全部忽略

提示

你是否要取消绑定(第三方名字)账号?

确认 取消
取消 确认
         浏览器版本过低,为了正常使用请升级浏览器,推荐使用Chrome浏览器
后期
  • AE和C4D动画中「父子关系」运用的五大技巧!

    父子关系是学习动画时的最基础的一个概念,同时也是最强大,最常用的功能!可以说一个动画软件如果没有父子级的功能,那么很多动画都是实现不了的。父子关系的概念理解起来非常简单,就是子物体能够跟随父物体一起运动。但是对于一些刚学动画的新人来说,对它的理解可能比较浅,并不能灵活的去运用好它来帮自己做动画。下面酷加动画小编就来讲一讲父子关系的一些你可能不知道的使用技巧~(AE和C4D中都适用哦)一、解决动画需要多个中心点的问题我们动画制作过程中可能会碰到这样的问题:一个动画需要有多个中心点来完成,比如前一段动画中心点应该在A点,后一段动画中心点需要设置在B点。但是稍微有点做动画经验的就知道,里面一旦给中心点打关键帧,那么之前做好的动画99%会出问题。这时候最简单的解决方法就是创建一个空物体做为父级,用父级的位置作为第二个中心点。举个栗子,比如这个方块翻滚的动画:要想完成这个动画就需要多个中心点,方块的每一次翻转,中心点的位置都会发生变化:这时候就可以借助多个父物体来完成,每个父物体放在相应的旋转中心点上:二.解决复杂旋转动画问题旋转是最基本的一个变换属性,学动画首先学的就是位移旋转缩放,可能你会说,旋转谁不会做啊,那么请看下面这个效果:看起来好像很简单,但是你只要试着做一下就会发现:这个角度虽然很好摆,但是在做绕着绿色的Y轴旋转的动画时,它根本不按你想要的方向转有没有!方向要多随意有多随意,不管调哪个轴向的旋转参数都不对。当遇到这样比较复杂的旋转情况时,直接做是做不出来的,这时候怎么办?很简单!没有什么旋转问题是加一个父级解决不了的,如果有,那就两个这种情况下可以利用一个父物体带动自身旋转到合适的角度,而自身则负责做旋转动画,这样就可以完美解决了~C4D中同样可以用这个方法解决,就不演示了。另外,在C4D 新一点的版本里,有一个四元旋转的功能,勾选它也可以一定程度上解决这种问题(题外话:如果去了解下计算机知识的话,你会发现旋转问题是计算机图形学里的一个难题,感兴趣的可以去搜搜四元数、欧拉角,很有意思~)三.快速对齐有时候需要把两个物体的位置对齐,ae里面还算好解决,直接把位置复制过去就行。但是C4D里面要对齐就比较麻烦了,位置属性复制起来没那么轻松。但是利用好父子级的特性就很简单了,这次用C4D来演示下:比如我要把物体B对齐到物体A的位置,只需简单两步就能解决:第一步:把B作为A的子级第二步:将B的位置归零这时候神奇的事情出现了,参数全归0后,你会发现两个物体就自动对齐了!下面说下原理:不管是在AE还是C4D里面,如果你观察一下位置旋转这些变换属性,你会发现,如果一个物体设置为子级,它的这些参数会发生变化,这是因为设置为子级后,它使用的是相对位置,而不是绝对位置,也就是相对于父级它的位置。利用这个原理,只要将子级的位置调成0,也就意味着它与父级的相对位置是0了,相对位置是0说白了就是位置在一起!想要对齐位置的同时角度也对齐方法也是一样的!只需要把旋转参数归零即可四.纠正变换试想一下:你动画已经做完了,结果发现素材的位置不太好,需要微调下,好的,打开位移属性准备改改,结果发现位移上已经打满了关键帧。这时候你再想改位置就太麻烦了,怎么解决?很简单,还是靠父物体,拿个父物体带着动一下就解决了。这个非常好理解,继续拿C4D快速演示下五.制作动画的缓动缓动是什么?先看看下面两个动画:(无缓动)(有缓动)考验你动画功底的时候来了!两个动画效果对比一下,你会发现,没有缓动的那个动画,在每次图标转动的时候,会直接停在那里,这就显的很僵硬,不自然。而另一个动画,每次图标转动的时候,不会停下来,而是继续有一个轻微的运动,像是受到了惯性的作用继续运动一样,我们一般把这样的效果称作动画的缓动。像这种动画的缓动、缓冲,在动画设计中是非常常用的。它可以让动画显得更加流畅,更加自然。而这种缓动效果,你自己尝试一下就会发现,如果你想直接把这个动画做出来,是很麻烦的,动画很难调顺畅,而动画曲线调不好的情况下,做出来的效果可能是这样的:Emmm,动画跟抽筋了一样。莫慌,这时候还是可以借助我们强大的父子级来解决问题!先不要管缓动,在本体上把动画做好,然后创建一个父物体,专门负责带动整体做轻微的缓动旋转,这就好像给整个运动中增加了一个持续的惯性一样。因为利用了一个父级,将主要的运动与缓动的动作分开了,所以你会发现动画会非常流畅,调起动画曲线也是相当轻松!

  • 特效制作中,如何让画面更具备立体感?

