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综述
  • 原来 Vlog 还可以这样玩?浅谈 Vlog 的开放性思维和前期策划

    江湖规矩,先看片,后说话。大韩民国 Vlog | 杰西传奇:吃鸡少女的魔性之旅△ 拍摄器材3 台 iPhone (5s / 6 / 7p)MK10 手机脚架2 个移动充看完了,大家也许会问:这真的是只用手机拍的吗? 对,真的只用手机拍的。但手机并非难题,而我觉得自己在摄影方面做得也不好,技术问题也不是本节分享我想说的,接下来我想问大家一个问题:你觉得这是一条 Vlog 吗?每个人有每个人的答案,而我的回答是 —— 这是一条 Vlog。持相反观点的小伙伴可能会有各自反对的理由,那在我说「前期策划」之前,不妨我们先聊一下「Vlog是什么」的话题。因为这点真的很重要,当然接下来的话都是主观认识,无关对错,望各位取其精华,去其槽粕。01 什么是 Vlog定义事物就像一个画框的过程,框本身的大小会限制我们的视野与想法,而所有的方法论也只能在仅限的范围里谈论。所以在回答怎么拍 Vlog 之前,也许要再探讨一下 Vlog 的可能性。在风口接一个风口的互联网时代,Vlog 算是一件新鲜事物,但感觉又像是被快速催熟的果实。新鲜义为诞生不久,催熟表现在它似乎已被定性为一种形式上 A-Roll 为主(博客直接与观众交流互动,主要以面对镜头的方式说话),B-Roll 为辅(人文风光的一些散镜作为过渡),内容上分享播客生活的影视作品。「视频博客」无疑是等于对生活、感受与想法的表现与记录,但形式上是否局限于 A-Roll 与 B-Roll 的穿插互补,这个我持开放性的态度。因为大家在谈及 A-Roll 为主这点时候,本质上是从【真实】与【日常】两个层面来考虑的,【真实】即播客与观众打破第四面墙的直接互动,表演成分少,长镜头记录等;【日常】说白就是操作相对简单,相对策划型的创作来说可以量化生产。但难道一个全程没直接看镜头的、经过周全策划并且不是日更或周更的视频博客,就不是 Vlog 了吗?举个不太恰当但易于理解的例子,一个外向的人跟你亲近,跟你述说他的一切不是因为他真实,而是因为他外向,而一个内向的人把自己反锁在家里过自己的小世界,你不了解他的一切,觉得他高冷,但不代表他就不是一个鲜活的人了,他也是真实的,只是那种真实没那么亲切罢了。所以,定义 Vlog,我觉得如今都为时尚早。他是记录生活、感受与思想,但形式绝对不仅是 A-Roll 与 B-Roll 的穿插互补。但有一点可以肯定的是,它必须是【真实】与【日常】的,线上我看你是这样子的,线下接触也会是这样子的;线下你住不了五星级酒店,线上就没必要逞强去表现。私以为接受了上述的前提,Vlog 未来可能性的大门才会被打开......任何变革都不能一蹴而就,有时候步子迈太大会受伤,但从形式上渗透会是一种取巧的办法,千万不要给 AB-Roll 限制了你的创新。在你我生活都不比别人的随手一拍精彩的时候,更需要从形式和创意上面多花心思。而且说不定形式上的创新会反补到内容的创新,那时候才会是 Vlog 百花齐放百家争鸣的一天。02一条好的 Vlog以我的第一条 Vlog《杰西传奇》为例,谈一下自己的创作想法,但不具备普适性,仅供参考。在知道「怎么拍好」之前,先要知道「什么是好」,在我看来,一条好的 Vlog 至少要具备以下三个条件之一:有用,有趣,有共鸣【有用】简单说就是干货类,这种 Vlog 屡见不鲜,往往也能最快吸粉,比如分享影视干货、美妆知识和探店做菜等,反正能让你学到知识本领或拓展你认知范围的均属这一领域;【有趣】可以分为内容上有趣或者形式上有趣,内容是指播客的生活本身有趣,比如被捧上天的油管红人 Casey Neistat,他的生活态度和生活经历本来就与普通人很不一样,自然玩法也很多种;而形式上是指制作层面的独具匠心了,例如策划编排别具匠心,故事讲得特别溜;拍摄手法新奇百出,什么无缝转场天旋地转;后期无数个通宵,把一堆苟延残喘的素材拼接得回光返照等等......呃,反正不要被贫穷限制了想象力。而假如你有钱,更加不应该没想象力。【有共鸣】比较玄学,但也是最具「杀伤力」的,有句话说得好,研究作品不如研究人,如果别人能从你的作品看到了自己的生活痕迹和所思所想,或者你把一些潜藏在他心底里的朦胧幻想与梦牵引了出来,那你的作品某种程度上来说,也是他自己的作品了。谁都有被影视作品打动的经历,好好回忆一下那种感受。而我的第一条 Vlog《杰西传奇》,自认为是做到了有趣与有共鸣的。下面我会以这两点出发,简单讲述一下前期策划的心得。03只谈策划,不谈风月对于《杰西传奇》的评价,大半以上的留言都是说「剪辑炫酷」「后期好棒」「跪求 BGM 」「别人家的 iPhone 系列」等。说实话,这类赞赏我看上去并没什么触动,反而是「充满魔性」、「脑洞很大」、「粗犷的精致」这类型评价,令我比较欣慰。因为剪辑、BGM 神马的都是后期的事,它掌控不了大局,也决定不了片子的方向,但前期的策划可以。这些魔性脑洞与粗犷的精致,在前期策划时候已经大抵在我脑海中打下了烙印。假如没有前期精心的策划,后期就算怎么搭救,片子也只可能是无本之木,下面介绍一下自己前期策划的创作手记。 • 预设主题 •片子要有主题,只要不是偏激的、煽动情绪或者违法的价值判断,都能作为你片子的主题。主题一方面是你片子的精神支柱,是所有东西的承载。你可以不往深去挖,但这是你个人形象输出的最关键一环,也是你区别于他人最本质的一点。很多流水账的片子不是因为他们记录方式冗长而无重点,而是他们缺乏主题,假如纯粹一镜到底地对着镜头说话,但你发表的是你的态度与观点,那也是有主题的片子。但这里我建议(纯粹个人偏好),主题切忌多而杂,一部片尽量一个主题就好,不然难以深入,走马观光到处蜻蜓点水难免会得浮躁,而且也容易将你要说的东西过早摊薄掉。《杰西传奇》的主题是人应该抛离社会的世俗偏见,遵循自身的自由意志。当然你也可以是很简单的主题,比如「某某网红店的冰激凌真的是全广州最难吃的」,这也可以是你的主题,这无分好坏与高低,只要是可以传播的价值判断。确定了主题之后,就可以视主题而架构你片子的结构了,要将「主题」落地,放在结构里的每一处角落,最终是为了论证或完善或颠覆你的价值判断。好看的皮囊千篇一律,片子的结构大抵离不开起承转合或总分总等,但有趣的灵魂万里挑一,怎样做到有趣这真的不能一概而论,关乎你个人的品味喜好和能力素养。这样一句话带过看似很不负责任,但这也正是创作最私密的部分,如果说主题是一种欲望,但这部分就是用你毕生的经验在将这种欲望具象出一张蓝图,这个过程你是给自己提出问题也是跟自己在对话,你会越来越清晰你想说的是什么和你想要的是什么。《杰西传奇》的主题看似很「大」,但落地却很「俗」。首先把大主题再细化(即说人话),世俗偏见是啥?—— 世俗的审美标准,拜金消费主义;自由意识是啥?—— 老娘就想拼命吃,不减肥不整容。于是怎么去表现?调味炸鸡和原味炸鸡,美女和杰西,在这里头似乎找到那么一点联系?然后抓着联系不放,以这个最原始的点去发散。将任何看似没强联系的东西通过一种蒙太奇思维绑起来,最后讲出一个带有起承转合的故事。要声明一点,策划归策划,片子里头的人物表演和性情都是本色出演,所以它是真实的。而恰好这种被细化落地之后的主题也是接近观众生活,他们多多少少也能引起共鸣,感动自己也要感动别人。以上介绍给大家的思路是:主题「先行」。「先行」是一个出发点,不代表出发之后就一定是论证的过程,记录不是伪记录,策划是描绘你的一张地图,跟着地图走不代表就不是探险,路途发生什么我们尊重事实就好了,到达终点时候也许最终既定论点会被推翻,也许旅途中途会发生意外拦腰折断,但往往这就是生活本身。 • 勘景踩点 •这点是很多人忽略的,但我个人觉得很有必要。当然踩点不是叫你实地考察一遍,这不现实而且很刻意,但你可以用其它办法先大概预览一下拍摄的场景,比如网络。因为场景除了好看之外,更重要是它是情感的依托。有些动作只能在这样的地方做才有那种味道。而且提前知道你所要到的地方大概是怎样的环境,对于你现场的调度和拍摄也有一个大概的预期。如果说结构是片子在时间上的凝缩,那场景便是空间上的延展,所以不要忽略你片子里出现的每一个场景。事前做到心中有场景,才能有的放矢 —— 在哪里该做什么事情,该说什么话,发生什么故事。最后按照拍摄需求,做出高效的行程规划和路线方案。《杰西传奇》的「踩点」是在各大旅游网站上面进行的,结合搜索的景点图片来策划杰西在相应地点的表情与动作,所以才能在旅行时定时定点地完成拍摄方案。 • 脚本撰写 •前面两步完成之后,就可以撰写一个拍摄脚本。上面有每天要去的地点和每天要拍摄的镜头,甚至细化到每个镜头的表演,当然有些镜头是硬性要拍的,有些就可遇不可求。比如说,我知道我要去济州岛,有一些宏伟的延时我必须要拍,而且根据先前预览的场景图片我知道我也肯定可以拍到,又比如我知道韩国的国旗我必须要拍,而国旗要拍出怎样的感觉?因为之前我对内容和调性有了明确的需求,所以我最好要拍到有气势的飘扬的国旗,所以... △ 凌晨刚达韩国,在等候机场大巴的空隙,顶着零下的寒风,我拍下了还算满意的国旗另外脚本不需要累赘冗长,格式因人而异,只要简练并且自己看懂就行。因为在外面跑时候没那么多时间给我们看密密麻麻的字。当初我就是随身带着脚本,生怕一些必要镜头拍漏了,每晚回酒店都要检查。假如当天有一些必要镜头因为各种原因没拍到,我会当晚睡觉前调整策略,力求在明天的行程补回。而半天一天周期的 VLOG 也是同理的,脚本不是一个煞有介事的存在,只是一个辅助创作的媒介,正所谓好功夫不如烂笔头,谁都不可能做到忙而不乱,更何况在高密度创作的状态下。• 其它技术层面的准备 •具体参考其他专业人士的答案,我就不作详述,但不说不代表不重要。比如我拍《杰西传奇》之前知道我只有手机,那我会提前做好以下的准备:1. 购置三脚架配件;2. 学习 iCloud 的使用,在旅行过程中及时备份素材;3. 手机安装并学习 FiLMic Pro 和 Lapse it 两款 Apps,以至于扩展并强化手机摄像和延时拍摄的功能...反正知道自己在干嘛什么重要,但我强调的是让器材为我所用,而不是背着一堆器材出门刷安全感。所以不要被器材限制了想象力和行动力,不要做键盘摄影师。 04总结以上就是这次分享的主要内容,回过头看感觉并没什么直接的「干货」?也没有直接告诉你如何把自己的 VLOG 做得有用、有趣或者有共鸣。但私以为道比术更重要,出师前的谋篇布局比具体一两个转场要更重要,运筹帷幄之中才能决胜千里之外。但也许你会觉得这样做 VLOG 太累,太功利化。也许你只是想轻松地记录个人生活,不需要带着这么多沉重的包袱。当然任何行为都是允许的,说白了 VLOG 是自己的事情,每个人有自己的自由意志和选择,因为不管你做不做策划或者不管你做的是什么选题和主题,假如你坚持记录,纯粹就让时间成为你的命题,一年之后蓦然回首,你发现自己记录的也算是一段小历史。但要想深刻,那就要深入。而有时候过于「功利化」也不见得而忽略了体验,就拿这次韩国的 VLOG 来说,相对于个人内心世界的探寻,我比较少关注身边的事物,但这次因为拍摄附带了强动机和强策划,让我加强了对周围细节的关注,一路上我的感官变得更加警惕和敏锐了,反而令我看到和听见了日常不会注意的东西,那是一次全新的体验。说不上脱胎换骨,但算是在创作过程中找寻的一种感觉,确实也需要这样的一种感觉。要做生活的目击者,不要在生活中寻找你要的东西,而是努力感受生活中到底发生了什么。不是有个既定的态度让然后去发掘论据,而是要尊重事实。用事实判断而非态度判断。生活是复杂的,要关注复杂并且表现复杂。以上,共勉。最后下一个定义:策划是让片子的 60% 在你脑海中成型 ,另外的 40% ,是属于命运的惊喜或惊吓(当然这个比例我也没做过研究与量化,因人而异)。 △ 这个画面完全就是惊喜

  • 20年前,处于黄金时代的香港电影是如何走下神坛的?

