伦敦艺术大学（University of Arts London, 简称UAL），是一所位于伦敦的世界顶级艺术大学，同时也是欧洲最大的艺术、设计、媒体传达和表演艺术的教育机构。大学由以下六所学院组成，校区均位于伦敦市内 。目前，大多数的影视相关专业开设于——伦敦传媒学院London College of Communication伦敦传媒学院位于泰晤士河南岸的 Elephant and Castle 旁，附近有伦敦最古老的美食市集 Borough Market，英国国家电影院 National Film Theatre，莎士比亚环球剧场 Shakespeare Globe，泰特现代艺术馆 Tate Modern，且交通便利，搭乘公共交通工具可到达泰晤士河对面的伦敦市区。下面着重为大家介绍伦敦艺术大学影视相关的部分专业，如果你对其他学院或其他专业感兴趣，欢迎添加助教微信（id：xpctutor）找攻略~【预科】艺术设计Foundation Diploma in Art and Design学制 一年学费 £ 15,920 / 年 开设学院 坎伯韦尔艺术学院 Camberwell College of Arts该预科专业覆盖艺术，传媒和设计三个专业方向，让学生有机会尝试不同的艺术与设计学科，帮助学生准备和完成申请本科课程的作品集。完成该预科课程学习的学生能申请到伦艺的本科课程，有 Diagnostic Mode 和 Specialist Mode 两种学习模式。Diagnostic Mode：如果学生不确定未来本科课程的学习方向，可以选择此学习模式。这种学习模式下的学生将学习艺术、传媒、设计三个方向的课程，从而选择和决定自己的专业方向。Specialist Mode：如果学生明确自己的未来学习方向，可选择此学习模式，从以下三个方向的具体专业之一学习。申请要求 1. 作品集；2. 个人陈述；3. A-level 证书 / IB证书；4. 雅思成绩：总分5.0，小分4.5。设计、媒体与影视Level 3: International Introduction to the Study of Design, Media and Screen（仅向国际学生开放）学制 一年学费 £ 15,920 / 年 开设学院 伦敦传媒学院 London College of Communication通过一年的预科学习，国际学生能够在实践和理论两方面打下基础，为申请设计、媒体和荧幕方向的本科专业做好准备。学生可选择的本科衔接课程方向有：平面设计，广告，新闻学，公共关系，插画，动画，电影和摄影。申请要求 1. 中学以上同等学历；2. 一封学术推荐信；3. 作品集；4. 雅思成绩：总分5.0，小分4.5；5. 除了以上的材料外，还会面试部分申请者。【本科】电影实践BA (Hons) Film Practice 学制 三年学费 £ 19,930 / 年 学分 120学分/年，共需完成360学分通过以实践型课程为主的专业学习，学生可以学习到整个电影制作过程。在三年的本科学习中，每个学生将和自己的同学合作完成六部影片，在这过程中学生可以体验和从事电影制作过程中不同的角色。为了完成这些电影项目，学生可以充分利用许多学院提供的专业拍摄设备和制作设施。学院鼓励学生的创作不应受限于学业评测要求，应努力创作出具有生命力的作品。另外，学生的作品也会在导师的指导下参加国际电影节或者比赛，从而丰富学生的职业履历。申请要求 1. UCAS Tariff Points： 80；2. 雅思成绩：总分6.0，小分5.5；3. 个人陈述；4. 一封学术推荐信；5. 作品集。UCAS（Universities and Colleges Admissions Service）是英国大学和学院招生服务中心，统一为英国所有大学提供招生服务，申请英国大学的本科学位课程，都要通过UCAS进行申请，本专业的具体要求如下：UCAS Tariff Points 类似大学各科成绩转换成GPA绩点, 是UCAS把高中各科成绩换算为绩点的一种方法, 以便于大学根据成绩判断新生的质量及录取。换算标准可在UCAS官网查询到，接受以下一种或者多种学历资格证书：1）A Level： Grade C 以上，英语、历史、媒体、商务、艺术与设计或其他社科类专业优先。2）Foundation Diploma in Art & Design (Level 3 or 4) 艺术与设计三级或四级预科：合格。3）BTEC Extended Diploma BTEC延伸文凭：良好、良好、合格，艺术与设计、媒体专业优先。4）UAL Extended Diploma 伦艺延伸文凭：良好。5）Access to Higher Education Diploma 高等教育文凭：数字和创意媒体、电影制作专业优先。6）其他同等级资格证书：比如IB证书。作品集要求1. 时长不超过3分钟，可以是目前所上课程中拍的作品，但更鼓励提交课外的作品。招生官希望看到完整的场景和连贯的情节，而不是简单的作品罗列。作品集中也可以包括一个短片介绍自己以及自己对电影的认知。可以提交故事片、实验电影和纪录片电影的节选，但必须以一个3分钟的完整形式提交。2. 提交作品集的同时，学生还需提交一个contextual statement，500以内，学生可以借此阐述自己在提交的作品集中所做的工作中最引以为傲的部分，更好地向招生官展示自己。在这篇陈述中，学生也可以阐述以下方面：作为一个好的协调者应该具备的品质；申请电影实践专业的原因；最喜欢的电影和理由；对电影的理解（不要局限于学校所学知识）；在电影制作过程中最想做的部分。3. 还可以额外提交9张剧照/声音文件。电影电视BA (Hons) Film and Television学制 三年学费 £ 19,930 / 年 学分 120学分/年，共需完成360学分学生将收获各种不同的制作技巧和制作风格，包括小说、纪实和电视演播；也可以学习到多种多样的影视形式，长篇电视剧、故事片、音乐短片、品牌节目和实验短片。该专业的课程导师不仅有资深的从业者，也包括屡获殊荣的电影制作人和有深度的制片人，给学生带来国际化的专业技能和知识。申请要求 1. UCAS Tariff Points：104；2. 雅思成绩：总分6.0，小分5.5；3. 个人陈述；4. 一封学术推荐信；5. 作品集：学生需提交目前的一个作品，时长不超过两分钟的连贯作品（电影或者移动图像），同时还需提交一份 Contextual Statement，阐明自己在作品中所担任的角色。本专业关于UCAS Tariff Points的具体要求，接受以下一种或者多种学历资格证书：1）A Level： Grade C 以上，英语、历史、媒体、商务、艺术与设计或其他社科类专业优先。2）Foundation Diploma in Art & Design (Level 3 or 4) 艺术与设计三级或四级预科：优秀。3）BTEC Extended Diploma BTEC延伸文凭：优秀、良好、良好，艺术与设计、媒体专业优先。