸裸地呈现在镜头面前,它就叫纪录片。纪录片的作用是什么?我觉得它应该变成社会的一个润滑剂,促进人和人之间的相互了解和沟通。比如我们拍一个人物,我们是希望观众跟这个人物之间能够发生某种交流,而作为中介者的我如果不能处理好自己跟这个人物之间的关系,那怎么能够指望观众去认同我所拍的人物呢?当然,也不见得要去给别人唱赞歌。这个世界可怕的事就是从众,我们很多时候判断事物只分黑和白,这是好人,那是坏人,但实际不是那么简单,我更喜欢呈现事情的多面性,《大同》Pmovie:《大同》里面,前一段镜头是市长开会谴责下属,显示了他的正面形象,后一段镜头立马接上的是群众对他的异议,形成了两种观点的分庭抗礼。这就是一种呈现多样性的方式?周浩:对,我必须把人物往不同的方向去拉扯。比如说一方面你会觉得他的拆迁是没有道理的,因为影响到了很多人的生活,但回过头来我又会告诉你,拆迁其实有很多非常站得住的理由。其实每个人都处在各种力量的拉扯中间,而我们习惯一棒子把别人打死,所以这个世界总是有这么多矛盾冲突。我是不愿意特别强烈地站在某一个立场上去批判别人。社会大众对警察和医生存在一些固有的认识,但如果看完我的《差馆》和《急诊》,也许会觉得警察和医生都很不容易。其实我的片子本身并没有站在拍摄对象的立场上说他们很幸苦,只是观众看完之后会对他们有新的理解。Pmovie:随着跟拍摄对象关系的深入,您的态度、立场是否会变化?这对拍摄会有哪些影响?周浩:这种影响当然非常大,但不一定说是好的或者坏的。拍《龙哥》的时候,一开始我只是想观察别人的生活,但随着拍摄的深入,我自己也有点坚持不下去了,因为那种生活的确让我觉得非常不舒服,然后我跟他的关系也开始变得不一样起来。最后我跟他之间的互动就变成这个片子非常重要的部分,实际上这也是让这部电影成片的唯一方式。其实这个片子讲的就是我和拍摄对象之间的关系。我自己觉得拍过最好的两个片子,就是《大同》和《龙哥》。《龙哥》Pmovie:有些拍摄场景其实很危险,您在现场会害怕?会怎么去克服?周浩:因为本身我是做记者出身的,所以碰到过各种各样的事情。早期拍《厚街》的时间,就遇到了拍摄对象要杀人的场面;拍《棉花》的时候,摄影机还被人调包了。各种各样的事故会经常发生,我都得想办法处理。而且观众不会关心你的健康问题,只会关心你的片子拍得好不好。我们拍片子最痛苦的事情就是,事情发生了,你在现场,但你没有拍到。《厚街》考虑观众是记者的潜意识Pmovie:相比较主流纪录片,您影片的戏剧性是比较淡的,但是否也会去提炼戏剧性?周浩:我还是会受剧情片的影响,会下意识地去提炼戏剧性。因为我拍纪录片还是为观众服务的,不可能去拍一个观众并不关心的片子。比如我不希望观众觉得我的片子很闷,所以在时长上也会下意识地去控制,你看我的片子,其实都没有超过两个小时的。毕竟我是做记者出身的,记者做一个报道如果没有人看的话,那肯定会觉得很失落。所以我潜意识里不会把片子做得特别长。Pmovie:《棉花》拍了8年,这是您拍过最长时间的片子吗?拍好一部纪录片至少需要几年?周浩:《棉花》是目前拍得最久的,但《差馆2》大概就拍了十多天,那跟影片的质量是否有必然联系?我觉得不一定。我有时候开玩笑说,拍久一点是为了给自己自信。其实还是要视题材而定,有些题材并不需要拍那么久。拍久一点当然好,但这并不是一个铁律。《棉花》工作照Pmovie:您曾说想拍“抵达到观众内心,却又不易言表”的东西,后来有拍到这样的东西的吗?周浩:其实每部片子里都有吧,如果片子里没有这种东西,那就没有灵魂了。