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  • 用好这6大剪辑法则和混音秘籍,你的作品还怕没人看吗?

    生在数码时代的我们,在电影制作过程中是极其幸运的。为什么这么说?因为通过各种数字软件,和前人们做好的“预设”模板,我们甚至可以在很短的时间内,一键完成转场、调色、混音、抠像等复杂的工作。你只需要简单地拖拽一下,然后松开鼠标,就可以大胆尝试并即时预览到各种画面和声音特效。但是如果你生在上世纪70年代,这一切又是如何实现的呢?从胶片时代转向数码时代,下面这位大师绝对有资格跟你揭秘剪辑中的各种特效设计和声音效果是如何实现的。就是他——沃尔特·默奇(Walter Murch)。曾经为弗朗西斯·科波拉、乔治·卢卡斯等顶尖大师做过御用剪辑师的沃尔特·默奇,50多年杰出的电影职业生涯可以说是绝对剪辑领域的大师。他曾经9次被奥斯卡提名,并3次获奖,凭借《现代启示录》获得的最佳音效奖、凭借《英国病人》的声音设计和如诗一般的电影剪辑塑造,而史无前例地一人独得最佳剪辑和最佳声音设计两项奥斯卡奖。他也是第一位通过非线性剪辑(在Avid系统上完成的)获得奥斯卡最佳剪辑奖的人(之前获奖的都是用胶片剪辑的)。此外《教父》2&3,《天才雷普利》,《雨人》 等等,都是由他的黄金剪刀手一手打造。这位大师还干了一件改革电影工业的大事。从电影《冷山》开始,默奇开始使用苹果出品的电影剪辑软件Final Cut Pro进行电影剪辑,而那个时候,使用数码软件进行剪辑,被好莱坞从业者们视为低成本和“ 业余” 的。是默奇的坚持,才让这款软件被成功引进到好莱坞,而且直接影响和推动了全世界低成本独立电影的制作。有趣的是,默奇至今仍然保持使用旧式剪辑机那样的站立工作姿势,因为他认为电影剪辑是一种全身的舞蹈,“坐着是无法跳舞的”。今天,我们就结合大师以往的一些专访和书籍著作,为大家分享他的剪辑和声音设计经验,下面就是超级干货的内容啦!(建议先收藏再好好阅读)01 默奇的六大剪辑法则 电影究竟「应该在何处剪辑?」几乎没有哪位剪辑师像默奇一样严肃的思考过这个问题,他创立了一套按优先程度排列的等级体系,用来指导剪辑师「在何时何处将一个画面转向另一个」,正如默奇在他的著作《眨眼之间》中写道:“对我来说,一次完美的剪辑必须同时满足以下6项准则”:A.情感(51%)B.故事(23%)C.节奏(10%)D.视线跟踪(7%)E.二维画面特性(5%)F.三维空间连贯性(4%)而按此顺序排列的剪辑优先级,可以被当做你剪辑的一种模式或是剪辑计划以确保你电影的卖座。A.情感这种剪辑手法在影片中如何在特殊时刻影响观众的情绪?讲述故事所包含的情感是剪辑最重要的一部分。我们没剪一处,我们需要考虑它是否符合真实的故事情感。问问自己,它是削弱了还是加强了故事的情感?考虑清楚你的剪辑是否让观众从故事的情感氛围中抽离出来。默奇认为,情感是你该不惜一切代价去保留的东西。“你想让观众感知到什么?在观影时,如果观众从头到尾都能感觉到你所想表达的感觉,你所做的一切就都值得了。他们最终记住的不是剪辑手法,也不是摄影技巧,也不是表演,甚至没有故事,而是情感,是他们的感受”。B.故事剪辑是否推动了故事情节的发展?你每一次剪切都需要推动你的故事发展。不要让剪辑成为情节发展的阻碍,所有的次要情节都尽可能的减少,如果这个场景没有推动故事的发展就应该削减它。记住福克纳的话:“不能妇人之仁,该删就删”(他在谈论写作,但这确实也很适用于电影制作)。如果故事情节毫无发展,那么你的观众会感觉困窘心生疲倦。C.节奏你所剪切的这个点是否能让你的影片有节奏感?好比音乐,剪辑师的心里必须有节拍,要把握好节奏。时间就是一切。“它发生在一个有趣的富有节奏的并且是对的时刻。”如果节奏是关闭的,你的剪辑就会显得很松散,混乱的剪辑会让观众心生反感。尽量让剪辑保持紧凑而有趣。前三强:情感,故事,节奏 ,必不可少。“在实践中,你会发现这三项是紧密相连的,并且它们发挥的最用也非常之大D.视线跟踪剪辑如何影响观众对电影的场景和人物的运行的注意力?你要明白你想让观众把焦点放在哪里,并按照这个来剪辑。匹配框架形状或符号,剪辑时使用了符号的重复,从一个旋转的吊扇到直升机。将屏幕分成四个象限,并尽量保持只在某一象限运动。举例来说,如果你的人物所从左上象限开始延伸,他如果向右下象限,那么观众的注意力自然也会集中到右下象限。(如图)同时动作也尽量发生在这一象限,这能让剪辑更具连贯性。E.二维画面特性是否越轴?当然要做到尽量不要越轴。这将保证动作的正确运动路径以及运动的连续性。再看着你的象限,确保沿着相同的路径运动。这和上面那个画面的运动方向是相反的,会让观众产生空间错乱,这就是越轴。F.三维空间连贯性剪辑是否建立了正确的空间关系?在剪辑中要确保画面沿着轴线运动(即图中180的方向) 此规则应始终坚持,除非你有意打破它。对于二维和三维空间特性的不同,默奇也给出了解释:二维只是180度法则-由将三维现实(生活)转换为屏幕的二维而产生的问题。当你开始研究电影时,你必须让你的大脑做一些奇怪的事情,因为我们生活在一个三维世界里,但是我们并没有完全意识到这一点,因为可以说,我们总是通过自己的“相机”来观察。但是当涉及到双人特写对话场景时,然后切到一个与之相反的180度角,你所做的就是把一个三维现实压缩成二维。我们刚刚制定了一些规则,在很大程度上,我们遵循这些规则,使这两个人看起来像是在看着对方。02声音设计及Worldizing 通过默奇的六大剪辑法则,我们了解到,“情感”在影片的观影体验和剪辑中,是最为重要的元素,那么通过什么方式来影响电影传递的情感?就是声音。默奇在《现代启示录》的声音创作过程中创造了Sound Design(声音设计)这一概念,将电影声音从一种从属的、配合性的地位提升到了独具艺术表现力量的高度。他还发明了一个做电影混响的专业术语——Worldizing。简单来说,可以把它理解为“音效场景化”。默奇具体是怎样通过声音和这个“Worldizing”来影响电影传递情绪与情感的。下面我们通过一个小短片来深入了解一下:默奇说:“我爱声音或音效中的回声,混响和环境音。它会告诉观众所处的空间,对于每一个从事声音工作的人来说,我们都爱有混响质感的东西。因为一开始在工作室中录制的声音是很“干”的,接着你可以在这个干声音周围创造一种模糊的“球状物”,这样就会令人感到你可能置身于一间浴室或一个圆形露天竞技场或者是一个山洞。而如今,你有数字化的混响设备,只需要按按钮就可以做到,因为它的编程可以创造出无限种类的回声。”举个栗子,在《现代启示录》这部经典作品中,默奇是最后一位加入剪辑团队的。科波拉要求默奇为影片的第一部分做剪辑,原则是让影片随着情节的发展逐渐变得奇特。而“具有讽刺意味的是,很多人认为开头部分是整部剧中最疯狂的一部分”。实际上,影片著名的开场片段是一系列缓慢而错综复杂的幻觉消解的过程,并呈现出噩梦般的丛林汽油炸弹事件,同时将身处西贡的酒店房间里的那位饱受折磨的梦想者韦勒上尉推到镜头前。而默齐为其所配的音乐和交织层叠的画面一样错综复杂,直升机螺旋桨的呼啸声和风扇的旋转声混杂在一起,伴随着乐队的《The End》渲染出的置身战场和被酒精麻醉的幻觉。韦勒上尉经历心理折磨的开场片段在拍摄时指示韦勒让演员进入角色而做的热身练习,最开始并没有计划将这段上映。但是科波拉发现这段素材实在是太引人入胜,无法割舍,而默奇为他找到了整合进影片开场的办法。03大师专访实录,实用经验分享 Q:什么才是真正的观影体验?A:如果有人能够准确地回答这个问题,那么他们成立的电影公司一定会赚大钱,每一部电影要花费一两年的时间来制作,而在这一两年间世界会有变化。电影制作过程中必须兼顾这些变化。电影被称为动画(Motion Picture),当然它也可以叫做情画(Emotion Picture)。情感是电影中潜在的内涵。在我剪辑的六大法则中,情感是第一位的。但情感和观影体验一样是一个捉摸不定的东西。当剪辑的时候,剪辑师通常是从三维空间开始,然后结合情感和故事,然后是背景音乐和音效。创造情感体验最好的办法定义角色。你必须进入电影角色的情感世界,感受他们在银幕上的定位,让每一个观众接受这个角色。了解角色是一个剪辑师创造情感的最重要方法。Q:在特定的场景下,您都是如何处理剪辑的?A:剪辑师就好像裁缝一样,当你第一次把电影场景组合在一起,你的工作就好像给那些电影里的角色设计裙子或者西服一样。当你完成了初剪以后,我的工作方式是把音效关掉,坐下来重新审视这段剪辑,就好像我在欣赏哑剧一样。剪辑不仅要注意角色的肢体语言和眼神,还要思考在没有对白的前提下电影剪辑能否和电影故事的有机结合。之后我会记录下我观看初检的想法,并重新对剪辑精简,让场景所传递出的故事和情感清晰明了。最后我会把音效打开聆听角色的对白,这样你就会对场景中有对白和没对白的两种状况的对比一目了然。Q:在您读剧本的时候会不会在脑海中先预剪一遍?作为一个剪辑师,您能否在没有任何素材的情况下有所构想?A:当然,我给自己的一项工作就是在脑中预演一遍影片。我坐在一个秒表前,然后尽我所能地去想象剧本中的影像。我并不知道影片在哪里拍摄,因为有时连导演也没有决定好。我并不知道演员究竟怎么表演,因为有的时候连导演也没有决定好。所以我只是在我掌握的信息的基础之上,简单地在脑中过一遍影像。Q:从胶片到数字,剪辑师的工作有什么变化?A:五年以内电影拍摄将从4K时代过渡到8K时代,并且以后12K或者24K也不是没有可能。每一个K的增加对电影剪辑师来说都意味着更大的挑战和更多的工作量。电影剪辑师的挑战来源于电影拍摄技术的革新所带来的艺术创作压力,电影剪辑必须学习更多的新知识以应对这种艺术挑战,过去的老的剪辑概念和逻辑将不再适应于新技术拍摄的电影。Q:您在《剪辑之道》中说:“首先,你必须对技巧有直觉。对我来说,开始于‘观众在关注什么?他们的想法?以及他们的感受。’”所以,你觉得剪辑师只假装成观众够吗?你只是观众的代理人吗?A:你接收的信息远比观众多。理想情况下,我认为你试图为观众创造的是一种持续的似曾相识的体验。如果你曾经经历过这样的事情,你会有一种不可思议的感觉:你不知道接下来会发生什么,但当它真的发生时,你会觉得,“是的,那正是发生过的事情。”所以观众不应该知道这部电影的走向。他们应该感到惊讶,但随着事态的发展,他们应该感到,“哦,剧情确实应该如此。”但你不能提前问他们,因为他们不知道。我们剪辑师知道,所以我们总是比他们领先一步,把他们引向更深入的故事。我们试图创造一系列不言而喻的惊喜。Q:你还说,“影片中响起的音乐,相当于带有情感的切换镜头。”你怎么看待它起了切换镜头的作用的?A:切换镜头是让你从不同角度看某个时刻。举个例子,一个广角镜头或者其他人的反应。甚至是人物行走的风景。当音乐出现时,它也给观众一个不同的视角来看待他们所看到的。在星球大战中,卢克的姑姑和叔叔去世后,卢克站在那里看着塔图因的两个太阳。这是一个完全可以理解的时刻。但当音乐出现时,它传达了更深远的含义。这是在暗示一个年轻人的命运即将发生重大变化。两个太阳给这一幕增添了一种异域风情,提醒着我们这不是在地球的沙漠上,而是在遥远的星系。(专访内容整理自外网资料)正如采访中提到的,直到今天,很多电影制作人都受到了默奇著作的深远影响,《寄生虫》的剪辑师杨劲莫就说过,“每当我陷入困境时,我就会打开《剪辑之道》这本书。我真的会告诉所有的剪辑师,都应该读他的书。”默奇这个老古董,从胶片时代走来,又经历了Avid系统,最终又到了今天我们同样的在用的Final Cut 和 Premiere平台。他的人虽然老了,但他留下的电影剪辑和声音魔法的魅力和思想依然年轻。“我们能接受剪辑,因为它跟我们做梦时图像的并置方式是一样的,剪辑师的任务,是不断提供另外的选择作为诱饵,来引导那些沉睡的梦境奋起自卫,从而更完全地展现自身。” ——沃尔特·默奇

  • 【巨匠】从《007》到《1917》,萨姆·门德斯是怎样讲故事的?

