5月20日晚，作为全世界范围内公认的四大世界大学排名之一的QS，发布了2020美国大学排名。值得注意的是，这是QS首次针对美国大学发布排名，此次一共有三百所美国院校上榜。以下为TOP25榜单：虽然我们强调过很多次了，学习影视专业的同学们，比起这类综合性质的榜单，我们更应该参考《The Hollywood Reporter》或者《The Wrap》的排名。但是仔细一看，这份QS美国大学排名，TOP25内出现了很多熟悉的身影。比如在2020USNEWS全美大学排名中排第29名，这次一鼓作气冲到第11名的纽约大学；比如和耶鲁大学并列第6的加州大学洛杉矶分校；还有哥伦比亚大学、南加州大学、波士顿大学、得克萨斯大学奥斯汀分校都有开设全美顶尖的影视类专业。这是因为QS将以下四个关键指标作为排名的依据： - 就业能力（27%） - 科研实力（26%） - 多样性与国际化（25%） - 学习体验（22%）这不就是我们在选校时，主要参考的几大因素。对于留学生来说，排名不仅能作为选校时的一个参考，也能让你在回国求职时自带“名校光环”。毕竟国内HR对于某一专业领域的名校知道的可能也不多，就会用QS排名等之类的综排作为参考，来筛选候选人。那么对于想要出国学影视的同学们来说，究竟该选择综合类大学，还是专门的艺术类院校呢？综合类大学和艺术类大学的不同1. 获取到的资源不同在综合类大学除了电影的专业学习，你还可以接触差异较大的学科。比如纽约大学拥有18所学院和研究所，可以提供的课程有2万多种，你可以选择课程有心理学、社会学、东亚研究等等。这能为你的创作提供更加广阔的可能性，也能帮你在课外的剧组生活和课内之间找到一个平衡。再比如波士顿大学和哈佛、MIT就隔了一条查尔斯河，你可以和全球排名第一、二的学校共享学术资源。在艺术类院校内每个角落都会散发艺术的气息，学校也有很多个Lab,包括镭射切割、3D打印、木头切割、模型制作等提供给不同专业的学生使用。在这里，学生不仅能获得本专业的技能，还能参加一些艺术类课程或者workshop。除了选修课上的差异，就本科学生来说，综合类大学出于通识教育的考虑，大一阶段会要求学生修比如哲学、历史、生物、数学等，与电影没有太大关联的课程来积累学分。而艺术院校在课程设置上则精简很多，从入学开始就让学生着手于电影的拍摄和学习。比如在SVA开学第一周，老师就把相机交到学生手上，直接用课上拍片的形式告诉学生什么是电影。 综合类大学在国际化程度和配套设施这两个方面，肯定是要比艺术类院校完善，我们拿哥大举例。在多样性与国际化方面，哥大校园内有来自152个国家和地区的学生，有超过15,000国际生和访问学者。同时，哥伦比亚大学在世界范围内一共建有八所全球中心，分布于东亚、中东、南亚、欧洲、非洲及拉丁美洲。这促进了哥伦比亚大学师生进行全球性及跨学科的研究，为学生提供了海外学习和实习的机会，也能增进各地校友的联系和交流。哥伦比亚大学图书馆系统还是北美五大学术研究型图书馆系统之一，藏书超1300万册，期刊16万余，另有丰富的电子资源、手稿、善本、缩微胶片、地图以及视听材料。除了知名的Butler Library，还有大大小小很多个图书馆。比如下图中，就显示了分布在各个学院的16个图书馆。2. 申请难度的不同斯坦福大学纪录电影和视频方向的MFA，每年只招八名学生；得克萨斯大学奥斯汀分校电影制作专业每年只招收12名学生；南加州大学制片专业每年秋季只有24名学生可以入学。通常来说，综合类大学对成绩的要求比较高。我们来看UCLA，在电影制作专业，申请人数是1021人，最终录取为140人，录取比例为14%。在申请者中，国际生占据了42%的比例，所以UCLA针对每个国家或教育系统都有列出不同的成绩要求。拿中国来说，申请者除了要具有学士学位，成绩要求如果为100分制，则必须要达到80分及以上。虽然目前越来越多综合大学把标化成绩作为可选择的提交项，但是部分院校的特殊专业，还是会要求你提交GRE成绩： - MA文学硕士，更注重理论性，比如电影研究。