4）UAL Extended Diploma 伦艺延伸文凭：良好。5）Access to Higher Education Diploma 高等教育文凭：数字和创意媒体、电影制作专业优先。6）其他同等级资格证书：比如IB证书。【硕士】电影MA Film学制 十五个月学费 £ 19,930学分 四个学期完成 260 学分这是一门电影制作领域的实践性课程，专门为需要自主实践和行业导向相结合课程的学生而设立，课程涉及电影制作过程中创意、技术和实践各个部分。通过导师辅导、讲师授课、技术实践课、行业导师、大师课堂和工作实习等多种多样的授课形式，学生可以在研究生阶段专注于一个专业方向，发展和提升自己的专业能力。同时，学院也鼓励学生积极地参与到相关课程和电影过程的创作中去。申请要求1. 学术条件：本科学位（官网要求至少2:2学位，但按照往年申请经验来看，申请伦艺的学术要求是GPA3.0或者均分达到80%）2. 语言条件：总分6.5，小分5.53. 文书材料：简历、个人陈述。个人陈述需要阐述自己申请的原因，自己最想从事的电影职业是什么以及目前在这方面的工作经验。同时，说明自己的计划，如何深度参与到电影制作和自我提升。4. 作品集：作品集在整个申请材料中必不可少，可以上传自己曾经完成的影片例子/节选。作品要展示出专业兴趣、经验与影片制作能力。5. 面试：申请者通常需要接受该专业老师的面试，面试在校内，也可以通过网络、电话进行。电视MA Television学制 十五个月学费 £ 19,930学分 四个学期完成 180 学分该课程注重电视节目制作中的自主实践经验。在团队项目中，学生可以使用学院最先进的多媒体电视工作室，制作一系列旅行、历史、艺术、文学、科学和新闻时事各类电视节目。学生将会学习到制作电视节目中各方面的技巧，包括电视形式、叙述方式、剧本编写、演员合作、摄影技术、灯光、声音和剪辑。除此之外，学生也会探索电视行业的本质、节目是否具有潜在市场、以及制定和管理预算。申请要求1. 电影、电视以及相关媒体专业本科学位，其他专业的学生拥有相关的实践经验也可以申请；2. 雅思成绩：总分6.5，小分5.5；3. 文书材料：简历，个人陈述；4. 该专业无需作品集；5. 该专业通常有面试。纪录片MA Documentary Film学制 十五个月学费 £ 19,930学分 四个学期完成 180 学分这是一门将理论与制作短片实践经验相结合的综合型课程，学生将会学习到整个纪录片电影的制作过程，发展和提升制作、导演、摄像、声音制作和剪辑各个方面的专业技能。学生将师从职业纪录片制作人、专业学者和获奖导演，从他们丰富的行业经验中收获良多。申请要求1. 本科学位；2. 雅思成绩：总分7.0，小分6.0；3. 文书材料：简历，个人陈述；4. 作品集，提交一个目前所制作的纪录片电影的片段，并且需注明自己在每个制作环节的职位；5. 研究计划Study proposal，200-400字左右，研究计划的内容是一部原创纪录片创意/概念性计划（An original documentary film idea/treatment）；注：Treatment是导演或电影人在准备一部电影前最先完成的概念性计划，这个计划包括了拍摄影片故事的简单内容，同时也包括拍摄此片的目的和意义，更完善的Treatment包括了制作和发行策略、演职人员构架等。6. 该专业通常有面试。影视剧作MA Screenwriting学制 十五个月学费 £ 19,930学分 四个学期完成 180 学分这是英国领先的电影和电视编剧课程之一，在英国国内拥有很高的声誉。在经验丰富的专业学者的指导下，学生将发展和提升自己的写作技巧，完成自己独特的作品集。在当代剧本创作实践的理论基础之上，学生将发展自己的研究方法，为未来的实践和分析打下基础。学生将学习长篇电影、电视和广播叙事、从短篇故事到剧本的发展和研究，为毕业作品 (major project) 奠定坚实的基础。申请要求1. 本科学位;2. 雅思成绩：总分7.0，小分6.0;3. 文书材料：简历，个人陈述;4. 剧作作品：(1) 提交10页长的剧本，可以是一部短片电影，也可以是长篇电影的节选。如果提交的材料是长篇电影的节选，需另外提交整部电影的大纲（不超过1页），并且阐明为何选择这一部分提交的理由。例如，你觉得这部分内容真实展现了整个故事背景和人物角色;(2)提交第二个剧本的大纲，2-4页;5. 该专业通常有面试。伦敦艺术大学规模庞大，有着非常丰富的学习资源和专业设施。仅伦敦传媒学院还有广告、动画、声音、平面设计、游戏设计、出版等众多专业。由于学校注重因材施教和发挥六大学院的集体优势，新生将在最能发挥自己的才能和最适合自己的学术风格的环境下学习。学校鼓励学生们具有自己的见解和想法，同时学校也为他们提供世界领先的艺术教育。-end-新片场影视留学为你提供专业的影视学习内容更有海外名校影视专业申请全流程和作品集辅导服务！

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摄影棚效果图3月28日，位于郫都区的成都科技影视文创产业功能区举行2019年一季度项目集中签约暨摄影棚群落建设启动仪式。此次集中签约仪式拉开了成都科技影视文创产业功能区年度产业招商和项目建设大幕，为郫都区加快建设国家级超高清视听研制基地和助力“三城三都”建设注入强劲动力。业界知名企业云集建设国家级超高清视听内容基地据了解，此次集中签约活动共吸引国家广电总局广播科学研究院、国家广电总局中广电设计院：西南融媒体研究中心、四川广播电视台、峨眉电影集团、中国电信、中影派格、凯天文化传媒（北京）有限公司、北京火焰山、完美世界教育、新片场集团、M+娱乐、好多美少女文化传媒等18家企业参与，将引入国家级超高清重点实验室、西南融媒体研究中心、5G超高清研究院及视听内容基地、光影百年-潮魔方数字文娱体验基地项目落地成都科技影视文创产业功能区，协议资金达28.2亿元。“此次集中签约，充分展示成都影视文创产业功能区的产业聚集效应，对于实现校地企紧密合作共建，吸引全球高端企业和人才资源，推动创新链、产业链、资本链‘三链融合’，构建产业生态圈起到巨大的推动作用。为建设打造世界级影视时尚艺术产业生态圈和旅游度假目的地打下坚实基础。”郫都区相关负责人表示。全球最大影棚启动建设可满足好莱坞大片摄制此次签约仪式上还启动了全球最大摄影棚群落建设。成都科技影视文创产业功能区主要包括六大产业区域，其中最大亮点项目就是该园区的摄影棚群落。据介绍，成都影视硅谷摄影棚群落总面积达到6万平米、总投资超过6亿元，相当于摄影棚内部装进了三个并排的标准足球场，包括电影生产制作相关的置景美工楼、服装道具车间、综合楼、工作室等。其中，摄影大棚单体建筑面积超过16000㎡，是目前全球最大的摄影大棚。该棚建成后将可满足包括好莱坞大片在内的影视作品摄制和大型综艺节目录制。建成后将成为影视硅谷的核心引擎，也将成为我国影视文创基地的地标性建筑。