    上世纪90年代末到2000年初,香港流行音乐以及电影以盗版光碟的形式,进入内地,并对一批80、90后产生深远影响。盗版的泛滥离不开影碟机的出现。1993年,世界上第一台VCD视盘机(影碟机)诞生在中国内地,此后,VCD机在内地的销量持续攀高,到1997年,年销量已增至1000万台。当然,习惯了在碟厅消费电影的内地观众,完全无法意识到,盗版的泛滥,也在多年后,成为了助推香港电影走向衰落的原因之一。但也正是得益于盗版的传播,李小龙、张国荣、梅兰芳、周润发、梁朝伟、周星驰、钟楚红、张曼玉、刘嘉玲…...在内地红到发紫,现在的人可能无法想象,香港是如何在短短的二三十年间,发现并培养出了如此多优秀的电影人。刺猬公社 | 铁林没有谁能完全代表香港电影,香港电影是群像,有侠客,有警匪,有香车美人,也有市井小民。人们记忆里的香港电影是警匪黑帮,是旺角,是维多利亚港,是反复出现的街角城市。这一切的源头,要追溯到1909年。那年,香港出现了第一部在本土拍摄的电影《偷烧鸭》,剧情很简单:又黑又瘦的小偷,盗了一个胖子的烧鸭,被警察抓个正着。这是当时典型的美式喜剧套路。据记载,影片导演梁少坡在拍完《偷烧鸭》后,就迅速北上抵达上海,继续学习电影。此后的几十年间,香港电影一直缓慢发展,并持续接受来自欧美、日本、上海等地域的影响,在各种文化的交锋之中,香港电影一直在探索自身的定位。一直到1958年,后半生在内地盖楼无数的邵逸夫从新加坡回到香港,成立“邵氏兄弟(香港)有限公司”,正式开始他在香港的电影事业。从他开始,香港电影,终于进入了疾速迈步的时代。港味记忆1988年,《旺角卡门》。旺角两居民楼逼仄的巷道中间,小弟乌蝇(张学友饰)对着旺角混混阿杰(刘德华饰)说,我乌蝇宁愿做一日英雄,都不想一辈子做条虫。2002年,《无间道》。香港四方商业大厦楼顶天台,刘建明(刘德华饰演)对着警方卧底陈永仁(梁朝伟饰演)说:我想做一个好人。大部分时候,港式警匪片属于街道和巷子,人们在巷道中穿梭生活。这里什么都有,但唯独没有人类足够的生存空间,道路狭窄,楼宇密集,庆幸这里没有冬天,厚重与不便不适合这个节奏飞快的城市。《无间道》要展现开阔的空间,只能选择往上走,这在港片里是极其少见的,导演刘伟强刻意放大了空间与空间之间的对比,天台属于一些虚妄的念想,注定无法落地,刘建明永远不可能获得重构身份的机会。香港的繁华和明亮,体现在无数的购物商场,以及夜晚大片色彩斑斓的灯光里。受过港片影响的游客,注意力往往不在购买,他们追寻着港片里每一个意味深长的地标,只为了寻找到记忆里那个挥之不去的画面。比如《胭脂扣》(梅艳芳、张国荣主演,1987年)里的水池巷,《重庆森林》(林青霞、金城武等主演,1994年)里的重庆大厦,《最佳拍档》(许冠杰等主演,1982年)里的皇后码头,每一部在本土拍摄的经典电影,都会为香港留下一个时代景观。第一次去香港的游客可能常常会感到惊讶,在香港,任意走动就可能误打误撞记忆中某部电影的取景地。“香港是效率很高的一个城市。一天24小时,你什么时候要吃什么东西,随时都可以买得到。因此香港酒店餐厅的生意都很差的。因为只要你走到街上,从最便宜到最贵,不知道为什么都有24小时的。香港就是这样。”《窃听风云》导演庄文强解释什么是独特的“港味”电影,“香港又是一个那么挤的地方,所有的街道都是很窄的,行人道很窄,人跟人很容易碰撞,人跟人很容易摩擦,很容易对抗。广东话又是很高速度,大家讲话都劈里啪啦好快的。那种节奏感是独有的。所以有一段时间我们的前辈拍出了很优秀的电影,那个电影结合了香港实体的语言,文化的语言,在他的电影语言里,然后形成那一种就叫我称之为‘港味’的东西了。”1997年之前,内地居民赴港旅游需要办理繁琐的手续。那个阶段的香港,还未揭开神秘的面纱,内地居民依赖电影,拼凑出了维多利亚港口、中环、尖沙咀的模样。自上世纪七八十年代开始,高速发展的香港电影开始影响东南亚华语圈、中国台湾、韩国、中国大陆等地。偶尔还会有一些片子冲出亚洲,进军欧美市场。韩剧《请回答1988》的第一集,五位主角聚在一起,收看的正是当时流行的枪战类型片《纵横四海》(1991)。“枪战片”是导演吴宇森所长,他被奉为“暴力美学”的大师,最经典的画面自然是在《喋血双雄》(1989)里,周润发教堂枪战,四周蹿起白鸽。吴宇森之后,黑帮英雄片成为电影潮流。这是香港电影的特点,受到市场驱动,商人逐利而行,一部片子的成功,决定了接下来一定会有续集、再续。各类模仿也会在一段时间成功收获票房。直到观众厌倦,倒尽胃口。因而,香港流行什么,内地的观众就在看什么。香港永远是活在电影里的香港。武侠复兴带着香港电影进军欧美的,竟然是融合了中国传统文化的武侠片。新派武侠片的开山鼻祖,不得不提及三位大导演:胡金铨、张彻、李翰祥。张彻出生于1923年,原名张易杨,祖籍浙江青田,在上海长大。因而,张彻在拍摄电影时,并非完全的“港派”思想,譬如完全模仿好莱坞流行。“海外千万华人,到现在,除了中年以上的人,犹有‘故国衣冠’之思,年轻一代,根本不知‘故国衣冠’为何物!有之,只是在电影中看到。——海外青年爱看武侠片,我们国产电影,若能把握这一机缘,不但可使海外青年,不忘‘故国衣冠’,而且能借此潜移默化,灌输我国固有忠孝节义道德,于不知不觉中,多知我先民之英勇壮烈事迹,而增强民族信心。”张彻把这一思想应用到了电影拍摄之中,他开创的阳刚武侠浪潮,成为了香港电影崛起的转折点。(《香港电影研究》王海洲著)譬如他的代表作《独臂刀》(1967),男主方刚几经磨难,最终习得独臂刀法,在故人危难之际,挺身而出,以德报怨,战胜了“长臂神魔”。这一人设非常符合人们对传统武林大侠的想象,一身正气,命途多舛,但凭借天资与勤奋,最终克服外在和内在的困难,突破人生瓶颈,凭一己之力,收获至尊武林地位。有记载称,《独臂刀》成为了香港第一部票房破百万的电影。电影成功,比张彻还兴奋的,可能是本片的老板,邵氏兄弟电影公司的老板邵逸夫。前文提到,他在1958年返回香港,开始自己在香港的电影事业,集中火力对抗在香港的另一家电影制片公司“电懋”(国际电影懋业有限公司)。邵逸夫出生于1907年,于2014年辞世。他在家排行老六,还在念中学时,就加入了长兄在上海的电影公司天一,并负责海外发行事宜。后受战争影响,公司业务一度受到重创。待战争结束,邵氏电影业务才重回正轨。回港后,邵逸夫重金新建邵氏影城,据张彻回忆,当时邵逸夫手上,拿着汇丰银行无限投额支书。正是在邵逸夫手下,邵氏电影以阳刚武侠打入市场,《独臂刀》后,又有了《金燕子》《大醉侠》《龙门客栈》等。辉煌时期,三大新派武侠导演,同时供职于邵氏电影。与张彻不同,胡金铨(1932-1997)出身北京京剧科班“富连成”,将舞台化的武打动作,改良为节奏更快的电影动作,他在1967年离开邵氏,赴台发展,后来,一部《侠女》让他获得了第二十八届戛纳影展最高技术委员会大奖,《山中传奇》助他成功拿下金马奖最佳导演奖。李翰祥则是二进宫。不堪邵氏压迫,李翰祥在1964年受对手“电懋”撺掇,离开邵氏,前往台湾组建国联(国联影业有限公司)。但因经营不善,又在1971年向邵氏求和,请求回到香港发展。重返邵氏后,为了证明自己的商业能力,也为了报答邵逸夫的收留,李翰祥开始主动拍摄风月片与喜剧片。后人对他此举颇不理解,评价也不高,毕竟这是一个曾经获得金马奖最佳故事片导演的能人。后据他本人回忆:“我拍的那些喜剧呀,风月片呀,完全是为了卖钱。”(《香港电影演绎》魏君子著)在引入电影三级制度以前,香港某一些古装情色电影被统称为“风月片”。女演员接拍需要勇气,导演改弦易帜也并不容易。比如同时期的台湾导演牟敦芾,受邵逸夫之命接拍“风月片”,其未婚妻——台湾第一美女胡茵梦得知后,毅然悔婚。当然,后来人多认为,这是胡茵梦找出来的“借口”。李翰祥的状态可能是当时很多电影人都要面对的两难选择。公司青睐于可以迅速挣钱的片子,而导演常常怀揣着野心。以挣钱为目标的公司,没有足够的耐心和成本让导演们尝试新的电影风格。邵逸夫的电影江湖从来就不曾太平过。1970年,邵氏手下重臣邹文怀出走,并带走何冠昌等强将,成立嘉禾公司。何冠昌与后辈的联系紧密,也是著名歌手、演员梅艳芳与成龙的干爹。嘉禾与邵氏相比,并未有太多的优势,但好在老板邹文怀眼光毒辣,在1970重金谈下李小龙,先后推出以李小龙为主演的功夫片《唐山大兄》《精武门》《猛龙过江》,每一部都屡破票房纪录。最终,嘉禾在70年代成长为,唯一可以与邵氏对抗的电影公司。老对手“电懋”的消失,则让人颇感意外。1964年,老板陆运涛在台北乘坐飞机失事,包括陆运涛及其新婚妻子、行政人员等电懋高层在内的57人全部罹难,“电懋”不再是电懋,邵氏还是邵氏。新浪潮的胜利当一个东西成为流行时,那它距离过时就已经不远了。张彻、胡金铨为代表,改良的新武侠电影,在进入80年代后,尽显疲态。艺术创作的魅力就在于此,标准是不恒定的。进入上世纪80年代,香港经济发展迅速,本地市民开始有了新的精神追求。一大批80、90后更为熟悉的电影人也正式进入大众视野。很多人可能不知道,邵氏以及电懋等老牌电影制作公司,主要拍摄的是“国语”电影,便于电影辐射更广阔的华语圈。