    把控好画面立体感的合成处理是合成师必备素质之一。立体感这个词应该对于每一个学习美术的朋友都不陌生,我们刚接触到素材几何体的时候就会对立体感产生初步的认识,大部分情况下我们谈到画面立体首先想到的是光影关系其实在影视合成中我们还有很多种办法去表现画面的立体感,通过镜头的特定属性、通过光影颜色等属性,下面我们通过以下几种形式来讲解一下画面的立体感。一、通过画面虚实关系来增加画面的立体感。大家可以从上图看到,画面中的前景以及远景做了镜头的虚焦处理,这样的处理方法可以更好的体现画面的主题层次感,加强画面的立体感。这种手法在影视合成中比较常用,但是合成画面过程中一定要参考摄影机虚焦成像原理,我们需要遵循一些固定的规则,比如,大光圈镜头比小光圈镜头更容易拍摄出更大的、更漂亮的虚焦;其次,使用长焦镜头要比广角镜头更有优势;再次,微距性能强的相机/镜头,在焦点很近的时候,也可以让背景的虚化得很漂亮。以上三点,都可以归结为一点,那就是都可以获得较浅的景深,而此时远处的背景会被虚化掉。二、通过控制画面的光影 来增加画面的立体感画面的立体感再没有后期调整之前,前期的拍摄灯光设定是非常重要的,后期画面合成中可以做锦上添花的工作。我们现在分析主要从光影的角度出发,来讲解分析如何增加画面的立体感。1 通过对画面阴影的控制达到增加画面的立体感。我们来看两张图大家可以通过上图看到阴影的强弱对画面影响是非常大的,我们强调的画面立体感可以通过控制阴影的强弱来进行把控。2 通过调整光比来的控制达到增加画面的立体感光比是摄影摄像上重要的参数之一,指照明环境下被摄物暗面与亮面的受光比例。光比对图像的反差控制有着重要意义。我们为了突出和表现画面的主题,增加画面的立体感,调整画面的光影关系是非常重要的手段,物体本身都是存在明暗关系的,光比放在合成的环节,一个非常重要的参数就是contrast。在合成中我们可以分别控制画面亮部、中间调、暗部不同区域的光比。3 利用颜色的属性来增加画面的立体感。我个人在画面立体感处理过程中,比较常用就是利用画面的冷暖色来控制,结合光比,阴影和冷暖色共同使用。以上我们强调通过光影关系的手法和技巧,这里强调的是,根据不同的镜头和画面的把控手法选择性使用,合适即可,避免影响整体。三、通过画面透视关系来增加画面的立体感1 通过遮挡来增加画面的立体感立体感是物体本身三维属性的体现。需要通过物体间的关系,来表现他们的前后远近,从而表现物体间的三维属性。假设下面这张简化示例图,是我拍摄的一张照片。如果我告诉你右边绿色的山峰,实际在更远的地方,你很可能会觉得莫名其妙。那么有哪些手法可以表达空间感呢?第一种方法非常的简单,叫做“遮挡”。也就是用一个物体遮住另外一个物体。这样读者就会明白,那个被挡住的、轮廓和整体不完整的物体,一定是在更靠后的位置。例如上面的情况,我可以往左边走个几公里,此时红色的山把绿色的山给挡住了。这样我拍出来的照片,山之间的层次关系就很明显了。2 通过线性透视来增加画面的立体感线性透视,简而言之讲就是“近大远小”,原本平行的线条,在向远方延伸时会不断的会聚,直到在灭点处汇合成一个小点。3 通过夸张前景来增加画面的立体感夸张前景的关键,是要找到原来相对较小的物体,通过透视,让其在画面中表现得和背景中原本较大的物体更大或者差不多大。通过画面表现和人类认知的错位关系,才能体现出透视空间感。以上给大家分析了一些如何能够增加画面立体感的方法,这其中有后期画面合成可以去调整的,也有很多是前期拍摄的环节更好处理的。

  • 小白必看!粗剪如何搭建影片整体结构

    引言我们课程里有两个非常简单的小案例,一个是自己拍摄的玩具模型,一个是在网上找的素材两个小片子的思路和方法是一样的,没啥难点。后面的课程都是基于这俩案例的演示。很多刚开始学剪辑的小伙伴经常问要做练习怎么找素材,除了做混剪外还可以自己用手机拍摄素材进行练习,也可以在网上寻找素材进行剪辑的练习。这期来简单聊一下粗剪阶段主要的工作内容。2-3粗剪的思路与方法完整视频教程1搭建结构粗剪阶段的主要目的是在于基本还原导演或者文案的构思及表达意图,而最重要的任务是把我们上一步剪的每一场戏按照文稿结构进行分段、分内容填到影片整体结构中,把影片框架先搭建出来,同时要保证影片的连续性与完整性。 技巧提示一般情况宣传片或者广告中会有部分旁白配音,在影片剪辑初期很少情况会在一开始把配音给到后期。大部分情况是到精剪阶段文稿确定后才会正式配音才会给到剪辑,所以我的习惯都是都是自己用手机录下来先把声音配上,去进行配音和画面的对应。粗剪阶段配音和画面不必进行非常细致的调整,就是说不要纠结在一个剪辑点或者一个部分,像音乐节奏和镜头节奏可以放到下一步精剪,粗剪阶段重点是关注整体的逻辑和剪后镜头的连接。在粗剪阶段需要尽量保证影片信息量的完整,所以信息镜头宁多勿少。记住剪辑最重要的是整体,一定要有主次,主要突出部分要做好,次要部分稍微糙一点也可接受的,要记住整个视频都是重点就是没有重点,整个视频一定提出一个重点表现部分。2流畅与逻辑通顺粗剪完成后需要检查影片是否流畅,逻辑结构是否有问题。检查结构与逻辑的流畅与否这一块带入到我们写作文的方法中应该更好理解。逻辑1、整个文章要表达的中心思想明不明确。2、整个片子要传达给观众的核心说说清楚没有。3、文章结构是否清晰,有开始、发展、高潮、结尾,这个就体现在我们在剪辑的时候对影片整体的结构和节奏有没有规划。4、最后结尾要升华主题思想或者点题,首尾呼应(也许是一个段落,也许是一个镜头)。检查1、结合素材检查影片信息量是否足够,是否缺少信息镜头,比如大环境、人物关系、细节特写、情绪叠加等。2、需要包装的部分预留时长、有多少镜头,特效结合实拍的部分需要先剪辑好。3、铺上参考音乐,让影片不至于太干。 听取第三方意见