一般申请综合类大学中艺术学院的MA需要提交GRE成绩。 - MFA艺术硕士，更注重实践性，比如电影制作。如果申请的是MFA学位的话一般是不需要考GRE的。举例来说如果你申请的是UCLA的MA学位Cinema and Media Studies专业，在官网中，UCLA特意在申请页面提示是需要提交GRE成绩的。但也有例外，比如你要申请UT-Austin的Film & Media Production专业，那么GRE就是一个必须提交的选项。哪类同学更适合申请综合类大学1. 想要申请双学位的同学我们先来看一则招聘启事，在国内某招聘网站上，有一则招聘院线电影制片人的招聘启事。要求最好电影制作相关专业，海外留学背景优先。从职责描述中，我们可以看出，制片人要负责电影的一整个流程，前期的规划，中期的管理，后期的发行。从资金筹集、管理到拍摄的监督协调，这就要求制片人不仅具备电影制作相关的艺术修养还要有一定的商科基础。纽约大学就有为制片管理开设了帝势艺术学院MFA影视制作硕士和斯特恩商学院开设的MBA工商管理硕士，双硕士联合培养项目。这专业为有抱负的电影制片人和想成为娱乐业领导者的同学提供知识，以应对当今电影业和商业娱乐瞬息万变的局面，学生将在3年的时间内，攻读两个硕士学位。关于帝势艺术学院的介绍，大家可以参考我们之前的文章：院校专业 | 纽约大学 New York University。斯特恩商学院在金融和国际商业方面也非常突出，学院的国际商业专业排名全美第1，金融专业全美排名第3。只有在纽约大学，这样的综合性大学，才能有这样得天独厚的资源。2. 想要攻读博士的同学电影研究生阶段除了有MFA艺术学硕士还有MA文学硕士，一般 MA多为一到两年的电影学方向，你需要学习的几乎都是电影理论知识，比如电影历史与理论，电影艺术与美学，电影文化与传播等，与电影电视学科有关的综合研究工作。除了就业该专业还有一个主流的出路就是继续考博士做研究。拿哥大来举例，如果你对进一步研究电影感兴趣，它的硕士课程会是非常好的跳板。往届学生中，有去NYU研究西班牙语电影文化的，有去UCLA研究电影和媒体艺术的，有去USC研究电影批评的.....在留学申请中，关于选择艺术类院校还是综合类大学，还是建议大家从自身条件出发，综合判断。但无论大家申请哪一种类型的院校，作品集都是重中之重，5月已快接近尾声，大家的作品集进行到哪步啦？新片场影视留学背靠影视行业最大的创作人社区新片场，有着不可比拟的行业资源和经验。我们可以为大家提供“影视留学规划、文书申请、作品集辅导及短片拍摄”的一站式服务，详情点击>>>>「新片场影视留学」带你用作品打动世界我们的社群中就有详尽的院校信息和备考小Tips，欢迎大家加入到我们的免费学习社群中来。入群方式也非常简单，>>点这里

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冯枳力说，电影最棒的一点就是没有对与错，只看你所做出的决定是不是最适合你讲的故事。如果说“冲突”是故事线索发展的重要环节，那么从平面摄影到电影摄影，从纽约到加州，从SVA到查普曼，他的故事还算精彩。他觉得这世界上，再也没有比洛杉矶更好的学习电影的地方，要迎接的挑战就是要勇敢走出自己的圈子，去接触不一样的电影人。然后在机会降临到你身上之前准备好自己，也许走着走着花就开了。申请转学去查普曼1. 为什么转学到查普曼冯枳力于2017年秋季进入纽约视觉艺术学院SVA BFA Film Production专业学习。SVA给他的最大感觉就是很自由，给予了学生强大的权利。比如开学第一周，老师就把相机交到学生手上，直接用课上拍片的形式告诉学生什么是电影。拍片时，除了老师的特殊安排，学生可自由选择题材。学校也有足够好的器材，能满足学生大部份需求。