就像你跟别人介绍一样东西,肯定不是直接说这东西很美很漂亮。就像文学中的“白描”,不需要用华丽的辞藻去描述,但在白描过程中,我也有自己的方法和结构,最后读者能感受到那个事物的美感。比如海明威的小说《老人与海》,开头就写“这位老人84天没有捕到鱼了”,这样的描述就很快能够抵达观众,又会给观众留下很多想象空间。我们做影像的人,其实也是在找这种玄外之意。Pmovie:您曾说您的影片是忧郁的,但您希望通过纪录片促进人与人之间的沟通,这个追求又是积极、乐观的。怎么理解这两者之间的关系?周浩:其实我也是后来才渐渐发现,我的片子有一些不那么愉快的感觉吧。佛家不是说人生就是苦难的嘛,如果非要把生活描写成都是阳光灿烂的,那反而不是一个真实的世界了。其实我们都是在这种且行且珍惜的过程中,去走完我们的一生。如果非要告诉一个年轻人生活是美好的,我觉得这是在骗他。只有告诉他说生活是苦难的,是充满着艰辛的,也许他才有免疫能力去经历未来的一切。《棉花》工作照Pmovie:最后想问一个问题。您已经拍了9部长片,接受过很多采访,也做过很多讲座,那未来会有出书的计划吗?周浩:有很多出版商都找过我,但我目前还没有特别强烈的愿望。一方面,文字表达对我来说并不是一件非常得心应手的事情,所以写书对我来说还是有某种小小的负担。另一方面,我觉得我应该把80%的精力放在拍片子上。你们更想看到我的书,还是更想看到我的新片子呢?肯定还是更愿意看到新片子吧。其实《大同》之后我已经有四年没有新的长片面世了,这有非常多的客观原因,也不全是我个人的原因,有的片子拍完了出不来,有的在剪辑台上,有的还在进行中。采写丨翰光- FIN -

  • 竟有这么多位华人都已经拿过「学生奥斯卡」了!

    10月17日,美国电影艺术与科学学院(即奥斯卡奖主办单位)揭晓了第46届学生奥斯卡奖获奖名单(Student Academy Awards)。新片场创作人源根导演的作品《大厨》 荣获了美国国内院校剧情片类银奖(Narrative | Domestic Film Schools)。也是这部作品,在今年8月底落幕的第四届NEW ERA 青年电影季主竞赛单元共获三项提名,最终源根获得最佳导演奖。学 生 奥 斯 卡 奖STUDENT ACADEMY AWARDS美国电影艺术与科学学院于1972年设立学生奥斯卡奖,旨在为全球电影新人提供一个展示自己作品的平台。所有评委来自奥斯卡评审委员会。每年一千多名来自世界各地的大学和大学电影学生作品互相角逐,分为七大类奖项:四个美国国内院校类别(动画片|纪录片|叙事片|实验短片)和三个国际院校类别(动画片|纪录片|叙事片)。历史上学生奥斯卡的获奖者包括迪斯尼、皮克斯公司的创意总监约翰·拉塞特(John Lasseter)、《怪物公司》导演皮特·道格特(Pete Docter)、《阿甘正传》的导演罗伯特·泽米吉斯(Robert Zemeckis)及著名电影导演斯派克·李(Spike Lee)。学生奥斯卡的获奖者后来有62人次获得奥斯卡奖提名,11次赢得奥斯卡奖。下面为大家介绍几位来自中国的创作人和他们的作品,这些作品都曾入围或获得学生奥斯卡奖。- 排序按照作品时间顺序 -源 根《大厨》“The Chef”46th Student Academy Awards「Narrative」Domestic Film Schools | Silver点击观看《大厨》预告片这是一部以中国餐馆为故事背景,引发对未来人工智能人文道德思考的短片。