    【巨匠】至心至情,匠心独运第92届奥斯卡颁奖有点冷,接连在金球奖、英国电影学院奖等“前哨站”中夺魁的《1917》,最终只收获了最佳摄影、最佳视觉效果、最佳音响效果三个奖项,奉俊昊导演的《寄生虫》则爆冷拿下了最佳原创剧本、最佳导演与最佳电影等大奖。从金球奖以黑马之姿力压热门《小丑》夺奖开始,在奥斯卡被黑马《寄生虫》“终结”,仅从颁奖季看,《1917》的经历也是个好故事。虽然未能如愿获得最佳影片,但用艺术的表达诠释战争,将电影技术发挥到极致,《1917》还是获得了业内和观众的认可。残酷又浪漫的《1917》《1917》的故事灵感,来自于门德斯祖父的记忆,因给有真实故事作参考,《1917》自然要在真实感上发力。但对于深谙影像表达的门德斯而言,在故事之外,用技术加强电影的真实感也在导演的考虑范围内。最终,记录连续时空、连续事态,让故事更具真实性,更能带动情绪的长镜头成为了门德斯的选择,而将战争电影一镜到底的呈现方式,似乎要颠覆大多数人的认知。门德斯表示:“这是一个激动人心的选择,电影必须有一种发自内心、身临其境的感觉。而采取一镜到底的制作方式便是尽可能让观众一同踏上旅程,与角色同步呼吸”决定了呈现方式,门德斯找来了摄影师罗杰·迪金斯为电影掌镜。迪金斯曾凭借《银翼杀手2049》拿下奥斯卡最佳摄影,《革命之路》《锅盖头》《007:大破天幕杀机》均由二人合作完成。有了迪金斯的帮助,《1917》顺利拍摄。但区分于《夺魂索》《俄罗斯方舟》《大空港2013》等其他伪一镜到底电影,战争题材的《1917》很少有室内场景,绝大多数是外景拍摄,只能用自然光,根本无法打光。门德斯表示,这是名副其实的“听天由命”。拍摄有困难在意料之内,而时间是最好的解决方法,最终在全剧组几个月的努力下,《1917》这部最具技术含量,却最“质朴”的电影完成生产。区分于炫技般的长镜头使用,《1917》为服务故事而存在的技术,为观影提供了沉浸式游戏的体验。观众失去了上帝视角,和两位士兵共进退,战争的残酷也从强烈的紧张感中迸发。虽然在将镜头拉近后,导演的叙事作用降低,电影缺乏矛盾冲突引发的明显高潮,群像人物的呈现也不够丰满和立体,但《1917》呼之欲出的真实感,足以弥补戏剧层面的不足。并且,别忘了门德斯捏合情感的独家秘技。如果说战争是残酷的,那《1917》则在残酷之外多出了一丝浪漫。在送信的过程中,斯科菲尔德与废墟里带着孩子的法国母亲相遇、湍急的水流中除了死尸还有飘零在水中的花瓣、无边的丛林里回荡着的家乡的歌谣......在绝望的战争深渊中,门德斯用诗意表达了残存的希望,就算野火烧尽,也在要春风吹来时开出希望的花。天才的萨姆·门德斯从《美国丽人》到《007》,再从《007》到《1917》,这位英国人似乎有讲好各种故事的魔力。而在神奇之外,如果用另一个词汇来形容门德斯,那一定是“天才”。1999年,在执导七年舞台剧之后,门德斯拍摄了首部故事长片《美国丽人》,电影聚焦美国中产阶级家庭,以黑色幽默的方式解构了虚伪外衣下的性欲、冷漠与虚荣。而纵贯始终的悲伤,也为电影增添了韵味。最终,影片不但取得了全球3.56亿美元的票房成绩,更在次年的第72届奥斯卡金像奖上获得最佳影片。电影首作斩获奥斯卡,门德斯天赋尽显,除了采用舞台剧式的表现方法展现莱斯特的内心世界以外,导演在景别上实现了叙事空间的电影化展现,从俯视全景下的破败与苍凉,到家庭内部的封闭空间,层次分明、错落有致的整体布景,带动了电影情绪的表达。如果说一名导演的巅峰是获得奥斯卡最佳导演的金杯,那34岁,首执导筒便拿下这一殊荣的门德斯,一定有着光明的未来。2002年,带着奥斯卡的光环,门德斯交出了犯罪片《毁灭之路》。虽然在荣誉上未能延续前作,但早在18年前,他便开始了对技术的探索。以电影中的光学原理为例,迈克走进房间开枪走人,观众只能从移动的镜像中窥见康尼的死状、迈克站在落地窗前看小麦克玩耍,枪声响起后,埋伏的杀手随着迈克倒地而被映出,以及康诺在枪杀迈克的妻子和小儿子后对着玻璃窗整理头发,镜像后小迈克将其认出,康诺却毫不知情等。通过虚实不定的光影来诱导观众,大大提升了电影的悬疑感。在此之外,门德斯又一次尝试将一个天平中的两个极端情感汇聚,热血的黑帮片中蕴含的温情,也提升了电影主题的讨论深度。之后几年,门德斯又尝试了战争片《锅盖头》、爱情片《革命之路》以及家庭喜剧电影《为子搬迁》等,直到2012年,急需改革的老牌谍战系列电影《007》找到了他,《007:大破天幕杀机》也应运而生。一接手这个超级IP,门德斯便进行了大刀阔斧的改革。首先,007系列的标志,存在了50年的传统“邦女郎”在新作中被剔除。其次是在故事上,门德斯拓宽思路,为邦德埋了一条精神分裂的暗线。在此,导演技法发挥了作用,借时代更迭的帽子,邦德因为任务失败被反派折磨到了精神病院,在邦德“飞越疯人院”后,其他人或主动或被动的参与到了邦德的内心戏中。而致敬《美丽心灵》的挖子弹情节、迷离的上海夜景以及最后邦德将内心斗争具象化的大决战,都是门德斯为观众留下的伏笔。商业元素之外,门德斯也希望通过镜头语言来表达时代的割裂。相比于前作,《天幕杀机》尽显柔和。邦德在游物体荧光里打斗的身影,更像是一场舞蹈,苏格兰黑夜里火光染红的树林,朦胧惆怅,而蓝色霓虹下,被折射成千百块的镜子,也将门德斯的浪漫表现的淋漓尽致。虽然在大框架下,《天幕杀机》并没有跳脱出传统的套路,但门德斯在细节上的尝试,还是将大时代改变后,邦德这个硬汉的困难与选择放在了观众面前。最终,以怀旧的方式来柔化新时代的棱角,成为了邦德与每个人可以慰藉的方式与唯一的选择。在《天幕杀机》获得成功后,2015年门德斯再度推出《007:幽灵党》,但不知是导演自愿回归传统,还是片方的要求,新作在故事上并无新意。不过回过头看,《幽灵党》开篇精彩的长镜头,或许就是导演的练兵,因为在007系列之后,门德斯的下一部电影便是《1917》。正因为门德斯在过往作品中的尝试与突破,无论在《美国丽人》《毁灭之路》《007:大破天幕杀机》还是现今的《1917》中,除去电影外在的叙述,门德斯都加了一层内在情感的抒发。出于对故事更多层面的思考,门德斯似乎能驾驭任何题材的电影。同时,对电影技术的探究也拓宽了门德斯的想象空间,从《毁灭之路》提升电影悬疑感的镜像镜头,到《1917》一镜到底的战争故事,在讲好故事之外,和观众取得互动,是有多年戏剧导演经验的门德斯,希望为电影产业带来的改变。因此虽然在第92届奥斯卡中《1917》未能获得最高奖项,但55岁的门德斯与他独特的叙事能力,一定会给观众带来更多新奇的观影体验。而现在,我们还是等到疫情结束后,走进IMAX影厅,体验门德斯塑造的“1917年”。