  • 回放成片色彩偏移?现在来关注一下这个问题

    Hej 大家好想必大家可能都有过这样的困扰,刚输出的影片在“别人手里”转眼就变了模样,可是在达芬奇里输出怎么也没检查出哪里有问题今天的内容源自达芬奇手册里一段不算起眼的话首先我们翻开 Davinci resolve 手册的第177页你会看到这样一段话:14和15的手册里你都能找到大意是说明达芬奇会在输出QuickTime封装的文件时会将色彩空间的标签嵌入至文件内,嵌入的规则是:RCM未启用时按时间线色彩空间来写入;RCM启用时按输出色彩空间来写入。其中支持的色彩空间有709、2020、2021、XYZ、P3DCI和P3D60所以有了这样一个标签,我们在打开由达芬奇输出的mov的时候,是不是图像RGB数据相同的情况下,我们看到的画面就不一样了么?在转换规则未知的情况下我们先试着测试一下吧这里我用了一个稍作修改的彩条画面,以达芬奇默认的不开RCM,时间线色彩空间为709/2.4的前提为基准,画面与相应的矢量波形如下图所示当我修改了时间线色彩空间的设置,在达芬奇里直到输出过程中的预览,甚至将输出后的文件重新导入回达芬奇,我们也看不到任何可见的变化我们可以将时间线色彩空间设置为2020,不使用RCM开启RCM的情况下,我将时间线色彩空间与输出色彩空间都设置为了相同的值我这里以文件名作为区分不同的时间线色彩空间设置输出的文件(QuickTime/ProRes422)作为对照,在只修改输出封装和编码(MXF/DNxHR444)的情况下,也没有改变当我们在Mac系统下的Finder里空格预览,或使用系统自带的QuickTime打开时,便发现了开始出现了明显的不同分别设置为709、LogC、2020、P3DCI,以及开启RCM的情况这里可以注意到设置为LogC的时候由于并不在支持名单里,所以我们看到的结果与709相同直到这里我可以猜想是播放器会根据嵌入的标签进行相应的转换,以显示出“正确”的色彩那么别的软件呢首先我把注意力放到苹果的亲儿子FCPX身上,于是在不做别的什么设置的情况下我直接将以上一组mov文件拖到了一个空白时间线上,得到的结果果然与QuickTime里看到的极其相似,于是我打开了示波器与片段属性……如图请将元数据视图切换至EXIF可以点击大图查看右侧的文件名与“颜色描述文件”一栏果不其然我们可以在FCPX里看到嵌入的标签,具体写明了该文件的色彩空间描述“颜色描述文件”一栏的括号内的数字,应该就是对应了我们使用的色彩空间。可以发现不仅是色域有所转换,Gamma也进行了调整(2020和709都是2.4所以图中的灰阶并无变化)那么这下算是知道如何去检查一个mov文件是否嵌入了相应的标签,以及嵌入了什么样的标签了回到达芬奇,我们还是看不见任何不同,甚至元数据处也没有任何标注第三行为MXF以作对照那么问题来了,是不是只有苹果自家的软件就能正常识别并转换呢?作为大牌的开源播放器VLC,做出了一定的转换,不过似乎只有2020有所不同,P3怎么看也和709是相同的画面Windows下的Potplayer按下Tab查看详细信息,我们可以看到P3可以被顺利识别(小问题:Smpte 431 = ?)但是经历了一个很特别的过程…2020也是如此对照的mxf就并没有这样的待遇了以上测试表明,达芬奇嵌入的色彩空间信息被读取并“还原”的效果在多数情况下还是有,至于被“还原”成了怎样的一个结果,由于又涉及到了系统的ICC,这又是一个非常复杂的情况了在口头采访了我们的直男Andy老师之后他表示,你可以去看看QuickTime的标准里,记得是有这么一个标签可以起作用。在简单地展示了一下苹果官网的说明后他宣布这套标准实在是太复杂,,想弄明白得花大把的时间去了,你自己看去吧至于这样设计的用途,我的理解是苹果想引入这样一个色彩管理机制,配合系统的ICC,尽可能在不同的设备上看到相似的画面,毕竟苹果已经在尽力地运用和推广基于P3的广色域显示(没错,在iOS上我也看到了和在macOS上相似的转换结果),自然要考虑到向下兼容709/sRGB的屏幕。图片是可以嵌入ICC,读取并正确转换已经非常普及,而对于视频而言还没有一个广泛使用的标准当然我们只考虑“交付”的情况,所以说达芬奇不认这个标签,也不会进行转换也是可以理解的结果了。而FCPX也是10.4版本里才能完整地显示详细的色彩空间信息,之前的版本可以做出转换但是在“颜色描述文件”一栏并不能正确地显示。至于更多的软件能否识别这一标签并转换,大家可以自行尝试最后一个Tips对于画面暗部与高光被裁切的情况,请检查一下回放的Data Level(往上翻你会在Potplayer的信息里看到有一个【范围: tv】一栏)About我的公众号Post_spotlight以上内容有问题的地方欢迎指正

  • 在Premiere中通过音频波形批量音画同步

    文/罗成圆前言关注“成圆调色院”的朋友们好。很多影片在拍摄期间,画面和声音是分开录制的。在正式剪辑前,需要进行音画同步,这跟我们平常说的“合板”是一个意思。如果摄影机录制的视频带有参考音,则我们可以通过音频波形进行音画同步。很多Premiere教程只介绍了单条音频和单条视频如何基于波形同步。操作的前提是,剪辑师必须知道哪条音频对应哪条视频。但如果场记没有记录视频对应的录音文件名,面对大量的音频和视频文件,我们在Premiere中如何批量音画同步呢?很多人会选择同步插件PluralEyes,但Premiere是支持基于波形批量音画同步的,准确性也非常高。什么情况下可通过波形批量音画同步首先,我认为还是得再总结一下使用波形批量同步的前提:1、场记没有记录视频对应的音频文件名。剪辑师无法快速找到视频对应的音频。2、视音频时间码未同步,或无时间码。无法通过时间码同步。3、视频文件必须满足:视频带有参考声音。通过波形批量同步步骤① 选择多个视音频文件创建多机位源序列我通常会在Premiere项目窗口中,全选某一天录制的视音频,右键→创建多机位源序列,在弹出的窗口中点选“音频”。注意:通过选择素材箱(如下图)“创建多机位源序列”,会导致音画同步失败。如果我们选择的素材箱中还带有次级素材箱,则“创建多机位源序列”命令为灰色,无法选择。所以我们必须在Premiere项目窗口中点选某天所有的视音频文件,再执行“创建多机位源序列”,基于波形同步才能成功。选择多个视音频文件,操作上比较繁琐,也非常容易出错。我们可以通过“搜索素材箱”功能,将某天、或者某类的所有媒体整理到一个素材箱中,并且不影响已创建素材箱内的媒体。考虑到文章篇幅,“搜索素材箱”功能将在以后的文章中详细介绍。② Premiere自动计算与匹配当我们在“创建多机位源序列”窗口中选择音频并点击确定后,Premiere会在选择的视音频文件中,通过音频波形,自动匹配对应的视频和音频,并进行同步计算。同步成功的视音频,以多机位时间线的形式储存在项目窗口中。多机位时间线的图标如下所示。如要需要在时间线面板中打开多机位时间线,则需要按住Command,并双击某条多机位时间线。③ 检查与整理同步片段新建一条普通时间线,将所有同步成功的多机位时间线拖入该时间线中。注意,拖入多机位时间线前,需确保已取消勾选时间线面板头部的“嵌套导入”图标,否则多机位时间线将以嵌套形式插入。将同步片段成功导入时间线后,就可以方便地查看同步情况了。在检查与修正音画同步的同时,我们可以删除视频文件自带的音频通道、对齐视音频片段出入点等操作。整理后的时间线如下所示。至此,音画同步完成,我们可以通过堆栈时间线进行粗剪。合并剪辑有的剪辑师不习惯在时间线上浏览素材,他们习惯在项目窗口中选择素材进行三点剪辑。这就需要将已同步的多个视音频片段合并为一个文件。在时间线上,选择已同步的视音频片段,右键→合并剪辑。在弹出的窗口中,设置合并剪辑的名称,单击确定以创建合并剪辑。该操作需逐个操作,无法批量。注意,设置名称时,最好带上录音文件名称。创建的合并剪辑,储存在Premiere的项目窗口中。现在,你可以运用合并片段开始愉快地剪辑了。总结Premiere基于音频波形的音画批量同步功能,能让你在无场记、无时间码的素材同步中解脱出来。本文使用操作系统:macOS Mojave 10.14.4本文使用软件:Adobe Premiere CC 2019