导演源根大学时到美国学习电影创作,研究生曾就读于美国电影学院 AFI 导演专业,这部短片是他的硕士毕业作品。目前,《大厨》已有多家美国公司在找源根聊,想要做一个长片的版本。他表示自己的电影生涯,也非常希望能够至少做一次超英类型的电影。“但不管是什么类型的电影,科幻也好悬疑也好,这些东西都只是一个世界观而已。真正如果你要打动人的话,还是要靠故事本身。”更多本片创作故事:用东方文化拍“黑镜”童 画《春花》“Spring Flower” 45th Student Academy Awards「Narrative」Domestic Film Schools | Gold点击观看《春花》预告片从中国传媒大学毕业后,童画赴美留学,就读于南加州大学(USC)电影学院。《春花》是童画在南加州大学电影学院电影与电视制作专业攻读研究生(MFA)的毕业作品。故事讲述了上世纪九十年代初,中国苏北地区17岁的少女春花要被家人换婚嫁给一个从未谋面、智力残障的男人,但在来自大城市的表姐影响下发奋改变自己命运的故事。谢承林《低头人生》“Life Smartphone” 44th Student Academy Awards 「Animation」International Film Schools | Gold点击观看谢承霖来自中国湖南长沙,从中央美术学院毕业后就读于美国南加州大学电影学院。《低头人生》是谢承霖在大三时期的作品。当时学校有一个课题叫“用心观察世界”,他在换了五个剧本后最终确定了《低头人生》的创作。《低头人生》用夸张的手法描绘了低头族的生活状态,以蝴蝶效应将整部短片的情节串联起来,每个低头已经低到扭曲的人,都只关注着自己掌上的方寸之地。导演的用意在于不仅仅刻画一种生活状态,更重要的是把人们的冷漠以黑色幽默的方式表现出来,比如那个见到车祸反倒是只有兴致发自拍的时尚女。杜鹏鹏《折枝》“Cage”43th Student Academy Awards「Animation」Domestic Film Schools | Nominee点击观看一部具有庄周梦蝶东方美学的动画短片,一部关于东方女性命运轮回的前卫之作,一位来自南京毕业于纽约普瑞特艺术学院(Pratt Institute)动画专业(MFA)的中国留学生,以一人之力核心创作完成了这部名为《折枝》的二维动画短片。《折枝》是杜鹏鹏的毕业作品,所以很早就开始筹备了,入学第三个学期开始做剧本和分镜,完成大概用了两年多时间。他说 Pratt 通常不会反对学生做艺术范儿的、自我中心的作品。只要你真能做出来,不管从画面上或从立意上能让教授们无话可说,他们也会接受。并不是做艺术化的就不好找工作,但毕业答辩时如果老师们不认可或是看不懂,那就很难毕业了。更多杜鹏鹏分享:中国动画《折枝》纽约诞生记洪诗婷《维奥拉》“Viola” 35th Student Academy Awards「Alternative」Domestic Film Schools | Gold点击观看洪诗婷出生于台湾台北市,本科在台湾师范大学美术系就读,而后攻读南加州大学电影学院动画学系硕士。期间她的毕业短片《维奥拉》赢得了第35届学生奥斯卡金奖,登上奥斯卡杂志封面,并获得奥斯卡提名资格。短片讲述小女孩维奥拉提起旅行箱,一步步踏上漂浮的梯子,展开一段奇幻旅程。她逐渐长大,走过生命中的阴晴风雨,初尝爱情的甜蜜与失落,直到学会跟自己的每个生命阶段相处,彷彿经历一场爱丽丝梦游仙境。洪诗婷导演专访:创作能跨越性别的限制

  • 想要畅游釜山国际电影节,你都需要准备什么?