关于在SVA的就读体验，大家可以参考之前SVA学长速畅的分享：在美国学了四年电影，我一路玩成了“野孩子”冯枳力认为在SVA学电影，是学习如何制作indie films，有机会尝试不同风格的影片，最终找到最适合自己的。而他对大学高年级阶段学习规划的预期是学习更接近好莱坞式的工业化流程，而查普曼是最佳选择。但是离开纽约 ，离开SVA，冯枳力有万般不舍， 所以，在查普曼申请转学的deadline的前15天才决定转学， 在接下来的一周内完成命题作品的构思和拍摄，文书的准备。查普曼的道奇电影学院始建于1996年，在短短的24年间，学校发展迅速，已经攀升到可以与NYU，USC等百年老校齐名的地位。其学术宗旨注重学习好莱坞式的工业化实践，将理论学习放在第二位， 是非常Hands on 的学院。查普曼也有许多知名校友， 如近年Netflix的热剧《怪奇物语》的导演Matt Duffer和Ross Duffer，这兄弟俩就是2007年从查普曼毕业的。2. 转学比申请有更大的难度与高中升本科相比，查普曼道奇电影学院对于转学生的要求更高：- 人数上的控制：每个小专业严控人数。所以每年录取的转学生人数是根据前一年退学人数制定的。- 专业上的要求：必须展示出前2年的专业学习成果和发展潜力对于转学生学校希望看到的是具有强大创意和独特叙事能力的申请人。申请者能坚持在自己感兴趣的领域持续创作，同时具有良好的学术背景，从而能顺利过渡到查普曼的课程。冯枳力认为转学成功的首要条件是成绩不能差，需要提供的成绩有：- 语言测试成绩（2年有效期内）：托福80；雅思6.5- 正式的大学成绩单- 正式的高中成绩单但更重要的是要展示你在目标专业及方向的现有水平和潜力，查普曼道奇学院近年来通常是要求命题文书和命题作品。具体需要的材料，大家可以参考以下补充资料：1. 个人陈述：500字以内，以你自身独特的经历、背景、价值观出发，证明你是适合该专业的候选人。2. 专业方向：150字以内，电影制作专业有摄影、剪辑、导演、美术设计和声音设计，这5个方向，说明你感兴趣和未来想要发展的方向。3. 写作样本：不超过1页纸，写下你或者你身边人发生的真实故事，展示你独特的叙事技巧。4. 视觉样本：两分钟以内的短片。在没有对白和配音的情况下，展现人物做出了一个艰难而戏剧性的决定。5. 创意简历：简历的篇幅不超过一页，重点突出 5-7 个你认为最能展示创意、审美和技术的作品。所幸，SVA和查普曼都是以分专业方向的模式来授课的。大一了解电影制作的各个职位，大二学校就要求大家选择自己感兴趣的方向发展。所以冯枳力很早就确定了将摄影作为专业方向。初选通过后，冯枳力又应要求与道奇的专业老师视频，交流了学习及创作心得，成为2019年秋季查普曼Film Production 专业11位转学生中的1个， 也是是唯一的中国大陆学生。在查普曼的就读体验1. 师资力量强大查普曼道奇电影学院的老师几乎都是一边拍片，一边在大学里授课的影视从业者，其中不乏业界名流，如《公主日记》的剪辑师，《爱情鸟的自救》的后期制片人等等。相当部份教授在道奇，USC和AFI同时任教。冯枳力所在的摄影方向的老师，最著名的是Bill Dill，是美国电影摄影师协会（ASC）大佬 , 也是AFI电影摄影专业的创始人之一。 Bill教授也时常邀请电影界精英来给学生们分享专业知识，比如Quasar Scinece的创始人，他的灯也是近年来在电影剧组里最常使用的LED灯，以及《小丑》的掌机 Geoff Haley等。另外有意思的课程是Industrial Insider。学校每周邀请如《一个明星的诞生》的制片人Bill Gerber, 《沉默的羔羊》制片人Edward Saxon等业内人士来开讲座，各专业的学生都可以参加。道奇学院在今年3月，迎来了一名新的院长Stephen Galloway ，他的另一个身份是Hollywood Reporter的总编辑。