但随着香港本土文化的形成以及香港本土意识的觉醒,粤语开始成为主流,“香港人”也成为了电影导演的关注对象。比如导演许鞍华在1979年推出的《疯劫》,电影以真实案件为基础,配合以电影镜头的运用,画面的调度,改编为了一部在当时非常新颖的惊悚片。《疯劫》也被视作香港新浪潮电影的代表作。许鞍华出生于内地,但她的教育是在香港完成的。她在接受采访的时候就曾经说过,“本地味道越浓厚,生活感就越突出,就更能感染人。”从《天水围的日与夜》到后期的《桃姐》,都是许鞍华对香港本土人物的观察。如何拍电影,拍什么样的电影,体现出了香港人对自我身份的认知。邵氏时期,大部分在香港发展的导演,更多受到内地传统文化的影响,也多生长于上海。战争爆发后,很多人从上海移民到了香港。进入80年代,香港本土影人面临的问题是,如何表达香港本身?不是英国的,也不仅仅是传统的。梅艳芳主演的《胭脂扣》,张曼玉主演的《阮玲玉》以及更后期的《无间道》,都被视作香港电影人对身份问题的探讨。《胭脂扣》中,梅艳芳饰演的名妓如花回到了1934年,张国荣扮演的陈振邦是南北行海味店的太子爷,俩人于风月场所中相识,后开始热恋,但身份的差距,让俩人无法走到一起,最后相约殉情。但陈振邦并未殉情成功,他失去了殉情的勇气,结婚后,潦倒生活。如花以“魂魄”的形式,目睹了这一幕。这是前香港与后香港时代的相遇。《阮玲玉》中,开篇就是张曼玉个人的采访,剧情与采访穿插,老一辈电影人与新一代电影人之间,既有重合也有传承。《无间道》更为明显,无论是警方卧底陈永仁还是黑道卧底刘建明,都在追求身份的“单一性”。得益于本土意识的觉醒,吴宇森、徐克、刘伟强、关锦鹏、尔冬升、杜琪峰、陈可辛、林岭东等为代表的“新浪潮”导演崛起,他们突破了题材与拍摄手法的限制,成为了香港电影黄金时代最宝贵的电影人。演员百花齐放时代造人。80年代的香港,名导名演员遍地。但即便如此,演员还是不够用。人人都想争夺最红的演员,且只要配上知名演员,影片的投资立刻有了保证。梅艳芳最早并不是演员。1982年,19岁的梅艳芳参加了香港无线电视以及华星唱片合办的第一界新秀歌唱大赛,并最终胜出,就此出道。关锦鹏在采访时回忆,“拍《胭脂扣》时,原著作者李碧华也觉得她百分之百最适合演如花,尽管开始设定演员的组合一直在变———中间考虑过刘德华、钟楚红、郑少秋,到最后我定下张国荣演陈十二少,大家就是不愿意改掉梅艳芳。她也表示很喜欢那个角色。”《胭脂扣》拍摄结束后,关锦鹏、梅艳芳、张国荣成为了好友。甚至后来的《阮玲玉》,关锦鹏也说是为梅艳芳量身定制的。但梅艳芳并未接拍《阮玲玉》。张国荣比梅艳芳大7岁,但两人先后在2003年去世。他和梅艳芳的经历相仿,都是先唱后演,到90年代,张国荣退出乐坛专注电影事业。不管是程蝶衣还是何宝荣,张国荣在演出时,都有特殊的张氏气质,他的演出不能用“像”来形容,而是他本身就“是”。现实生活中,他也是性别议题上的先锋者。既为先锋,则注定要承受其中的痛苦。永葆青春的唯一方式就是在年轻的时候死去。和张国荣搭档《阿飞正传》(1990)的时候,张曼玉还未出演《阮玲玉》(1991)。张曼玉出道早期被媒体称为“花瓶”,因多出演单纯而美貌的女性角色,并无太多演技上的挑战。在《阮玲玉》的片前采访中,导演提到阮玲玉的经历,张曼玉当下的回答就是:那不是就跟我很像?张曼玉的前辈,“老演员”阮玲玉一生极其短暂,事业上获得了极高的关注,经历过从花瓶转型实力派的时期,但个人感情之路并不顺畅,当时的舆论对她的私生活投去了过多的关注。一直到她25岁,终于,留下:人言可畏,我何罪之有?后吞下安眠药,离开人世。《阮玲玉》播出后,张曼玉拿到了第42届柏林国际电影节最佳女演员,并再次拿到金马奖、金像奖最佳女主角。八九十年代的香港,有好的剧本,也有好的导演,同时也就挑选出了一批好的演员。很多演员身上都有摘不掉的标签。比如周润发和枪战片,周星驰和无厘头,成龙和功夫片。他们是香港电影流行文化的缔造者。周润发、周星驰、成龙三人被业内称为“双周一成”,因为自身的商业价值高,各有所长。优秀的演员太多,受限于本文篇幅,并不能一一提及。时代和人的关系很微妙,这群人成就了时代,时代也成就了他们。随着香港黄金时代的过去,台湾、大陆的本土演员也在成长,失去好剧本的香港演员们,代际成长没有跟上,终究再难看到当年的盛况。大陆的大花们也在成长。2009年,高群书的《风声》启用了清一色的大陆演员,这是第一部以大陆演员为主的商业大片,李冰冰凭此片拿到了金马奖最佳女主角。引入台资 烂片泛滥危机潜伏于黄金时代。很多人以1997年为分水岭,并以回归前后,来界定香港电影的发展态势。但许鞍华不这么认为:对香港电影来说,1993年才是真正的分水岭。1993年之前,香港市场一年可以拍到二、三百部电影,而且票房很高,在台湾地区、韩国乃至东南亚都很有市场。可是到了1993年,美国电影《侏罗纪公园》等大片的上映,反响很好,给香港电影带来冲击;台湾片商也不再像以前那样买片花,很多电影拿不到定金,开不了机;加上香港电影质量也出现一些瑕疵等原因,这之后香港电影开始走下坡路。(《导演许鞍华:我与香港七十年》新华社)80年代后,香港电影有了国际影响力,自然不缺投资,尤其是来自台湾的投资商。90年代初期,台湾投资商看中了香港电影市场的巨额利润,慷慨解囊,只要香港影人能够拿出大概的故事提纲,再辅以相应的香港影星,就能直接拿到上百万的投资。这倒是很像早两年的创业潮。成果不重要,前期的大饼更重要。数据显示,在台资的助推下,香港电影年产量一路猛增。有数据显示,1988年香港上映影片数量为120部,到1992年上映数量增加到165部,1993年首次出现下跌,回落到了153部,与许鞍华观察到的现象一致。市场是有限的,特别是重量不重质的香港电影,边拍边写剧本的例子,比比皆是。吴宇森在2014年公开说过,“我们几乎要拍什么就拍什么。我有好几部戏根本没有剧本,一面拍一面写。 《英雄本色》只是有一个故事大纲,然后凭感觉、感情拍出来。拍《喋血双雄》也没有剧本,也是边写边拍。因为大家互相信任,这种信任来自投资方、来自观众,也来自片商,他们对我们有足够的信任与喜爱,所以我们工作自由度非常大。 ”王家卫也在台资富裕的时期,拿到过投资。徐克拍摄的《笑傲江湖之东方不败》火了以后,王家卫搞出了剧本《东邪西毒》,并配上了比《阿飞正传》还要豪华的明星阵容,包括张国荣、林青霞、梁朝伟、张学友、张曼玉等等。但王家卫依然是王家卫,电影是不可能充满赶制的。拖拖拉拉半天,刘镇伟探班的时候发现,这戏根本不可能按照原先承诺的档期交付。为了避免王家卫惹上台商的麻烦,刘镇伟用一个月的时间拍摄出了《东成西就》,还在贺岁档成功收割了一波票房。类似《东城西就》的作品很多,香港电影里有个专门的名词叫“七日鲜”,形容一部电影的的制作周期极短。1986年《英雄本色》大火以后,徐克、吴宇森立即就拿出了《英雄本色续集》。黑帮英雄片成为追捧的流行,向华强创办的永盛电影公司,也拿出了《英雄好汉》。导演王晶更是深谙香港电影市场的规律。他被视作“七日鲜”的代表人物。“七日鲜”的正面意味着勤奋,负面则意味着粗制滥造。和同样追求工业化的好莱坞相比,香港电影的“工业化”是半残状态,速度很快,但最终只是被金钱裹挟,一点一点丢失掉原来的优势。再难辉煌 风骨仍在历史总是惊人的相似。香港电影圈出现的很多东西,也常常会在大陆影视圈看到重现。典型如粗制滥造,演员轧戏。刘嘉玲来内地拍出了《阿修罗》,梁朝伟也弄出一部《欧洲攻略》,脱离了香港圈的香港演员们,相继扑在内地剧本上。反观香港本土电影,反而低调了很多,缺少资本关注的香港电影,每年依然可以贡献不少优秀的作品。1981年起创立的香港电影金像奖,如今还是两岸三地最有影响力的奖项之一。只是奖项上,出现了更多内地电影人的身影,竞争不再局限于一个区域内部。电影投资人叶泽锟说,“虽然香港电影这几年产量少了,但是你不认为质量都是有史以来最好的么?《我要成名》虽然用了霍思燕,但是谁能说它不是香港电影?再比如尔冬升的《门徒》、谭家明的《父子》。”(《回归10年的香港电影》三联生活周刊 2010年)香港电影很难再回到八九十年代,或者说整个华语圈的电影,都很难再创当年的佳绩。换个角度看,少了粗制滥造的机会,香港电影人反而有可能把精力放到提升电影的品质上。现在还能拍出《踏血寻梅》《明月几时有》《树大招风》《黄金时代》的香港电影圈,依然值得敬佩。只是,黄金时代过后,香港电影为后人,留下了太多的教训。资料参考:1、香港电影演绎,魏君子,20102、香港电影研究,王海洲,20103、别来无恙,安宕宕等,20174、香港电影为什么会衰落?一位老电影人终于说清楚了,每日经济新闻,20175、吴宇森揭秘《英雄本色》拍摄:没剧本 靠感觉拍,辽宁日报,20145、“热闹中的孤寂” 关锦鹏追忆梅艳芳,人民网,20046、回归10年的香港电影,马戎戎,三联生活周刊,20077、许鞍华的黄金时代:拍香港故事 留住本地情,大公报,20188、经常说的港片、港味,到底什么是「港味」?,庄文强知乎,2019【本文首发于刺猬公社微信公众号(ID:ciweigongshe),未经允许禁止转载】