    小编作为京都传媒的创始人兼特约记者,这可是首次参加国际电影节。作为一个忠实的电影人,从小就在电视机前观看各种电影节和颁奖晚会。虽然曾未直接参加过国际电影节,但是从小耳濡目染,对各个环节了如指掌,曾不止一次的默默地准备着各种获奖感言,写到此处,是不是需要给自己一个大大的赞;吾言“秣马厉兵,只待风归兮。”下图为本届电影节海报。接下来就跟着小编走进釜山国际电影节,畅游你所不知道的影坛盛宴之台前幕后。2019年,釜山国际电影节迎来了自己的24岁生日,暨第24届釜山国际电影节,于10月3日至12日举行,开幕式为10月3日,闭幕式为10月12日。开幕式前通常会在釜山海云台电影殿堂和南浦洞BIFF广场举行“前夜祭”(就是电影节前夜的“暖场活动”)以下图片为第24届釜山国际电影节前夜祭。前夜祭和开幕式的关系很微妙,小编就给大家普及一下它的历史。釜山国际电影节创办于1996年,当时是在釜山南浦洞举办的,也就是现在前夜祭的举办地,并且一直作为主会场举办BIFF官方活动至2004年第8届;随后于2005年迁至位于海云台的电影殿堂,而南浦洞会场则被作为釜山国际电影节永久性纪念广场——BIFF广场。前夜祭时这里热闹非凡,有釜山国际电影节理事会成员、釜山市市长、电影振兴委员会委员长等出席该活动,同时邀请很多明星、爱豆们来热场。这里是在开放的广场、街道举行,因此比起次日的开幕式的正式,可以说是非常亲民又互动的,应该说这是给釜山市民和影迷游客的福利吧。但是很遗憾,今年因台风‘米娜’而致使准备很长时间的开幕式前夜祭活动被迫全部取消;当时所有人甚至担心开幕式会不会受影响,主办方和所有受邀嘉宾直到10月2日中午才得到气象台的最终确认,官方这才发布消息,第24届釜山国际电影节开幕式如期举行。这让小编一直悬着的心也终于落地,要知道23届BIFF开幕式小编也在担心台风是否会影响开幕式举行,幸好最终无大碍。但前夜祭的取消着实让人有些失望,怅怅然的小编和几位同事去了海云台海边酒吧吹着海风(台风过境时大概6~7级)喝了几斤烧酒。看着垂落的广告牌和一地落叶枯枝,心中不禁祈祷明天天气稍微好些。席间,有人说起自从BIFF李庸观理事长上任以来的几届釜山国际电影节都是伴随台风天气,这可能与他属龙有关。受邀组委会来的《敦煌不了情》剧组导演郭宜林直接就拍桌子了“一派胡言,无稽之谈!这几年韩国9~10月间台风就不断,跟理事长属什么简直就是风马牛不相及!”,那人马上澄清也是道听途说来的。酒后,悻悻回到酒店睡下。在这里小编顺便给大家普及一下韩国的酒店,这可是和国内大不相同,他们所谓的标准间,其实就是复式酒店,进入以后,一楼有一个大床,紧跟着走上楼梯是一个小型的迷你床。房间虽然空间不像中国酒店房间那么大,但是设施齐全,空调、冰箱、洗衣机、微波炉、厨具,应有尽有,简直就是一个温馨小家。推开窗户就可以享受大海的涛声视觉,滚滚的海水时不时的蔓延到沙滩上,这可是国人梦寐以求的海景房。躺在床上,闭目养神,伴随着海浪声,宛如漂浮在大海中央,“遂破而流”。10月3日早,小编与一位韩国朋友吃过早饭(河豚——来釜山必吃),就匆匆去了电影殿堂查看主会场布置情况,这里作为釜山国际电影节开·闭幕式的主会场,见证过无数感人的瞬间和精彩时刻。因前一天的台风,之前早已装修完毕的会场不得不在台风来临之前全部拆除,在台风离开后重新装修。听说,工人们从凌晨就开始紧锣密鼓地忙了好一阵子了,因为留给所有人的时间不过6~7个小时,在这里给大家普及一下时差,中国时间属于东八区,韩国时间是东九区来计算,所以韩国时间比中国时间快1小时。下午2点之前必须完成最终彩排。因为我们想看的展示空间还没有准备出来,所以只能提前返回酒店,等待傍晚时分参加开幕式了。