每年在Hollywood Reporter举办的Roundtable 就是由他组织的，到场的人有Martin Scorsese, Lulu Wang, Greta Gerwig, Todd Phillips 等等。期待在疫情结束后， Stephen院长能够带来更多的资源分享。2. 最顶级的电影学院配备冯枳力记得入学查普曼的第一天，学校的Tour领队就非常自豪地说查普曼拥有世界上最顶级的电影学院配备。查普曼一共拥有7个摄影棚，最大的有7000 sq ft （650 平方米）。其中的3个配备了最新的Fly System, 在做Overhead Rig的时候，不需要爬梯子，而是由头顶的Grid电动升降，在增加工作安全度的同时大大减少了调灯时间。因为在Soundstage里的所有灯，都能连接到一个DMX system，只需一个ipad上就能控制所有的灯光。这样配备的Soundstage只有好莱坞御用的几个摄影棚里才有。不过要是想在道奇的Soundstage里当crew，就必须得拿到一个Soundstage Certificate，才有资格在里面工作。道奇学院内还有一个7000 sq. ft 的工厂，里面有木材的切割工具等，还有一个Prop house。因为soundstage与工厂的存在，学校的摄影棚里不提供任何的布景，所有的布景都会由学生自己来设计，安装。冯枳力曾参与的组在摄影棚里搭建过一个科学实验室，一个飞船的内部，还有地铁的内部。道奇的摄影设备也是顶级的，从Arri Alexa 到Red Gemini 到F65/F55，甚至连Grip truck都有。不过需要注意的是学校会根据你的年级来分配应有的器材，所以在大三之前，估计是碰不到这些器材的。3. 规范化标准在道奇，每一部片子从立项、选题及剧组搭建， 学院都有相应的体系和流程，目标清晰分工明确。譬如导演在剧组里不能插手导演之外的任何工作。 - 大一：熟悉导演、摄影、剪辑、声音设计、美术设计的工作职责，以5人为小组拍一些小的作业。 - 大二：完成“3，2，1”的cycle拍摄作业。比起大一，会稍稍专业一点，并且更注重流程。所谓3，2，1就是3页剧本，2个人物，1个地点。 - 大三：cycle量级更大一些，要求完成一个专业项目。让导演与编剧，以及制片密切地合作，锻炼大家沟通及团队协作能力。通常要求3天内拍完。 - 大四：毕业作品无疑是最长，以及限制最少的一个项目，会给导演两个周末（周五，周六，周天）的时间拍摄。导演有选择自己写剧本，或者用别人的剧本权利。每一个在查普曼制作的片子在片头都必须播出查普曼的logo，这是因为从剧本研发，前期，拍摄，后期，都是在道奇老师监督下完成的。严格意义上来说，查普曼道奇学院就是你片子的制作方。去年有一个大三作业，因为是由真实事件改编，就涉及到一些法律纠纷。道奇还出面打官司，最终让这个片子顺利地拍摄。由此可见，道奇并不把学生拍出的片子，当学生作业而是当成作品，从一开始就高标准地要求完成各个作业，避免粗制滥造。查普曼对创作的影响1. 去探索更多的风格道奇电影学院偏重好莱坞的工业化的风格，商业气息浓厚，在本科电影制作专业，中国学生很少，其他亚裔也很少，非裔更少，导致作品难免题材单调，风格单一。而很多同学对一些冷门的实验电影，甚至像《重庆森林》这样的非常规叙事电影，都有点不欣赏。老师们也发现了这个问题，增加了实验电影课程以期扩展学生的视野，但是短期内应该很难看到成效。冯枳力认为无论你在哪个院校，最重要的一点就是坚信自己的风格，同时也开放着去实验；探索不一样的风格。《After Hour》是冯枳力导演的一部实验短片。创作灵感主要来自他很喜欢的摄影师Gregory Crewdson 和 画家Edward Hopper 。 他在这个短片里创造了一个独特的“世界观”，然后展示这些不同的片段，让观众自己去寻找属于他们自己的narrative。冯枳力导演短片剧照短片所有的场景都是晚上。他觉得只有在夜里，大家才能展现出自己最真实的模样，而这些时刻，是最intimate的。