  • 企业宣传片后期制作基本思路

    大家会发现其实做片子就那么几个步骤,其实不光是宣传片,其他类型的片子也可以往这个流程里面去套。总结一下企业宣传的后期制作流程及思路。我将把内容拆成几个几个模块,进行简单的说明。宣传片几点构成因素1、画面:色彩、三维、特效色彩指的是整个片子的色彩偏向。比如商务、科技、互联网等企业更偏向冷色调。一些实用产品或者视频类宣传片会更偏向写实或者暖调子。当然还有清新、无色、低饱和等多种色调。三维和特效2、声音:同期、解说、 音效、音乐这里“对白”就是同期录音3、节奏:剪辑、音乐节奏包含了音乐的节奏变化,以及镜头的使用,通过剪切点可以清晰的看到每个部分镜头的节奏。宣传片制作的构思之前收到一个小伙伴问,片子拍摄素材不是很好,缺了很多内容,而配音文件早已录好,不能更改,怎么办。这个其实就涉及到对片子整体设计的能力。(相同颜色其实是相似的内容,如何将这些相似的内容合理的运用的整个片中。)新手在拿到一个文案之前往往就开始了动手进行制作,做到一个难点解决一个,做着做着就发现处处是坑,求助高手之后发现片子被改的面目全非。造成这样的结果往往是因为没有想清楚这个片子的立意是什么,手中的素材应该怎么安排,在制作过程中拆东墙补西墙,拆来拆去就变成危房了。那么我么在拿到一个文案后怎么办呢?先想这个片子的立意是什么!1、这是什么样的片子(用途)2、这个片子的结构,整体以及每一部分想表达什么主题思想(影片整体结构)3、怎么样去表达(方式、连接)4、我的亮点在哪里(特效、音乐)5、确定制作方案(以上内容如何实施)搞明白这些内容我们才能动手,每个段落使用什么的素材,什么样的表现方式安排的明明白白。只有这样才能提高后期的工作效率,而不是无谓的加班。宣传片素材1、确定制所方案后开始素材的收集与整理。(素材包括图片、资料、视频素材、拍摄素材等众多类型)2、明确所要制作的宣传片格式(4k/高清),然后对软件新建工程序列进行设置。3、之后便可对素材进行分类整理,熟悉素材。(在finalcut7中对素材的格式要求是很高的,在同一时间线内所有素材格式必须与时间先格式相同才可保持剪辑顺畅地进行;所以在finalcut7前期对素材格式的整理与否会直接影响着后期制作的顺畅程度。其他软件可根据电脑性能决定是否转换代理。)宣传片构思的实施1、前期对素材的整理不仅仅局限于格式的统一,还有对素材的熟悉和把握(知道文案中所描述的内用与素材中哪一个镜头相对应,哪一个镜头在哪一个素材的哪一部分,必要时可做记录方便见集中对素材的寻找),这样便可大大节省剪辑时间并且在脑中初步形成了剪辑影片的印象。2、印象形成后便可对照文案进行镜头整理(哪一个镜头对应那一句话,文案中哪些地方没有镜头或者镜头无法表现)3、初步整理后影片中缺少的资料素材要及时补充,镜头无法表现的内容就要有新的想法表现(用效果去掩盖素材的不足)。4、然后就是对影片整体(影片的整体结构、镜头的剪接方式、色调、效果的表现形式、影片的节奏、以及音乐的节奏和情绪)的把握,确定之后就是把这些落到实处。之前也有同学问过自己的想法与客户要求相悖,怎么说服客户。首先你要明白客户为这个片子买单,你做的是将客户的要求用艺术的表达方式呈现出来,当然可以符合你自己对艺术的追求就更完美了。其次,在分析项目的时候是否充分了解了客户的需求。很多时候客户提出一些听上去莫名其妙的修改意见,大多数客户其实都不知道是哪里出了问题,只是凭感觉在提,这个时候需要用专业的去说服客户,比如我们之前的制作构思就可以提供一个很好的思路,为什这么剪,为什么这么用,不要觉得客户的审美玷污了你的艺术,要用专业让客户去接受你的艺术,而不是采用对抗的方式,这对后期修改及交片极其不利。更多关于剪辑精彩内容,欢迎关注微信badiworld剪辑时光讨论。

  • 未来,摄影机都不用再拍压缩视频格式了?