回到酒店后,我在Naver新闻、油管和INS上不断地找着今晚开幕式的相关信息,CommunityBIFF和BIFF FilmMarket的两个号是我在BIFF官网以外获得最多信息的地方。我们陆续收到与中国方面嘉宾的确认信息,因台风天气他们不得不改签航班,最终原定飞至釜山或大邱的航班全部改飞仁川或金浦机场,抵达后须乘KTX(就是韩国版的高铁)前往釜山。因此,给组委会也是极大压力,需要协调时间和车辆等,还好最终绝大多数人都赶在开幕式前抵达了釜山,来到了电影殿堂。因为主办方对入场时间要求非常严苛,一般观众入场时间为16:30~17:30,一般嘉宾为16:30~18:00,红毯VIP嘉宾则是18:00~18:30,开幕人主持人通常是嘉宾中最后入场的。以往开幕式是一个小时,但今年因台风天气缩短至了30分钟。按照日程安排,我们的巴士16:30从酒店出发,17点到达了主会场,以往一般嘉宾和VIP嘉宾都是可以从一个入口进入,然后分流。但今年却只有VIP嘉宾才能走双锥塔入口(上照片),电影殿堂的Dropzone(VIP嘉宾红毯泊车点),当时红毯两侧的记者早已长枪短炮各就各位,只待今晚明星们红毯亮相。今年又有哪些嘉宾呢?我们只好绕道4号门,下图中的入口入场。入场时,一般观众席已经快坐满了,我们找到我们的席位后,视野还不错,虽然比起去年稍微远点,但可以俯视全场。我们本次首尔北京人株式会社邀请的檀国大学的嘉宾和中方嘉宾全部落席后不久,红毯仪式也就开始了。这应该是当晚的高光时刻。各位看官觉得韩国影星整体颜值还如何呢?觉得当晚谁的颜值或造型最佳呢?韩国各大电台和社交平台当晚就开始评选今年红毯最靓人物了。后来听说当晚INS上面涨粉最快的就是下面这位了。看官觉得如何呢?韩国媒体做了直观比较,来上图说话;这三位分别是今年韩国票房冠军《极限职业》女一号李荷妮。今年获戛纳电影节金棕榈奖《寄生虫》女二号赵茹珍,今年暑期热门影片《极限逃生》中女一号林允儿。我个人觉得所有人都很好啊,不过论坛上大家的讨论完全就是林允儿压倒性的胜出,那我们再上几张照片。话说这次还有不少中国嘉宾,当然也包括我们中国事业部邀请的中国嘉宾,其中有一些还走上红毯。好了言归正传,电影节嘛!看红毯明星当然不(chong)是正题,电影殿堂户外剧场5000多个座位座无虚席,所有嘉宾入场之后,主持人李荷妮和郑雨盛两人登台,做了开场白。开幕式正式开始。每年开幕式都以“一曲一舞”开始,记得去年是以日本东京艺大教授、音乐人坂本龙一的钢琴曲奏响开幕式序章(他获得了你知道的几乎所有知名电影节的音乐奖项,如《末代皇帝》《子猫物语》《南山汉城》《怒》等,感兴趣小伙伴可以去听一听),那么今年则是以天籁般的儿童合唱团开启了“催泪模式”,现场听真的不一样。听过这个曲子后,在我还等“一曲一舞”中“一舞”时(后来得知因台风天气,以往1小时的开幕式被压缩至30分钟。说实话,小编对这些环节也没多大兴趣,时间短点儿也好,主持人已经开始邀请釜山国际电影节理事会及韩国电影振兴会委员长等人上台颁发年度韩国电影功勋奖,同时公布了本次釜山国际电影节主竞赛单元的评审委员会成员了。话说今年的开幕式作品《盗马贼-时间之路》稍早前就传出是本届釜山国际电影节竞赛单元“新浪潮奖”热门候选,还被选为开幕式作品。虽然是电影殿堂的户外剧场,但不论是投放、音响、字幕等效果可以说没有瑕疵,有英、韩双语字幕。影片开头交代了时间、地点,随后故事徐徐展开,影片发生在哈萨克斯坦的牧区。说实话,对来自内蒙古的小编而言有特别强的代入感,影片中对白不多,演员们的演技扎实、生动,举手投足间情感自然流露、不做作。摄影导演的镜头语言也可以说是非常上乘,交代地恰到好处、不拖泥带水,几组长镜头堪称完美。