他用疏离，陌生，混乱的感觉建立了这部短片的叙事感。2. 团队协作的重要性虽然像其他学校一样会教学生如何认识灯光，如何拍摄一个场景，但查普曼道奇更注重让学生明确职位划分，如何确保自己和组员的安全，提高沟通及团队协作能力。电影从来不是一个人的独角戏，只有组员们通力协作，才能有效率地完成。在筹备时， 主要成员要有充分沟通，了解编剧和导演的创作初衷，是经历了什么才有讲这个故事的冲动。 前期准备要顾及所有细节。在片场，最重要的事情是核心组员的想法一致。作为灵魂人物导演必须明确并传达他的想法。身为摄影指导，冯枳力很依赖视觉上的同步。比如他会经常给灯光，导演看一些电影的截图或者片段，给他们一些视觉参考。冯枳力做摄影指导的短片在查普曼道奇学习后，冯枳力对摄影指导的职责有了新的想法。以前他觉得自己唯一需要做的就是把画面拍得好看，但在多个剧组工作后，他意识到摄影指导（Director of Photograpy) 作为场上的第二个“director” ，要尽可能地帮导演解决问题，让导演能够专心地创作。因为当导演卡壳时，剧组停摆，几十个人都巴望着导演的时候，那才真的叫无助。关于未来，冯枳力希望自己能够多拍片，在实践中学习，累积了更多工作经验之后再去读研继续进修。只有多看多经历才能成长，平时他也经常去ASC的网站，看大师的访谈，向他们学习。冯枳力的作品混剪关于给准留学生的建议，冯枳力还是希望大家能多看电影，提高对电影的认知度，比如自己喜欢什么电影，为什么喜欢他们，以获得更多灵感。在申请前需要多了解一下学校及老师的风格。我们的社群中就有详尽的院校信息和备考小Tips，欢迎大家加入到我们的免费学习社群中来。入群方式也非常简单，>>点这里

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“兴趣才是我选择电影专业的根本原因”，速畅说。无论是选择影视专业还是出国读书，在兴趣的指引下，这些足矣引起命运风起云涌的抉择，也就瞬间能变得顺理成章，云淡风轻了。最开始速畅的兴趣点还在平面摄影上，直到高中时参加了Emmanuel Benbihy（曾制作纽约我爱你、巴黎我爱你系列）在上海举办的学生微电影集大赛，才让他真正确认自己对影视的兴趣。那是一段特别神奇和值得感恩的经历。大赛召集很多怀揣电影梦想的学生，与其他电影赛事不同，主办方为参赛的学生们提供了电影制作流程的培训，带着他们按照标准的流程走过了前期、拍摄、后期的制作。速畅对于电影创作的热情被这场活动点燃了，此后他和他的小伙伴就一直是学校视频制作的主力。时至今日，在速畅看来，在上大学之前，兴趣远比专业更重要，只要带着自己的热爱跟着课程走，很快就能学到很多专业知识。作为学子，在母校SVA的体验1. SVA很自由纽约视觉艺术学院SVA电影系的官网上写着“Independence”是电影制作中最重要的词汇。这意味着你要保留个人独特的眼光，这意味着你有选择创作的权利，这意味着你能用毕生去追寻你所爱。SVA的整体氛围很自由，速畅听他那些在北美其他院校电影系就读的朋友抱怨过，有些学校对于学生的影片制作有很多规定限制，比如有的学校会对导演和组员的匹配有一些特别的规定，有的学校在申请许可、使用学校设备时，有很多的文件要提交。而SVA 就没有那么多规矩，给了他们很大的创作自由度，速畅表示这些年玩得跟“野孩子”似的，而你的电影有多好完全取决于你野心有多大。SVA的教授也都很洒脱，他们都是来自各处的电影工作者，比如有电影制片人、摄影师、作家、评论家、策展人、设计师。他们各有各的性格和态度，并没有被 SVA所约束。SVA的BFA Film教学体系，也更偏向于鼓励学生选择自己热爱和擅长的领域，只有大一的课程是大家相同的电影理论基础教育，从大二开始你就可以专攻导演、编剧、摄影、剪辑或声音方向。