  • 女性摄影师对镜头语言的创造性探索

    在出演了一系列《变形金刚》以后,希亚·拉博夫获得了全世界的关注。然而成名以后的不检行为和出格举动让他的事业停滞不前,同时也牵扯出了他坎坷的童年经历。这也就是为什么,没有哪个角色比希亚·拉博夫在电影《宝贝男孩》中扮演的更接近剧本。因为这个故事是拉博夫在法院下令康复期间开始撰写的,是他根据个人经历创作的作品。在专横、酗酒、曾是竞技表演小丑的父亲的监督下,12岁的欧蒂斯·洛特(诺亚·尤佩饰)成为了一个儿童演员。然而22岁一场车祸过后,这位年轻的动作明星(卢卡斯·赫奇斯饰)来到了康复中心,被发现可能患有PTSD。故事线在12岁和22岁“虚构版本”的拉博夫之间来回切换,更令人惊奇的是,在电影中,希亚·拉博夫选择扮演他自己的父亲。希尔·拉博夫在《宝贝男孩》中扮演自己的父亲“这是种电影治疗方法,”《宝贝男孩》的摄影指导娜塔莎·布雷尔说,“没有什么比重现你生命中最激动人心的时刻更有力量的了。很多人把它们写进剧本或书里,但很少有人能把它们表演出来。你通常是在表演别人的创伤。”布雷尔是一位来自阿根廷的电影摄影师,代表作品有《霓虹恶魔》《沙海漂流人》《我是女生,也是男生》等。我们在《女性电影摄影师正在散发光芒》这篇文章中提到过她,《宝贝男孩》中的出色摄影让她获得了第34届ASC奖聚光灯单元的提名。纪录片和电影感的巧妙结合在看完纪录片《孟买海滩》后,拉博夫找到了导演阿尔玛·哈勒。这部关于美国西部的贫困以及男子气概的纪录片讲述了三个主题,其中包括一个患有躁郁症的男孩,他是一个酒鬼的孩子,就像导演自己一样。拉博夫与哈勒的会面促成了他们在《宝贝男孩》之前的几次合作,先是与冰岛乐队Sigur Rós合作了MV《Fjögur Píanó》,拉博夫在其中担任联合主演。随后他监制并资助了哈勒的作品《真·爱》,这是一部形式新颖的纪录片,在主角的故事中,演员扮演的是年轻的自己。“希亚真是聪明,把剧本交给了阿尔玛。”娜塔莎·布雷尔说道,“选择了合适的人,这就不仅仅是一个电影戏剧。这将是一种发自内心的体验,阿尔玛在纪录片《孟买海滩》中证明了她可以做到这一点。”作为一名摄影师和电影摄影师,阿尔玛·哈勒的视觉抒情打动了布雷尔。“我喜欢阿尔玛从情感、本能、原始的(视角)出发处理事情的方式,非常有诗意,和我非常相似。如果导演是有着更传统工作体系的人,我就不会拍这部电影,(因为我会认为)这里没有我可以做的事情。但是我知道,和我一起工作的这个人想要的是我最好的一面。”娜塔莎·布雷尔和导演阿尔玛·哈勒“阿尔玛联系我要拍《宝贝男孩》的时候,我还不知道她是谁。看了她的《孟买海滩》以后,我就被这个故事和她制作电影的方式深深打动了,这个选择完全是情感驱使的。除此以外,她自己操作摄影机,自己做所有的事情。她与人们的联系非常紧密,她对人们的描述都是发自内心的。我感觉她做的每个决定都是完全凭直觉的。所以,我立刻就变得兴奋起来。然后当然,她告诉我,这是希亚在康复中心写的剧本。所以后来我得知,这部电影是某种电影治疗过程。我的父母都是心理学家,所以心理治疗、康复过程和治愈恢复也是我生活中非常重要的一部分。我觉得把这两种工具(电影和心理治疗)结合起来的想法很有意思。当阿尔玛告诉我,希亚不仅写了剧本,而且还要在电影中扮演他的父亲,我对此也非常感兴趣。作为一个方法派演员,他要在电影中扮演那个在他的童年和生活中制造了一切创伤的人。我说:‘哇,这将是一段非常棒的旅程。’”在19天内拍摄一部小成本电影已经够难的了,布雷尔还面临着一个额外的挑战,就是要把电影照明技术运用到纪录片的拍摄风格中,这是拉博夫即兴创作的需要。除此以外,许多场景都涉及到一个儿童演员,扮演12岁欧蒂斯的诺亚·尤佩。所以他们必须做好一切准备。“我们面临的挑战是尝试以最真实、不受操纵的纪录片拍摄方式来捕捉希亚和小男孩之间的关系,同时让它在视觉上具有电影感。”布雷尔还补充说,这部电影主要使用手持和斯坦尼康拍摄。“你如何在不影响每个场景的灯光和氛围的同时,让演员和摄影机自由地移动?通常情况下,你必须做出选择。阿尔玛想要纯粹和自由,但是她也想要富有表现力的电影照明。挑战在于两者兼得。为此,我们必须设计一套非常具体的系统。”光线无线控制系统“我不想做360度的平面照明,这样你在任何方向都可以看到面部,有些要求演员即兴表演的导演就会这么做。我知道阿尔玛想在灯光中表达情感,又不想让灯光显得平淡。所以我对所有的灯都进行无线控制。房间里所有的实用照明都是无线LED灯。我坐在监视器旁边,通过耳麦指导掌机,监视器上有一组调光板。我可以根据演员的位置来远程调节灯光的亮暗。你知道吗,我们会试着进入希亚的大脑,了解即将发生什么,然后准备一些选项。他会走进房间,有时会有排练,有时他会进来说‘好吧,我们开始吧’,不管是什么情况,不管是排练还是第一次拍摄,我都会注视着发生的一切,指导我的掌机,同时控制灯光。如果他靠着墙站,我就会选择一个实用光源作为主光,把其他灯光调暗。这真的很有挑战性,因为你每时每刻都要做出决定。”布雷尔使用的照明设备包括ARRI S60-C和S30-C Skypanel、Astera AX1 PixelTube、Digital Sputnik的DS3装置和Voyager灯管以及各种LIFX灯泡,所有这些都是通过Luminair应用程序搭配RatPac AKS Plus调光器来控制的。此外,布雷尔还在摄影机上安装了LED灯,将其放置在画面框线以外,这样她就可以“施展魔法”了。其中包括“Chorizo”和“Julianne Moore”,每个定制的LED单元都由RGB/日光/钨丝LiteGear LiteRibbon和LiteStix组合而成。“Chorizo”有6英寸和12英寸两种尺寸,“Julianne Moore”最初是为《葛洛莉亚·贝尔》设计的(朱利安·摩尔是这部电影的主演),它被放在一个11英寸x4英寸的柔光箱里。“每个单元都有一根电缆连接到无线调光器和摄影机电池上,”灯光师鲍比·沃瑟斯彭解释道,“它们会向娜塔莎的调光台发送一个信号。”“如果演员在即兴表演时走到了非常黑的地方,我们会调亮‘Julianne Moore’,在他们的眼睛里制造闪光,”布雷尔说,“所以我可以保证,不管我们的场景有多黑暗,我们都能看到他们的眼睛。”考虑到这部电影的预算有限,摄制组改变拍摄地点的能力也有限。不过,他们还是设法把加州太阳谷粉红汽车旅馆的内饰从火烈鸟粉色变成了深蓝色。“非常幸运的是,我们可以改变颜色,去掉粉色,让它更男性化。我们从竞技表演的海报中获得了视觉参考,所以是受到那个色板的启发。我们下意识地想要唤起那个世界,那个(希亚的)父亲曾经辉煌的过去,那个他曾经成功的时代,那是他的身份。想找到一家地理位置合适的酒店非常困难,当我们找到那个地方的时候,除了粉红色,一切都很完美。它有阿尔玛非常感兴趣的梦幻感。到了晚上,我们可以用霓虹招牌为这个空间增添一点色彩,让它变得更加梦幻。”为了给汽车旅馆的室内照明,沃瑟斯彭说,“我们准备了很多实用光源,比如把Astera灯管藏在角落里,把LIFX灯泡装在固定装置里。白天我们会在浴室的窗户外面装一个6K Par灯。进入夜晚模式以后,我们会使用ARRI SkyPanel,这样可以控制颜色和亮度。”布雷尔补充说,“我们和美术指导共同合作,替换掉了传统的灯泡或灯管,所以汽车旅馆里所有的实用光源都是由调光器控制的LED灯。大部分的“灯光DJ”都是用拍摄现场的实用光源完成的(这些光源在画面里是可见的)。电影照明被用来模拟窗外的室外光线,但是主要的光源还是像“电视机光”这样的实用光源。通常情况下,掌机马蒂亚斯·梅萨会和演员们待在房间里,布雷尔则是坐在他们称之为“漩涡”的黑色帐篷里,用DMX-IT调光台控制灯光。布雷尔现在在每项工作里都会使用这种调光台。灯光师沃瑟斯彭和他的团队会坐在她旁边,操作Luminair应用程序,“我可以盯着监视器,马克·法尼负责控制灯光以及设置亮度,而娜塔莎则是控制她的‘Chorizo’和‘Julianne Moore’。”布雷尔还补充道,“在‘漩涡’里,我身边总有一个电工,手里拿着好几个调光器或者iPad,这样我自己会调一些,然后告诉他怎么去调其他的。”比如,如果拉博夫从窗户旁边开始表演,然后移动到一个更暗的地方,“我会随着他的移动慢慢调整,尽量不让它(光线变化)被注意到。无论他走到哪里,都会获得有意思的照明。”这个系统是很方便的选择,因为即使是特写镜头,布雷尔也不能停下来调整灯光,这部作品会优先考虑在开拍以后不再干扰演员。《宝贝男孩》拍摄现场(掌机马蒂亚斯·梅萨是位“斯坦尼康大师”)“我们喜欢变形镜头!”电影在洛杉矶拍摄完成,摄制组带了两台ARRI Alexa Mini摄影机,拍摄格式是ArriRaw,录制到CFast 2.0卡。虽然大部分都是单机位拍摄,但是只要拉博夫和尤佩在一起,两个摄影机就会同时切换。在不使用调光器的时候,比如拍摄日外景戏,布雷尔就会操作B机。其他时候,哈勒或者掌机瓦伦丁·马弗尔会负责操作B机。摄制组使用了变形镜头,宽高比为2.39:1。“我爱上了变形,”布雷尔说,“它可以打破数字摄影机的完美感和锐利感,使画面更有机、更有电影感。而且你会获得镜头畸变,那里有些神奇的事情正在发生。”为了模拟怀旧的感觉,布雷尔选择了JDC Cooke Xtal Xpres变形镜头。“每一部电影我都会测试很多镜头,最后我总是选择同一套由英国著名电影摄影师和发明家乔·丹顿制作的Xtal Xpres镜头。这些是他几十年前的宝贝了,我在《霓虹恶魔》和《葛洛莉亚·贝尔》中都用过。里面是一套非常古老的Cooke S2和S3镜头,变形元件由日本制造。它们的质感超级柔和,让人想到记忆的感觉。”使用全套Xtal Xpres镜头进行拍摄,布雷尔的主力是广角40mm T2.3镜头。“我还买了一个专门为迈克尔·西米诺设计的30mm T2.8镜头,这个镜头很神奇也很极端。我们只在卢卡斯(成年欧蒂斯)失去理智,以及希亚去脱衣舞俱乐部里吸食海X因的几个镜头里用了它。”娜塔莎·布雷尔在《宝贝男孩》拍摄现场“最初,电影是按时间顺序排列的,你会先看到童年部分,然后跳到电影开头的《变形金刚》场景。从那以后,你看到的就是卢卡斯(成年欧蒂斯)。我们讨论了不同的方案,测试了不同的镜头,决定对童年部分使用球面镜头,对成年部分使用变形镜头。从美学层面上讲,这对童年场景很有意义(我们如何让这些角色在一个画面中相互作用)。在实用性上也是如此,因为我们在旅馆部分有很多夜景戏份,但是没有很多的灯光预算,所以我们必须把光圈开得更大。我们认为旅馆里的手持拍摄会和希亚一起变得疯狂,因此我们需要近距离对焦,以及比变形镜头所需要的更灵活更实用的方法。所以我们做了这个决定。然后,我们开始用变形镜头拍摄卢卡斯,当然,阿尔玛爱上了它们。我在《葛洛莉亚·贝尔》和《霓虹恶魔》里也使用了同样的镜头,它们非常漂亮。到了开始拍摄希亚和诺亚的时候,我们不得不更换镜头,换上镜头以后,魔力就不见了。我们当时就‘哦我们不想用不同的镜头!我们喜欢变形镜头!’所以我跟制片人说,我需要为室外场景和汽车旅馆增加一些额外的照明,因为我需要比现在多四倍的光线。但是我想我能让它满足其他场景的需求。他们表示理解说好吧,我们就这么做吧。当我们开始拍摄童年部分,你就知道它是怎样的:无论你在拍摄前的十年里想了多少东西,你都不知道你的电影会是怎样的。只有当你开始拍摄的时候,电影的灵魂才会出现,就像是它自己的东西,对吧?所以当我们开始拍希亚和诺亚的时候,我们才真正开始看这部电影。我认为这些场景真的是这部电影的核心。卢卡斯(处理)所有这些事情的后果。开始(拍摄童年场景)时,我们立刻产生怀疑,阿尔玛和我认为在剪辑的时候,她会把所有的东西都分开,不再按时间顺序排列。所以使用同样的镜头成了一个很好的选择。就在那时,我们意识到了这个故事的美妙之处。这就像是治疗,当他们和你说到成年的自我,和你必须照顾的这个小孩。在某种程度上,这部电影现在是为我剪辑的,这样小孩和大人就可以同时存在了。成年人试图以更好的方式生活,接受自己的童年。而这个孩子就在那里,和成年人一样活着,他永远都会在那里。我们都同时生活在这些平行的现实中,我们是谁,生活里发生了什么。我认为所有画面都有相同的纹理是很棒的事情,你不需要在过去和现在之间制造一个清晰的过渡,来告诉观众‘嘿现在是第二套画面纹理,只是为了让你更容易区分。’所以我尝试在灯光上也这么处理,根据场景的需要使用不同的灯光,而不是为了把孩子和大人的部分分开。”DIT部门的埃内斯托·乔文和布雷尔找到纽约Color Collective公司的调色师亚历克斯·比克尔合作,创作了一个以柯达200 ASA胶片为原型的LUT,它柔化了脚趾和肩膀的曲线,同时略微降低了色彩的饱和度。“我想要这种怀旧的色调,就像潜意识里的记忆,”布雷尔说,“整部电影都是看着监视器上的LUT拍的,所以亚历克斯在调色的时候就不用再做什么。通过使用LUT,他看到的和我们在片场看到的一模一样,因为这是他自己的色彩科学。在还没调色以前,电影的画面风格已经百分百确定了,所以我们可以利用这段时间来玩更有挑战的时刻,那些我没来得及在摄影机上做的事情。”调色师比克尔使用Linux端的Blackmagic Design DaVinci Resolve 15进行调色,直接对2.8K ArriRaw文件进行处理。游泳池和俱乐部的光线对比一如往常,布雷尔利用色彩来增强剧本的情感内容。其中一个例子是,住在廉价汽车旅馆的父子大吵一架以后,父子俩以不同的方式寻求安慰。希亚·拉博夫饰演的父亲去到一家脱衣舞俱乐部避难,酒瘾复发,吸食海X因。在这过程中,诺亚·尤佩饰演的儿子向同样住在汽车旅馆里的年轻妓女(FKA Twigs饰)寻求安慰,两人的友谊逐渐萌芽。他们在游泳池里游泳,玩“哑剧”,整晚蜷缩在一起。《宝贝男孩》拍摄现场布雷尔使用了汽车旅馆粉色、蓝紫色和绿色的复古标示来表现泳池场景中的光线,同样的颜色在脱衣舞俱乐部中也对应出现。“我觉得粉红色很适合代表女性的存在,”她说的是游泳池场景。“在经历了和父亲之间的不愉快之后,他从这种女性能量中获得安慰。与此同时,父亲要去脱衣舞俱乐部,以自己的方式获得安慰,但这是女性的阴暗面。儿子和妓女这边是更母性和光明的一面。我认为(这两个镜头)是彼此的美丽镜像,我也想在视觉上做到这一点,所以我使用了相同的调色板,但是比例不同。”泳池区域的照明首先是有6个现成的汞汽路灯。我们在每个灯柱的顶部都安装了一个SkyPanel S30-C,增加了绿色光线。汽车旅馆的粉色霓虹灯被延续和放大了,升降台上有一个加色纸的6K灯,还有一个无线Voyager灯管,增加了游泳池的照明。另一个升降台上放了6个SkyPanel S60-C,透过1/4个12'x12'的网格,以“类似于孔雀蓝/绿松石”的颜色照射到拍摄现场,目的是模仿“一个汞汽路灯,或者是从画外的建筑物射过来的标示灯”。所有这些都增加了游泳池的梦幻感,和Astera灯管一起被带进了旅馆房间里。而在脱衣舞俱乐部里,Astera管灯又再次发挥作用。布雷尔在iPad上创建了带有标注的图示来计划场景照明,尤其注意色彩表现。上图是儿子获得朋友安慰的游泳池,下图为脱衣舞俱乐部休息室的照明图。贯穿始终的摩托车镜头《宝贝男孩》最困难、最昂贵的镜头不是电影开头出现的动作电影里的冒险和激烈的爆炸,而是贯穿电影的摩托车镜头,这是父子俩唯一的交通工具。“对于如何描绘不同的时刻,以及从一个场景到下一个场景中身体接触的不同,我们有着非常具体的想法,”布雷尔说。例如,前半部分有个广角镜头表现了父亲的鲁莽驾驶。还有一个镜头,是他用自己的头盔撞回了欧蒂斯的头盔,对孩子将头靠在他的肩膀上表示恼火。而这之后的镜头“都是孩子紧紧拥抱父亲的特写镜头。这点在电影中意味着很多。所以对于那个特写镜头,我们确保在那一刻有闪光,让画面更魔幻更诗意。”为了节省开支,他们把所有的摩托车镜头都塞进一天的时间里,然后支付了一辆拖车。拖车上有一个搭配Scorpio云台的机械摇臂。“因为有摇臂,我们可以很快地从不同的位置进行拍摄,不需要在摩托车上安装Rig。马蒂亚斯控制着摇臂和摄影机,而我负责操作变焦。他们绕着圈子开车,变窄或变宽,太阳从不同的角度照射着他们。我们在傍晚和日落的几个小时里收集了我们需要的所有素材,所以我们有一天不同时间的画面。”《宝贝男孩》拍摄现场考虑到摄制组人数少,日程安排紧凑,以及纪录片和诗歌小说相结合的电影制作要求,《宝贝男孩》需要克服后勤上的障碍。然而,正如布雷尔所说,这部电影也有情感上的触发点,而且不仅是对于拉博夫来说。“看着他读完这些让他痛苦的素材,这让你感动。你不再只是一个为了拍第二条而调节灯光、重置参数的冷酷技术员。”“但我可以告诉你,每一天结束的时候,我和我的工作人员都非常高兴,”这位电影摄影师补充道,“每天早上我们都感觉充满挑战。每天我们都要发明一种新的系统,或者一种新的方法来解决我们几乎无法控制的情况。但是我们成功了。我们真的很喜欢所做的事情,去捕捉那种活力,同时把我们的魔法表现出来。”《宝贝男孩》拍摄现场本文由电影摄影师编译自:ascmag.com原文作者:Patricia Thomson部分内容参考自:filmmakermagazine.com原文作者:Meredith Alloway内容仅供学习参考