对标国际级文创产业功能区打造世界级影视时尚艺术产业生态圈成都科技影视文创产业功能区是成都市66个产业功能区之一。该功能区以“府河源影视传媒科教产业园”和“凤凰影都”两大项目为载体，已形成4平方公里核心区，着力构建国家级影视文创公共技术平台、国家级产学研合作创新产业园、国家级超高清视听研制基地，是第一个实现5G+8K的产业功能区。目前，通过校地共同招商，已签约完美世界教育产教孵化中心、花椒直播等36家企业入驻，协议投资资金达260亿元。据悉，整个功能区核心区完全建成后可容纳300余家影视文创制作团队的入驻，可承接国际、国内各类电影、电视节，国内外顶级游戏电竞赛事；同时年度可承接10余部电影、20余部动画、1000余集电视剧创作、拍摄、后期制作；可吸引上百个影视剧组进行影视拍摄；可接待旅游观光100万人次以上，可培养超过10000人次各类影视传媒及文化创意人才。“我们进一步整合高校、企业、区域以及现有文化资源，充分发挥四川传媒学院、凤凰文投集团等资源优势，打造世界级影视时尚艺术产业生态圈，实现‘生态产业地、影视不夜城’”。该负责人表示。

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电影配乐是电影和音乐这两种艺术体系的融合，其丰富多彩的艺术手法创造出了特有的美学功能。一部电影中，主题音乐可以起到贯穿剧情发展、强调矛盾冲突、布局高潮部分的作用，帮助电影刻画人物，也帮助观众更好理解电影的意义。配乐是电影创作中至关重要的一部分。从电影项目开始启动，到电影配乐工作完成，配乐师要做的工作有哪些？如何更好的为电影创作配乐？电影配乐创作的技巧有哪些？新片场学院特邀作曲家舒聪，打造在线视频课《好莱坞电影配乐实战流程解析》。课程特色知名影视配乐师舒聪老师，将在这门课程中跟大家分享好莱坞作曲家的行业经验与创作技巧。同时，舒聪的老师——Jon Kull也会在每节课的最后与大家展开讨论，进一步讲解配乐知识。本课程涵盖配乐师与导演的对接，行业的介绍，音乐制作的技巧，影视音乐的配乐方法，怎样寻找电影配乐工作机会等七大专题，120分钟的内容让你体系化掌握好莱坞配乐知识，更深入地了解好莱坞工业化电影配乐概念，运用所学知识更好地为一部电影配乐，成为一名优秀的配乐师。舒聪老师配乐作品-iPhone6s广告片导师介绍舒聪 （主讲导师）美国长岛大学波斯特分校作曲系硕士，期间担任作曲系教授助理洛杉矶大学电影配乐进修专业，期间师从《阿凡达》配器师Jon Kull学习配乐与指挥2018年负责《央视春节联欢晚会》开场曲目的编曲以及配器2018年担任北京艺能增筑上和弦中心管弦乐配器法以及电影配乐讲师2019年负责IMDB美国电影《Angels Never Cry》的电影作曲以及配乐Jon Kull（特邀嘉宾）美国一线电影音乐配器师，主要配器作品《黑豹》、《阿凡达》、《神奇动物在哪里》、《X战警：天启》、《特洛伊》、《驯龙高手系列》等上百部作品，担任詹姆士·霍纳（James Horner）的御用配器师。课程目录1、电影配乐的流程导演的拜访制作组的讨论音乐的想法2、写作电影的主体乐思电影工程讲解结合内容使用乐器写作主题配器师Jon Kull的讨论3、配乐音色入门常用乐器与音色（节奏乐器，旋律乐器，人声，Pad，音效）电子音色与原声乐器的结合电影配乐工程讲解配器师Jon Kull的讨论4、演奏法的重要性音色中演奏法在音乐中的运用具有代表性的管弦乐乐器，弦乐组，圆号，长笛，定音鼓，竖琴配器师Jon Kull的讨论5、长线条写作手法“Drone”线性铺底发展动机的写作优点：和弦与旋律可多变电影工程例子讲解Jon Kull配器师的讨论6、配乐的技巧 风格与音色的关系学会储存属于自己的音色组管弦乐在配乐中写作的概念Jon Kull配器师的讨论7、音画同步的创作技巧 时间码点对点的编辑预告片的音画同步Jon Kull 配器师的讨论课程简介报名信息预售特惠319元原价599元分享课程至朋友圈领取20元优惠券仅需299元！2.28—3.13享预售特惠价3.14恢复原价授课方式在线视频课程时间安排3.14日开课，每周四19点前更新1节，永久可观看适宜人群想要从事影视音乐制作行业的；对音乐制作有基本操作能力的；对作曲以及乐器有基本概念的；对音乐创作软件有具体了解的；电影行业爱好者

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电影，好似一盏巨大的回忆时钟。在光影的流动里，在演员的表演里，在原声的嘀嗒里，传统与现代、历史与乡愁、错身与孤寂，交织在了一起。《阿飞正传》于6月25日首次在内地院线公映，并通过全国艺术电影放由映联盟专线与全国观众见面。28年后，再见无脚鸟。这部由邓光荣(Alan Tang)制作的影片，在王家卫说来只是一部“场景设置在六零年代的爱情故事”。王家卫不止一次地在接受媒体采访时表示，“那些风格和视听语言，我并不是在拍摄之前就已经想好的。甚至在拍摄中，我也没有特别刻意去营造。一切，都是这部电影自觉形成的。”无论如何，《阿飞正传》构建出了王家卫电影的一个商标形式：留白的情绪碎片、纷繁的视觉与音乐、错失的情缘、以及忧郁的记忆承载。关于王家卫的电影风格，谭家明有一个这样的观点——“王家卫的作品，其实他最后整个东西出来的形态都是从剪辑那里建立起来的。他的灯光和构图都很好，这个他自己可以在开拍前确定，但故事结构和风格大概就是由剪辑雕刻出来的。塔尔可夫斯基不是讲， 剪辑就是“雕刻时光”嘛。 ”就形式主义而言，《阿飞正传》正式宣告了“王家卫电影”的诞生。我们可以注意到，影片中出现了大量水和时钟的镜头。这两样东西，后来还曾反复出现在王家卫的《春光乍泄》和《花样年华》之中。《春光》里的瀑布和广场上的时钟；《花样》里的大雨和巨大的石英钟，等等。流逝的回忆、瞬间即逝的时光，成为了王家卫电影的重要组成部分。具体地说，在影片开场段落，张国荣饰演的旭仔在离开那个小卖部的时候，景深里就是一片波光粼粼的光影流动。这一现实环境因为有了如此超现实意味的打光，一下子强化了“水”的意象。回忆变得朦胧，飘忽了起来。后来，王家卫在《春光乍泄》里表现黎耀辉回忆何宝荣在其房里疗伤的那段黑白影像，用的也是这个手法。Shot_01：张国荣入画(画面内回响着他脚步声，复调声音)。男主角带领观众进入故事世界。影片开场，总共有出现三次，诸如此类的镜头跟在男主角身后，由画外空间进入画框内空间(故事世界)的运动镜头。男主角强势的入画，象征了他对于整个叙事的杠杆效应。在影片中，所有的情节转换点，都是由他来带动的。Shot_02：下午三点的时钟，以空镜头的姿态插入在开场段落。脚步声渐息，取而代之的是时钟的嘀嗒声(复调声音)。在嘀嗒声里，旭仔对苏丽珍说，“你叫什么名字？”一场情事在嘀嗒声里拉开帷幕。Shot_03-Shot_04：随着苏丽珍对画外空间的“看”(详见后文)，影片的主题配乐幽幽地响起，画面直接切入到一片丛林。后文可知，这是一个闪前镜头。这个镜头的视点可以称为旭仔的主观视点也可以作为摄影机的客观视点。