看完开幕作品之后,手握VIP票的吾辈就要前去电影节官方招待会(冷餐会形式)了。原定在釜山国际电影节Main Hotel的海云台Grand Hotel召开的招待会,却因GrandHotel的厨房因劳资纠纷于前一天罢工(就是要跟万恶的资本家“斗智斗勇”),不得不转至Paradise Hotel举行(安利一下这家酒店合法经营并向外国人开放酒店赌场,可别问小编是怎么知道的哦)比起开幕式全场5000人,这里就要少得多,大概只有200余人,大多是各大国际电影节组委会主席理事、电影制片方、电影购片方、导演、演艺人士、政商界代表、评论界、媒体界人士等(当然还有像小编我这种凑热闹的^^)。小编在此再遇到了不少去年结识的人士,比如法国沃苏勒亚洲国际电影节主席及其夫人、Dragon国际电影节主席、以色列国际电影节理事、菲律宾国际电影节主席。当然全场最吸睛的还是一线明星啦。吹着海风、听着柔和的小提琴钢琴协奏曲,在舒缓的氛围下,所有人都很放松,大家分享着开幕上的见闻和对开幕影片的看法,或是交流自己近期作品、或是邀请彼此参加各自电影节或活动,我甚至还没吃什么东西,时间就在跟周边人推杯换盏间匆匆流过。入夜,人们渐渐散去,或是三五成群再小酌几杯、或是去海边放烟火、或是继续参加其他派对,总之当夜的海云台是电影人的邂逅、影迷的狂欢、久久回味的记忆!说说这次电影节期间上映的电影吧,说实话,所有热门电影观影票几乎在开幕式之前都已售罄,因此,小伙伴们若观影必须提前上官网预定。此外,VIP嘉宾有额外的票务配额,因此可以提前跟相关方说明本人想看哪些场次电影。本届釜山国际电影节为10月3日—12日举行,共放映来自85个国家的299部电影,其中有145部影片在电影节上进行全球首映和国际首映,包括118部全球首映(95部长片和23部短片),27部国际首映(26部长片,1部短片)可谓精彩纷呈,其中也包括上映过而国内小伙伴很想看的《杀人记忆》、《寄生虫》(今年戛纳大奖获奖影片,可参考豆瓣影评)等电影。金手印永久纪念,有北野武、黑泽明、徐克、张艺谋导演手印于1999.10.22日等,多在南浦洞BIFF广场和电影殿堂举行。小编跟随组委会的安排,游览了釜山电影博物馆、电影一条街、玻璃栈道、文化村、海云台港口等众多景点。真实体验了一番韩国风情。关于按“金手印”的郑一成是谁以及他的影片,小伙伴们可以去看豆瓣看一看!关于李炳宪执导,柳城龙、李东辉、李荷妮、陈善奎、孔明出演的《极限职业》这部570万人民币制作的喜剧片,最终以8亿2000万人民币成为韩国历代电影票房冠军。这部由高勋导演执导,安圣基、金彗星等人出演。毕业于韩国外国语大学的安圣基被小伙伴们所熟知的电影应该有不少吧,《实尾岛》《华丽的休假》等甚至吸引了当年总统金大中和卢武铉亲自前往影院观看,他作为韩国老戏骨这次又给大家带来什么样的影片,请大家也可以找找资源。还有本次电影节因韩国电影百周年纪念,因此有很多经典老片回顾展及影人粉丝见面等活动。如韩国2010年由林常树执导、李政宰和全度妍出演的情色片《下女》曾获戛纳电影节最佳影片提名,但其实原版是由金绮泳导演1960年拍摄的韩国电影史上的一部经典影片。(畹风的好日子中安圣基年轻吧,而这是他近40年前的影片了,他凭借该片获最佳新人奖,此后走向人生巅峰。)说起电影《老男孩》,关注亚洲电影的小伙伴们应该很少有没看过该片的吧?该片是由著名导演朴赞郁执导,三驾马车之一崔岷植及刘志太、姜惠贞主演的惊悚电影(细思极恐型)。这次回顾及Special Talk应该有不少影评人和影迷向朴导演发问吧?看一张剧照电影为本届电影节闭幕影片《致允熙》。除了开·闭幕式以外,组委会下属子单元举办相关活动。