  • 《玩具总动员》这24年CG技术都经历了怎样的变化?

    文/索菲亚·嘟胖正文共4087字,预计阅读时间11分钟*本文部分图片和数据参考来源于Youtube@INSIDER周末过得很充实,到电影院回顾了宫崎骏爷爷的《千与千寻》,又被皮克斯巴巴的《玩具总动员4》惊喜了一把。 1995年,安迪把巴斯光年带回家,与胡迪成了好朋友;1999年,巴斯光年和玩具们组成拯救小队,寻找被旧货收购商偷走的胡迪;2010年,安迪即将开始大学生活,玩具们误会了他,却遇到了更为危险的恐怖大魔王。你以为故事要结局了?2019年,这群小伙伴们又回来了。 皮克斯团队在很早之前就有一个关于动画长篇电影的梦想。虽然他们此前也发布过动画短片(时长只有5分钟),但并没有做好涉足长篇的准备。1991年,他们推出了《玩具总动员》的初期大纲,里面有我们喜欢的Woody和巴斯光年。 《玩具总动员》1995年首发,成为世界上第一部完全使用电脑三维动画技术制作的动画长片,当时给人们的感觉更多是新鲜,毕竟之前没有过类似的作品。而现在看来,从5分钟的动画短片到82分钟的动画长篇电影,他们当时面临的制作任务可想而知。 从1995年到2019年,皮克斯已经制作了21部长篇动画电影,其中有4部是玩具总动员系列。一开始的皮克斯团队没有艺术部门,没有故事部门,也没有剪辑部门。后来动画团队从最初的3人扩大到50人;技术指导从10人增长到70人;艺术部门也有了4位艺术家。 皮克斯《玩具总动员》系列的动画技术在这24年里经历了怎样的升级变化?接下来我们就来分享一下吧。011995年《玩具总动员1》 要从哪里说起呢?得先来看看1995年《玩具总动员1》里的这只狗。 就当时有限的电脑三维动画制作技术来说,能把这支狗做出来已经是可喜可贺了,不过是放到现在来看嘛,和《玩总4》里的猫和它相比,真是一个天上一个地下。 当时使用的制作软件是相当初始的版本,Layout和灯光都是在文本编辑器(text editor)里创建的。没有视觉效果反馈系统,动画师们只能用手敲输入命令的方式来查看;绑定系统也是一样的,制作动画的控件就是基础款,只能用“粗糙”二字来形容。 既然是制作动画,自然少不了的就是“动画十二法则”。像迪士尼使用的“挤压与拉伸”“预备动作”“时间控制”这些基本法则,皮克斯他们也都用到了。但是因为早期工具版本的限制,想要实现像“动作惯性跟随和动作重叠”这样精细的法则,那就有些困难了。另外,灯光环节的光源也是很有限的。比如在Dinaco场景,就只有6-7个光源;如果放到现在可能会加载200-300种不同的光源,这么一比较,就知道当时的制作条件确实很有限了。 而且在当时,皮克斯团队在制作人物动画角色时还没有现在这么如鱼得水,其中涉及到衣服的动画制作,需要大量的时间。那么团队采用了什么样的解决办法呢?我大胆地概括为“以小代全”,在影片中以玩具视角看到人物的手和脚,用小部分代替人物的整个角色,巧妙地避免了制作缺陷带来的不完美。 对于一些必须要全部露出镜头的人物角色,他们采用了是不完全灯光的方式,大多都是在暗光场景出现,这样观众就不会注意到角色存在瑕疵的部分了。而对于处在亮处的角色,只能多增加一些衣服的细节。 大家知道,用CG来模拟人类角色皮肤和布料的材质纹理着色式相当费劲的,就现在来说人类皮肤的模拟也一直是业界难以处理好的问题之一。所以,在当时来说更是难以想象。不过好在他们比较善于处理塑料材质,这也是为什么皮克斯会回避人物角色,把第一部的目光放在玩具角色上,因为当时的渲染器渲染塑料质感还是够用的。 那这里面有一个相当重要的环节就是画面的渲染工作,直白的讲就是把带有灯光和动态效果的素材通过渲染操作保存成为画面精美的图像或是视频单帧。在渲染《玩具总动员1》的时候,共有117台电脑全天24小时不停歇地工作;根据复杂程度来看,每帧需要大概45分钟到30小时不等的时间,平均下来是一帧1800分钟;总共有114240帧需要渲染;动画总时长为77分钟,共有1561个镜头。 面对如此庞大的体量,当时已经完成过很多项目的Renderman站出来,又一次为艺术家们解决了问题。要是把制作更为复杂的《玩总4》放在那会儿,估计渲1帧怎么也得60-160个小时不等了吧。021999年:《玩具总动员2》 经过4年的时间和1998年的《虫虫危机》之后,皮克斯花了一段时间来解决工具和渲染等问题,终于在1999年推出了《玩具总动员2》。虽然从画面来看和原版没有太大的区别,可是随着制作技术的发展,他们在大约8个月的时间内就完成第二部的制作了,加入了具有更多特征和细节的人物角色,比如玩具收藏家和清洁工等等。动画师也找到了制作人物角色动画的关键性因素,那就是要流畅。 032010年:《玩具总动员3》 2010年6月,皮克斯发布了《玩具总动员3》,相比之前,画面已经相当有质感了。到这个时候,制作会用到的软件程序已经得到了很大的改进和升级,团队规模也有了很大程度的扩大。必须要提一句,这个时候Renderman在业内已经牢牢坐稳了电影级渲染器的头把交椅。 在第三部中,我们最先注意到的就是毛发制作技术的提升,Andy、Bonnie和芭比等角色的头发更细致更浓密了(很羡慕)。说起之前几部动画毛发制作,第一部中有一只狗,我们在文章前面已经介绍过了,基本没有毛发,直接用贴图纹理表现的;玩总2中也有一只狗,毛发已经顺滑很多了;然后就是《怪兽公司》萨利身上那100万根具有重力、加速度和力量的毛发。再往后的咱们就不列举了~ 其次就是着色方面,人物角色效果看起来更为真实可信;新的灯光技术创建了更额外饱满和真实的光照场景,这样更有利于故事的发展;最后就是景深和烟雾的处理,对吸引观众注意力起到了很大的作用。 042019年:《玩具总动员4》 当很多玩总迷以为3已经画上故事结局时,9年后,《玩具总动员4》来了。同时带来的还有软件和技术更大程度地飞跃。 一切都是崭新的。艺术家们利用最新的绑定系统来表达角色更为细致的情感变化;利用新的着色和灯光系统构建更为复杂和精细的场景;利用新的渲染系统来模仿光的物理特性,以及场景中的物体会在光照下产生的多种不同效果; 利用新的特效工具增强水的真实感;在地板、角落、缝隙和建筑物中添加灰尘和蜘蛛网,灰尘甚至还能呈现出特别好看的散景(bokeh )效果。这些是我们在之前任何一部玩总电影中都没有看到的。虽然有了如此之多的先进工具,允许艺术家们为任何场景填充真实效果,但皮克斯团队的制作效果始终忠实于玩具本身的设计。“这不是实拍电影,而是现实世界的玩具电影”。 05几个对比的例子Blocking&Polishing要说《玩总》1-3与4之间的最大差别,那就是玩具Polish的程度。从这个角度来讲,一个镜头里的动画分为两个方面,一个是blocking,一个是polishing。Blocking得到的是角色呈现故事情节的表演和动作,而Polishing添加的是让镜头表演活起来的那些细微动作。比如我们最熟悉的的polishing就是类似于角色眨眼或者是呼吸这种细节。据制作团队估计,动画师在制作4的时候,光是polishing这个环节,所花费的时间是1和2的10倍还要多,就是微调各种细节,让观众感受到角色的自然和真实,而不是去一眼看穿。 雨滴序列的制作 《玩总1》的时候导演想加一个下雨的序列,在当时的技术来看,几乎是不可能实现的。但他们还是用当时的工具做出了室外的雨和室内玻璃上的雨点,为故事情节的发展奠定了基调。虽然有限制,但如何减少限制,利用现有的东西来为讲故事服务,这才是关键所在。制作团队回忆说,当时有一位艺术家连续研究了1个月,才搞定了这部分序列。时光嗖嗖嗖飞到现在,为了完成《玩总4》中下雨序列的特效制作,艺术家们花了6-7个月,他们管这部分叫“烧钱镜头”(Money shot),不光是白花花的银子,还有制作人员的心血。关于这部分到底是什么样的场景,就不给大家详细描述了,免得落下剧透的嫌疑~ 宽高比的改变 不知道大家有没有注意到,《玩总1》使用的是1.85:1的宽高比,而到4变成了2.39:1。 陶瓷肌牧羊女为了展现牧羊女更为真实的瓷娃娃肌肤,制作团队参考了20世纪30年代-60年代电影中的女性角色。制作时尽量避免对牧羊女使用方形灯,因为只有没有锋利边缘圆形灯才能更好地反射到瓷器上面。 经历复杂,回归基础《玩总4》还做出了一个令人惊讶的举动就是:回归基础,叉叉Forky就是一个很好的体现。这个角色没有四肢、没有皮毛、没有光泽的表面,只是一个塑料叉子而已,但效果却相当真实。 团队不断壮大还有数字可以用来比较24年前后的不同。《玩总1》的时候制作团队有294位核心艺术家,129位crew employee和129位employee(因为我没有在国外制作公司工作的经验,没办法说清楚后面二者的区别,是不是可以理解为项目合同和劳动合同,希望有大佬可以为我们解释一下);而现在到了《玩总4》这会儿,皮克斯有1247位雇员,475位crew employee,和由55000个核心超级计算机组成的渲染农场,这些都是实力杠杠的技术保障。 虽然,皮克斯团队一直主打“故事情节才是王道”,其他任何都要为故事情节服务。但《玩具总动员》系列在24年来确实也收获了更为厉害的制作经验,更优秀的制作人才,更强大的制作工具。 所以已经为《玩总4》贡献票房的小伙伴们,你们有什么观影体验呢?或者哪一点触发了你对之前几部的回忆?可以在下面留言给我们哈!期待~

  • 5月第2周最受欢迎的十部作品 | 新片场周榜单

    新片场周榜单是由新片场社区推出的一项作品榜单。我们通过统计站内外各项数据综合得出排名,精选出每周社区里最受欢迎的10部作品,推荐给大家,让你不落下每一支好片子,也希望好作品能让更多的人看见!新片场周榜单 | 5.13-5.19上周在新片场社区,最受观众喜欢的10支作品,有赛博格和法式浪漫结合的故事短片,有沉沦盛世美颜的古风MV,还有疯狂踩点的影帝黄渤电影混剪等~新片场各路大神各显神通,让我们给您奉上一期华丽的视觉盛宴。1小林清美II 故事短片导演/剪辑/动画师/后期导演/美术指导:乐毅1989故事发生在2192年日本东京小林清美被幕府复活改造为人造人作为一个秘密武器用于一些邪恶的计划之中 而自己也难逃悲惨的命运法式浪漫与攻壳机动队的画风让人观之回味无穷2P&G | 母亲节的愿望 (长版本)导演/制作方:Nakid Bangkok 监制:START Films 启李广告作曲/配乐:Tim Qiu主打“让爱不止在母亲节”的品牌理念,在母亲节期间强力地刷了一波屏。这一主题延续了宝洁去年的主题,爱在日常才不寻常。从主题立意上来看,社会导向和人文关怀都很加分。3【年度最佳】A7M3 电影感 超意识流MV短片导演/摄影/剪辑:一期一会_treasure一部超意识流的短片节奏感和故事性都很强相信每个人都会有自己心底的一个归属地或是某个幻想、或是某个地点 我们每个人都是这个世界上独一无二的个体在经历过RENASCENCE之后We are free4北海道幻想故事,每一帧都是情书导演/摄影/剪辑:游小源你是否还记得微风轻拂白纱飘动下窗边读书的少年,是否还记得那场跨越时空深埋心底的爱恋,在一个冬季,去一次北海道,寂静或熙攘,空灵或热烈,你好吗,我很好5凌·THE ARCTIC出品方/制作方/剪辑/摄影:美丽科学你见过物质的结晶过程吗?极致的黑白色彩历时七个月的发现与记录简单的物理现象却展现了自然的神奇漆黑的远方渐露银色微光起伏着柔美的白共同探寻极北之地的冰封之美6黄渤电影混剪剪辑:named tian 策划:眼镜蛇 出品方:炫极文化“你觉得你会成功吗?我不知道,但是,我想再努力一下。”从一个名不经传的歌手跨界演员从演员到导演从一无所有到获奖无数这是演员黄渤的人生这个片子以时间为顺序接黄渤电影里的人物来讲述真实生活里黄渤的故事节奏激昂振奋并且鼓舞着每一位在路上的年轻人7「黄飞红麻辣花生」都爱吃的花生 第二弹(Director‘s cut)导演:金 金 金 制作方/策划/导演/编剧/摄影:星期三比较好黄飞红麻辣花生第二弹来啦还是一样的无厘头还是一样的鬼畜且洗脑却让人心甘情愿看下去沙雕得让人非常开心8「名伶」若不与我共沉沦,何苦惹此爱恨痴嗔焚我身摄影/灯光/美术/调色/剪辑:知竹zZ一部色彩浓烈的古风短片一曲粤语道不尽的悲欢爱恨情仇,贪恋痴嗔浮华如梦,笑看红尘抬眸闭眼流波转怎堪相思未相许光影拂动绝世名伶9CG动画短片 | 鱼导演/编剧/美术/分镜师/动画师:张林这是一个以身体、鱼、鸟、钢琴以及黑白场景为主题的寓言故事。表达关于轮回和内心苦困的故事黑白的色调表达了内心的困顿苦闷的人生压抑着思想沉浮谁是垂钓者谁是扼喉人10ZooM 2018 静物集锦出品人/导演/摄影/剪辑/调色:ZooM Studios精美首饰与机械的碰撞节奏感超强当戒指从婚纱上滚动下来当机械表转了24小时这一秒像极了爱情看似冰冷的首饰和钻石却给人无比甜蜜的感觉 -end-

  • “2019母亲节”国内优秀广告案例盘点

    每年母亲节都是各大品牌的兵家必争之地。从国外的宝洁、肯德基,到国内的京东、读书郎,如何将母亲节广告拍出特色,拍出心意,母亲节的广告大战早就升级加码,下面是今年母亲节的优秀案例,请查收!(案例持续更新中...)《一天》京东(2019)母亲节短视频林旭坚(导演)、icebodhisattva(摄影指导)、三川广告(制作方)、皮球(美术指导)、陶磊(灯光师)京东今年的母亲节重磅广告,邀请到了林旭坚为其创作。影片在看似温情而不经意的诉说中,注入了魔幻现实主义元素。暖调子的光线下却是发人深思的内核。银联云闪付—母亲节篇张大鹏(导演)、乔琳(八爪乔工作室)(剪辑/特效/调色)、美术 黄博(美术)、冯百钦(摄影指导)张大鹏导演为银联云闪付拍摄的这支广告,用段落式“妈妈说”的套路完成了一次次“反套路”的编排。色调清新,像极了儿时的某个炎热夏天。P&G | 母亲节的愿望 (长版本)Nakid Bangkok(导演/制作方)、START Films 启李广告(监制)宝洁这支广告主打“让爱不止在母亲节”的品牌理念,在母亲节期间强力地刷了一波屏。这一主题延续了宝洁去年的主题,爱在日常才不寻常。从主题立意上来看,社会导向和人文关怀都很加分。薇风,母亲节无“薇”不至的礼物TurtlePro(制作方)、陈璟桀(监制)、陈其超(摄影)、陈伟浩(导演)、刘立 | Kairos Lau(监制)、Oxypicture(监制/策划)、梅琳(造型指导)如果现在问你“无法辞职的工作”是什么,想必你一定会想到是母亲。薇风这支广告就是以这个深入人心的比喻,进行了一次形象的演绎。读书郎 - 《你的爱里藏着他的未来》舞刀弄影(制片人/导演/编剧/剪辑/制作方)又是一个有时间跨度的故事,读书郎用“你的爱里藏着他的未来”凸显出品牌为时间注入的价值。持续更新中...