有趣的是，由于这个镜头没有明确的视点来源，我们亦可以将这个镜头理解为另一种形态的苏丽珍的主观视点。笔者认为，这是一种肉身并不在场，情感线索却一直延续着的诗意镜头。Shot_05：随着丛林镜头的不断横移，影片出片名。笔者认为，影片的英文名“Days of Being Wild”正是在隐射港人对于九七回顾大限之前的最后狂欢。是颓废到底？是远走他乡？是留守故地？影片中的各色角色其实都在做一个自我身世归属的事情(旭仔的寻亲之旅就是一个极佳的诠释)，他们的何去何从，正是在从一个个侧面隐射香港的何去何从。Shot_06：随着横摇丛林镜头的淡出至黑屏(一秒)，影片的开场段落结束。出现在影片正文部分的第一个镜头，正是这个镜头。这个框中框的构图，似乎在暗示着画面中的人物陷入了某种“局面”之中。此外，矩形、垂直体、三角型、圆形，各种几何形状的物件，鳞栉次比地出现在画面之中。显然，此时的时钟还并未以一种强势的姿态，霸占主画面。但是，它已经高高地悬挂在了主角的头顶上，隐约可见。Shot_07：旭仔第二次来到小食部。我们可以注意到，旭仔身后的景深处是有人物在那里走动的。由此可见，这个景深是一个实景(对比后面出现的虚景)。而且，景深处的光影错落(亮-暗-亮-暗-亮-暗)又正好与影片最后倒影在旭仔脸上的明暗光影交叠，形成呼应。真可谓，他从时光里来，他又回到了时光里去。Shot_08：“没用的，你一定会见着我的。”旭仔丢下这句话之后，离开。镜头随之切换到苏丽珍头顶上的时钟。对比Shot_06，时钟开始在画面中占据主导位置。Shot_09：在时钟的嘀嗒声里，影片的主题配乐再度响起。有趣的是，此时的配乐音效，好像来自梦境里的声音。乐声里，苏丽珍莞尔一笑。《阿飞正传》、《花样年华》、《2046》，三部电影并没有绝对的剧情上的逻辑串联。除了一点，三部电影都有一个名叫苏丽珍的女子。但是，三部电影在情绪感知上是一致的——怀旧。我们都知道，王家卫五岁那年(1963年)，随她母亲，自上海去到香港。但是，王家卫在影像世界里复刻的那个六零年代，完全是依赖他的个人记忆的。他对法国影评人Michel Ciment说道，“我想换回从前的那些记忆。我害怕这些东西以后我会忘却。”更加有意思的是，王家卫本来确实是想将影片设置在1963年的。为何后来成为了1960年，王家卫先后在二次采访时说道，“为了John F. Kennedy选举”、“为了Apollo太空任务”。无论如何，时代新篇章的感知，油然而生。王家卫更是确切地告知Berenice Reynaud，“《阿飞正传》里面的那个六零年代的香港，并未真实地存在于现实之中。这是一个虚构的世界，一个想象的过去。”当然，出现在影片之中的所有服装、道具包括场景建筑都是王家卫经过细密考据之后的产物(张叔平 语)。Shot_10a-Shot_10b-Shot_11：镜头从旭仔手腕上的手表慢慢摇到两人的脸部特写镜头。随即，镜头马上切换到挂在墙上的时钟(特写)。嘀嗒声里，两人共同度过了“一分钟”。Shot_12：“一九六零年四月十六日，下午三点之前的一分钟……”我们可以注意到，在说这段台词的张国荣的脸与前一个镜头里时钟的脸，正好处于同一个位置。我们可以这样来理解旭仔与苏丽珍之间的情事，他们两人之间的关系，始终是旭仔在主导的。后文可知，旭仔和“一分钟”成为了苏丽珍的梦魇。对于苏丽珍来说，旭仔和一分钟是“等量”的。Shot_13：苏丽珍的旁白，“我们由一分钟的朋友变成两分钟的朋友，没多久，我们每天最少见一个钟头……”音轨上是持续不断的嘀嗒声(复调音乐)。尤其值得我们回味的是，景深的尽头成为了一个无人的“虚景”(相对Shot_07)。粼粼的波光倒影在那个小房间之中。一场镜花水月的情事，正式上演。Shot_14：旭仔依旧在这段关系中占据主导地位。交错的体位，暗示出了两个之间即将引来一个所谓的“命运分叉口”。果然，苏丽珍试图让旭仔娶她，被旭仔拒绝。丢出狠话，“你这里，我以后再也不会来了。”据说，为拍这段戏王家卫NG了七十几次。Shot_15a-Shot_15b：一个框中框的构图，使得人物(苏)陷入困境。一个移焦，使得人物(旭)成为画面的主导。王家卫利用极为简约的构图和移焦，一下子烘托出了旭与苏之间的关系。苏的空间是狭小局促，旭的空间的相对开阔。Shot_16：一个可以管窥到王家卫作者笔触的镜头。苏离开，有人反复地擦拭镜子。王家卫的电影，如果我们有一句话来总结的话，或许我们可以这样说，“那些弥漫在梦里的甜蜜、时光里的往事、镜子里的伊人，不断地错失、错失成那一段段在期待中渡过一生聚散的情缘。”Shot_17a-Shot_17b：一个由镜像摇到实像的镜头。纵观整部影片的移动镜头，大凡都是由手表(表示时间的器物)或镜子移动到相关人物。如此，时间与镜子便成为了一对等量关系。真可谓，镜中人儿百事非。我们再单独来看这个镜头，需要注意的是，一旁的花朵与镜中人的服装，相映成趣。Shot_18：又是一个镜中人的镜头。有趣的是，旭仔留给她的那只耳环，与其身上的服装，再度相映成趣。Shot_19：刘嘉玲饰演的舞女露露来到旭仔的住所。我们可以注意到，包括旭仔在内，整个空间的色调是偏灰的。但是，随着露露的入画，画面中一下子有了一抹靓丽。而且，露露入画的第一个动作就是照镜子。镜子与各种时间装置，在整部影片中，或明显或低调，反复出现。Shot_20：不同于旭仔与苏丽珍之间的关系，旭仔占有主导地位。在旭仔与露露的这段关系里，露露占有主导地位。一个画面，一览无遗。Shot_21：露露离开，有人反复地擦拭时钟。同类镜头，可见Shot_16。著名影评人Tony Rayns评论《阿飞正传》，“《阿飞正传》仍将是王家卫电影作品的一次顶峰，以及香港电影的一座里程碑。它用作者半虚构的过去世界，调和港人面对未来世界的巨大冲击，酝酿出千回百转的乡愁诗意。”Shot_22-Shot_23：我觉得全套戏最好的point（位），是张国荣跳Cha Cha（恰恰舞）。王家卫想到找张国荣跳下Cha Cha也不错，但就只有一个shot，没有剧情也不连戏的，他不知放在哪里好。另外又拍了刘嘉玲走了之后张国荣在床上抽烟的一段。有一日王家卫给我一段录音，我听听是什么来的，原来是那段“无脚鸟”的独白。于是我又想这段monologue（独白）应该放在哪里。我尝试用摊在床上那段戏，看是否够长来配合这段独白，咦，够长喔，便用在那里。跟着想到Cha Cha那个shot，就索性连接下去。这两个shots加上monologue，就是角色的theme（主题）。他的vision（视野），正正一个cut可以将张国荣这个character表达出来。第一，好堕落，摊在床上，好decadent（颓废），当“死下死下”的时候，一个cut，他又有生命力去enjoy life（享受生命），这么大的contrast（对比），两个shots一个cut已可道尽，这是我最中意的一个point。王家卫看了也说：“正喔！”——谭家明，摘自《王家卫的映画世界》Shot_24：来自露露视点的主观镜头。我们可以注意到，整部影片是没有苏丽珍的主观视点镜头的(或者说有那个诗意视点)。