    假如有一天储存介质变得足够便宜,我们对摄影机视频压缩格式的需求,是否会消失呢?自21世纪以来,闪存价格一直在断崖式下跌。在2000年左右,1GB的闪存价格高达1100美元,如果以当时的价格来计算,前不久松下SH1的64GB SD卡售价,完全可以买一辆好车了。当然,2000年并没有64GB的SD卡,甚至连1GB的SD卡都没有。近二十年来,随着各个厂商和企业在闪存技术上不断发力,最终闪存价格的有了指数级的降低。电影和电视行业则在这场产业革命中持续受益,一直到今天。像BMD这样以机内RAW录制为卖点的机器很大程度上都依赖于CF2.0这种储存速度极快的介质那么,我们要多久才能完全抛弃视频压缩格式呢?理性分析来看,短期内还无法实现。即使是一些非常强大的闪存介质,比如CFast,在电影摄影机上,也不得用两张卡交替使用才能记录下庞大的无压缩Raw文件。这很大程度上是由于画面像素量的激增,4K、6K、8K…在像素密度不变的情况下,将每一帧的线性尺寸延长一倍,数据量就会增加四倍。所以,现在即便民用的普通相机,也会配备具有高速传输能力的卡槽系统,我们对于高速,大容量的存储介质也有了更大的需求。当然,也有很多人开始质疑,我们是否更需要如此高的分辨率。目前主流的高速SD卡,这样的读写速度在2000年是不敢想象的当然这还达不到电影工业的要求,我们需要更长足的科技发展根据最新的数据显示,苹果公司全部营业利润的26%来自于手机、平板电脑和笔记本电脑闪存的追加销售。手机或许不需要12TB的存储空间,但通过将储存介质其变得更小、更便宜,在很大程度上就能确保更大的闪存不断涌现。因此,不久的将来(也许就在五年内)我们对各类视频压缩格式的技术需求可能会减少,甚至消失。现在,各种项目使用RAW拍摄已经是稀松平常了,这样的转变正在发生。大多数人可能会认为,无压缩带来的最大好处的画质的提高。不过另一方面,目前使用的最低压缩级别通常在3:1,5:1甚至更多,在实际工作中很难与未压缩的素材区分开来。所以显然,这里的关键问题并不是绝对的图像质量,在2019年,我们所拥有的最佳画质,已经领先我们的行业标准非常多。(也许有些许夸张,但目前的发展方向确实如此)。这类为了降低储存压力而设置的参数选项或许在不久的某一天会成为历史未压缩的原始素材确实有很多的好处,它不仅拥有最佳的画质,更关键的是拥有更简单的工作流。无论单个编码有多好,但进入到具体的工作流程里,面对各种编码的混合,各种压缩,处理起来就非常的混乱,即使我们已经被迫习惯了处理它们之间的混乱关系。在胶片时代,我们常用的是35mm胶片,偶尔也有16mm胶片,总之格式就那么几种。但现在,仅仅H.264我们就有6种甚至更多格式,更不用说其它格式了。是的,这些编码在它们所预期的领域内工作得非常好,但是这些应用的边界是存在的,一旦越界,我们就需要进行编码的转换,格式的转换等等,这会浪费很多的时间以及磁盘空间,并且还有丢失元数据和产生技术错误的风险。Ursa Mini的机身设计了两种类型的卡槽,我们会看到无压缩的视频格式成为当前摄影机的默认选项吗?那么,高质量闪存的增长和面向无压缩工作流的转移,能否解决这些问题呢?事实是,虽然技术上完全可行,但对于复杂的现实情况来说,非常棘手。作为摄影机的一部分,编解码器很难进行客观的测试,这使得它们成为了市场营销的理想对象。它们也可以作为一种有用的工具,帮助厂商锁定供应商,或者是建立起一个精心设计的兼容性生态,营造出美好的假象。所以,即使我们最终拍摄的都是未压缩的素材,厂商们也可能会找到各种理由,想出略微不同的方式来实现,从而体现自家的技术优越(比如BRAW和PreRes RAW之争)。这时候,明明是无压缩的工作流,但具体到不同厂商,可能会仍然不兼容,就是一个有趣的现象了。

  • 动手剪辑前3步文案拆解大法!