  • 超强干货:如何准备一个正确完整的电影主旨陈述

    我们到底为什么去看电影?为求娱乐,但又不是肤浅的娱乐。此外,我们想要体验那些在现实生活中可能永远不会经历的冒险。是的。毋容置疑,在光影世界中我们寻得开怀大笑,也落得失声痛哭。但这个问题的答案正包含着我们作为故事讲述者的基本目的,所以我们需要将其提炼成最简单的形式。我们看电影是为了获得深刻的感受。我们看电影是因为我们想要各种各样的情感洗礼。这就是成功影片的真谛。正剧或喜剧,都引导我们触碰自己内在的人性和体验情感净化。编剧的千里之行以专注、简单、首要的目标开始,那就是引导观众获得意味深长的深切体验。主题于何处寻之故事内在的中心思想被称为主题,而任何电影故事的主题通常可以在主人公的人性弱点中找到。当编剧塑造某此虚构的主人公面对令人怯步的旅程时,他会给人物添上些许个人缺陷或缺点。于是一路上,当主人公为了实现他的故事目标而奋力克服这些缺点时,电影的主题也随之浮现。无论是动作大片的大刀阔斧,还是微妙情感的细致探究,主人公学会如何提升他自己内心的情感世界,都将是呈现给观众的富含深意的礼物。我们可以把电影故事想象成主人公从幼稚到成熟的情感之旅,每一个主人公的故事都是一段我们与其同行的旅程。所以编剧的目标是:为一个陷入困境的主人公从头到尾设计一段引人入胜、意味深长的旅程。这段旅程指引观众发现一些普世的人类真理和体验强烈的情感洗礼。每个人都渴望深刻感悟,编剧必须在每一个故事中都让观众全情投入。观众对任何一个故事都会下意识地寻找其中心思想,无论是编剧有意设计或无心插柳的主题。所以好电影必须传递关于生活的精心设计的真实寓意。电影呈现善恶、对错,每一个编剧都应该责无旁贷地为故事赋予反映人类真理的主旨。每一部电影特定的中心思想被称为“主题”,这附着在具有性格缺陷的主人公身上,主题是通过中心人物如何成长从而解决情节冲突来揭示的。在《黑客帝国》中,电脑黑客尼奧加入了反叛者与特工史密斯和操控世界的“矩阵”对战,但是在尼奥克服自我怀疑和逐渐接受自己作为带领幸存人类取得胜利的救世主的使命之前,他根本无望战胜特工史密斯。外显的行动冲突:在特工史密斯和他的手下杀死反叛者和奴役幸存的人类之前击败他们。内隐的情感冲突:尼奥必须克服自我怀疑和接受自己是能拯救人类于危难的救世主。第一层次的行动、外部冲突是所有电影故事必不可少的,不可或缺。第二层次的内心情感挣扎是非强制的,但极力推荐。内隐情感冲突即人物成长弧。这两个层次的冲突都需要不仅一次,而是要一系列的碰撞。那些重复冲撞的本质必须随着故事的发展和冲突的加剧而扩展。人类是以心理活动为基础的生物。我们总是先感觉到,然后才将所感付诸行动,并且通过外在的身体动作,来表达内在的心理感受。简言之,我们的情感引发并推动我们的行为。戏剧源于情感。每个电影故事都源于人们的情感,因此,你的故事主题要与情感有关,或者是一种感情,或者是一种状态。你应该能够用一个词语——一个名词,来表述它,例如:爱,恨,勇气或者内疚。对于故事主题而言,其实没有任何限制,唯一有所规范的,只是你所写的故事类型本身。当然,在时限为两个小时的电影剧本中,没有人能将爱、恨、喜悦、悲痛或其他什么主题表述得面面俱到。因此,你需要加上一个形容词,来对情感所属的领域有所限定,例如:爱可以是母爱、无私的爱、禁锢的爱或不贞之爱。一定要对你的描述性词语慎而又慎,并且绝不要使用多于两个词语。你为主题选择的情感,将会驱动你的人物,让他们相互影响。接下来你就要决定,这一情感将在你的主角身上引发什么样的行为(他的动作会促使其对手及其他角色做出回应)。表述主角行为的最好方式,是选取一个现在进行时态的及物动词(该动词表明,动作是由一个人物施加给另一个人物的)。一 基本动作在你的故事主题旁边,用进行时态写下这些动词。例如:主题  基本动作母爱  保护勇气  斗争孤独  寻觅和解  原谅好了,你已经有了主题和基本动作。接着用箭头将二者相连:情感行为。箭头意在说明该感情导致了动作。主题  基本动作母爱 → 保护勇气 → 斗争孤独 → 寻觅 和解 → 原谅上面每一组都展示出了让人物产生相互影响的行为,并打开了其他人物反应的闸门。人物总是互相影响的。即便是奇异的科幻小说,也必须以真实的情感和合理的基本动作为基础。如果你的主题和基本动作彼此并不是非常合适,那就试试其他的组合。不懈努力,直到“筛选”出你的合理组合为止。二 目的句写下你的主角的目的,这是构建主旨陈述的下一步,也是最后一步。这个简明扼要的句子,从属于你的主题/基本动作的等式,它阐述出你的主角要干什么,并且指出对手接受并反抗主角的动作。目的句必须能解决你的主题和基本动作之间的关联的合理性问题。这一点至关重要,因为它设定了你的故事的核心冲突。严格按照下面提供的方法,写下你的答案,来保持你剧中人物的一贯性:写下主人公的名字,即动作的实施者(哈姆雷特……)用很少的词语,说明他想做些什么(哈姆雷特想要复仇……)写下其对手的名字,即接收并对抗主角动作的一方(哈姆雷特想要向克劳德修斯国王复仇)这样做的效果如何?是不是直截了当而又简单易行呢?无论如何,你要按照这个方法去做,稍后再加入更多细节。主题/基本动作等式和目的句构成了一个完整的主旨陈述。例如,如果这出戏剧是《哈姆雷特》:正义→谋杀哈姆雷特想要杀死克劳德修斯国王。这里的主题是正义,基本动作是“谋杀”。哈姆雷特是主人公,动作的实施者,在他对正义的追寻中,他迫使克劳德修斯做出回应并加以对抗,同时将我们关注的焦点引向核心冲突。(哈姆雷特能杀了国王吗?)如果这部电影是《外星人ET》:分离→寻求帮助希望一个男孩帮助他回家。这里的主题是分离,基本动作是寻求帮助。ET是施动者,他回家的愿望迫使男孩做出回应和反抗,仅仅因为这个男孩并不具备帮助ET实现愿望的能力。 再如《窈窕淑女》:接受→教授希金斯教授想教会伊丽莎白言谈得当,好让她能被社会接受。此处的主题是接受,基本动作是教授。希金斯教授是施动者,他希望教授伊丽莎的愿望迫使她做出回应并加以反抗。面对严峻的考验,你只要记住:主题→基本动作=反应(情感引导行为,进而引起反应。)一个恰当的主旨陈述应该是简洁明了的。解决问题的方法非常简单:试着更换一个主题或者动词;调整一下目的句,直到它的表述通顺;用简单的方式表达主人公的需要。主旨陈述的价值所在, 主旨陈述会帮助你建立起你的核心冲突,因为它可以使你在动笔之前就明了主人公的目标。你的主角将会采取什么行动来获得他(她)所需要的东西?如果他(她)成功了,将会怎么样?如果他(她)不成功呢?这些问题将会引导你深入了解你剧本中其他人物的反应。是的,你的主旨陈述可以更改。你对于主题的兴趣可能发生动摇,或者你也许会觉得另一个基本动作更为有力,你甚至可以为同一个故事写下许多不同的主旨陈述。这些都没有关系,只要你去选择其中最为有力的那就好。主旨陈述的模板:主题+基本动作+目的句+对手反抗第一步:寻找主题要确定你的主题你只需要对自己说:“促使___(主角的名字)行动的情感(欲求,需求)是____(你的主题)。记住,要使用一个词语:一个名词。它可以是一种简明、直接的情感,例如爱,也可以是一种与情感相联系的需求和欲望,比如成功。例如,在《公民凯恩》中,促使记者行动的情感(欲望、需求)是成功。第二步:寻找基本动作要确定你的基本动作时,你可以对自己说:“一个对于__(你的主题)的需求或欲望,驱使__(你的主角)去__(一个及物动词)。因此,基本动作是____(这一及物动词的进行时态)。为了生存下去——保住自己的工作——驱使一个记者去调查查尔斯·凯恩。因此,这里的基本动作是调查。 第三步:寻找目的句要写出你的目的句,就可以对自己说:“__(你的主角)想要去__(简述主角的愿望或欲望),尽管__(对手的名字)(简述对手的反抗)。保持句子简洁并避免运用细节。主角想要什么?他的对手想要什么?用精炼的语言来组织简明扼要的句子。当你分析过《公民凯恩》后,你的主旨陈述应该是这个样子:《公民凯恩》:生存→ 调查。一个记者想要找出“玫瑰花蕾”一词的含义,尽管查尔斯凯恩死时并没有留下任何线索。记住,一定要使用上面给出的句型并填上空白处。即使你暂时还不能将想到的各个元素按顺序组织好也没有关系,也许你想不出一个主题或者基本动作,但你心里已经有了一个目的句。这很好!先写下你的目的句。一般说来,你已经想到的各个元素可以帮助你确定方程中的其他部分。坦白讲,我经常是先写下目的句,然后再确定我要写的情感和基本动作,而到最后,我一定能将三个要素都确定下来。如果你的第一个陈述并不奏效,那就选用另外一个吧。还记得你第一次使用锤子时的情景吗?它看上去很简单,但真正使用起来,却很容易将钉子敲弯。一个主旨陈述也像使用其他的工具一样,需要不停的练习。然而,一旦你能熟练地掌握它,你就直接了解了一部戏剧或电影的内核。当你开始动笔写剧本的时候,你的主旨陈述会促使你开始简明清晰、目标明确的工作,而非在原地挣扎困惑。什么是一部戏最为重要的方面?情感上的联系。一部具有“普遍性吸引力”的电影将会把偏重人物的经历与观众在生活中的感受联系起来。在情感的层次上,所有的人类都享有相同的感受。爱、欢乐、仇恨、悲伤、怜悯、害怕等,请牢记你自己的亲身感受,然后将它们投射到那些生活在你所创造的世界中的人物的身上去吧!事实上,你可以将这一原则向其他方面扩展。当你安顿好一切,正准备享受一个甜美舒适的午觉时,电话铃声突然响起,这时你的感受如何呢?你所在环境中的一丁点的改变都会对你的整个内心情绪产生影响。下一步,我们需要考虑一下,其他人对于你的感受的反应如何。如果一阵电话铃声将你从午睡中吵醒,你的行为将会对你的妻子(或丈夫)、你的父母、你的孩子、或你的邻居产生多大影响?用同一类型的问题,来问问你所创造的人物。小技巧:情感 → 动作(行为)→ 反应这一模式对于所有剧本中的所有人物来说都是适用的。你从一种感受入手(需要、愿望、欲望),通过人物的动作(行为)来将此感受表达出来,进而写出对其他人物对此作何反应。 我看过六七本知名的不知名的编剧书籍,其实核心原理是一样的,内容大同小异,知道大家平时没什么时间静下心来读书,所以摘取汇总了编剧书里最实用、最精华、最具价值的部分,供大家参考、学习与实践,也可以收藏作为创作工具使用。我最近创作完成了一部悬疑片剧本,主题内核是关于选择,在亲情与理想之间该如何选择。下一部剧本,是带点科幻性质的荒诞喜剧,主题内核是成熟与成长。本人在湖南长沙,希望多交几个志同道合的朋友,一起创作剧本,拍摄短片。有兴趣或者想与我进一步交流的朋友,可以加我微信:capricornupan(请注明来自新片场)

  • 拍摄十年的高分国产纪录片,凭啥只配404和网盘?