相反，影片反复有出现露露的主观视点。她想要进入旭仔的世界，她是主动的，她有她的对于爱情的倔犟。这个镜头有意思的地方在于，露露看的对象正是旭仔的母亲。后来，她对她说，“我年轻时，也同你一样。”Shot_25：一个极为安东尼奥尼式样的构图。白衣旭仔与黑衣苏丽珍，向背地交错站位。两人之间的隔阂，一览无遗。Shot_26：再度出现露露的主观镜头。Shot_27：这里王家卫利用镜子的反射，扩展旭仔房内本就局促的空间。镜子里的旭仔虽然和露露并置在一个平面里，但是由于诸多的垂直物(窗帘、椅子、床、镜框)旭仔与露露之间的“隔”，语意明显。Shot_28：离开了穿白衣的旭仔，一袭黑衣的苏丽珍遇到了同样穿黑色雨衣的，刘德华饰演的警察超仔。关于整部影片的配色，王家卫曾经表示他本来是想要把这部电影拍成黑白片的，类似Edward Hopper的画。但是作为彩色片的《阿飞正传》，更利用我们明确地感知到王家卫的用色。绿色、白色、黑色、红色，这些颜色的出现都是经过精心编排的。“在用光上，我是有意让《阿飞正传》与我的第一部电影《旺角卡门》做出对立。那部电影里有太多刺眼的光线和霓虹。我告诉Chris(杜可风，影片摄影师)，我想去做一部所谓‘单色’(monochrome)的电影。这是一部表现各种人物各种忧愁的影片，光的质地要做得淡、做得薄。这给Chris带来了很多的问题，大量的滤镜、极少的光线，以及非常难控制的焦点。这也是为什么这部电影会拍这么长时间的一个理由。”王家卫如是说。Shot_29：配乐声响起。苏丽珍“踏足”在一滩水洼之中，警察离开。又一段镜花水月的情事，似乎就要上演。想不到，无疾而终。互相的彼此错过，正验证了王家卫电影一贯的母题——错失的情缘。其实，我们可以将《阿飞正传》和后来的王家卫电影《花样年华》做一个形式上的比较。两部电影都是湿漉漉的(大量的雨戏)，一个低调、阴郁、黑色；一个高调、华丽、明亮。《阿飞正传》在梁朝伟的关灯动作里结束(暗)，《花样年华》在阳光下的“佛视点”镜头里结束(明)。Shot_30：又是一组垂直物林立的镜头。腿、皮包、石柱、铁栅栏、人物，都是垂直物。画面中，只有巨大的时钟是圆形的。同样，这个镜头暗示了苏丽珍与警察之间的“隔”。Shot_31：苏丽珍在悄悄地抽露露一直抽的烟(见，Shot_24)。或许，我们可以这样去理解这个特写镜头。苏丽珍试图将自己变成露露那样的女子，去讨旭仔，或者说以赢得旭仔的欢心。只是，她的“变装”过程被警察打断了。Shot_32-Shot_33：这两个相连镜头是紧接在苏丽珍脱口而出，“你别提这一分钟”之后的。显然，“一分钟”(具象时间，抽象旭仔)，对于苏丽珍来说，成为了她的心魔，她的梦魇。苏丽珍好似被关在了那一段时光之中。笔者认为，这个镜头可以引发观众多方位的感知。其一，九七大限将至，倒计时开始。其二，苏丽珍从这个子夜十二点之后，开始重新面对她的人生。其三，后文再也没有出现巨大的时钟，十二点成为了一个时间的尽头，一个情感的尽头。Shot_34：苏丽珍被“关”在了这一分钟，这一段她与旭仔的情事之中。Shot_35：两人走在“平行线”(铁轨)之上，似乎在暗示，两者是不会发生交集的。Shot_36-Shot_37：一组潘迪华饰演旭妈的镜头对比。前一个镜头，化妆台上堆满了她的化妆品。真可谓，一朝红颜老，无谓胭脂贵。后一个镜头，是潘迪华在临行美国之前回头看旭仔。背景是虚空掉的，完全有别于之前的化妆台。你可以乐观派地说，旭妈勇敢地面对未来，去过自己想要过的生活。当然，你也可以悲观地说，旭妈的感情生活，一片苍白。Shot_38：类比Shot_34。Shot_39：花朵、烟盒、车尾灯，整部影片红色的出现是相对较少的。如果说花朵是象征青春，烟盒是象征身份，那么出现在这里的车尾灯似乎在象征水与火之间的“冲突”。漂泊大雨里的红色车尾灯，极佳地点睛了两人关系的紧张。一贯怯懦的歪仔给了露露二巴掌，两人的关系，在情急之下，开始倒转。Shot_40：在主题配乐里，在慢镜里，旭仔的这段步履，每一个步点都踩在节拍之上。旭仔对自己生母的主观凝视，采取了拒绝的姿态。有意思的是，旭仔走的这段路，在开走的瞬间，胶片略微晃动，之后的画面明显地暗了下来。Shot_41-Shot_42：一组看似Bug的镜头。操着国语的旅店大妈明显是拿的206的钥匙，到了下个超仔开门的画面，超仔打开的居然是204的房门。笔者之所以认为这组镜头不是Bug，是因为笔者认为后来反复出现在王家卫电影里的那间“2046”房间，并不仅仅是在暗示九七后五十年的政治隐喻，更是在叙事上利用一个神秘空间，交叠出人物与人物之间的私密情事。2046，或许正是204和206的某种组合。Shot_43：暗示人物命运的灯头白炽灯，再度出现。上一次出现是在Shot_19。关于人物灯头白炽灯的应用，王家卫后来在《花样年华》里做出了更为精彩的编排。在《花样年华》里，梁朝伟的出场就是顶着一盏白炽灯出场的。Shot_44：这里，我们稍微开个小差。当旭仔说出那句，“有机会的，到时你别自卑。”似乎一语成籖，张国荣的银幕角色与现实真人，好像合二为一，叫人唏嘘。Shot_45：“所以在我死的时候，我一定不会阖上眼。”旭仔的这番话正通灵的帕索里尼的“诗剪辑”或者说“诗闪回”理论。将死的旭仔，此前的一组镜头是他出生时的画面，是交代他如何被旭妈收养的。死亡与新生的并置，迸发出了诗剪辑最强大的爆发力。我们在将死的时候，到底会看到什么？那些我们或许会看到的人生片段，其实就是电影里的剪辑。Shot_46：在叙事结构上，影片开始闭合。旁白，“……其实它哪里都没有去过，那只无脚鸟一开始便已经死了……”由于有了这段旁白，或许，或许这个镜头其实就是旭仔的主观镜头，是他在这个世上见到的最后画面。Shot_47a-Shot_47b：影片主题配乐响起，光影忽明忽暗地投射在旭仔的脸上。他从时光里来，他又回到了时光里去。Shot_48：镜头高高飘起。这列“时光列车”，继续前行着，一直驶到“2046”。《阿飞》、《春光》、《2046》，三部电影里均有出现的列车，强烈地表述了一个王家卫电影的根本主题——漂泊。故乡何在？故人何在？往事依稀，物是人非。Shot_49：一组空镜头闪回。这个画面正好对应了Shot_33。时间继续在走，在走……只是，当时的人儿都已不知所踪。Shot_50：另一个阿飞出笼了。就文本考据而言，王家卫本来是要把《阿飞正传》作为上下部来拍摄的。在下部里面，梁朝伟饰演的另一个“旭仔”在赌场里遇到了苏丽珍，从而开启另一段情事。只是，王家卫把上下部的成本全部在这个“上部”里面烧光了。下部，只落得一些片段和剧照，留存。始终不知道如何安置这一段落的王家卫，是谭家明最后决定把它放在整部影片的结尾处。台湾电影学者焦雄屏曾经问过王家卫这样一个问题，“上次摄影杜可风与影评人舒琪对谈时，曾提到你在影片中用了许多‘时间’与‘水’的意象，可否谈谈这点？”王家卫答道：“因为这个戏(《阿飞正传》)的主题的是一个Memory的故事，如果要把‘回忆’具象化，就好像水的那种感觉，水不是固体，很不稳定，会有很多反射效果，会有很多角度，记忆给人的感觉也是如此，因此我在戏里用了较多这类的‘水’的意象来强调主题。