2. SVA很好玩速畅选择的就是摄影方向，在SVA，需要同学们共同致力于彼此的项目，所以你需要和其他专业同学“玩”在一起，摄影专业的学生，一个学期中也像拍摄电影时的“前期、制作、后期”一样，分为三种生活节奏：- 刚开学的一个多月是比较清闲的，除去课业以外有足够的时间多看点电影，额外找一些网上的课程拓展知识，可以说是为即将到来的拍摄做准备。- 学期中后期，就没有周末的概念了，充斥了勘景和拍摄。当导演专业的同学们慢慢准备起来之后，会有各种组来找他们去做大助、灯光、摄影等等职位。- 到接近期末的那两三个礼拜，因为速畅除去摄影还做后期调色，所以也不能闲着，基本那几周他就宅在家里一个个忙项目。当然除了课下做项目，SVA的课堂才是精彩纷呈。除去课上摄影、灯光的训练之外，更有意思的是摄影课的教授总能带给同学们很多意外的惊喜：- 邀请朋友讲课，比如卡波特 (Capote, 2005) 和别让我走 (Never Let Me Go, 2010) 的 DP, 蓝丝绒 (Blue Velvet, 1986) 和地球之夜 (Night on Earth, 1991) 的 DP，听他们传授创作的经验，吐槽导演，早课再困也给精神住了。- 测评各大厂商新机器，课上也会有 Panasonic 或者 Rosco 的人来宣讲他们新的摄影机或者灯具。也可以 去 ARRI，Panavision，Technicolor 或者当地的各大租赁公司学习。- 大咖的现场讲座，前两个月老师还给了他们去工会成员开放的现场听斯托拉罗(Vittorio Storaro)讲座的机会。除了这些能开阔眼界的课程活动，在SVA还有一门实验电影课可以说是速畅的创作灵感来源。一开始他对于这些陌生的电影并不能很理解或欣赏。但通过老师剖析，加上新颖的观影体验，每每都能让他受到启发，做作业时写着写着也能自己发现电影语言的新理解，并在以后的创作上得以运用。3. SVA很负责受到疫情的影响，所有学校都转上网课了，为了帮助学生顺利过渡到远程学习的节奏中来，SVA提供了一系列LinkedIn学习视频，给学生和职员免费观看。虽然电影专业在学习体验上损失还是算比较大的。但仍然有很多老师非常努力地想要让课程的丰富程度不输平日。比如速畅摄影课的老师时常邀请一些 ASC 成员，来传授经验、分析作品并点评学生作业。有时老师也会让他们挑选一些电影或绘画的场景来分析其中的摄影机位置、镜头、调度、运动、构图、灯光等。还有一个大家都关心的就是就业问题了。SVA的学生是有不少实习的机会的，因为很多教授都是现役/曾经的电影工作者，可以把学生介绍到各种公司实习。除此之外，学校有为学生介绍电影行业以及就业的课程（Career Strategy），这堂课会来很多制片人、电影节的工作人员、导演、剪辑等等，你能想到的电影行业中各个岗位的前辈，都会来分享他们工作经历、传授求职经验、提供实习机会。速畅记得去年有段时间刚看完Robert Eggers 2019年的影片《灯塔》，上课时老师照例问大家最近看了什么电影。速畅就理所当然的就说了这部，没想到的是，过了五分钟该片的导演竟然走进了教室，速畅怎么也没想到他会是这节课的讲课嘉宾。作为学长，给予留学生的建议1. 选更适合的老师对速畅来说，最难攻克的就是灯光课程了。因为他对灯光的认识特别少，大一时通过老师的授课，感觉这世界上最亮的灯就是1k的钨丝灯了。但是做作业的时候却感觉怎么也达不到想要的效果，而且早期大家的作品普遍疯狂欠曝，心里就更加疑惑了。后来还听同学说有些曾经不是做摄影的老师告诉他们， 拍个片只要带 inky（200w 的 Fresnel 钨丝灯）就足够了。直到后来大二遇到了好老师，认识了更多不同的灯具和他们的质量，也懂得了束光的方式。再后来速畅现在的教授经常让他们模仿绘画和电影中的灯光，带着他们做产品光，才慢慢能够把作业控制到更接近自己想要的光线。所以如果你能一开始就能结交到同校的学长、学姐就最好了，让他们告知选哪个教授能够避免水课，就能少走弯路，学到更多东西。如果没有，那你可以去Rate My Professor网站上，查看教授的评分，作为选课的参考。2. 