    这几天,大家从豆瓣上关注到了这“魔幻”的一幕:导演自己在豆瓣上放网盘链接。这波操作并不是因为大家去不了电影院,而是这部被网友持续推在豆瓣榜单前列的独立纪录片,根本找不到发行渠道。因为中国的电影环境,目前还容不下一部这样题材的纪录片。商业上没市场,审查上不通过。每每遇到这样的情况,厂长都不禁感叹独立纪录片人在大环境中的生存囧境。这到底是一部怎样的纪录片,逼得导演通过这样的方式也一定要把它传播出去?因为导演还在豆瓣上注明了自己的微信联系方式,所以厂长特地采访到了《矿民、马夫、尘肺病》的导演蒋能杰,跟大家聊一聊这部在“404”夹缝中生存的纪录片和它幕后的故事。01命值钱吗?这部纪录片,讲述了湖南湘西南一个很少有人关注的群体。从清末民初开始,他们就靠山吃山、拿命换钱,在大山里开采矿石为生。而这样的生存模式,一直延续至今……马夫蒋美林,也是导演的父亲,他靠购买马匹和运送矿物为生。夜以继日,辛辛苦苦赚钱养家。90后小矿老板小刘,辍学随父亲开矿,做起了生意。从片中的自然流露的言谈话语间,我们能感受出这个稚气未脱的农村青年对自由生活的向往,但同时当地采矿业也改变了他的人生甚至对这个世界的态度。还有一位片中重要的主角,“资深”老矿民赵品凤。开矿挖煤20余年,在孩子还未成年的时候就检查出了尘肺病晚期。之所以患上尘肺病,跟他长期在矿井中工作有关。而面对如此艰辛又高危的职业,村民们都是自发自愿采矿为生的。据导演讲述:“我们家乡是真的穷,当地的村民赖以生存的方式,要么是在家种地,要么就是开矿采矿。但是都认为年轻人在家种地是没出息的。”“挖矿又能挣钱,所以很多人就出来挖矿了,矿价高的时候一斤能卖十来块钱,对他们来说是很高的利润了”。但自己开矿又是非法行为,所以矿民不仅要用命换钱,而且还要忙于跟政府进行一场“猫鼠游戏”的智斗。三天两头,砸机器、烧矿棚。而矿民们也只敢背后抱怨,过过嘴瘾。所以矿民们为了巴结这些“来整顿的人”,就想出了跟他们喝酒吃饭的注意,搞好关系。可是喝完酒再下矿,就存在很大的危险系数。经常发生的矿难,已经让这里的矿民们见怪不怪了。而在这样环境下成长起来的年轻人,看似有一颗坚强的内心,实则是对生死的麻木。让厂长印象最深刻的一个场景。矿难发生后第二天,小矿老板小刘(就是前边提到的那个辍学开矿的90后),在被问到矿难情况的的时候,他才刚刚苏醒过来,摸着头说:“眼不见为净,我没看见,一个人睡觉就不怕。”厂长不敢说他是个冷血的人,但更多的是内心的无奈和这悲凉的结局……02职业病是宿命?更折磨人的就是在没有任何防护措施下,挖矿久了落下职业病的宿命。尘肺病的可怕之处在于,它会逐渐让肺功能丧失。患有此病的人,不得不依赖人工呼吸机勉强维生,后期则会导致肺结核或肺癌,直到窒息而亡。患上这种病的赵品凤,无时无刻不需要呼吸机的帮助。2015年检查出的尘肺病晚期的时候,病情已经无力回天。平时走两步路就得休息一下,因为呼吸困难。不能有任何体力劳动,没有收入还要花钱治病,赵品凤担心起了家里的生计问题。一儿一女还在上学,还有一个老母亲。此时只能依靠在外打工的弟弟来接济。而没钱做手术的赵品凤,几乎就是在家“等死”。担心没钱治病的,其实不止赵品凤一个。邻里聚在一起,谈论的不是低保申请就是治病报销。严苛的低保指标,承诺却做不到的免费医疗,让他们满腹怨言。此时厂长庆幸,在这个虽然贫穷的地方,百姓们心里明白,却依然赤诚。2018年的一天,因为全村停电一整夜。呼吸机用不了,赵品凤奄奄一息,而此时叫了救护车,救护车却赶不到。他去世了。遗像是一张PS了天安门作为背景的照片……赵品凤的儿女纪录片中讲述的,只是尘肺病这种职业病的一少部分群体。更为吓人的是,像赵品凤这样的人还有很多:我国尘肺病农民保守估计约 600 万人,每年新增尘肺病农民 2 万多人,死亡率高达 22.4%。(数据来源于《中国尘肺病农民生存状况调查报告(2015)》)这就不难理解导演执意要拍这部纪录片,以及让这部片传播出去的意义了。一种职业病,会丧失一个生命,更会夺走一个家庭的幸福。更何况这种病的背后,还牵连了一系列巨大的问题和隐患。而这一切,都被导演蒋能杰的镜头真实地记录了下来。03导演该被抓起来?85年出生的蒋能杰,就成长在这片靠挖矿为生的土壤。但他是村里的幸运儿。“我家里的观念是比较重视教育的。因为我爷爷当年是教师,但后来被迫害致死,爸爸虽然成绩不错,但由于身份问题不能上高中,等到我们这一辈能上学的时候,就一定要让我上学。”蒋导演告诉厂长。大学时的蒋能杰,学的是设计专业,但以为从小父亲就严加管教,所以他跟其他青春激昂的同龄人一样,“羡慕自由”。“上大学的时候,就想追求自由。但我想明白了自己想做的事。这个自由,是‘自由的表达’。所以那个时候我喜欢文学,爱上了电影和纪录片。”独立纪录片,是他最终选择的方向。从2010村民开矿,一直跟踪到2018年赵品凤去世。从一开始没人帮忙,自己搭钱拍,到后来有了三五个合作伙伴,开了工作室。一边接一些商业拍摄为生,一边做着独立公益的纪录片。最初开始拍纪录片的时候,蒋能杰花6000块钱买的设备,其中还有3000块钱是管人借的。“很多人的命运是被这个时代裹挟的。你没看见,不代表它不存在。”这是蒋能杰经常说的一句话。“当初开始记录自己家乡的矿民们和留守儿童,就是因为这是我身边最熟悉、最了解、最信任的一群人。然后我也是边拍边思考,这个片子怎么呈现出来更有价值和意义。”就是这样,他坚持了近十年,拍摄完成了《矿民、马夫、尘肺病》这个纪录片。“总体来说,尘肺病这部纪录片也见证了我创作的成长吧。”从纪录片的视觉效果上也不难看出,画质虽差,但粗粝而真实,一切都是自然的流露。用蒋导自己的话说,一是因为设备不好,二是因为他不愿违背自己的内心。这是属于他的风格——不导也不演。“我是一个屌丝,那我就屌丝地拍。粗糙一点真实一点没什么不好的。我可能做不了商业大片,和电视纪录片那种大段采访。我不会逼拍摄对象去讲什么,我尽量做到的就是:事发的时候在现场、能看到事件本身、并且拿起摄像机拍下来。”当然,屌丝之词都是调侃,重要的是后半句。蒋导道出了一个纪录片工作者的基本素质——敏锐的洞察力和反应能力。厂长后来了解到,尘肺病的纪录片,蒋导给自己的父亲(也就是片中的马夫蒋美林)看过,“但他担心我给矿区和自己惹麻烦,老百姓聊天的内容这一段,他建议我删掉,怕被找麻烦。”“但我不想删掉,因为这就是最真实发生的,如果我不提他们发声,还有谁会来替他们发声呢?”这样的初心,坚定而感人,但也说出了一些无奈。厂长注意到,《矿民、马夫、尘肺病》虽然在豆瓣榜单上已经挂了数日,想看人数标记已经超过4.5万,可标记“看过”人的人数还不及1万。跟其他几个榜单上并没有被主动提供资源的片子完全不能匹敌。西语惊悚悬疑片《饥饿站台》10.1万人看过,7.1万人想看虽然,如今这部纪录片能引起这么广泛的关注和传播,已经出乎导演的意料了。蒋能杰甚至跟厂长表露出了内心的惊喜。但厂长也想说说内心的实话,今天的电影市场,绝不缺商业片、类型片,但缺少这样有良知有深度的国产纪录片。它或许值得让更多人看到,更何况,它讲述的很可能正是你的家乡亦或是你身边的人。然而悲哀的是,并非所有人都能理解这部纪录片的价值和意义。厂长专门去采访导演,也是希望能解答一些人对矿民和当地生活状况的质疑,可网络上依然挡不住这样的声音:我们都知道一个道理:没有问题,才是最大的问题。难道蒋能杰导演和这部片,真的没有一点“正能量”吗?绝不。即使得不到有效的医疗保障,矿民们在矿井里聊着“看奥运会”、“走很远去看阅兵式”倍感自豪的时候,这是正能量。像蒋能杰这样真实记录、努力发声的勇气,以及一批中国独立电影人坚持拍摄的毅力,也是正能量。还有千千万万爱国且有同理心的你们,在敢于面对真相、敢于发声时的默契,更是正能量!正能量,从不是拍出来的,是我们一起坚持和改变出来的。只要依然有这样的作品存在,中国电影,就还有希望。

  • 2020年最受期待的佳能EOS R5,9个问题提前了解一下

    佳能EOS R5很有可能是这一年中最受期待的相机,但是到目前为止,它还停留在挑逗宣传中。像尼康D6和佳能1DX Mark III等大型发布会一样,这款相机已改采用越来越流行的“开发公告”形式,该方法相当于相机世界的预告片。这有其好处,例如让我们知道佳能公司最终计划是以强大的8K产品接替索尼的位置。但这也使我们的知识空白很多,并让我们思考某些功能。例如,在拍摄8K视频时,这个相对较小的机身将如何避免发热?更广泛地说,佳能EOS R5到底适合谁?幸运的是,我们针对EOS R5向佳能产品营销专家David Parry提出了一些问题,并进行了交流。 尽管他无法提供到目前为止尚未宣布的更多细节,但他确实将EOS R5讲解更清晰一些,并暗示了它将在佳能产品阵容中占有一席之地...01 佳能EOS R5机身是否基于EOS R?David Parry说:“您可以看到它顶部实际上比EOS R更厚。在我看来,它给人的感觉更像是数码单反相机。”02 为什么EOS R5没有EOS R的多功能触摸条?“我们这里设计了操纵杆,而不是多功能触摸条。每个人都知道EOS R上的多功能触摸条得到了不同的回应,有些人真的接受了,有些人真的完全无法接受。”他说。 “因此,这样做(操纵杆设计)可能是一个更保险的选择,越来越多的人习惯使用多功能控制器。”“由于这是5系列产品,因此更多的人期望获得与5D系列产品相似的设计功能。”03 那就是为什么这款相机被称为EOS R5?“它瞄准的是这一等级市场。它不能替代5D Mark IV或作为其后续机。但它是无反的5系列,它瞄准的是这一市场领域。”“这是有道理的,因为在胶片时代,我们拥有EOS 5,然后数码单反时代,我们有5D系列,现在我们有了R5。因此,它具有相同的等级水平。”“让我们不要忘记,有很多爱好者喜欢这一级别的产品。”04 佳能EOS R5的目标用户是谁?哪种类型的摄影师会购买?“从全画幅的角度来看,这它将是一款全面的产品,它具有很高的连拍(20fps和12fps连拍),并且具有令人惊叹的8K视频功能。因此,它将是一款令人难以置信的强大产品”。“正如型号等级所说的那样,要购买它的消费者类型将是5系列用户,它将是这种级别的产品。有人专业地使用它,同样也有有某人半专业地使用它。“但是,别忘了有很多爱好者喜欢这种级别的产品。”“它不针对任何特定类型的摄影,就像5系列演变成这种多功能的相机一样。使用5系列,您可以在每个摄影领域看到它。”05 EOS R5具有令人印象深刻的视频功能。拍摄8K视频时如何处理散热问题?“我们已经做了一段时间了,我们已经学到了很多技术来为我们的产品散热。例如,控制移动组件并能够让它们进一步彼此远离。”。他补充说:“能够用不同的材料进行散热是我们在其他产品上引以为傲的成果。这是我们同时利用相机和Cinema EOS系列的技术所学到的东西。” 。他说:“因此,我们知道现在将很多技术融合在一起,使我们能够真正提高这些规格。”06 EOS R5具有动物眼AF。视频和静止图像都可以使用吗?“我们目前无法透露这一点,但真正令我们兴奋的不是狗\猫,而是鸟,据我所知,没有其他制造商在它们的动物AF中提到过鸟。”“我很高兴看到它在工作原理,因为鸟类显然是与猫狗完全不同的,范围很广。对于狗和猫来说,它们具有不同的品种,但是它们看上去确实相对相似,而鸟类可以看起来完全不同,这真是令人兴奋。”07 动物自动对焦是否基于1DX Mark III上首次看到的深度学习技术?“我们没有透露该技术的来源,但是我们从其他相机中获得的所有经验再次应用在下一代。”“我认为深度学习技术非常令人兴奋-使其能够识别戴头盔的人和类似的东西,这对1DX产生了很大的影响。”08 EOS R5是否为野生动物摄影师提供了完整的全天候密封?“由于相机的前部有一个大洞,因此我们从不引用天气密封的数据,但通常我们引入产品线的在我们的产品阵容中是相同的。”“我不知道该产品的天气密封功能是什么,但是我们知道人们确实在相当恶劣的环境中使用这些密封功能,因此这将是我们的考虑因素。我无法说出这些数据是什么,但我必须说它是非常可靠。”09 最后,对于许多制造商来说,新冠病毒疫情对运营显然是造成了困难。 EOS R5是否可能会延迟?“我们与其他所有制造商处于同样的情况,我们一直在关注疫情并看我们能做什么。”“这并不相同,但是我们以前曾发生过自然灾害,因此我们拥有一个相当强大的系统来处理海啸、地震等事件。我知道这是非常非常不同的,但是从事此类工作的地方。”“我们无法确定是否会受到影响,但让我们拭目以待,看看接下来几周会发生什么。它对我们来说将是一个非常令人兴奋的相机。它正在引起轰动,我们希望人们真的很喜欢这款产品,因此我们越早将其投放市场,效果就越好。”因此,佳能EOS R5是无反5系列相机,它可以帮助解释其一些设计决策,并为我们提供最终售价的提示。例如,佳能EOS 5D Mark IV上市时的价格为3,500美元/ 3,500英镑/ 4,500澳元,我们预计EOS R5最终上市时的价格也将与此类似。 最新传闻显示正式发布将在2020年7月左右的某个时候发生。在那之前,摄影师将不得不抵住购买索尼A7R IV或尼康Z7的诱惑,并希望其余EOS R5的规格能一样令人印象深刻。内容来源:色影无忌