    引言那么粗剪并不代表一上来就左手甩个素材右手切一刀就开始剪了,在我们真正开始在时间线上剪片子之还有很多工作。无论你是自己拍自己剪,还是在一个团队中,剪辑都可以分为粗剪、精剪、音效、输出等环节,接下来,我将剪辑工作的流程逐步拆解。粗剪之准备—文案分析我们在拿到自己拍摄的一堆素材或在工作中正式开始剪辑之前,会有一个准备阶段,你需要对自己将来剪成的片子有一个大的结构上的认知,粗剪阶段的任务就是给你的片子搭建一个大的框架与逻辑。你需要阅读文案,给片子找一条主线对于广告宣传片来说,我们拿到一个文案之后需要整体读几遍,大致了解这个片子是什么类型、讲了什么内容,结构是什么,有什么人物、时间要求和场景,表达哪类情感等,这就和做阅读理解一样,你需要把主线提取出来。读的时候需要把读不懂或者有疑问的地方标记下来,以备之后的查询。有的公司宣传片中需要体现一些技术性的内容,会存在一些专业的技术名词或者技术性的描述看不明白是正常情况,要把它记下来,去网上查询或者找专业人士、导演咨询,需要充分理解这些词汇的意思,为体现的原理概念和哪些镜头能对应等情况做准备。如果在文案中发现看不懂的内容,千万不要自己憋着,一定要想办法弄明白,这样动手剪辑的时候才能表达准确。我反复再说剪辑工作其实在拿到文案的哪一刻就已经开始了。我们在读文案的过程中脑子里会出现一些想象中的画面,那么读完文案之后应该想些什么呢?这其实就是很多人一直摸不着头脑的剪辑思维了,在工作中一定要多去思考,才能有效训练剪辑思维。我把这个思维方式转化成了3个环节。1、明确视频主题—你要宣传什么?拿到文案之后,先整体分析一下稿子,明确整个片子的主题,也就是这个片子是要宣传什么,这个点是贯穿整个项目剪辑的基本逻辑。管你用多么炫酷或者最基本的就是硬切,只要这个逻辑不乱,都不会有太大问题。虽然大家都知剪辑并不只是把拍摄素材接起来这么简单,而是在素材的基础上进行二次创作,但是在学习初期最好是实打实的把基础做好,不管你怎么创作,一定不要偏离主题,这是视频最终传达的信息,也是整个制作的目的。一般来看,企业可以宣传自己的产品,也可以宣传企业形象;城市宣传片、区域宣传片的目的是形象推广、旅游、招商引资等;活动宣传片、包括现在淘宝的小视频都是有主题、有目的的进行宣传,比如产品外观B格、产品性能、或者是使用场景都有是有设计的,通过视频的多样性传达产品的理念。通过阿里巴巴的这个案例可以看到,阿里的宣传片主题是什么,整个视频结构也是怎么去搭建的。阿里巴巴上市宣传片中,一开始就点明了主题,借创始人之口说出了这个企业创立的核心目的:为小企业服务,让天下没有难做的生意。片子里说他们是通过为小企业和他们的用户搭建了一个服务的生态系统,整个片子都是围绕这个生态系统是什么进行展示。企业宣传片确认强而有力的主题,所选择的创作资源是为了巩固目标,在这个大的主题之下,视频当中所选择的每一个子叙事内容,就是我用颜色标注出来的这一个个段落。上海—买家普通大学生—淘宝便捷—生活方式,用淘宝成为一种必不可少的生活习惯。夜—物流淘宝对物流行业的影响,实际数据支撑德阳—小城市的商家玉树—偏远地区的商家面对更广阔的消费市场,同时让购物更方便。遂昌—淘宝县电子商务,让年轻人回乡创业,创业不分年龄北京—宝妈方便快捷,生活方式杭州—负责生产为企业提供仓储、物流、推广的服务平台这些都是草根人物,从用户到商家,从年轻人到老年人,从城市到山区,几乎涵盖了中国典型的基层人物,符合主题帮助小企业或者个体户的。我们从这些故事中看到阿里是如何改变我们的生活,如何让普通人低成本的接触商业社会。片子的内容并没有选择炫耀,没有明星代言、没有罗列数据,而是选择了一一发生在我们身边的的故事。你一定要花时间去和客户沟通明确这一点。2、视频是给谁看的?用户定位在哪里?这个是很重要的一点,正如后面会讲到的那个宠物视频广告的案例,正常理解应该是卖产品、给铲屎官看的,但实际上生产厂商做这个视频是为了给代理商看的,为了让代理商以最短的时间了解产品特点进行推销用的。面向人群不同,整个影片的制作风格就会不一样。再比如比如脑白金个广告,虽然是保健产品,大家都以为它是面向中老年群体的,其实它主打的是礼品市场,年轻人表达孝心、送亲朋等等。3、结构拆分,找出分段关键把每个段落的关键词划下来,这个关键词可以帮助你梳理每个分段的重点内容、每个段落在影片中起到的作用。当然如果是宣传片的会相对简单一些,因为段落内容多半是并列的,大部分企业宣传片的文案都是有一定套路的,地理位置、公司历史、规模、取得荣誉、业绩数据、企业理念文化、发展愿景、领导采访等等。城市宣传片涉及城市地理位置、投资环境、人文历史、经济建设等诸多领域。再回头来看这个典型的企业宣传片套路式的案例分析关键词。

  • Joker幕后:好莱坞剧组如何拍出一部反好莱坞式影片?(上)