积累更多的拍摄经验作为新手摄影师，速畅在纽约拍摄过的场景类型很少，基本不是在日内客厅就是夜内卧室，实属单调。但在国内我们能够以更轻松的预算，接触到更有挑战性的场地。所以暑假也别闲着，多积累一些经验吧。去年夏天，速畅就在浙江拍摄了一位同学的毕业作品，那也是他第一次有机会真正的拍摄小规模的群戏和野外的夜外戏，在此之前因为没有机会接触，对于这类型的戏，内心一直有着恐惧，觉得会特别的难。这其实就是在尝试中遇到困难并解决困难的过程，虽说最终效果不能说完全满意。不过算开了一个好头，虽然曾经的我们会很笨拙，但有了这次的经验积累，下次再面对类似的情况的时候，速畅觉得自己必定会拿出更好的方案。3. 永远不要停止创新速畅觉得他最想给大家的一条建议就是不要停止创新。不管在哪个学校，课程系统如何，都应该保持热切创作的状态，并且积极拓宽视野。这也是他四年之后感到遗憾的一点，因为在SVA 的课程中，只有第一年的课程是任何方向都学的，从第二年起大家就只能专注于各自所选方向的课程了。也就是说他从第二年起就与剧本课、剪辑课、表演课、声音课等等课程绝缘了。最初是他觉得很兴奋，因为可以一门心思研究喜欢的摄影了，但是到现在才发现其实这样是不对的，能回想起来上一次正儿八经写剧本还是大一的时候了。SVA 的课程是很自由，但是自律才能带给你更大的自由。那些你不熟悉、甚至也不一定喜欢的课，其实会推动着你去进行一些广泛的创作，去开拓自己创造的眼光。不要因为过于注重技术上的学习，而缺失了创作的灵感。这个遗憾也会一直警醒速畅以后对于创作的态度。通过速畅的介绍，大家是不是对SVA的电影专业有了一个更清晰和全面的认知了呢！想要知道其他院校的学习体验，欢迎大家加入我们的免费学习社群，和学长、学姐近距离交流哦。未来我们将持续为大家提供更多院校信息，欢迎在后台留言或加入我们的交流社群！>>点这里

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与平面摄影相比，视频影像的魅力在于运动。通常影像运动由两个方面组成，一个是被摄物体的运动，另一个是摄影机的运动。今天，我们主要谈一下摄影机的运动，其运动方式有推、拉、摇、移、跟、晃动、手持、旋转和升降等。推拉运动推镜头往往用于影片的开场，交代场景，同时也可以突出人物的内心感受。画面一展示了完整的场景和人物动作。画面二中，在同样的场景和人物动作基础上，我们加入一个缓缓向前的推镜头，景别逐渐变小，观众视线随着摄影机运动不断推进而集中到人物脸上，这样更容易深入人物内心。这次，还是同样的表演，我们快速地推到人物的特写。这种快速推进往往能表现瞬间的情绪，如灵光乍现，恍然大悟等。接下来说一下拉镜头。拉镜头往往用于片尾，可以表达告别离开时的内心活动，也有揭示悬念和场景的作用。画面刚开始只展现了人物的近景，随着镜头慢慢拉远，观众可以看到更多的人物动作和环境信息。Tips：变焦镜头、轨道移动和后期缩放画面都能实现推拉镜头的效果。摇运动摇，顾名思义，摄影机机位不做位移运动，而是利用三脚架、云台可改变拍摄方向的功能，机身做上下左右方向的变化。拍摄视角类似人站着不动，只转动头部去观察物体，常用于拍摄搜索场景，引导观众视线或仅仅保持画面的运动感。摇镜头分为快摇和慢摇，可以很好地表现空间的统一，打破画框局限，交代空间内人与人，人与物的关系。快摇镜头是摇镜头的变种，又称甩镜头。摄影机以极快的速度转动，常作为两个镜头之间的过渡，中间的影像模糊不清，只能看清起辐和落辐。快摇镜头强调起辐和落辐画面间的内在关系，造成一种视觉上的冲击，有突然、令人惊异的表达效果。慢摇镜头是比较缓慢的摇镜头，当我们在小空间内拍摄时，在一定情境下，缓摇镜头具有抚摸感，有强烈的感情色彩。移运动移动镜头即为摄影机沿水平方向的移动而进行的拍摄，通常有两种情况，一种是人不动摄影机移动，另一种是人和摄影机都移动。移动镜头开拓了画面的造型空间，非常适合表现大场景，大纵深的画面。