  • 为暗色惊悚注入明亮,美剧《使女的故事》摄影精湛捕捉光影

    陈旧简陋的阁楼房间里,仅有窗外稀微的光线,经帘幕投射入房间,照亮阴暗寂静的室内,照亮坐在窗边、身穿鲜红裙装的女子。随着镜头移动,我们窥见她背光的脸庞眉头深锁、眼神畏惧,坐落在光线与阴影之间,仿佛无语控诉生活的挣扎与无奈。影集《使女的故事》改编自同名小说,展现极优秀的摄影技巧与灯光设计,以娴熟的影像叙事风格广受好评,更于去年击败《怪奇物语》、《西方极乐园》等影集,在奖项上屡获肯定。今年,乘着第二季依然优良的水准,于日前公布的艾美奖入围名单,以20项入围强势回归,成为新一代的美剧典范之一。01营造压抑氛围的摄影元素:手持、POV、库柏力克式对称风“我希望观众感到不舒服,这故事是个令人感到不安和压迫的组合。”——《使女的故事》第一季前三集导演Reed Morano《使女的故事》设定于虚构时空,描述人们历经天灾人祸、失去生育能力,致使美国保守宗教势力建立“基列国”(Gilead),强迫尚可生育的女性作为“使女”,住进达官显要人士家中,与男主人进行“受精仪式”延续人类血脉。女主角June即为使女,被送至指挥官Fred家中,整出剧正以她对世界的观点与反思,展开奇异惊悚的“反乌托邦”抗争。前三集的导演Reed Morano与摄影指导Colin Watkinson,打造出压抑、紧绷的影像氛围,时而以稳定摄影机运动,呈现如Stanley Kubrick(库柏力克)的完美对称构图;时而倚靠手持摄影,捕捉主人翁June内心的惶恐。导演Reed Morano说,她渴望“影像化”这本她求学时热爱的小说:“我们想用最少的文字,让观众以视觉感受故事。”复古且“过有秩序”的影像风格 摄影指导Colin Watkinson使用轻巧、便利的Alexa Mini摄影机,搭配1970年代制造的老式定焦镜头Canon K35拍摄,他解释道:“我们知道基列国的制度有退步、回到过往时代的元素。”因此,他选择运用Canon K35,呈现柔美、淡雅的复古视觉。为传达剧中世界“过于有秩序”的气氛,Colin Watkinson效仿名导演Stanley Kubrick的电影,以精准且对称的构图,描绘宏大却荒凉的影像。例如:第一季中,大批使女们集合,受令集体攻击一名强奸犯时,即动用50英尺高的Technocrane伸缩大吊臂与无人空拍机,从空中以“上帝视角”,捕捉使女们列队整齐、对称的队形。此外,为表现女主角June复杂的心理状态,以June为主观观点(POV)拍摄的部分,剧组则改换用28mm的Zeiss镜头,相较于Canon K35,更能表现较“刚硬”的影像风格,并以手持摄影捕捉她的情绪。Colin Watkinson说:“我们想要进入June的脑中,让观众体验每个Elisabeth Moss(饰演June的演员)演出的细微末节。”02暗室里的一道亮晃——高水准的光线设计与捕捉 “我想要观众感受到来自窗外的光线,是基于现实,但也是超脱现实的。”——《使女的故事》摄影指导Colin Watkinson《使女的故事》里,如何设计、捕捉光线更是摄影的一大课题。摄影指导Colin Watkinson表示:“我不想受到任何反乌托邦电影影响,制造出灰濛或低饱和度的感觉。”因此,剧组尝试各种灯具与器材,为这个晦暗的故事,注入明亮的“光景”。Colin Watkinson在两季的拍摄,分别参考两位画家捕捉光线的方式。第一季里,他从17世纪荷兰大师维梅尔的作品获得灵感,试图营造后者画作中朦胧却立体的光线;第二季则参阅当代写实派画家Andrew Wyeth,捕捉美国田园的水彩画作,呈现剧情里荒凉的殖民地景致。棚内打光如何更具层次感剧中经常可在室内空间,看见许多由窗外照进的日光。这些看似自然的光线,皆非自然光,而是使用10KW的Mole Beams照明灯照射。Colin Watkinson表示,为让拍摄现场光线,更接近维梅尔画作里的质感,还使用DF-50烟雾机,让光线照射在淡薄的烟雾上,削弱光的锐利度,达到柔和的光影表现。Colin Watkinson也提到,设计与捕捉光线时,更要善用场景里固有的陈设。例如:拍摄剧中极为病态、诡异的“受精仪式”片段时,剧组运用ARRI的 SkyPanel照明灯,制造靛蓝的夜光,透过半透明幕帘照进房间,让光线有更多变化。他说,摄影师应要在拍摄时,依据光线做各种临机应变,“接着再选择使用现场的陈设、道具,制造出更多层次感。”03完美契合的颜色搭配——美术、服装如何影响画面质感“我们在前置期(与各组)一同讨论颜色,让成品像是同个脑袋完成的。”——《使女的故事》摄影指导Colin Watkinson摄影指导Colin Watkinson表示,摄影捕捉画面时,片中的建筑、布景,甚至人物身着服装的颜色,皆需完美搭配,才能创造高质感的影像风格。他在接受访问时,也极力赞赏该剧团队在色彩选择上的用心,他说:“正因为艺术指导Julie Berghoff制造出如此完美的房间质感、服装设计Ane Crabtree的服装,颜色配置在画面里才会如此美丽。”美术与陈设布满巧思细节艺术指导Julie Berghoff在规划剧中的屋内装潢时,大量研究故事发生地新英格兰地区的历史,结合17世纪英国清教徒移居时的建筑风貌,加入些许现代设计元素,呈现清雅肃穆、相对低彩度的装潢调性。她希望观众记住,这故事发生在现在而非过去:“它必须感觉是真实的,好像(剧情)随时发生在你身上。”设计女主角June的房间时,剧组使用米色壁纸布置,并且在上头铺上部分灰泥,制造出凹凸不平的斑驳感,显示女主角June身份的困境,也因此制造墙壁细微的色彩变化。摄影指导Colin Watkinson说,这让光照射在墙壁时,其质地使得影像有更多细节,“我们可以在黑暗的场景里,感受到更多不同的颜色深浅。”鲜艳服饰显示人物阶级身份服装设计Ane Crabtree根据导演Reed Morano的提议,参考早年彩色电影艳丽的“特艺彩色”(Technicolor),将枫叶的血红、略暗沉的孔雀蓝,分别放置到使女、指挥官妻子的服饰上。Ane Crabtree运用人造丝,作为服饰的布料,她认为该颜色的布料与选择,可适用于剧中白人、黑人演员的肤色。指挥官Fred家中房间的颜色设计与摆饰,也与服装大有关联,如客厅墙壁即是漆成与女主人服饰相同高雅的蓝色,厨房则是与女仆Rita身上的灰绿色工作服相契合。女主角June与指挥官Fred间更成强烈对比,前者以鲜艳的红衣配上极简的房间摆设,后者则是暗淡的灰西装,搭配繁复装潢的书房,显示两者间地位的悬殊。导演Reed Morano带领剧组,完成接近“教科书”水准的前三集剧集,在摄影精致地捕捉光影与颜色下,以介于写实与科幻间的影像语言,让世人检视影集里骇人的乌托邦世界,反思父权社会里的阴暗与荒诞。