  • 创作心得 | 当在追求「无缝转场」的时候,我们是否忽略了什么?

    本文共 5800 字希望对你有影响2019 年三月中旬,我去了趟日本关西,拍了一条「蓄谋已久」的旅拍。它是 Vlog 吗?不重要了,它是我的心声。在这条短片里,你看不到赛博朋克与小清新,取而代之的是一种淡淡的「丧」,我称之为「阴翳」的感觉。阴翳之美,我觉得这是日本人文风情中很独特的一面,它是日本一种内敛但本真的气韵。恰好,这段时间我个人也处于一个比较混沌的状态。我是觉得,人总要缺点什么,才会有兴致去创作吧。循例先上作品建议佩戴耳机观看01前言在正式动笔写这篇创作心得之前,我一度纠结要找怎样的一个选题或者切入点,要是大家感兴趣的而且也要与片子的制作有关,还须有逻辑地自圆其说,真的不那么容易找到。而想到「无缝转场」这个概念最近很流行,是否能借此谈谈?而我一直比较擅长的,就是将两样没什么关系的东西扯到一起建立联系,所以这次心得也不例外。两点理由,一是鉴于这次的创作是以「情绪」为主导的,二是现在网络上很多「无缝转场」的作品都过于炫技,而缺乏了情感与气质。所以,这次来浅谈一下我对影片的「情绪」和「无缝转场」的一些看法。 02「森林」是怎样的情绪整个片子下来了,我一直在想这片「森林」究竟是什么。有人说,村上先生的「森林」大概是指人心的孤独,一片别人走不进去的森林...必须坦白,我并没有完整看过《挪威的森林》这本书,所以我无法去谈论村上所指的这片森林到底是什么。但我看过陈英雄导的《挪威的森林》,在没有原著包袱的情况下,觉得片子并没有舆论所说的那么差劲。即使叙事和细节处理确实看出有不到位的地方,但在我看来,那种压抑、凄美和迷离的情绪和气质还是有的。其它都可以丢失,唯独情绪与气质不可以,同样这两点也是这次日本短片创作的初衷。我希望它与前作《杰西传奇》会有不同的地方,个人看来应该是办到了。最直接的感受是片子的节奏放慢了,没有了强烈的起承转合,只有两个人之间娓娓道来的对话,影像就像流水一样随着谈话而展开,偶尔又作为第三方角色参与两人之间的谈话...对于效果的最终呈现,与其说得益于精心的策划,不如说我只是跟着自己的真实情绪在走,最后将这段时间以来的情绪用作品承载了起来罢了。如果这个旅拍能做成系列的话,我希望之后每一部作品都是有变化的,也许情绪就是我变化的底色,作品是记录,同时也是创造。回到「森林」,每个人都自己的理解。而我的理解是 —— 内心的欲望。能轻而易举获得的东西,大概不能称作欲望。欲望永远是在现实反差的映衬下活着的。而大多数人面对欲望更多是选择逃避与妥协,某种程度这确实是一种知难而退的睿智;而少部分的人选择勇敢与欲望做斗争,但这少部分里的大部分又会迷失在这片黑暗森立之中而不能自拔,最终走得出去的人却寥寥无几。所以,也许你不曾去过,但一旦你去了,也许就走不出来了...△ 这里插播一条朋友观看完片子后对主题的看法我觉得可以作为补充2017 年 11 月 1 日,我从第一家也是到目前为止的最后一家公司辞职了,开始了我的自由职业生涯。那个阶段初生牛犊,初尝自由的滋味,心气高,感觉充满可能性的未来已经向你招手,所以在这种情绪之下的我,创作了《杰西传奇》。目前一年半过去了,事实是一切并没有那么顺利,很多事与愿违,也少不了痛心疾首,生活和事业似乎也没多少起色。在这里不想做过多的自我暴露,总的来说这段时间我感受到从来不曾有过的对钱的渴望,不是为了满足物欲,而是要克服来自于内心和未来的不安全感。 △ 很好奇有人留意到英文字幕吗?君子不耻于谈钱,但应谈钱有道。往俗里说,这次创作的动机是因「钱」而生,但中途被我归纳上升成一般性的论点(尽管粗浅但确实是思考的结果),然后最终演绎成了现在的《钟声臆想》。而最初那种对钱很纯粹的渴望,成为了我很想抒发的一种情绪,那时候我想假以时日,要通过创作去宣泄出来。03听起来很有钱的样子机会来了,每年一趟旅行是我和杰西的约定,这回本来打算去台湾,但因为我的顺德户口不能办自由行签证,最后改成了日本风情浓厚的关西。当然我们也只能避开樱花季去,因为价格低且人少。 △ 不针对樱花也不针对任何人但这确实是内心的想法樱花之所以有今天的象征据说也只是起源于战争年代的政治所需确定了目的地后,内心那压抑已久的情绪触电了我的思绪,我觉得这种情绪是否能结合当地的人文来实现一种特殊的表达?而「丧」也是我当初对日本的一种粗浅的认识,在赛博朋克和小清新旅拍大行其道的今天,是否能够展现出日本别样的风情?而灵感要么迟迟不到,要么就来得无声无息,稍不留神就会擦肩而过。有一天我在网易云刷钢琴曲《钟》的评论时,一条特别有意思的评论引起了我的注意 —— 「没错,就是它了」,纯粹出于一种创作者的直觉,我心里想,「我会带着这句话,这首音乐,我的情绪和日本的旅行,创作一部片子出来」,在这里感谢这位网友的对我灵感的激发。于是两个月后,《钟声臆想》如愿顺产了。04灵感永远是碎片而你是手术医生美国著名剪辑师沃尔特·默奇说过,情绪是剪辑最重要的一点,同时他也说过,剪辑师就好像一个外科手术医生,面对一堆断壁残垣的素材,你要做的好像就是先把没用的部分去掉,然后选出有用的部分,最后再把有用的部分有机地重组起来,让它们获得新生。我觉得这个比喻实在是恰当不过了,其实大道至简,但「有机」二字却蕴含了无穷的知识。这句话还蕴含着一种创作上很重要的思维 —— 不排斥任何可能性。创作过程中,我们总会听到诸如此类的声音,「这个不行吧」、「这个我不喜欢」、「这个不好」,当然有些否定是合理的,但更多时候只是固步自封,一种对可能性的忽视。做一个不太恰当的比喻,手术医生面对一只断臂,普通的医生可能会说,「这手没用了,丢了吧」,而「医学怪咖」可能会说,「手指全截下来进行冷藏,日后可作为肢体嫁接用」。「听起来特别有钱的样子」,你看到这句话可能会刷过去了,但它确是这个片子的灵感源头。当然这需要一种专业的判断力与敏锐的嗅觉。更重要的是,这是一种思维认知。当你接受这种思维后,那你的创作才可以大刀阔斧地展开。05音乐是联结情绪与结构的结缔文章我会一直强调「情绪」,都来复盘一下上述我已经有了怎样的碎片了:✓ 一句评论✓ 一首音乐✓ 我的个人情绪✓ 日本旅行的机会那接下来是架构片子结构的阶段了,而我习惯是用音乐作为结构与情绪之间的结缔,理由如下:1. 音乐有「结构」的属性,一首好的音乐是有起承转合的,就是俗称「画面感」的东西,这是音乐联结结构的一环;2. 音乐有「情绪」的属性,这个好理解,这是音乐联结结构的一环。情绪 结构所以,在音乐作为「中间人」的联结下,「结构」与「情绪」就能更直接地互通了,其实这是一种思维也是一种方法,也是一种「无缝转场」,靠音乐让你的情绪与结构之间做到无缝转场。所以选择好的音乐很重要,情绪层面要兼顾你已有的碎片内容,技术层面音乐本身要选择有「画面感」的。而我这次选择的是,电影《人间失格》的主题曲(电影确实是很烂,但音乐很棒)。这次选择音乐都是一个很自然的过程,我没有翻山倒海地找音乐,而是直接选择了之前都很喜欢的《钟》和《人间失格》,因为两首音乐都很出色,情绪也饱满且符合需求。与其标新立异地找冷门音乐,不如把音乐「无缝地」嵌入你的影片里,做出像「原创音乐」的感觉。看片都是憋着一口气的,能让观者憋着一口气看完片子就算成功了,这时候没人会突然按一下暂停键去扛你的音乐不好。因为当音乐与情绪、结构高度融合后,它们都是一个整体了。相反,不顾情绪与结构,无脑选择音乐的行为最后很大可能会让人觉得音乐很跳,那不是各种「无缝转场」能够拯救得来的。06最痛苦与混乱的阶段选好了音乐,就要进一步细化片子的结构了。其实就是提前策划好音乐每一部分要安放的内容(一般需要对音乐二次剪接来优化结构),如果有文案或者画外音,则需要精确或大致策划好相应内容并带着音乐「预播放」,主要是为了尽可能去适配相应内容的时长,以求做到心中有数,拍摄中有的放矢。(这里插一个题外话,其实是一个很有趣的过程,实际上是把日常 Vlog 对着镜头说话的部分前置到拍摄之前了,而我觉得 Vlog 的大众化需要有更多包容性。试想一下,并非每个人都是对着镜头能不怯场或者口才上线,所以对于这部分的人是不是就永远做不了 Vlog 呢?答案肯定是否定的,他们也可以通过画外音或者字幕的方式去代替。你看认真读稿的陈丹青也开始做 Vlog 了,重点还是要用心和真诚)上面说的阶段是整个创作过程中最痛苦与混乱,但也是最多惊喜发生的阶段,因为你需要更多的切入点,你需要打开你的脑洞,做更多的调查,查询更多的资料,对看见的每一句话,每一张图片和每一段视频和音频都保持完全的开放性。你时常会在这个阶段感慨自己是多么的无知与灵感枯竭,因为这确实是很艰难,但越是要沉下心来应对和多花点时间,我为此就放弃了一些商业合作的机会,因为不能想让更多的杂音去干扰自己创作的情绪。思忖了一段时间后,我找到了以下三个切入点:1. 「日本是全世界植被覆盖率最多的国家」,让我想到了绿色的颓废;2. 「钟与时间」的概念,因为两首备选音乐都直接或间接地蕴含着这样的意象;3. 看了拉斯·冯·提尔《此房是我造》,里面双人对话的叙事方式我觉得可以借鉴。本来打算这次片子由头到尾都是我一个人在说,但后来觉得这样缺少了层次与冲突,并且有些阴暗面的观点可能比较负能量,于是我决定植入另外一个角色,而他们所说的观点同时也是我内心的观点,不太恰当的比喻就是,有点像天使与魔鬼之间对话。好了,拼图逐渐找到方向了,然后经过为期七天的闭门创作,此处省略一万字(因为实在是太混乱与复杂了,我不知道该怎样短时间内复盘出来,重点是我不确定会有多少人看,也许以后有机会吧)...最终将线索理清了,这是一个「精神病患者与心理医生叙说一场关于年轮、时钟与太阳的凶杀故事」的故事。同时也临时抱佛脚地翻阅了关于日本的资料和书籍,埋头苦干写文案、找参考,寻找后推翻,推翻后再继续,blablabla....最终在出发之前把片子的结构、文案和需要的画面八九不离十地策划完毕了,做好方便自己能看懂的分镜本,规划好拍摄行程(这部分的具体流程可以参考之前分享的一篇 Vlog 创作心得),就出发去日本拍摄了。拍摄是件苦差事,但拍完后我就松了一口气了,其实如果你做的准备足够充分,你对片子最终呈现的效果是能预料到的,一般分为四个阶段吧:1. 有一个较为完整的创作概念的时候;2. 策划好拍摄方案的时候;3. 拍摄完的时候;4. 回去后审完素材的时候。对我来说最轻松的,永远是后期,当我审完素材后,我基本就能确定这件事是成了还是黄了。而当片子输出最终发布之后,会有一种奇妙的感觉,就像整段情绪从此告一段落了,仿佛憋了两三个月的一口深呼吸终于被释放了出来。 △ 每晚回到酒店后都要对照分镜表梳理一遍当天拍摄进度07「无缝情绪」比「无缝转场」更重要看到这里,也许你觉得被标题党了,你不是要扛「无缝转场」吗?怎么还啰里啰嗦地谈自己的片子?但是我想说,我上面「啰里啰嗦」跟你谈的,就是我「无缝」的部分。说实话文字是不能把我创作中的整个过程说清楚的,这不是省略一万字的问题,创作都是私密的,文字是单薄的,视频还能通过各种元素吸引住你的情绪,但看着上面一段段苍白的文字,你有感受到我绵延不断的情绪吗?估计是不能吧,但我想说的是,「我想让你知道我的整个创作过程中贯穿到底的都是一股情绪」。相当于说,你在创作前内心的想得有多么的「无缝」,最后你的片子是能让观众感觉到的。我相信很多人看《杰西传奇》是憋着一口气看完的,《钟声臆想》我不确认,因为它少了一点张力,但我相信观众里面会有人能感受到情绪也是像一条流水一般。而之所以有这种情绪由始至终的感觉,是因为创作的过程中我一直让「情绪」带着自己走,每一个画面、每一个声音和每一个文字,都要过「情绪」的考察,而不是只纠结这个画面的出点怎么接下一个画面的入点的问题。当然我必须明确,我对「无缝转场」是没有偏见的,它本身是一门创新与技术,用得好能为影片增色不少。但每个片子有自己的调性,如果滥用「无缝转场」,那换来的只会是一种模仿的廉价感。而大部分人盲目对「无缝转场」趋之若鹜的心态,个人认为不太值得提倡。试问一下,我们在看「无缝转场」的时候,真的是无缝还是只是当作一种「明明看见却当作看不见的」无缝呢?《土耳其瞭望塔》相信大家也不陌生,但它被超越不了的原因,更多不是因为剪辑,而是摄影。好片子离开不三个元素:人,社会,技术。模仿者的技术是接近了,但拍摄缺少了人和社会的部分,而一个「高级」片子,不是说要在哪一个层面上做到如何的标新立异或鹤立鸡群,而是在三者之中追求一个平衡的诠释。这也正是这么多仿《土耳其瞭望塔》的被说成是炫技的原因。我第一次看《土耳其瞭望塔》看得眼眶湿润了,那时候我还处于一个盲目追求技术的时期,我已经记不清那时候感动的原因了,也许是因为看见了「无缝转场」吧。但多年后的今天再看,依然是感动,但我似乎已经看不见「无缝转场」了。相反我看见的,是那个国家、民族和那些人瞭望着你的双眼 —— 大概那是一种属于土耳其的情绪吧。当然,我很理解有时候大家追求「无缝转场」只是出于一种炫技的心态,只要是目的与手段是契合的,那我觉得是 OK 的,也不需要有任何的包袱,创作永远是自己的事情。但假如是想作品不仅是装着技术的躯壳,下次创作前不妨问自己一句:我们在追求「无缝转场」的时候,我们是否忽略了什么?当然我不确定《钟声臆想》的情绪是否能够感染到你,也不敢说自己在这方面做得就不错了。毕竟大家都在路上,还有很多东西需要学习。但如果你是因为标题的「无缝转场」而点进来的,而带着「情绪」两个字出去的话,那我觉得我这些文字就没有白写了。08Vlog?旅拍?微电影?最后,回到那个「身份认同」的问题,《钟声臆想》是 Vlog 吗?当初定义《杰西传奇》的时候,我会觉得它就是 Vlog,但这次我确实是犹豫了,因为它仿佛更接近我们平时看到的微电影/短片的存在,但后来杰西问了以下的三个问题:Jess1. 片子是对你生活/旅程的记录吗?2. 是你自己拍摄自己出镜吗?3. 是你内心的真实想法吗?Amir1. 是的2. 是的3. 是的Jess那它就是 Vlog 了。说实话,是不是 Vlog 不重要,重要的是能让更多人看到自己用心的创作。也很感谢你们花了 5 分半钟看我的片子之余还花了额外的时间看这篇文章,希望它会对你有点影响,我们下次再会。