同时，移镜头也可用来展现狭小空间的多景物，多层次。移镜头还唤起了人物行走时的视觉体验，通过有强烈主观色彩的镜头，表现出更为自然生动的真实感和现场感。接下来结合画面为大家介绍3种移镜头。第一种，运动的起辐开始于画外，落辐终止于画框外。这种移镜头通常用来交代场景以及人物动作，在不同的几个场景内，用同样的镜头运动来形成排比句一样的片段。第二种，运动的起辐开始于画外，落辐终止于被摄物体。由于落辐停下来可以长时间拍摄人物动作，这样的移镜头除了展示场景和人物动作，还可以展开故事情节。第三种，运动的起辐开始于画内，落辐终止于被摄物体。这种移镜头通常用来揭示悬念。跟运动摄影机跟随被摄主体一起运动的拍摄镜头被称为跟镜头，具有较强的真实性。跟镜头中，被摄主体在画面的构图位置基本不变，这样不仅是为了构图好看，而且是让观众注意力能始终在被摄主体上。根据运动方向，跟拍的方式可以在运动物体一侧跟，完整展现被摄主体及另一侧平面内所包含的内容。也可以在运动物体身后或身前跟，这样形成很强穿越空间的感受，适合连续表现人物的动作、面部表情变化等。Tips：跟与移的主要区别有，跟是摄影机和被摄主体的的运动速度一致，而移镜头中两者的运动速度并不需要统一。晃运动晃动镜头指在拍摄过程中，机身产生前后左右的摇摆，在一定情境下，容易让观众产生不安的情绪。实现的方法多样，三脚架、手持摄影、肩扛摄影......我们先介绍一下如何利用三脚架实现轻微晃动。将三脚架的X轴和Y轴的云台都接近锁死；然后用手掌轻轻顶住三脚架的把手，做顺时针或逆时针的旋转。这样的小幅度转动就可以使画面轻微晃动，带来透气感。手持摄影摄影师手持摄影机或利用稳定器操作摄影机的拍摄方式都叫做手持摄影。这种方式适合复杂多变的场景，多使用在纪录片拍摄中。我们在不使用辅助器材进行手持拍摄时需要注意以下几点。首先拍摄时一定要建立正确的支撑。我们可以靠着灯柱、树、门框，尽量把全身的重量都压在支撑物上，这样能极大提高镜头的稳定性。然后拍摄时尽可能两腿跨开，降低重心。通常而言，镜头焦距越长，画面越难稳定。我们利用中长焦进行拍摄时还有一些注意事项。拍摄时尽可能用胳膊夹紧身体，以一只手的胳膊作为支点控制镜头运动；另一只手来控制画面对焦。拍摄运动画面时，要全身作为一个整体进行运动。旋转运动旋转镜头主要有3种拍摄方式。最基础的就是演员不动，摄影机绕着演员旋转，这样可以360°展现人物的情绪和动作，而且营造全世界围绕这个人转的感觉，塑造光辉伟大的形象。第二种拍摄方式是演员和摄影机沿着相同方向和速度旋转。这样的画面是演员不动，背后的景物在动，可以表现中二、欢乐的气氛。最后一种是演员和摄影机反方向旋转。因为各自有一定的旋转速度，再加上反方向旋转，视觉上看人物的旋转速度更快了。这样可以表现特别恐慌、紧张、精神恍惚等不好的状态。旋转镜头也有几个缺点：1、对演员长相要求相对高，最好360°无死角。2、拍摄时需要清场，费时费力。升降运动升降镜头就是借助拍摄设备，一边升降一边拍摄，可以用来展示被摄主体的各个局部或场景的规模和氛围。值得注意的是，拍摄时升降的幅度要足够大，而且要保持一定的速度和律动感。以上就是一些基础的镜头运动方式，但在实际拍摄过程中，我们可以通过灯光的加持增加画面的动感，也可以组合使用镜头运动。在掌握这些摄影原理后，摄影师更重要的是在实际拍摄中合理运用镜头运动方式，通过画面传达出不同的情绪。在线下实训《电商短视频广告实用课》中，除了实操训练基础的镜头运动，你会学到如何利用光影变化提高影像质感，如何利用有限成本制作出高品质短片。电商广告课年度花絮而在线下实训《影视摄影灯光实战进阶课》，在行业顶级设备和专业团队的助力下，你会进阶学习不同场景的气氛营造，如何利用镜头讲述故事，如何设计个性的画面。摄影灯光课学员作品混剪新片场学院线下实训，持续报名中......扫码咨询

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