  • 《卡罗尔》有多浪漫,这部吹哨人电影就有多阴暗

    摄影师爱德华·拉奇曼和导演托德·海因斯是长期合作伙伴,合作拍摄过电影《卡罗尔》《远离天堂》以及迷你剧集《幻世浮生》等作品。这些电影的背景年代都比较遥远,拍摄风格也非常复古,比如拍摄电影《远离天堂》时,他们就选择了刻意做作且程式化的50年代情节剧风格。《远离天堂》与这些电影不同,海因斯和拉奇曼选择以更直接、更真实的方式来拍摄他们最新作品《黑水》。虽然这对于二人来说是一个新的开始,但是《黑水》想要表达的主题他们并不陌生。这是一个吹哨人的故事罗伯特·比洛特是名律师,在辛辛那提的塔夫特律师事务所为企业客户服务,职业前景一片光明。他刚刚成为公司合伙人,正在规划自己的未来,然而一场起诉却永远地改变了他的人生。马克·鲁法洛饰演的罗伯特·比洛特西弗吉尼亚州的农民威尔伯·坦南特认识罗伯特的祖母,他认为化学巨头杜邦公司导致了家畜的死亡,于是向比洛特寻求法律帮助。然而,调查过程中的一份内部文件显示,杜邦公司已经危害到整个世界的健康安全。就这样,一场长达数十年的维权战争开始了。这个真实的故事是纳撒尼尔·里奇为《纽约时报》杂志撰写的一篇文章的主题,也是海因斯和拉奇曼拍摄电影《黑水》的基础。为了给这场痛苦而漫长的斗争寻找一种风格强烈的电影语言,海恩斯在过去以吹哨人为主题的电影中寻找灵感,尤其是导演艾伦·J·帕库拉和戈登·威利斯在上世纪70年代拍摄的妄想狂三部曲电影。从妄想狂三部曲中获取灵感“无论是《总统班底》《柳巷芳草》还是《视差》,随着故事的发展,电影主角们逐渐揭露了日益严重的腐败和现代社会的恐怖。”《总统班底》《柳巷芳草》以及《视差》在海因斯看来,帕库拉的电影非常注重空间:室内空间、公共空间和公司空间。“在这些作品中,你能感觉到这些空间阴谋被隔离和限制了。随着故事的展开,它们似乎变得更加孤独和孤立。”拉奇曼则表示:“帕库拉和威利斯创作的电影能够满足观众获得叙事的需要的,同时让威利斯创作出富有层次的画面。”他让观众来完成画面,从视觉上对这个过程表示尊重。我想以某种高度写实的方式,来捕捉这个世界中的自然主义。”“所有的吹哨人电影,”海因斯说,“都是讲一个发现的过程,无论是关于记者还是律师的…像《丝克伍事件》讲的就是一名核电厂女工的故事…与其说是发现了什么,不如说是发现的过程及其对人物的影响。”《黑水》的故事在比洛特的程序性研究中逐步展开,随着律师的不断发现,观众也参与其中。“一步接着一步,”拉奇曼说,“我们尝试解出这个谜题,即使我们不知道它到底指向哪里。”用数字设备拍出胶片质感海因斯和拉奇曼最初想用胶片拍摄,就像他们之前的所有工作一样(除了《寂静中的惊奇》因为技术原因用数字拍了几张照片)。“托德总是对我们拍摄的世界中的机制感兴趣,而这个故事是关于化学物质的污染以及它们如何影响我们的生活。”这位摄影师将这一想法与胶片捕捉图像的内在化学成分联系起来,进而引出了拉奇曼和海因斯对于胶片负片产生色彩的方式(与数字传感器的工作原理相反)的美学欣赏和讨论。拉奇曼说:“胶片颗粒会受到显影化学过程的影响,卤化银负片上的的对比色也会产生交叉污染,我们很难用数字设备拍摄出带有这种特性的影像。故事发生在上世纪70年代,这个事实是我们想拍成胶片的另一个原因,就像当时的人们会看到的那样。”持怀疑态度的制片人要求拉奇曼用多种胶片和数字格式进行拍摄测试以支持他们的观点,即电影既不会增加成本,也不会降低制作速度。随后,他拍摄了超16毫米、35毫米胶片以及2K大画幅数字的测试。“不幸的是,工作室传来的消息是,”拉奇曼回忆说,“尽管他们在视觉上看到了我们的观点,而且我也证明了胶片拍摄并不会更贵或更困难,但是我们还是必须用数字拍摄。”爱德华·拉奇曼和托德·海因斯在《黑水》拍摄现场在数字设备里,拉奇曼最终选择了ARRI Alexa Mini。他和海因斯都承认,在后期的帮助下,数字影像最终能够非常接近他们在胶片上想要实现的风格。拉奇曼的记录格式是2K ARRIRAW, 画幅比为2.39:1,使用的是球面镜头。拉奇曼回忆说:“托德相信我可以做一些数字化的事情,而不会让人觉得我是在否定我们想在胶片中做的事情。”最后,他使用了一些老式镜头,努力地获得了他们想要的影像质感,特别是Cooke Speed Panchro系列镜头和Canon K-35系列镜头,以及来自Cooke和Angenieux的Vintage变焦镜头。“老式镜头都是用铅做的,打磨和涂层都和今天的镜头不同。”爱德华·拉奇曼在《黑水》拍摄现场(右一)海因斯还补充道:“我们热爱胶片,这是无可避免的,无论是它的主题还是材料。即使是在胶片上,艾德和我对于如何降低镜头的高度复杂程度也都很感兴趣。我们为《卡罗尔》和《幻世浮生》设计了超16毫米,而艾德在对抗技术和引入干扰方面做得很好,所以我们不会得到 ‘完美’干净的影像,那是我们都不感兴趣的。”《卡罗尔》致力于数字拍摄以后,拉奇曼就欣然接受了许多可用的新鲜工具,并且表示和DIT 部门有着良好的合作关系。“我过去用胶片做的事情,现在都是数字化的。”这位电影摄影师说。“我控制了摄影机的曝光等级,并且调节了不同的色温来控制画面。我知道我们可以在DI中做很多事情来找回高亮部分,同时它也有助于拍摄更高的曝光,这让我们可以更好地保留高亮细节。使用更高的EI(曝光指数)在阻挡低端曲线的同时,也会增加影像的纹理,我觉得这样有助于提供更多胶片的感觉。”寒冷而“受污染”的影像风格这部电影是在冬天拍摄的,而且大部分拍摄都是在阴天进行的。这是出于制作日程的需要,但是海因斯和拉奇曼决定将冬天的寒冷融入到电影的情感当中。在影像的处理上,拉奇曼指出,“我在寻找一种方法,让影像变得更加‘有毒’和‘受污染’,就像对角色一样。电影整体上有种寒冷的感觉,不仅是指字面上的天气和环境,也体现在故事的气质和情绪上。冬季白天的阴暗氛围增强了故事中的孤立心理。“我还用了一种更温暖的、受污染的淡黄色,这是受律师事务所、医院和不同人家里的实际情况所启发,与整体的寒冷形成了对比,”他继续说。“我们也想要表明,在室内和室外之间有一些‘入侵’。例如,律师事务实际所使用的黄绿色调‘与窗外的寒冷形成反差’。还有罗伯去祖母家的时候,她的桌子上有个小烛台灯,给人一种温暖的感觉,周围则是渐暗的冬季光线。”拉奇曼解释说,与这些心理因素无关,“我总是试图在画面中使用对比色,因为我感觉如果只有一种颜色,观众的眼睛很难看出其中的细微差别。”拉奇曼还对室内照明进行了改造,使其与室外环境相互匹配。因此,摄制组有时候会让裸露的4K ARRI X镝灯装置穿过整块网格布直接照射进室内,有时候会用8X8超大反光板将光线反射进来。在这两种情况下,室外的照明到了室内就会被柔化和减弱。为了拍摄美国环境保护署的场景,机械组在轨道上安装了24个30英寸(76.2厘米)的灯笼,每个球里都装有一个2K Mogul BWF灯泡。塑造电影真实感和观察风格在拍摄《黑水》的过程中,电影的真实感和观察风格对他们来说很重要。电影的大部分场景是在辛辛那提及其周边地区拍摄的,这里也是现实世界当中事件的发生地(从70年代到现在的几十年里)。塔夫特律师事务所在整部电影中都占据了重要的位置,而这部电影的拍摄地点就在辛辛那提市中心的大楼里,塔夫特律师事务所就在这里面。附近的一所房子是罗伯特和萨拉的家,俄亥俄州的一个废弃农场是威伯在西弗吉尼亚州倒霉的家。“律师事务所真是个好地方,”海因斯说,“我们在真实的塔夫特律师事务所里拍摄,拍摄用的会议室和罗伯的办公室也都建在同一栋大楼里,比真实的塔夫特办公室高了10层。”海因斯还补充说,所有这些都完美地融入了电影的叙事,就像帕库拉和威利斯在那些70年代偏执惊悚电影里做的那样。“从窗户看出去,你能看见辛辛那提的建筑被挡住了一部分,这限制了你的视野,创造了一种力量感和对隐藏在窗户后面的东西的好奇心,”拉奇曼说。“塔夫特办公室的构造(走廊里和窗户外)是种重复出现的建筑风格,形成了一种极简主义风格,正好呼应了我们获得灵感的两位画家(乔治·德·基里科和勒内·马格利特)在作品中使用到的负空间概念。他们挑战性地将物品和空间并置,激发了一种隐藏的力量感。”乔治·德·基里科的作品当摄制组第一次看到这些办公室的时候,里面有一些老式的冷白色荧光灯管,这一点非常吸引拉奇曼。但是在拍摄开始之前,大楼开始使用新的LED照明装置。幸运的是,电影摄影师说服他们保留了这些老旧灯管,直到拍摄结束。与拉克曼一起工作了几十年的灯光师约翰·德布劳解释说,办公室里的大部分照明都涉及到窗户光的控制,要么使用ND,要么使用现有的窗帘或是利用办公室里的荧光灯,增加室内的亮度来补充光线。德布劳说:“大多数办公室都是日光和带点绿色的冷白色荧光灯的混合光线。”“白天我们会把镝灯光线反射进去,到了晚上我们就改用钨丝灯光,用1/2 CTB和Plus Green来增强光线的质感。”比洛特的房子,正如电影里所看到的,也以它的方式讲述了一个微妙的故事。拉奇曼说:“你对于罗伯和莎拉的世界的了解,有很多都建立在这个地方。”海因斯补充道:“在他成为合伙人的初期,他们投资了一个新社区。他们本以为,他会以合伙人的身份在公司里步步高升,然后他们就会逐渐摆脱这种状况。然而这些都没有发生。在职业生涯的剩余时间里,罗伯特基本上没有其他的企业客户,这个案子主宰了他的生活。”美术总监汉娜·比奇勒的设计,以及爱德华·拉奇曼的构图,展示了在和杜邦公司的持续冲突,以及孩子们逐渐长大的过程中,罗伯特的梦想所受到的束缚。场景变得越来越拥挤,一开始看起来很宽敞,现在却感觉幽闭恐怖。这是海因斯经常使用的细节,观众不需要有意识地去注意,但是却能产生共鸣。说到底,《黑水》还是非常传统的“小人物对抗大人物、吹哨人为真相而战”的故事,之所以要讲述这个故事,是因为它改编自真实事件,在现实生活中,他们取得了胜利,打破了阻挠真相的公司制度。”海因斯说:“我喜欢罗伯在这部电影中取得的成功,他们对我来说很重要,我认为他们非常重要。但是他在电影结尾得到的消息,是我们一直在等待,也看到他们在痛苦中等待的,最悲伤的好消息。这种感觉就是,天啊,这是我们的世界,但是你该怎么做呢?”而对于拉奇曼来说,《黑水》之所以会有这么巨大的视觉力量,是因为电影几乎都是在事件发生的实际地点拍摄的。“看看汉密尔顿的那个法庭,墙上还挂着丹尼尔·布恩的画像!”他证实道,“我的意思是,你无法想象它真的会在那里。对我来说,这就是为什么我喜欢拍这样的电影,因为现实就是虚构的,而虚构的变成了现实。”附:《黑水》拍摄参数格式:2K ARRIRAW 2.39:1摄影机:ARRI Alexa Mini镜头:定焦: Cooke Speed Panchro, Canon K-35 变焦: Cooke, Angénieux本文由电影摄影师编译自:ascmag.com原文作者:Jon Silberg部分内容编译自:indiewire.com原文作者:Chris O'Falt