  • 拍出了张靓颖爆款名画MV,他却说最不值钱的叫TMD创意 ! | 专访廖人帅

    曾爆火Vimeo的张靓颖名画创意MV「Dust My Shoulders Off」前段时间在新片场又一次刷屏,2016年MV一上线,短短9个半小时便空降美国iTunes音乐录像带下载榜单第一名,一举拿下多个国际影展奖项,甚至获得传播设计类最高荣誉——德国红点奖的最佳设计。虽然这支MV已经上线两年多,但一经导演上传新片场后,热度依然不减,周榜单中也位列榜首,相信看过这支MV的人,一定会被其大胆有趣的创意所折服。MV「Dust My Shoulders Off」原片提及本片的导演廖人帅,想必大家印象中还是那个在「康熙来了」中敢说敢为、综艺点满满的艺人形象,其实他的正经身份是个创意爆棚的导演,「康熙」片头也是由廖人帅制作的。于是乎,厂长特地找到廖人帅导演聊了聊,更深入地了解了他和他的创作故事。不想当导演的艺人不是好摄影师来自摄影世家的熏陶廖人帅,出生在台湾东边的一个小城——花莲,爸妈和外公都是摄影师,生活在小城的他爱森林,爱大海,也爱冒险。受摄影世家的氛围熏陶,从小耳濡目染的他也愈发喜欢用镜头记录他所了解的世界。(偶像范儿的廖人帅)在家里有了一台DV后,学生时期的廖人帅就开启了自己的拍片之路。从最初的兴趣开始,慢慢获得一些小奖项认可,使他更加坚定了自己的摄影之路。一不小心跨了界2004年还是大学生的廖人帅创立了CIRCUS组合,从而进军娱乐圈,但后来他又是如何跨界成为一名导演的呢?廖人帅却说自己成为艺人完全是误打误撞无心插柳造成的,摄影师才是自己的本职。(Circus组合)20岁最早开始他只是纪录片摄影师,后来通过朋友介绍参与电视频道 Channel V的节目制作,没想到竟然有了自己的第一个真人实境节目“CIRCUS ACTION”,有点类似现在的Youtuber。提到成为导演的机遇,廖人帅说:“最感谢的贵人应该是陈奕仁导演吧,2004年我就是陈奕仁导演的纪录片摄影师,而那次案子的纪录拍摄对象竟然是迈克尔·乔丹《Michael Jordan-AISA TOUR 2004》”, 第一次成为纪录片导演的难忘经历,让廖人帅至今提起也激动不已。谈到艺人和导演,自己更喜欢哪种身份,廖人帅的回答甚是幽默“不红的艺人和还行的导演, 那……我选导演好了”,艺人跨界成为导演,这个听起来很大跨度的转型,其实是一个必然事件,就如廖人帅自己所说:“保持新鲜好奇心,对自己不设限,所以时常不小心跨了界。”(点击访问@陈奕仁 在新片场的作品主页)斩获多项大奖的MV制作幕后技术与创意的完美配合「Dust MyShoulders Off」MV贯穿12幅世界名画,并且颠覆了原先名画的世界观,做出了全新的定义。故事的开始,从歌手张靓颖所扮演的上班族拉开序幕,电话那头传来老板的责骂,正在逛芝加哥美术馆的倒霉上班族,莫名闯入名画的世界,展开一连串不可思议的奇幻冒险。MV画面丰富,视觉冲击力极强,转场流畅有趣,可谓是创意十足,廖人帅导演称这是一次“非常疯狂的创意”,疯狂不仅体现在极度实验性的拍摄现场,也贯穿了整个高难度的后期制作过程。如何将两幅不同画风的名画无缝衔接,廖人帅为此研究了非常多的西方美术史资料,“开始也想过非常多不同的名画组合而成的剧本,但最后我们还是尽量选择大众比较熟悉的名画,为了让观众产生更好的共鸣。”MV中梵高被泰森咬耳朵,用火箭筒轰跑车,……将各种看起来很荒谬的事统整成合情合理的事,需要在运镜安排和转场设置上下足功夫,导演廖人帅和监制陈奕仁在串场的设想上做了各种尝试,从而保证了故事的连续性。当然MV的成功也离不开后期CG动画的加持,“从头到尾都是挑战,真的是没有人做过,不管是在创意上还是技术上”MV的视觉特效总监如是说。「Dust My Shoulders Off」制作花絮从花絮中能看出,张靓颖为了拍这个MV也是遭了不少罪!拍摄前期的造型设计和化妆真的大费周章,要在张靓颖的脸上画各种油彩。廖人帅作为导演也身先士卒,亲自试画演示。由于这些名画风格不同,所以在尝试过多种转场后,才决定了每幅画之间如何切换。再好的剧本也需要伯乐赏识《Dust MyShoulders Off》的MV剧本其实早在开拍前4年就已经成形了,后来这个创意也有提给很多天王天后,但总是吃闭门羹,原因很简单,谁都想自己在MV里帅帅美美的。“但老实说我总觉得我们的娱乐圈总有太多无聊的限制,一下‘太危险’,一下巨星们没时间练、没时间拍.....其实我想说你们每支MV都已经很帅很美很酷了,到底要这样搞多久?不腻吗?当娱乐圈提供的娱乐程度不如网络素人高,反应不如他们快时,市场网红崛起,被分食了财富与注目度也无法埋怨谁了。”廖人帅很庆幸,几年之后有一位大胆的歌手为他的这份创意买了单。谈及和张靓颖的合作,廖人帅感叹道:“张靓颖是非常难得的艺术家,我不想称呼她为歌手,因为我觉得她更是一位艺术家,她有勇气与野心,不给创作者任何框架的创作空间,就算是被颜料画得面目全非也尽力配合,求得只是一个创意的完整,这是身为一个主流歌手非常难能可贵的。华语歌手总是被要求脸要清楚、要大、要美、舞蹈要好记.....创意总是被放在很后面,而这支MV最令人振奋的是,我们终于可以把创意放在第一位了!”MV凭借其独特的创意斩获多项大奖,被德国红点设计奖作为宣传首选封,“会报名参加竞赛,当然希望能拿奖, 我认为《DustMy Shoulders Off》之所以能拿下多个国际影展奖项,应该是我们流畅地串联多个名画,并且颠覆原先大家耳熟能详的名画世界观,给了全新有趣的定义。”《Dust MyShoulders Off》MV能在国际上斩获多项荣誉,也是对此次创意最大的肯定。贪心的创作者永远不会止步 创意最不值钱?廖人帅曾入围了第28届金曲奖“最佳音乐录影带奖”,最后却落榜败给张三李四的《拆》,典礼落幕后,廖人帅愤怒直言:“这里最不值钱的叫做TMD创意!” 厂长特意让廖导谈了谈他对创意价值的看法:“其实华人的创作环境,尤其是带有商业价值的创作,创意一直都被放在很后面,所以我才会把‘这里最不值钱的叫做创意’当成我抗争用的标语。其实创意才是真正最能创造出价值的,没有创意就没有能被留下的经典,没有经典就无法造就文化。” 这是廖人帅对平庸模式的有声抗争,作为贪心的创作者,他希望远离千篇一律的恶性循环,等待着创作环境的觉醒,让创意有更多的可能。他愿意尝试一切可能,对于创作,廖人帅一直保持着新鲜的好奇心与想象力。 还算安全的冒险如今廖人帅已经不局限于MV,广告拍摄也得心应手,提及创作风格,廖人帅笑称自己目前还没有特定的风格,毕竟希望自己拍什么像什么,“如果要说创作理念的话,我会认为是“还算安全的冒险”。“安全”是之于必须对客户负,“冒险”是之于必须对自己负责!” 他希望自己每次的作品都能挑战些新尝试,藉由突破学习到更多可能性。作为刚入驻新片场社区不久的创作人,廖人帅导演独树一帜的风格收获了大片的好评,好的创意总会被发现被赏识,我们期待更多的创作人用创意成就作品,用作品打动世界。(点击访问@廖人帅导演在新片场的作品主页 )最后小小透露一下:廖人帅导演悄悄地告诉厂长,他与张靓颖再度合作的全新美国单曲MV“Body First”近期应该会发布,这次创意会是个更大胆的尝试,所以敬请期待吧!