不过题外话，其实香港在六零年代也蛮多雨水的。至于时间的意象，也是用来强化这个记忆或回忆的主题。往常我们常认为人只有到老才会懂得回忆，然而事情却不尽然是如此，常常我们在年轻时候就会忘记一些蛮重要的，而记得一些我们认为无足轻重的东西，因此电影中用钟、表这类计时器的出现，只是用来呼应这项主题。”光阴流逝，爱欲纠缠。雨声、嘀嗒声、脚步声、这些重复的，节奏感极强的声响，王家卫都在这部电影里放大了出来。“从这一分钟开始”或者“让我们记住这个时刻”，片子的人物始终在强调去捕捉一个所谓“瞬间时刻”的东西。1984年，大陆和英政府达成“97回归”的协议。此后，大量的香港电影人开始在他们的电影里利用各种“时钟装置”隐喻他们的“九七焦虑”。其中，王家卫用他的《春光乍泄》和《2046》做出了极为自我式的回应。放之这部电影，王家卫曾经如此告知Tony Rayns，“《阿飞正传》就是在表现留守香港或离开香港的各种复杂情绪。我尝试着在唤起两个来自一战后的不同家庭。一个是讲广东话的本地香港人。一个是讲上海话的移民香港人。第一部分，他们因语言不通而隔离。第二部分(未成片)，他们开始逐渐认识到彼此。”每一种艺术形式都可以理解为是创作者在试图表达，而观赏者要想理解，并形成有效的“交流”，就必须尝试去学习留意对方的“语言”，电影同样也不例外。在《导演思维看电影》课程中，银熊奖获得者、国家级导演杨超，用丰富的专业知识串联起数十部经典电影镜头，逐帧逐句娓娓道来，带你由浅入深地进入电影世界。这是一次读懂电影的独特求索之旅，无论你是电影发烧友还是影视从业者，无论你喜欢商业大片还是小众文艺片，这里有电影的终极秘密，有你一直在寻找的答案。戳图了解课程详情：

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顾爷是谁？坐拥200万粉丝的超人气网红？打败汪峰上头条的段子手？专注于调侃世界名家和艺术史八卦的畅销书作家？这些都是他。但他自己说，自己只是个“一般普通文艺青年小顾”。顾爷聊些啥？“我做的事情是把一些对艺术不感兴趣的人带到门口。如果你感兴趣，可以自己进去；如果不感兴趣，站在门口拍张照片、发条朋友圈也很好。”比如他这么描述画《圣母子像》的乔凡尼·贝利尼头像：棉花套一般的难看发型和仿佛消失的头盖骨”；风流恣肆的卡拉瓦乔，在他笔下是个能画出“娘炮”作品的“古惑仔”；一生未娶的痴情人波提切利，脾气暴躁的肌肉控米开朗琪罗，德艺双馨的实干派提香，异想天开的梦想家达·芬奇，画如其人的小鲜肉拉斐尔……这些艺术大师在他的讲述里都变成了平易近人的隔壁老王。“再次当爹的乌拉诺斯偷偷地在产房外瞄了一眼。嗯，这次的品种明显比上次有进步，两只手，两条腿，脑袋也只有一个——但是，当接生婆把婴儿交到乌拉诺斯手里时，他还是吓了一跳，四肢、躯干、脑袋都正常了——但只有一只眼睛！”他说，艺术从来不是高高在上的殿堂，并不总是那么高不可攀，他就是要把艺术拉下神坛。他说，艺术并不“高雅”，大师也并非个个都是文青，他们有的甚至还是绿林好汉。了解他们的八卦故事，会帮助你更好地了解艺术。摄影 VS 艺术？对于外行而言，艺术似乎是一个十分高深莫测的东西；相比之下，在一个人人都可以拍照片拍视频的时代，摄影则更加容易被辨识。摄影与绘画一样，是西方人试图亲近上帝和表达信仰的工具和方式，是这一进程中不同阶段的不同产物而已。摄影，是写实绘画发展的必然阶段。两者同宗同源，都是信仰的产物。因此，摄影的本质是艺术，灵魂是信仰。不了解这一层，就不足以谈摄影了。大师级摄影师维托里奥·斯托拉罗（曾三次获得奥斯卡最佳摄影奖）也曾多次提到卡拉瓦乔绘画对他的用光艺术的启发和指导。因此想要成为一名优秀的摄影师、或者影视创作人，具备基础的艺术修养也像懂得光线构图一样重要。这样你就不会在别人说：“我要爱德华·蒙克效果！” 时一脸懵逼了。课程简介新片场学院上线的《10堂课看懂西方艺术史》，将以艺术史时间为主线，讲述包括艺术家的八卦故事、西方名画鉴赏、知名建筑和雕塑历史、艺术风格解读等。顾爷会用10堂课带你了解古希腊的背景，古罗马的绘画、雕塑、哲学。讲述乔托、达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的故事，分析现代艺术对传统艺术的颠覆。用脱口秀般的表现力、接地气的幽默感和八卦精神为你普及高深莫测的西方艺术知识。学习这门课可以扩充你的艺术史知识储备，为你增加谈资、提升艺术修养和审美，让品画看展中的你不再乏味，告别文化小懵懂，成为具有艺术气息的知识达人。课程试听导师简介原名顾孟劼，漫画家、艺术界老司机一枚。曾任澳洲pure blue公司设计师，坐拥200万粉丝的超人气网红。出版作品：《小顾聊绘画·壹》、《小顾聊绘画·贰》、《小顾聊神话》以及《小顾聊绘画·文艺复兴》等系列书籍，销量超过70万册。成就：2016年获得国家颁布的自媒体教授奖。新榜官微发布的全平台网红排行榜TOP100中，顾爷位列第50位。课程目录向上滑动阅览一、古希腊艺术（3节）1、美之源：迷之微笑2、掷铁饼者：奥运会举办者的小心机3、拉奥孔：艺术界扛把子就此诞生？二、古罗马艺术（2节）1、古罗马雕塑2、古罗马建筑和绘画三、中世纪艺术（3节）1、末日审判：上天堂or下地狱2、神性高于人性：摆臭脸的祭坛画3、圣马可大教堂：中世纪的盗墓笔记四、文艺复兴（5节）1、文艺复兴的起源2、乔托：文艺复兴时代的乔帮主3、达芬奇：一个专爱挖坑却不爱填坑的梦想家4、米开朗琪罗：不会画画的建筑家不是一个好雕塑家5、拉斐尔：文艺复兴时代的小鲜肉五、巴洛克（3节）1、卡拉瓦乔：巴洛克流氓画家2、伦勃朗：荷兰光影大师3、“迷之男子”维米尔与一手打造17世纪法国艺术的“丝袜美男”六、洛可可（3节）1、洛可可：王公贵族的最爱2、蓬巴杜夫人：史上最成功的情妇3、大卫：是革命的画家还是墙头草？七、浪漫主义与现实主义（3节）1、戈雅：打破18世纪传统理想和技法的精神分裂创造者2、《自由引导人民》：原来你是这样的自由女神3、强尼德普与梵高偶像代班解读社会史八、印象派（4节）1、印象派：派系名字居然来源与一个笑柄2、莫奈：大侠的打怪升级之路3、雷诺阿：爱画美人的幸福画家4、德加：死不承认自己是印象派的奇葩九、后印象派（4节）1、保罗·塞尚：现代艺术的爸爸2、梵高：计划周详的创业梦为什么没有实现3、高更：一副诠释西方哲学终极问题的画4、修拉：号称点王之王的新印象派掌门人十、现代艺术（3节）1、颠覆传统的现代艺术2、毕加索：解放绘画形式的大师3、达利：让人无限遐想的软绵绵课程价格120元现在购买还可领取满100减10元优惠券授课方式在线视频 适宜人群零基础学员、艺术爱好者、历史爱好者时间安排课程已全部发布，永久可观看戳图了解更多课程详情：