  • 我是一名武汉电影人,志愿者队友不幸感染 | 影视人在武汉

    这是鲜喵的第 1236篇吐血原创喵族码字员:徐小怪编者按疫情至,灾难袭。或许,未曾有人想到。进入2020年之后,影视行业不仅没有走出“寒冬期”,反而进入了更加彻骨的“冰封期”,整个行业被“冻结”。而这其中,最值得关注的就是在武汉的影视人。他们不仅面临着财务的危机,更直接面对着生命的威胁。烹小鲜( pengxx01)始终在关注着他们的安危,为此,策划了 「中国故事·影视人在武汉」专题。我们采访了数位疫情期间在武汉的影视从业人员,有导演、演员、制片人、公司老板等等,请他们分享了在疫情各个阶段的感受。他们之中有的人生于武汉,也有的人第一次来到武汉。而有的人,亲戚朋友已不幸被感染。但他们仍以最坚强的心态去应对,用自己的方式去表达对武汉的支持、对病毒的抗争。这同样也鼓舞着艰难的影视行业。本专题,我们将保留受访者最真实的自白, 每一篇都将以自述方式呈现。今天的主人公,是 电影人姚明。毫无疑问,疫情是武汉的新“天堑”,万众一心打通它的人,除了医护人员,还有武汉人自发组成的志愿者团队。姚明正是其中一员。以下是他的自述。我叫姚明,85年出生,父母和我都是武汉人。我们武汉有两种饮食文化,分别是早点和宵夜,非常丰盛。我特别喜欢小龙虾、烧烤、凉面等各种小吃。18岁之前,我在汉口居住,我很怀念那里的小馆,自考上大学到现在工作,一直在武昌生活。这里的高校很多,文化氛围更浓。我从小就喜欢看电影,觉得特别有意思。后来很幸运,进入这个行业,成为一名电影人。电影是一种神奇且富有魅力的艺术,能让人快速成长,也能让人永远保持年轻的心态。姚明工作照所以,为了不断充实与提升自己。去年,我前往北京参加了一个培训。12月31号,那天是课程的最后一天。我计划结束后动身回武汉。临近下课前,一则消息刷爆了我的朋友圈,华南海鲜市场出现不明病毒?我心里一紧,有些疑虑。随即,我和培训班的同学讲了这件事,请他们回去小心一点儿,但是我也没觉得多么严重,感觉可能类似禽流感。而后,我回到了武汉。没想到,同事的家人出现了症状。由于同事母亲进入ICU,父亲发烧。我惊觉疫情应该很紧张。我马上和妻女沟通,打电话告知父母,请他们多注意防护。由于那时候有关部门没有明确通知,我们只能在朋友亲戚之间相互交流情况,还有人提醒我,不要乱说。年前,我们公司计划在3月份举办一场大型活动。就此,需要1月18号左右和相关部门协调沟通。得到的反馈是,让我们取消或者延后,理由为疫情已经蔓延。这时候,我感觉到疫情的情况比想象中严重。从区里回来没多久,也就是1月20号。晚上,从不开电视的我看到了钟南山的新闻连线,这才彻底认识到事态的危机性。第二天,我们一家紧急去药店采购口罩。1月22号晚上,随着疫情的快速发展,海量的信息扑来,什么说法都有。我的爱人怎么也睡不着,我只能不停安慰她。次日凌晨2点,封城的消息发布,我的微信瞬间爆炸,各种群里、朋友圈里、消息列表里,几乎所有人都在讨论。很明显,武汉人陷入了恐慌。我和爱人即刻下了床,商量该怎么办。楼下有个24小时便利店,我赶紧下去屯了些生活物资。那个时候大概是凌晨3点多,店里全是人,我还和服务员讲,你明天早上会更忙,买东西的人会更多。结果服务员表示,不用明早,照这个情况,凌晨5点货架全空。1月23号上午10点,武汉正式封城,人们变得焦虑、痛苦,甚至产生了恐惧。受疫情扩散的影响,发烧和咳嗽的人愈来愈多,偶尔一刷朋友圈,能看到几十个人求助。而我身边的人也陆续开始有症状,包括朋友的舅舅、同学的爸妈等等。患者日渐增多,呈级数上涨。可是医护人员的工作却更加困难,他们本身压力就大,再加上公共交通停运,没法正常出行,整个城市的救助活动阻碍重重。看到这种现状,身边很多人开始自发组织支援。我就在想,我也可以做一些事。武汉市长江二桥有一天,因为要给肺癌晚期的舅舅送饭,我开车从武昌出发去汉口,中途驶上了长江二桥。在桥上,仅看到医护人员的车急急而行,穿梭而过。一桥飞架南北,天堑变通途。想来这句诗同样适用于脚下的长江二桥,它打通武汉的老城区和新城区,解决了无数人的出行困难。曾几何时,桥上车水马龙、车流不息。可惜现在,只有我的车和医护车,只有我们……我们?我们!就在那一刻,我有一种奇妙的感觉,我和医护人员是一体的。我可以加入医护车队啊!我立即和爱人表达了想法,虽然平日里她总说我冲动,但是关键时刻她特别支持。因此,我更坚定了。我要去协助医护人员,尽自己的力量,和大家一起打通武汉现在的“天堑”。有了想法就去执行,我加入了志愿者车队微信群。刚开始,大家不知道怎么做,一片混乱。不过后续基于医护人员的进入,开始变得规范。医护人员会直接发布诉求,告诉大家几点到几点需要去哪里,志愿者司机可以按照位置就近接单。过了大半天左右,经过大家的摸索,整个流程逐渐有序。我们车队先有一个大群,大约四百余人,然后依照地理区域又分成了几个小群,一切组织行为,都是民间自发。姚明与爱人接送医护人员那时候,医院的资源真的稀缺。有一次,我接到一个汉口梨园医院的行程,那位医生是神经外科的,四五十岁的样子,戴着口罩。他和我讲,他们科室很多人已经抽调到发热区做援助,剩下的人没有防护服,口罩也不够。现有的口罩,也要优先给患者和患者家属,况且这些患者中,也有发热的人。听他说完后,我特别沮丧,感觉医护人员真的不容易,而我能做的,也就仅此而已。再后来,因为车队队友感染,加之我们的防护措施不达标,车队解散。队友感染,我是在网络上看到的,对我的触动特别大。武汉志愿者运送物资近照,最右为姚明之后,我在家隔离了一段时间。可能是我实在待不住,也可能是打不住必须做事的念头,我和爱人讨论,还是要继续做志愿者。我看到某慈善机构招募志愿者,在武汉国博,我说我一定要去,哪怕是干体力活。爱人同意后,我开车到国博,先给官方的招募号码打电话,结果关机。我又直接去到仓库,那里一辆辆大货车在排队,没有人管我。在仓库,还有二三十个工人在卸货,七八个保安在张罗事情,我一看就知道里面没有志愿者。我找到了现场的一个物流师,询问志愿者怎么加入他们,需要干什么,他完全不知道。我还是没有放弃,又找到三个该机构的联系方式,前两个号码打过去,还是关机,第三个号码打过去,通了。我说我现在就在国博,可以参与工作,对方却说,志愿者已经招满,不需要人了,然后挂断了电话。我不知道该说什么才好。虽然某慈善机构令人心寒,但是还有更多的组织和人对武汉展开了帮助,包括武汉人,也在自救。2月19日,《观音山》《二次曝光》的制片人方励老师在国外采购了一批物资,直接送至武汉,我负责帮他们落地。而我们公司天堂映画也在力所能及地进行捐助,并且制作了一些公益视频。我所在的志愿者小团队,截至昨天,已将9.5万个口罩及2万套防护服送至了一线医院。方励团队从北京去武汉的出发前合影从疫情开始到现在,我的心态和生活发生了巨大改变。相信不只我,所有武汉人都是。以前放假我会看电影,大概每天一到两部。自从武汉封城,我一部都没看,灾难离自己太近,没有心情去娱乐。也是自那一天开始,连续五天,我每晚都在做噩梦,梦到一群人冲进我的家,向我的家人吐口水,然后在梦中醒来。武汉是疫情的风暴眼,和其他地方不同。其他地方按照市计算病例数量,我们是具体到区、栋、单元。我们这个单元已经有了死亡病例。被封闭的武汉小区我也还是会每两天给父母送一次菜,他们不和我及妻女住一起,有一次他们去了一个超市买菜,这个超市随后被查出确诊病例,我吓坏了,晚上就梦到他们被感染,非常害怕。其实在年前,我们一家人是打算去深圳玩,后来封城亲戚也在商量要不要去。我说没必要,现阶段外面已经在排斥武汉人,我们不用去受那个气,何必招人白眼呢?我受不了那种态度。此刻,我庆幸我是留下了的那个,起码我在亲眼见证这一切。事情最初的时候,很多人骂我们特别难听。我们特别委屈,这不是老百姓的问题啊。不过,随着全国人民对疫情的了解,风向发生了变化,绝大多数人对我们表示了理解,也捐赠了很多物资,我很感谢这些人。还有,我感受深刻的是,很多常年不联系的外地朋友发来了问候,个别人甚至以前有些小矛盾。大家还是很善良的。我们武汉人现在就希望疫情赶快过去,在这次灾难之前,武汉的经济日益增长,眼看着自己的城市越来越好。可是现在被这么打击一下,可能很难短时间缓过神。我希望大家不要被打倒,也坚信大家会振作。武汉街景记得有一天晚上,我和爱人跑到阳台上大喊,武汉加油!整个小区也都在大喊,武汉加油!爱人哭了,女儿特别激动,我一个35岁的大男人也哭了,哭得不能自已,我起码20多年没有哭过了。大家真的是压抑太久,虽然小区里彼此不认识,看不清对方什么情况,但是都在声嘶力竭地大喊,特别悲壮。我的家就在东湖边上,楼下就是东湖绿道,我现在真想走出去,呼吸一下新鲜空气。有人的地方,才有城。城倒人不倒,城就可以再建起来。

  • 留学干货 | 原来个人陈述写得好的,都是情书高手啊!

    个人陈述(Personal Statement)就像除作品集外的第二张脸究竟该怎么写据说只要你会写情书一定能写出一封感动院校的PS当然不也是10后这种强势追爱法之所以说PS像情书我们首先要懂得对方,了解自己说出为什么两个人很匹配再用具体事例证明为什么我们很般配第一步:懂得对方比起你永远猜不透的爱人的心,院校的要求那就明白多了。只要仔细看官网对于文书要求的描述,很多弯路和误区都能避免。1. 本科对于PS的要求纽约大学内容要求:- 你是否上过与电影有关的课程?- 你最感兴趣的电影研究领域是什么(电影类型,导演,理论等)?- 你的职业规划是什么(电影新闻/评论,电影策展,电影制作等)?其他要求:1页纸伦敦艺术大学内容要求:- 你为什么要申请这门课程?- 你想从事哪些专业以及是否有相关经验?- 你还需要明确未来你的学习目标。2. 硕士对于PS的要求艺术中心设计学院 内容要求:- 是什么激发了你制作电影?- 你想制作什么类型的电影?- 对你最喜欢的电影人做一个简短描述。- 你希望自己的作品以什么方式为世界做出贡献或有所作为?- 你过去在电影行业积累了哪些专业经验?利兹大学内容要求:- 你申请这个特别的电影硕士专业的原因。- 你最感兴趣的具体课程模块是什么,为什么?- 你本科学的是什么专业?你有什么技能和经验为这个硕士学位做准备?请提供你之前参与过的任何一个最后一年的项目细节。- 你希望从电影硕士学习中获得什么?- 你的职业抱负是什么,这门课程将如何帮助你实现这些抱负?其他要求:500字以内第二步:了解自己1. 讲好个人故事有多重要通过上述举例,我们可以发现院校最关心的还是你是怎么样的一个人。南加大电影学院在PS的要求中,特别指明了我们需要寻找的是独一无二的你,请告诉我们你的独家故事。看看USC的校友对于你讲好个人故事,都有哪些建议。不要告诉他们USC有多棒...他们已经知道了。相反,向他们展示自己的声音。by Jayimess我在申请过程中尝试遵循的唯一规则是“不要向他们展示他们以前见过的东西”。因此,就我的个人陈述而言,我完全避免所有谈论我为什么喜欢电影及其特殊之处的话题。直到最后,我才提到电影。我专注于对我来说完全独一无二,其他人没有的事情。写作样本也一样,不要陈词滥调,成为唯一的你!by moni4liberty就我个人而言,真实的故事是最好的。从你本身出发,想想生活中的哪件真正的事件改变了你原本的生活方式,并导致你对电影制作产生兴趣。如果你描述的这段经历足够精彩、真诚又突出了你独特的个性,我认为那就足够了。by LonelyBear重点关注那些你与众不同的地方,避免千篇一律提到史蒂芬·斯皮尔伯格或乔治·卢卡斯(除非他们真正对你产生了巨大影响),并且PS听起来最好像是一个故事。毕竟,成为电影制作人就是要讲一个好故事。by Xylo2. 如何寻找个人故事素材所以你要做的就是筛选和分析自己的每一段经历,为PS写作提供足够多的素材。学习经历- 为什么选择申请该专业?有哪些因素影响了你选择这个专业?(请用具体事例说明在你的个人成长过程中,你的抱负、价值观、梦想是如何发展起来的)- 谈谈你的学习经历(高中+高考经历+大学),突出自己在学术、语言、课内外活动的优异。如GPA较出色,请描述你是如何通过具体努力获得它的?创作经历- 有哪些让你印象深刻的与申请专业相关的艺术设计经历?在这些经历中,你遇到过哪些困难?如何解决的?解决问题后,你的收获是什么?- 举例说明在你的艺术创作过程中你最关注的是什么?你是怎么创作作品的?比如:你是如何通过作品怎么表达你的想法?你的作品风格是什么?专业经历- 在你所选专业领域内,列举出两到三个你喜欢的艺术家或设计师及其作品?他们在哪方面对你产生了怎样的影响?- 你看过哪些专业的书籍?里面有哪些经典话语让你印象深刻,引起你的共鸣?实践经历- 你有哪些与申请专业相关的实习或工作经历?具体说明你的工作职责和收获?- 你参加过哪些与申请专业相关的研讨会或展览?这活动中你都做了哪些事情,用到了哪些专业知识,并学到了什么?第三步:如何证明双方匹配1. 与过往的学习期望相匹配你有什么技能和经验是为这个学位准备的?这是每个学校都爱问的问题。学校会选择那些有个人规划、为了实现自己的职业梦想而努力的学生。学校想知道是哪些过往经历导致你做出这么一个重大的决定。并且在这背后,并不是心血来潮,而是你真的已经准备好了,为此已经努力很久了。比如在这篇申请Film Studies专业的PS中,申请人是这么描述她为了进入电影专业都做的努力的:- 她对电影的兴趣来自于巴兹·鲁尔曼的电影《罗密欧与朱丽叶》;- 她对电影的喜爱又促使她读完了《编剧入门》、《改编:从文字到荧幕》,了解了如何将一部400页的小说精简成85-100页的剧本;- 在课上,她选修了电影课程,从而对路易斯·布努埃尔和萨尔瓦多·达利影片中表现出的超现实主义感兴趣,拍摄了两部短片;- 在课外,她除了喜爱阅读编剧类书籍比如《看不见的墨水》,还在当地美术馆和博物馆中担任志愿者,如此可以和国际游客交流对于好莱坞电影和东亚电影的看法。2. 与未来的职业目标相匹配“我一直没有做太多跟她关于未来的设想”,这句话早就已经被列入渣男语录了。同理,大家在写PS时,也不能只提过去,学校更关心的是你对于未来的打算。只有明确了自己的学习目标,才能更好学习。比如Film Studies专业偏理论,你在PS中说想要动手制作电影,那肯定被拒。再比如伦艺的MA Film专业在刚开学学生就会被分好方向,如果你在PS中对未来的规划还很模糊,想把导演、摄影、制片、美术、编剧这些电影制作流程都体验一遍的,那也很难拿到Offer。我们可以看一下申请上南加大的亚裔女孩在PS中是怎么写自己的未来规划的:开头她就提到,在7年级的时候,她就已经做好人生的规划了,她会在父母的期待下去斯坦福上大学,大一的时候就和她的天才室友一起创业,创业会占据她太多时间所以她会辍学,然后这家公司会成为超越微软和苹果的超级存在,最后30岁退休并搬到迪士尼乐园。这当然是一个玩笑,她想表达的是,她在7年级的时候就发现讲述故事的魅力了。通过从著名的成功故事中提取元素,并加入自己荒谬的观点,在这个过程中巧妙地批判硅谷的成功文化,来创作一个故事,是一件很有趣的事情。在对未来的电影创作上,她想给那些历史悠久的概念注入新的生命,比如《英雄之旅》(the hero’s journey),但同时也会尊重每个故事背后的元素。毕竟,真实性是让艺术产生共鸣的东西。它使故事与人们产生共鸣。可见她对于电影的创作理解都是非常好莱坞化的,在向好莱坞源源不断输入人才的南加大自然是喜欢这样的学生的。今天对于PS的介绍就先到这里了,希望大家能按照这个套路,写好一封情深意切的,能感动到对方的个人陈述。如果不行,那就多写几封吧!毕竟你的择校名单可有5所以上啊!想要获取更多学习资料和行业动态,也欢迎大家加入我们的免费学习社群。>>点这里

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