  • 时隔两载,重温《乘风破浪》,只有经历过,才会真正懂得!

    半年的等待,终于在今年大年初一等到了韩寒执导的第三部电影《飞驰人生》,一条有一千六百个弯道的山路,一条连绵蜿蜒的比赛道,一辆又一辆赛车从这里驶过,尘土飞扬。这是巴音布鲁克赛道,有赛车在这里突破极限,也有赛车手在这里丧命。在驶过终点的那一刻,在他与赛车一起飞出悬崖、掉进大海的那一刻,夕阳很美!张驰赢了林臻东,更赢了自己。天空中的夕阳就是张驰,总会在闪亮的时候,归为黑暗。韩寒导演依旧没有让观众们失望,最具魅力的韩式 而除了笑点充满新意,那股幽默背后,为梦想全力向前的决绝,也激起一份内心深处的共鸣,“笑过之后,又被那股不顾一切的热爱击中了,有笑有泪有激情,全片都非常韩寒。只可惜电影太短,所以在今天,我又重温了韩寒导演的《乘风破浪》,不得不说,随着年龄的成长,人生每个阶段看同一个影片都会有不同的感受,遗憾的是,我在今天才看懂了《乘风破浪》,徐太浪在穿越时空之旅中收获了与父亲的友情,看到了父亲的经历,明白了他为什么坐牢。他知道父亲急躁,喜欢武力解决恩怨,甚至会成为“乡村蝙蝠侠”行侠仗义。他没有害过人,他一直在爱人——爱妻子爱朋友,但可能他表达对儿子情感的方式不对。他在乎他儿子,但是习惯用拳头说话的他对儿子粗鲁,动不动对儿子拳打脚踢。没读过什么书的他以为这就是对儿子的教育方式。他比较执拗,对儿子忠于赛车的爱好一直不支持。他的确没什么文化,他不知道牌上的数字怎样运算成为24,他不知道location的意思,不能认什么字,可这样的他,的确深爱他儿子。其实我们和徐太浪一样,不被父母理解,自己想做的事情父母从未支持,同时我们又是那样的不理解父母,所以,韩寒用一种特殊的镜头手法诠释了这句话:只有经历过,才会真正懂得!故事在徐太浪醒来后,戛然而止。父子在病房中相对而笑,做出了那个二十年前的手势,彻底泯恩仇,我感觉故事虽然以穿越平铺直叙,情节娓娓道来,但好像其实就只是一个发生在雨中的片段。下雨,相遇,悲欢离合;雨过天晴,瑰丽,戛然而止。如梦一场,也如涓涓细流,将温暖与爱流向心间,让观众带着爱与感悟骤然离场。写到这里突然想起张爱玲的一句话:如果你认识从前的我,也许会原谅现在的我。送给阿正和阿浪父子!孩子就像一棵逐渐成长的小树,而父母就像一棵逐渐衰老的大树。天下所有的父母们都想让孩子少走弯路,少走苦路。而孩子呢,正处于青春年少,面对新奇的世界总想闯一闯,这样就免不了有争执,有分歧。如果在这时候父母和孩子能互相理解,站在对方的角度想一想,就会消除一些隔阂,一些误会,就能明白对方的良苦用心。聊聊韩寒,韩寒并不是一个专业的导演,那他是一个真诚的人,喜欢韩寒的人不知会不会有这种感觉,回首过去,韩寒的观点我们可能不会赞同,但是他确实让我们成长了,或者说,我们和他一起成长了,他至此的一生难道不是一直与世界,与父辈,与自己和解的一生吗,所以他才会拍出乘风破浪。以前喜欢韩寒的人不喜欢这部电影,我认为正是韩寒的成功,因为喜欢韩寒的我们从来不是被韩寒牵着走的愤青,而是一个个独立思考的个体。不论对错,我们总算成为了一个个体,因为每个个体很重要的一点就是有独立思考的能力,这是韩寒带给我的最重要的东西。感谢韩寒,感谢这部电影,也感谢自己的青春。你说人生艳丽我没有异议你说人生忧郁我不言语

  • 《黑镜:潘达斯耐基》到底是什么?

    在北京的小伙伴们,我们将在北京朝阳区高碑店,每周日14:00举办电影主题放映活动,每月一个电影主题。欢迎大家关注影映营获取更多放映资讯!最近在网络上几乎都是关于电影《黑镜:潘达斯耐基》的宣传,“黑镜系列的拯救者”、“新式电影开拓者”、“盗版大救星”、“世界首部互动式电影”都成为了这个黑镜系列首部电影的“身份标签”和宣传噱头。但是,对于一个从事影视制作的游戏爱好者来说,这部挂满头衔的《黑镜:潘达斯耐基》到底代表了什么?我觉得关于这三个问题大家需要思考一下:1. 互动式?电影?游戏?到底是什么?2. 对于观众与玩家来说体验感受有哪些不同?3. 这部电影能带给创作者哪些灵感与启发?《黑镜:潘达斯耐基》 宣传海报1.互动式?电影?游戏?到底是什么?关于其定位到底是什么?我们有必要先了解一下“互动式”在现代影像娱乐行业中的历史,也就是我们所说的游戏与电影、电视剧。1958年10月,诞生了世界上的第一款互动式模拟电脑游戏,同时也是第一款拥有图像显示功能的电子娱乐游戏——《Tennis for Two》(双人网球),并且它的开发者还参与了世界上第一颗核弹的研发工作。在用来显示导弹轨迹的示波器上运行的《Tennis for Two》同样在1958年,诞生了电影史上第三次具有世界影响力的电影运动——法国新浪潮电影运动。打开了低成本电影制作的大门,让电影业余爱好者得以成为电影的创作者,也让更多的年轻人得以与电影产生“互动”。法国新浪潮“五虎将”“互动式”这个概念从游戏的诞生之初便已存在在20世纪80年代,相较于欧美对于图形处理技术的深入开发,日本的游戏业却另辟蹊径,结合其成熟的漫画体系创造出一种日本独有的游戏类型——Galgame,一种通过选项的选择来触发不同剧情发展的美少女互动式游戏。百度百科中对于Galgame的描述 在一段时间内Galgame更是成为各国游戏爱好者对日式AVG类型游戏的定位认知(AVG:Adventure Game,冒险类型游戏)。甚至时至今日,图片+文字也依然是Galgame的主流呈现方式。而Galgame不只代表了日本“宅”文化、二次元文化的标志,也是“通过选择来决定剧情走向”这种互动方式的重要代表形式之一。日本著名游戏厂商Konami出品的《心跳回忆》系列,早期Galgame的代表游戏之一随着电脑图形处理能力与游戏引擎的不断开发,游戏的画面从原来的图片、二维动画衍生出2.5D、三维动画等表现形式,让电子游戏的画面效果能够接近动画电影的质量。并且随着近十几年来兴起的影游联动的市场推广策略,也使得电影与游戏之间产生了更多的交互。而提到互动式电影游戏,大家或许还有些费解,不过美剧《行尸走肉》的同名游戏应该有人了解过或听说过。其实这部游戏便是互动式电影游戏,游戏行业更确切的定位叫做剧情体验式冒险游戏,该游戏与剧集一样都是通过原版的漫画改编而成,相较于漫画与剧集那种被动式的娱乐感受,互动式的游戏方式让你可以更加深入故事,获得更多信息来形成更为完整的世界观念。《行尸走肉》 实际游戏画面《行尸走肉》系列游戏的开发者是有着欧美地区“剧情向冒险游戏领军者”称号的Telltale游戏工作室,自2010年起推出过《回到未来》、《侏罗纪公园》、《蝙蝠侠》、《银河护卫队》、《权力的游戏》、《行尸走肉》等多款影视类游戏,然而因为游戏引擎的画质一直保持较低的质量水准,游戏内BUG和卡顿又多,使其推出的游戏口碑不断下降。最终,在2018年9月宣布公司倒闭,由此也可以见得画面质量是衡量互动式电影游戏的重要指标之一,其核心其实与Galgame的满足二次元审美需求相同,电影游戏便是要满足电影级别的画面质量。可在所有平台运行的互动式电影游戏《奇异人生》而说起成功的互动式电影游戏,就必须提到Quantic Dream,一家一直在尝试打破影视与游戏界限的游戏工作室,从初试锋芒的《幻象杀手》,到2010年使用真人表演动作捕捉技术完成的《暴雨》,再到2013年推出由艾伦·佩吉、威廉·达福出演的《超凡双生》,凭借精美的游戏画面、精良的视听语言与剧作水准,Quantic Dream成功的让大众了解了什么是互动式电影游戏。游戏《超凡双生》 游戏海报在2018年5月推出的《底特律:成为人类》更是成为互动式电影游戏的标杆,也将该类型的内容推向了互动式电影与游戏的临界点,可以说《黑镜:潘达斯耐基》与《底特律:成为人类》是彼此的一面镜子,成为了“互动式”概念的两大承载媒介的先锋军。最接近游戏的电影——《黑镜:潘达斯耐基》最接近电影的游戏——《底特律:成为人类》在未来可能会结合VR技术成为一种独立的娱乐形式,“互动式影像”(Interactive Pictures)或许将成为这种形式内容的代名词。《底特律:成为人类》 实际游戏画面2.对于观众与玩家来说体验感受有哪些不同?我觉得首先要了解什么是电影,什么是游戏。电影业内有两句名言,正好从两种不同的角度解释了电影带给观众的体验感受:“摄影是真理,而电影是每秒24格的真理。”这句话出自让·吕克·戈达尔,新浪潮运动的代表人物,同时也是用电影来对抗好莱坞的世界仅存的电影大师。解读一下这句话就是“摄影是通过影像媒介来记录真实,而电影便是通过每秒24格的影像来展现真实”,不过过度解读一下或许也可以解释为“呈现创作者所想要表达的真实”。那么,从观众的角度来看,电影便是将创作者精神世界中所构建的“真实”呈现出来,告诉观众“我”想表达的内容。《黑镜:潘达斯耐基》 影片截图而游戏最初便是为了娱乐而生、为了展现现实之外的幻想而生,随着计算机数据处理能力的进步,使游戏从最初给予玩家互动权力的传统型游戏,发展到由玩家自主选择互动形式的沙盒型游戏,也为很多独立游戏注入了精神内核,成为“不再单纯”的有价值的游戏。创作者构建世界观、故事与道德行为框架,通过玩家的自主选择行为产生互动,从而构成完整的互动式体验。不同于电影的是这种主观的选择可以让玩家从更多的角度,获取到相对客观的立体式感受,体会创作者所呈现的完整的精神世界。在这里,电影与游戏的不同在于观众/玩家接受信息的方式的不同:电影,是在获得中体会:“主角不是我,面对抉择我可能会怎么选择?我在幻想”游戏,是在探索中体会:“主角是我,面对抉择我这样做会发生什么?我在感受” “电影是一门遗憾的艺术”这句话没有找到具体的出处,但是却很好的阐述了电影“点到即止”与“意犹未尽”的技巧,创作者讲述“遗憾”让观众产生憧憬与幻想,让画面外的故事比画面内的还要吸引人。而对于创作者而言,总会认为自己的电影只要还有时间,就一定能做的更好,始终觉得是一部遗憾之作。正所谓“金无足赤,人无完人”,遗憾也是一柄“双刃剑”。信息交代的过多便会扼杀想象,而交代的过少便会产生破坏情绪的连贯性、破坏节奏、破坏电影的体验感。电影《爱乐之城》 影片截图然而对于游戏来说,这种遗憾便显得弊大于利。因为绝大多数游戏世界都是构建于现实之上,呈现的是非现实的故事内容,玩家因为缺少对陌生环境的认知信息,所以渴望获取更多关于“这个世界”的内容,了解更多关于“这个世界”的故事。并且“恐怖谷”效应也使得玩家无法产生信服感,而游戏无法获取如真实世界般庞大的信息支持,只能获取视觉、听觉的感官信息与少量的、非对称的触觉反馈,无法引起心理或生理的共鸣。因此内容的缺陷、情节的缺失,都将严重影响游戏体验效果,破坏玩家在过往的游戏体验中所建立的世界观、精神意象与操作习惯,进而破坏玩家继续进行游戏的欲望。关于“恐怖谷效应”的图示在这里,电影与游戏的不同在于观众/玩家对“那个世界”的认知与需求的差异:电影,是在83%的已知中寻找那16.66%的未知:“主角虽然不是我,但是我知道那些是什么感觉”游戏,是在不足33.33%的已知中寻找66%的未知:“主角是我,但我想要知道那些是什么感觉” (假设人有6种感官,100%时为全知状态,那么视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉、心觉将分别占比约为16.66%)而回到主题《黑镜:潘达斯耐基》上,该片会让人在享受获得的时候出现分支选项,打断你的观影体验,把你甩回现实让你把它当成游戏,而这样反复的体验会让人觉得“烦躁”,有种在电影院安静享受观影的时候,突然你的前方出现了一个卖报纸的把屏幕完全遮住,伸出两只手问你买还是不买,买就拍他的左手,不买就拍他的右手,并且只有在你拍了他的手后才能继续观影。如果有意念分析控制器请给我来一套!精神控制选择绝对会有助于观影体验。3.这部电影能给创作者带来哪些灵感与启发?我个人觉得《黑镜:潘达斯耐基》是一部先锋式电影的融合性尝试,毕竟只有实际测试过才能获得足够的反馈信息,来进行下一次的改进型尝试,改来改去没准儿会出个旷世奇作也是有可能的。所以从现在我们大众所能够感知的反馈有哪些呢?如果它注定是一个孤本,那么就自带了“旷世奇作”属性,所以从负面影响说起吧。第一点,会影响叙事的连续性。电影的发展一路走到现在,视听的技巧使用一直在围绕“如何将观众更好的带入故事情景之中”、“如何让观众对剧中人物的情绪感同身受”这两个点做“8”字形的回环运动。而在某些时间点上出现能够影响剧情走向的选择题,势必会将这个“8”字形运动拆解成互不关联的两个“0”,进而影响观众的代入感或是影响观众对人物情绪的感知。第二点,制作成本与收入将不再对等。原本90分钟的影片变成了312分钟,拍摄、制作的时间与成本都将成倍数的提升,但是现有院线与未来很长一段时间内院线都不会提供这类型的观影服务,毕竟屏幕只有一块,如果人人一块屏幕,电影院的放映优势又在哪里呢?并且在网络平台进行播放,预计也只有少部分人会完整观看所有分支内容,除非包括每次选择在内的镜头都由不同的方式呈现,否则重复感将会让观众失去新鲜度产生厌倦,但按此方式1部电影将变为至少3部电影。再就是普通观众很少会为已经付费的影片在短时间内继续付费观看,如果以吸引VIP付费用户来衡量,花3部电影的钱拍1部电影,平台因此而入不敷出只是时间问题,该类型内容的付费形式有待改善与创新。 接下来说说这种类型的优势:第一点,与剧作内容的关联互动。《黑镜:潘达斯耐基》之所以选择互动式电影这种游戏式的观影形式,很大程度上是因为与剧情故事有着高度的关联性,影片讲述的就是一个游戏开发者将交互式小说《潘达斯奈基》开发成一款游戏,然而很快现实和虚拟世界混合在一起,让他的选择也开始影响现实生活造成混乱的故事。通过与剧中人物类似的互动形式,强化了观众与剧中人物情绪的关联,让观众产生期待,并且在观影结束后产生想要浏览其余分支走向的情节,体验不同的故事的冲动。第二点,防止盗版。这一点毋庸置疑,简直就是影视行业的最佳优势了,还有什么能比防盗版更吸引人呢,平台独播也是能因此而扩充一大波VIP用户付费,这一箭,好雕!第三点,感恩大礼包。作为口碑日渐衰落的《黑镜》系列,一部这样形式的电影的出现就是一部满足各类观众需求的观影大礼包,也成为了《黑镜》系列观众的一针强心剂。看过的会期待下一季,没看过的会回览前几季,这模式做的,好雕!所以回顾国内电影,基础的剧作、视听都不过关,更不可能有这种能够让电影、平台双赢的创新性想法了。 回归正题《黑镜:潘达斯耐基》其实本质上是一部电影,其余内容则是包裹了能够辅助营销宣传的互动式游戏。然而这部电影却是一部强互动的电影形式,联结了电影、游戏与平台,三维式的互动让形式与内容得以相互支撑,这一箭,真的好雕!反观国内不争气的剧作与视听,到现在连营销手段都落后不知几百公里了。竟然还依然兴高采烈地抱着IP不撒手、有特效就想比拼阿凡达和指环王,累不累?毁书不倦乏不乏?电影《阿丽塔:战斗天使》 影片截图 醒醒吧!电影特效都已经到这种级别了!别沉浸在自己的幻想中做白日梦了,梦想网大与院线“互动”吗?最后,敢问各位兄弟姐妹们,对于网大式的院线电影咱能先看看预告片了解下不?都说新年新气象,万一疏忽了看了这片子,新年这开门儿彩可真是不可描述呢?到底是怒不可遏?火冒三丈?勃然大怒?还是痛不欲生啊?高能预警提示!.预警提示!.提示!.!不可描述的IP良心巨制在北京的小伙伴们,我们将在北京朝阳区高碑店,每周日14:00举办电影主题放映活动,每月一个电影主题。欢迎大家关注 影映营 获取更多放映资讯!如果您对我们的内容认可的话就转发分享给更多朋友吧!每月1个电影主题,每周举办1次电影放映活动!感谢您的关注,有想看的电影可以告诉我们呀!影映营