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电影的镜头调度是一门艺术，也是一项技术，通用的几十种镜头调度方式，对于导演和摄影指导的综合能力要求很高。美国导演、普利策奖得主Vincent Lafore以《阿甘正传》、《异形》和《傲骨贤妻》为例，来为大家讲解什么是“有动机镜头运动（motivated movement）”和“无动机镜头运动（unmotivated movement）”。一、有动机镜头运动（motivated movement）Vincent以他最喜欢的电影开场之一——《阿甘正传》中的开篇长镜头为例讲解了什么是有动机的镜头运动。这是一个十分能够体现导演的想象力之丰富和能力之强大的镜头。戳视频这根羽毛是贯穿整个开场镜头的线索，最重要的是，在拍摄时，这一根羽毛并不存在， 它是后期作为CGI元素添加进去的，现场没有羽毛，全靠导演的想象力，并且想象出羽毛的复杂运动，还要与拍摄人员沟通，实非易事。首先使摇臂下降俯摇右摇左摇接下来还要增添一些元素，作为前景和背景。导演与第一副导演，即第一导演助理， 他需要协调所有拍摄对象的移动， 比如，这时画面中心驶来了一辆车：这辆绿色的车需要服从第一副导演的安排，镜头从车上摇摄离开，拍摄到一些背景，有两个人在公园里散步，主角阿甘在画面的左上角，一位女士开始过马路，这辆车就是刚才那辆绿车，这些时间节点都是由第一副导演把控的。这辆车差点撞到了她，然后一个正在看书的男人走进画面， 羽毛不见了。这一切依然都是在想象中完成的。之后，他穿过马路，使羽毛又一次扬起，车驶过后，羽毛飞了起来。这时另一辆车驶入画面，起了一阵微风，扬起地面上的灰尘，镜头开始下降，做弧线形运动，而后向右摇。最终，羽毛落到主角阿甘的两脚之间，这是一片真羽毛，这也是羽毛第一次真正的现身。镜头最后缓缓上升，聚焦于他的脸部。这个场景非常酷，尤其羽毛是完全依靠想象出来的，导演需要与全剧组沟通这片虚拟羽毛所需要的拍摄手法，构建这个极其复杂的场景的能力十分考验一位优秀导演的强大想象力，这相当令人钦佩。场景里有车辆，有一些群演，还需要对拍摄时机进行把控，他们一直跟踪拍摄的是根本不存在的东西。这一幕也交代了阿甘的性格特征： 自由飞扬，生性平易近人；它也帮助观众了解了电影的整体基调和人物性格。二、无动机镜头运动（unmotivated movement）以《异形》为例：首先我们以观众的角度来思考，这个镜头是在用谁的腿来行走？为什么要在画面中穿梭？正在行走的是什么物种？它是人类吗？答案其实是导演。在这个镜头里没有演员，因为移动非常平滑，而且这是在一艘所有人都被凝固的船上，他们刚经历了一场长长的旅行并醒了过来。记住，当摄影机在空间内稳定地穿梭时，就是我们所谓的无动机运动，也就是除了导演的想法之外，没有引导摄影机在空间内运动的动机。作为导演或摄影指导，一定要时刻记住，当你做无动机镜头运动时，你会冒很大的风险，如果你没有特殊的目的，请三思而后行。如果只是漫无目的地做无动机镜头运动，你就进入了一个”危险区“。接下来再以电视剧《傲骨贤妻》为例。这个镜头一直运动了长达20秒之久，镜头为什么要运动？目的是什么？这个镜头运动完全没有任何目的，只是为了养眼，在这个镜头中我们不认为它有何感染力，虽然没有出错，但是好像经常能看到在电视剧中有人这么做，通过这种手法来让画面更有动态感。但是镜头运动的开始和结束都没有原因可循，纯属多此一举。这样的镜头运动也常在采访、音乐MV、延时视频和婚礼视频影片中出现，虽然没有出错，但是只要你漫无目的地移动镜头，就会进入一个“危险区”。所以当镜头准备滑动时，你应该问问自己：为什么要滑动镜头？因为你想？这并不是充分的理由。无动机镜头运动本身并没有错，但是也有好坏之分。美国导演、普利策奖得主Vincent Laforet在他的《好莱坞电影镜头调度技巧》中，以几百部经典影片为例，分享了几十种镜头调度技巧。你敢想象以上这么大篇幅的一篇干货内容，在Vincent老师的一堂课中仅仅只占十分钟？课程的每分每秒都是干到不能再干的纯干货！了解更多此课程详情戳 ☛《好莱坞电影镜头调度技巧》新片场学院专业的影视教学平台，专注提升创作人职业技能。体系化理论知识，帮你打造完整学习框架；资深从业者，助你掌握专业知识；高效便捷的学习方式，随时随地学习影视知识；理论和实例相结合，着重提升学员实战经验。在这里，让作品加速诞生！

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中国电影市场越来越火爆，华语电影数量也在不断递增，电影的投资和制作规模也越来越大，但同时，很多电影因为种种原因，并没有收获非常理想的票房；或者，因为某些原因，没有获得相应的口碑和评价。在这些电影中，绝不乏真正的艺术价值、不同的探索尝试、或演员精彩的表演。我们面向新片场上超过60万认证创作人发起征集，邀请创作人投票选出2017年度华语院线电影中，最受影视创作人喜爱的作品、导演和演员。从专业的角度，给华语电影和电影人一个更客观的评价。点击此处马上参与投票>>>>>>点击此处马上参与投票>>>>>>点击此处马上参与投票>>>>>>点击此处马上参与投票>>>>>>点击此处马上参与投票>>>>>>通过专业影视创作人的眼睛，可以提供给大众以不一样的视角，看到华语电影更深的价值；通过奖项评选鼓励优秀的电影和电影人，用“专业”为好电影和优秀电影人赢得更多口碑和支持。同时，也给年轻电影人之间提供更多合作机会和发展可能。希望新片场上的所有创作人，能投下自己专业的一票！

沉默的小法

在7月9日NEW ERA青年电影季发布会暨评委见面会上，评委会成员侯咏导演做了“电影创作的商业化与大众性”的主题分享，以多年的电影制作经验，给了青年创作人最中肯的建议。有时候作为导演，会把创作当成特别私人特别个人化的事，观众看不懂观众不喜欢那是观众的问题，但真的是这样吗？以下为侯咏导演在发布会现场分享实录你所要表达的，是不是大众所关注的？杨超老师讲了他的观点，把电影分为类型片、文艺片和艺术片三种，“三分法”也让我挺惊讶的。在我看来，艺术片也可以是类型片的一种。给电影分类每个人有每个人的分法，重要的是看对创作有没有帮助。之前也有人问我，是不是导演个人化程度很高，看不懂他拍什么就叫艺术电影？以前大家都把戈达尔叫做“导演的导演”，就是说他的作品只有导演能看懂，甚至连导演都不懂。当然这都是开玩笑的说法。但我们从这个问题里也会有所反思。这些年我在拍片的过程中有一个很大的感受，也经常跟我的学生们交流，就是在创作前以及创作过程中，一定要清楚你所表达的东西是不是大家所关注的，是不是大众所喜欢的、感兴趣的话题或主题，这一点特别重要。我之前做过一部电影的监制，我们一直在争论这部片子究竟是什么类型的电影，商业化程度到底有多少？我当时认为它是一部完全彻底的个人化电影。但导演与我的想法恰恰相反，他觉得他表达的东西代表了很多人所关注的话题和兴趣，反应了他们的生活，甚至不认为是一部艺术片。这部电影上映之后，票房、评论和其它反馈都证明了我的看法。虽然票房并不能决定一部影片的品性定位，但在当下的市场环境中，影片的好坏、是不是受观众的欢迎，基本上唯一的标准就是票房。即使抛开票房来说，我也觉得这部影片个人化程度过高，或者说是纯个人感受和个人表达的影片，并不具备大众性，因此也就不具备商业性。