    《小丑:起源》(Joker)已经在北美上映接近两周,前脚刚拿到威尼斯金狮,马上又冲击奥斯卡,现在又登顶了北美10月票房冠军,可以说是取得了从艺术到口碑到商业的全方位成功。确实很难想象,在以高度工业化和类型片产出为标志的好莱坞体系下,居然能够有这样一部鱼与熊掌兼得的影片。就像一些影评人说的:“joker至少证明了,只要好莱坞那群家伙愿意,还是能够拍出一点有文化和深度的电影”。没有超能力,没有炫目的特效和打斗,只是踏踏实实讲述了一个可怜的病人。可以说在电影气质上,Joker一点也不好莱坞,更像一个独立制作的写实主义作品。那么作为来自好莱坞的电影主创,他们到底是如何创造出这样一部反好莱坞式的影片?本篇幕后揭秘文章,采访了从导演、摄影指导、灯光师、摄影掌机甚至跟焦员等多个一线的片场工作人员,忠实还原了Joker在拍摄时的众多创作缘由和执行细节,非常具有价值。由于篇幅较长,分为上下两篇推送。很多蝙蝠侠粉丝对蝙蝠侠的起源比自家的族谱都还要了解。但作为蝙蝠侠最知名的宿敌,小丑的起源故事却在漫画和电影中都被一笔带过了。蝙蝠侠的创作者之一Bob Kane解释:“这个超级反派的形象灵感来自于演员Conrad Veidt的一部默片。但关于真正的起源,只有等到Alan Moore的漫画《致命玩笑》(The Killing Joke)出版以后读者才能一探究竟。它描述了小丑从一个失败的喜剧演员变成毁容的犯罪分子的过程”。作为编剧和导演的Todd Phillips在2016年就开始了电影《小丑:起源》(Joker)的创作准备,他希望与华纳兄弟一同把Joker打造成首部DC扩展宇宙之外的电影。Phillips说:“我非常中意这个题材,这里面不仅有主角如何转变的故事,也融合了上世纪70年代的风格”。“Joker这个角色需要一个非常优秀的演员,当杰昆·菲尼克斯答应演这个角色的时候,我知道妥了”。“我当时也很清楚Larry Sher(ASC)是最适合来拍摄这部影片的摄影指导,我认为他是最厉害的摄影指导之一,这也是我和Larry合作的第六部电影了”。Joker这部影片,没有使用传统好莱坞和漫画的风格,而是创造了一种更加复古,真实的风格。“自从漫威和DC火起来后,超级英雄电影是过去十年里最受欢迎的类型片。但这一次,我们从侧面切入,从严肃探索一个反派的想法开始,不依赖于漫画电影的常规表现手法。“影片没有无休止的打斗(虽然我们的电影也有一些动作的元素在里面,但最大的区别是它能够是拉紧观众的注意力)整个故事情节缓慢发展,就像是像沸腾的锅子,里面的小气泡越来越大”摄影指导Sher解释说。当然,观众对Joker电影的期望是无止境的。因为之前有太多经典的荧幕形象,从Cesar Romero的电视剧反派形象,到Heath Ledger的奥斯卡表演。还不算各种动画版本,这个角色在电影里已经有7个不同年代的版本了”。化妆师(设计部门主管)Nikki Ledermann开始化妆的同时我们也开始了镜头测试。我们当时发现,有一个蓝色颜料画上去后感觉太浓厚了,后来用另一个蓝色颜料反而给人一种手工制作的感觉和材质,大家都很支持我们去做各种全新的尝试。“Jared Leto的小丑形象和Heath Ledger的有一些区分,两者和Nicholson又完全不一样。其中的一些区别来自于化妆,这方面有我们所有人的意见,特别是Joaquin的。“导演Phillips和共同编剧Scott Silver在他们的剧本中已经描绘出了Joker大致的视觉形象,但那只是视觉开发的基础阶段”。“我们的概念艺术家Hugh Sicotte首先起笔,尝试描绘小丑角色的概念设计图”导演解释说道。我把这些拿给Joaquin看,然后他也表达了很多想法”。电影制作者主要考虑的一件事是如何通过画面来增强戏剧张力感。“根据我和Todd讨论的结果,如何来表现亲密的时刻让角色能够更具吸引力是最关键的点”摄影指导Sher回忆到。“我们夸大了二分法的应用。有的时候我们和演员保持了一定的距离,让他看起来很小,然后和一些摄影机离着只有几十厘米远的镜头产生对比,我们希望通过这种方式,把角色的内心状态放展现出来”。摄影指导lawrence sher认为最具挑战的是拍摄时不能把小丑的起源故事当作传统漫画风格那样处理摄影组为此做了长时间的测试:“比如我们对是否使用65mm胶片拍摄就有过很大的争论。Sher和Phillips认为1.85的画幅比更有他们想要的感觉,而且准备用35mm胶片拍摄。但到测试过去11小时左右的时候,我们还是决定用大画幅,大画幅有更浅的景深,它能够让我们把主角更容易从身边的环境分离出来”摄影指导Sher解释说。因为近期已经在ARRI 65上拍摄了哥斯拉,Sher能够给Phillips展示用数字拍摄Joker的好处。“Joaquin的表演有些时候我们只有一遍的拍摄机会,”Sher回忆到。“所以在拍摄低光,大画幅的情况下,基本上所有镜头的光圈都开到了最大,我们需要知道是否准确对上了,不能等胶片发去洛杉矶再回来,这样一整天时间就浪费了 。用ARRI 65配合40mm和60mm镜头可以给你一种中距镜头的感觉,但同时又能展现较广镜头的视界,展现出那种离演员精神上的近距离感。尽管最新ARRI 65的传感器是2.2的画幅比,我们仍旧可以保持1.85的比例,用5%的上下放大。1.85转换成大概5K或者5.4K的画面,然后在4K里成片”Arri租给了我们一整套的摄影机套装,包括一对ARRI 65摄影机,加上一个ARRI LF和ARRI MINI摄影机。Sher用了各种类型的镜头,还有被他称为“弗兰肯斯坦”版本的镜头组。A机第一摄影助理Gregory Irwin说到:“除了DNA和Prime 65镜头之外,Larry想尝试着用35mm镜头,因为它们的大小、重量、和大光圈都有优势。尽管它们不能包含传感器所有的范围,但通过5%的提取,已经可以给我们足够的空间去把暗角和晕影最小化。我们一共花了一个月的时间测试了几百个镜头,才最终找到我们想要的镜头组。我们发现一些镜头需要从内部打开光阑片或者改变卡口来重新定制,我们从机械上重新改变了镜头的特性,用失谐的方式让它们能够在对比度和色彩上匹配,同时也改变了一些镜头镀层。测试的镜头种类也跨越很大,从佳能到蔡司,尼康和徕卡R系列”Sher和Company3公司的调色师Jill Bogdanowicz见面一起协商了LUT的制作事宜。“Jill的父亲Mitch,在柯达的罗切斯特总部工作了几十年,然后他出面帮忙制作了一个基于柯达[EXR 200T] 5293的风格,并把这个模拟到各个对应点,把 5293映射到Arri 65的log预设。我们从头到尾都用了(LUT),这让dailies能够非常顺利的完成交付”菲尼克斯正在和菲利普斯讨论导演说“这位演员就是最强大的特效,他的表演令人着迷”菲尼克斯经常能够有令人惊喜的表演,Phillips会反复提醒需要提前准备的部分“我们希望电影剧组的运作是有条不紊的,这需要在前期对每一个流程做好精确的设计”。“Larry和我们的制片人聚集了一个含括所有纽约本地拍摄人员的强大阵容,包括灯光师Steve Ramsey和器械师Tommy Prate,这能够确保不会有重大意外出现”。找到7/80年代早期纽约城的场景也是一个非常大的挑战。新泽西州出身的Sher清晰地回忆起那个年代的场景:“地铁里全都是涂鸦,时代广场和现在比也是天壤之别”。“为了能够把我们想要的哥谭市的版本做的更加真实,美术指导Mark Friedberg干到有点上头。那个年代的纽约是一个“垮掉的城市”,我们想要一种低调自然的风格,压抑着所有事物直到Arthur变成了Joker,这便是电影中画面风格和氛围的转折点。“这时很多事情都改变了,街灯变成了LED而不是用钠蒸气的,一些看起来不够时代感的东西,都可以通过艺术部门在现场做出修改,或者通过一些不明显的后期特效来解决”史蒂夫·拉姆齐(Steve Ramsey)表示在纽约市的夜间场所需要把“现代的LED换成老式的sodiam -vapors”,这是一家当地城市承包商为重现20世纪70年代的街灯提供的。灯光师Ramsey提到:“从钠蒸气到LED的街灯,每当我们找到一个夜晚的场景,当地城市承包商Welsbach会把现代的LED路灯头换成他们库存着的旧时代的钠蒸气路灯”“把LED转换成钠蒸气路灯,这需要至少一个月提前预约,但我们从中国找到一种可以调亮的LED叫「玉米灯」。我们把它装到灯具当中后,这些灯只需要一些滤色片就能代替钠灯。当我们在小巷里拍摄需要汞蒸气的感觉的时候,艺术部门就会把灯具拆解,然后在里面安装RGBAW LED灯条。当Larry希望给电话亭加非常黄的颜色的时候,我们就使用RGBAWW”。为了让内景看上去更加生动,调光版操作员Rich Porta给Sher提供了一台灯控板放在他监视器旁边。“所以,Arthur公寓里开着的电视机,或者走廊上闪烁着的荧光灯,我们都可以直接控制多达20个频道” 灯光师Ramse说。“它给Larry提供了闪烁强度和频率的选择,这样就不必去给这些效果预先编程”灯控板在拍摄的过程里也逐渐变成了一个不可缺少的工具。“这是对关键灯具进行最后一刻调整的快速方法。其他无限照明增强工具包括用于楼梯的Astera PixelTubes和以8个一组提供电视机特效的Astera Light Drops AX3。Sher说,如果可以完全不用灯拍的话,他们会这么做。“这并非出于懒惰,而是一种主动的选择。Todd知道,如果你花一整天时间去控制灯光,花费数小时去搭建大型柔光板以模仿某种风格,那么其实你是在把自己困在所谓“电影感”的东西里。而且我们俩对过于受控的场景都会有下意识的反应。Todd拍Arthur在电话亭的一场戏的时候,仅仅用了16分钟。我们在太阳落山的前一个小时用替补对戏进行了排练,然后就用了6个灯,趁着光线还很完美的时候,一遍就过了”A-camera摄影师杰弗里·黑利(左)说“菲尼克斯比他合作过的任何其他演员都更能把握时机,这一切令人激动,但也有点不安,因为每一次拍摄都是独一无二的”Joker幕后:好莱坞剧组如何拍出一部反好莱坞式影片?(下)