  • 我去,世间还有这么好的电影礼物!

    2018年就要结束了,又到了储备明年日历的季节。这篇文章告诉还没有添置2019年日历的你:等待是值得的。即使你已经手握某街、某宫、某豆也不要紧,因为爱电影的你,一定还需要一本有趣又好玩的只为影迷打造的日历。不是一个物种和别的电影日历“我去2019”凭借独特造型在一众电影日历中独树一帜。从365张卡片整整齐齐开启全新一年,到最后一张卡片伫立到最后一天,送走一年,有始有终。连日历卡片都这么坚强,我们有什么理由不努力做个争气的影迷? 图片是社交平台上另一个重要的组成元素,基本以自拍和非自拍两类为主。这个年代,为什么你还要用自拍和无关的文字搭配出新的蒙太奇意义呢?这个年代的自拍和本人的差距真的地球到月球一样远了。不如,找张电影图,合理地传达更多信息。我相信每个人心里,都有自己恋恋不忘的经典镜头,以至于产生了一种迷影人士互相残杀的游戏——看剧照猜电影。大部分迷影人士也很爱用电影海报、剧照做头像,这也是一门大学问。总有些电影你再喜欢,也常被人一眼就认定你只是个豆瓣top250的水平,就像大多数人身边都有一个用《这个杀手不太冷》做头像的朋友。《这个杀手不太冷》最常见的海报就是里昂戴着墨镜、小帽子四十五度角仰望天空。墨镜、手枪、盆栽、娜塔丽·波特曼的bobo头,都是这个电影的标志性符号。但是抛开这些,还有一个最重要的元素,洛丽塔情结。于是当你拿出这样一张海报的时候,是不是瞬间把那些简单的符号元素给间离开了?大家也不会看不出是《这个杀手不太冷》,但也觉得你要表达的东西,就是很内涵,不简单。但是没有办法,你就是喜欢这些片子,毕竟人家能够成为大众经典,有足够的底气。与剧照相比,电影海报会融合更多的信息,牛逼者还会体现出艺术设计感。今天和恋人吵架,发一个《蓝色情人节》,明天真的分手了,发一个《情人节大屠杀》,不仅清楚传达了信息,体现了情绪氛围,还成功装得一逼。“我去2019”日历是一个可以帮助你的小道具,每天一部电影,用台词、海报局部、关键词线索分别呈现。从具象的词、画面到抽象的关键词,逐步推进训练,增强观看和解读电影的能力。这种能力最终可以应用到实处,更高级的以电影之名,在社交平台展现自己的迷影魅力。掰下一片日历,一部好电影与你相遇,一年365部,用起来绰绰有余啦。一日一撕掌上小卡片有别于其他小本本形状的日历,我去2019从产生之初走得就很有设计师思维。正面是当天日期信息+全年倒计时,实用性与仪式感兼具。撕下来的卡片可用日历自带的盒子收集整理。从“我去2018” 到“我去2019”,这款产品已经拿到了专利哦!我撕我撕我撕撕撕为什么要做好收集整理?因为这可不是一撕一忘的日历,在过好日子的同时,“我去2019”让你在新的一年成为影迷中的收藏家、活动家,真玩家。撕下来的卡片也可变身桌游道具,真影迷聚会的时候,甩出几张便知对方几斤几两。 强大出题阵容奉上365道电影谜题 这本日历的背面非但不是设计死角,反而是重中之重。每一张日历卡片背后都有一道题目,指向一部久经考验的佳片。题面分三种:三个关键词线索、一句电影台词,一张电影海报的局部。有些日子,题目带你发掘一部冷门佳片;有些日子,题目引出一段影史沉钩;有些日子,题目本身就是一种重看经典的思路和眼光……“我去2018”日历曾被网友戏称为“北电考研真题指南”,题目线索信息量和开发影迷大脑的程度可想而知。365道题目,365部影片。365天过完,期待它从纸上走到你的心里。每日九点恭候大驾全新答题系统请将答题规则牢记于心,它能帮助你在每日的竞猜中脱颖而出,顺利开启全年的优质迷影生活。而且,想象一下,一旦把我去2019这样的新玩具摆上桌,你还要在周围小伙伴无数次的饥渴求问中一次次向他们传道授业嘛。配合我去2019日历,SAME开发的全新在线答题系统正式上线。扫描包装上的二维码,你可以在线答题、查看当日及往日答案、求助/帮助他人、关注当日/当月排行,还可以当家作主——在线出题,有可能你出的题就会在下一年日历中出现哦。所有互动都能获得SAME系统积分奖励,一定数量的积分可以兑换SAME观影券或周边产品的购物券。每天上午九点,当日竞猜答题准时在平台上开启。祝愿大家多多积累Bingo!,龙虎豹榜上有名!在家撕日历—网上答问题—影院看电影—躺着领周边——多位一体的美好迷影生活就从我去2019出发吧。 秀出你的友邻这些走心买家@K.作为市面上造型最另类的日历,SAME的我去在我的桌面上就像是一座岛屿,每天揪下一片解锁一部电影,随着时光的流逝,岛上的卡片越来越少,恰似中年男人的头顶……不过偶尔把已经揪下来的小卡片整理堆叠,感觉就像是一片片与电影相关的记忆碎片摞在了一起。是啊,时光的流逝是很让人惆怅的一件事,但如果这些时光与电影相伴,似乎又美好起来了呢@汪金卫以前从来不买日历/挂历,去年没忍住买了两种,一个是台北故宫狗年大月历,另一个就是SAME电影日历。每天早上撕下一块,绞尽脑汁回答当天的猜电影题目,成为每日上班地铁途中难得的乐趣。日历中还暗藏放映活动优惠券,相当于白送嘛!电影赋予我们无上的自由,在时光中自在穿梭。希望这本日历背后的365个电影故事,能帮你我重新点亮记忆和想象中的角落,享受那些在电影时光里闪闪发亮的时刻。真正地,进入一个迷影的世界。点我查看宝贝详情PS:转发并评论这篇文章,我们将在未来2周选取评论获赞前三名送出SAME精美电影周边。手速快者获奖几率更大呦!

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