因此可以说，影片的大众性与商业性成正比。我想告诫大家，在拍摄的时候，希望你们想一想这个问题，你所表达的这个故事也好，塑造的人物也好，反映的主题也好，是不是能够代表更广大的观众的情感、态度、观点、立场，和他们所关注的主题和话题，这是很重要的。电影的成功，其根本就是赢得更多观众电影商业性的标准和商业化的目的，简单讲就是是否受广大观众欢迎和赢得更多观众欢迎。当今，影片商业化程度的标准直接用影片的票房来衡量。即影片商业性的强弱简单粗暴地全然由票房决定。然而，大家对什么样的电影票房好，什么电影的票房不佳的分析预测都各持己见，百家争鸣。这似乎是个众说纷纭又无法归纳划一，甚至是令人无法琢磨而难以驾控的事实。很多大公司重点推出的商业大片惨遭滑铁卢，而本来并不看好市场而忐忑上市的影片却意外收获惊喜的事实都说明了这个问题。前几年，在客观上毫无规律可循，主观上又缺乏经验的情况下，这样出乎意外的案例时有发生。比如：早年的《疯狂的石头》，近年的《捉妖记》、《大圣归来》等等……所有这些实事都让影片商业成功与否的神秘性越发扑朔迷离，成为一大难题，让越来越多的电影投资人甚至导演们对此越来越关注。众多公司一窝蜂地追星捧鲜，一窝蜂地围堵IP。这些真的就是电影商业成功的根本吗？显然当然不是。了解大众所关心的话题，真心赢得大众的心最近一部影片创造了一个奇迹，大家都知道《冈仁波齐》的票房已经突破八千万，上亿好像也不成问题。就今年电影市场的形势，能够达到八千万甚至上亿的影片，放在前两年就是翻两番的票房。而在两年前，我在一次导协会议上看这个片子的时候，就曾跟张扬导演聊过。我问他，你觉得这个片子拿到市场上会怎么样？电影《冈仁波齐》自上映以来就成为热门话题他说从拍这个片子的时候，一直到现在他都觉得这不是个能上院线的电影，也就是在圈子里和电影节展映一下，然后大家议论一下就完事。而张扬导演是把整个拍片的创作过程当做一次自己修行的经历，是一种很个人化的行为。这里就有一个问题，既然《冈仁波齐》个人化程度很高，导演都没有对票房抱以期待，为什么还能收获高票房呢？这里面是否与之前所说的有矛盾呢？仔细分析一下，我认为一点也不矛盾。这部影片收获的票房和口碑，出乎张扬导演和所有人的意料。我认为是张扬所表达的内容，正是很多很多观众所关心的问题：生死的问题，信仰的问题，善恶的问题、人生之苦的问题、救赎的问题等等。虽然我们现在好像进入到一个很实际、全商业的时代，似乎很少人去关注这些问题，但实际上当今社会关注信仰和关注生死的人越来越多，这个话题与人们的切身利益和各自的生活息息相关。张扬导演直接面对了这个话题，而且以纪实的手法，冷静旁观的视角，平实平等的平常心，摒弃了鸡汤式说教的态度，与剧中人物一同在影片中体验朝圣的历程。我觉得这正是这个影片能够赢得票房的根本性原因。也正是《冈仁波齐》具备了大众性和商业性的内核。商业化是形式、是表象，大众性是内容、是本质一个具备大众性的好故事，一个真正扎实的内核是基础，能否赢得更广大的观众获得票房成功，还要看用怎样的形式来讲述和展现以及完成度如何。如何把握好内容和主题，并辅之以精彩的形式，这是一个内容与形式的基本问题。 仅就影片《冈仁波齐》所呈现的消除一切内心情绪的宁静状态、藏族民众奇特的生活方式以及峻秀壮丽的藏地美景而言，已然是赢得观众的外在因素。如果我们设想，《冈仁波齐》不是用现在这样客观的视角、冷静的态度、文艺片的外在形式，而是用一个类型片的方式去表现同一个内容、同一个故事，让它的情节性更强，人物刻划更鲜明，人物命运更跌宕起伏，那也许就是一个商业化程度非常高的、更能赢得市场的商业片。从理论上分析应该如此。用什么方式讲故事，没有一定之规，形式是可以锦上添花，却不能雪中送炭一部影片真的具有商业的性质吗？回答是肯定有。因为电影作为商品必然具有商业性。但我觉得商业性对于一部影片来说，更多的就像小女孩身穿鲜红的连衣裙，并不代表小女孩具有鲜红色的本质，而仅仅是外表而已。可以说影片的商业性是通过商业化的形式和过程体现的，体现在影片模式、样式、类型等等方面，这些都是外在的表象和现象。数据分析的方法可以精确地统计出影片所包含的哪些因素是商业性强、被大家喜闻乐见的因素。这些因素都是外在的，而内在因素因为不是表象，是看不见的。所以论影片商业与否是说它有没有商业的外部特征，而并不能表示影片自身的根本性质，上海话讲叫卖相。当然，商品的卖相很重要，但更重要的是它是否具备商品的性质，也就是说它是不是商品，再就是是不是受大众欢迎的商品。这一点很重要，因为这说到了如何才能受大众欢迎的问题。所以说，一部影片的商业成功与否关键在于它是否具备了作为成功影片的性质，而不仅仅是具备了成功影片的表面特征。即是to be, 而不是to do，更不是look like。如果电影的商业化特质与电影的大众性可以等同的话，我更喜欢用大众性和小众性来区分影片的性质。因其所代表的不是表象，而是性质。不是形式，而是内容。如何区分大众性和小众性真正内容方面的划分是就其本质而论的，即是否受广大观众喜闻乐见。以此来划分小众和大众。其本质的区别可以从天时地利人和三方面来体现：1，是否大众真正关注的内容：题材、话题、事件、情感等等。2，作者的感受、态度、观点、立场是否与大众一致。即成为大众代言人，这点最重要。就像当年李叔同面对国难而“悲欣交集”的感受那样。 3，所宣所言正中大众心坎，却是大众欲言不能、言而不尽的。就是能够说出大众欲言不能的心里话，不但代表大众的利益，其境界、情怀、爱心、深度都在一般百姓之上。以上三点为人和。4，得天时、获地利的影片自然会胜出，自不用多说。题材、热点、关注度、实效性、时尚、时髦等等词汇都是与天时地利有关的因素。赢得了这些因素的影片，必然就是大众性的影片，即具有被大众接受的性质。而小众性电影就不会具有以上的特征。相反它是从个人感受出发，完全是个人化表达的初衷和目的。所涉及的话题、事件、情感都不是大众关注、具普世意义的，所以也可以称之为个人化表达式电影。个人化表达不同于个性化表达，它们是完全不同性质的两回事。结论电影受不受大众的关注欢迎，取决于一部影片是不是具有深受广大观众所关注的、喜闻乐见的话题或主题。也就是是否具备大众性的核心本质。而要具备大众性，就不能站以个人立场进行个人化表达而无视观众的关注度。只要大众性的核心不变，我们也许可以用不同类型的形式来讲述同一个故事。而只有结合恰当的形式，能使大众性的核心内容更充分地得以表达，才能成为真正深受广大观众接受和喜爱的雅俗共赏的电影。♥ ♥ ♥ 感谢侯咏导演对青年创作人的支持和帮助，NEW ERA青年电影季征片正在进行中，我们一起为迎接新时代而努力！NEW ERA 期待你的到来NEW ERA青年电影季，为年轻和电影而生。拥有理想和才华的年轻创作人，在年轻时，就已经崭露头角。我们要做的，就是帮助青年创作者迈出第一步。NEW ERA青年电影季征片已经全面开始，期待你登上这片舞台！

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