具体而言,主要由Community BIFF、亚洲电影市场、亚洲电影学院、亚洲电影大奖学院等子单元举办各类规模的颁奖、互动、纪念等活动,如亚洲电影大奖学院招待会、南浦洞纪念活动、釜山电影体验博物馆纪念活动、网络影视庆典活动、亚洲内容大奖颁奖仪式等一些列活动。导演郭宜林凭借电影《敦煌不了情》斩获网络影视盛典最佳导演;这也是小编本次携带的作品哦,由本公司中视星锐摄制出品。雷佳音凭借在《长安十二时辰》中的出色表现,摘得最佳男演员奖;姚晨凭借对《都挺好》中苏明玉的真情诠释,获得最佳女演员奖。Angelababy作为颁奖嘉宾出席了本次亚洲单元颁奖盛典。开闭幕影片均选自两位来自新浪潮单元的导演,这在釜山国际电影节也实属首次,展示了电影节在发掘亚洲潜力新导演方面取得的不斐成绩。值得一提的是,《致允熙》影片的前身是一个独立的项目,后来在亚洲电影基金——专项拍摄资金的资助下改编成电影。电影节新设单元——“Icons”单元面向全世界征集标志性电影导演的最新作品,不设地区分类,强调关注导演和作品本身。此外,“动画展映单元”和“Cinekids奖”等小单元被整合进“亚洲电影之窗”以及“世界电影”单元。世界电影内分设的“未来景象”单元将选取13部叙事长片角逐最受观众欢迎大奖,展现影片在观众心中的受欢迎程度和地位。本届釜山国际电影节“Icons”单元强调选择与专注,一改往届影片选取的随意性。聚焦三位亚洲杰出女性电影人,“凝视与记忆——亚洲杰出女性电影人”聚焦三位杰出女性导演,她们是来自印度的迪帕·梅塔导演、来自马来西亚的雅丝敏·阿莫导演以及来自越南的郑明河导演。该单元让我们有机会追忆亚洲现有女性导演的生活,并从中得到启示。此外,我们还能探究女性电影的“前世今生”,并对女性电影的未来做出展望。韩国电影百年,十部伟大杰作。此次电影节恰逢韩国电影产业100周年,许多组织的纪念韩国电影100周年特别活动正在紧锣密鼓地展开。第二十四届釜山国际电影节将上映10部最具历史意义的经典影片,这些影片由委员会成员选出,非常具有公信力。电影节期间,将举办各类研讨和座谈会。该部分还将推出专场活动,以庆祝和纪念韩国电影走过的百年发展史。亚洲综合内容市场的全新飞跃,覆盖电影到广播等多种内容;今年,亚洲电影市场将迈出新的一步,实现韩国和亚洲广播产业新拓展,覆盖传统电影、出版、网漫等多种内容。新设的“Asia Contents”聚焦亚洲精品戏剧制作人、制片人、作家和演员,包括东盟10个成员国。该项奖项的设立,将帮助提升亚洲广播内容和广播行业的质量,同时业界专业人士亦有机会拓宽网络并发掘新的人才。随着“一源多用”(OSMU)和跨媒体的重要性与日俱增,娱乐知识产权市场(E-IP市场)将首次亮相亚洲IP展,为观众呈现日本和中国台湾的电影、电视剧和网络系列作品。此外,E-IP市场将邀请来自不同媒体领域的行业伙伴,合力打造挖掘原创作品的实用交易区。釜山国际电影节一直致力于打造此类深度研讨平台,并将其作为核心使命之一。今年,电影节在延续和加强往届论坛的基础上,全新推出BIFF论坛板块。釜山国际电影节期间,将同期举办庆祝韩国电影100周年论坛以及南亚和东南亚电影论坛,汇聚来自世界各地的电影人、学者和影评人,参与由各类电影相关机构组织的系列互动论坛。观众们将有机会交流拓展业务关系,并学习电影制作知识。电影节番外篇:韩国的街道小景,偶遇孤独的车站;这场景是不是电影中出现的,或许这就是韩国的生活方式,一杯饮料加一个女孩,就构成了一个故事,吸引了一个回忆故事的路边人,统称“忆中人”。

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