  • 耗时4.32亿小时制作《阿丽塔:战斗天使》背后的功臣

    今年年初上映《阿丽塔:战斗天使》,看过的朋友都被其中酷炫的特效所震撼,《阿塔丽:战斗天使》的视觉特效是由著名的维塔工作室制作,同时它还是由三万台电脑花费4.32亿小时制作出来的。在这三万多台电脑背后还有一些不可或缺的功臣,他们就是我们的电影特效合成师。一、到底什么是影视后期合成?众所周知影视后期是一个涵盖面很广的行业,其中的一般环节包括建模、材质、绑定、动画、特效、灯光、渲染、跟踪、合成等。以上的环节在电影、电视剧的制作过程当中都是一个独立的模块。后期合成是整个影视工业流程里的最后环节,它是将拍摄完成的影片或动画素材使用后期合成软件进行艺术化整合处理,以最终达到符合导演要求的效果为目的。我们熟悉的好莱坞大片《星际穿越》《速度与激情》《复仇者联盟》《阿凡达》;国内的顶级电影《流浪地球》《大圣归来》《哪吒》等都需要后期合成对其进行艺术加工处理,使其达到完美的视觉大片。二、影视后期软件中,AE与NUKE的区别许多小伙伴,不太清楚后期软件中的AE和NUKE的到底有什么区别,其实AE和Nuke都是影视制作领域非常出色的软件,二者之间不存在谁比谁强大的概念,只是应用的领域不一样,每个软件都有每个软件擅长的领域。1.软件擅长的领域所谓术业有专攻,主流视频类型后期制作就两大块业务:一是栏目包装类型的后期,主要应用的软件就是AE和C4D;一个是影视类型的后期,主要应用的软件就是nuke和maya;广告分不同的类型nuke和ae基本上各占一半。2.软件的操作方式nuke属于节点式操作,这和传统的软件有所区别,它通过各个节点去传递功能属性。节点式操作是一种非常适合设计人员使用的操作方式,但是它要求操作者必须有非常清晰的思路,否则越用越乱。AE是基于“图层”的操作,这点和PS、PR一样。如果能非常熟练的掌握PS、PR软件,AE上手学习也是相辅相成的。3. 素材的整合能力涉及三维vfx合成的、分辨率超过4k的、建议用nuke 文件。需用到各种格式的素材,且持续时间不等、大小各异的多镜头整体合成建议用ae。总体而言两个软件首先在大方向上非常互补,ae的优点正好是nuke的缺点,ae的不足正是nuke的优势。三、未来影视行业发展前景预测1.动画行业将会迎来一个大的爆发期从14年的动画电影《大圣归来》到如今票房已达影视第二的《哪吒之魔童降临》,动画行业进入一个爆发式的增长,未来也会有更多的资金注入动画电影这一领域。(2014/2019年内地电影票房总排行榜)2.老百姓的用户需求将不断激增如今大众对于电影特效的要求越来越高,电影特效要求越来越精致,不是可以随随便便糊弄观众的。3.5g到8k的到来行业会迎来大的变革5g的到来,影视后期行业势必会迎来新一轮的爆发,人才的需求也会出现新一轮的增长,8k视频的出现也会给行业提供机遇。四、新人入行的注意事项影视后期行业和其他的行业一样,是正规正经的行业,但是对于许多懵懂的新人来说并不知道一些公司正利用着自己的无知进行劳动力的免费利用,也就是所谓的试用期或实习期的前一两个月不给发工资,这绝对是错误的,即使是试用期也会是正式签订合成薪金的80%,实习期通常都会有补助。下面我们就对新人入行提出以下几点注意事项:1.签订正式的劳动合同劳动合同的签订是你的基本保障,因为在合同中会约定双方的责任和义务,这个是受法律保障的。不签订劳动合同出现纠纷对企业和个人都不利,总而言之宁可相信一纸空文也不要相信美丽的故事,因为被骗往往是从一个美丽的故事开始的。规范的合同应该包括如下内容。劳动合同应当具备以下条款:(一)用人单位的名称、住所和法定代表人或者主要负责人;(二)劳动者的姓名、住址和居民身份证或者其他有效身份证件号码;(三)劳动合同期限;(四)工作内容和工作地点;(五)工作时间和休息休假;(六)劳动报酬;(七)社会保险;(八)劳动保护、劳动条件和职业危害防护;(九)法律、法规规定应当纳入劳动合同的其他事项。劳动合同除前款规定的必备条款外,用人单位与劳动者可以约定试用期、培训、保守秘密、补充保险和福利待遇等其他事项。2.试用期的相关规定《劳动合同法 》第十九条 劳动合同期限三个月以上不满一年的,试用期不得超过一个月;劳动合同期限一年以上不满三年的,试用期不得超过二个月;三年以上固定期限和无固定期限的劳动合同,试用期不得超过六个月。同一用人单位与同一劳动者只能约定一次试用期。三年的劳动合同,试用期最长六个月。以完成一定工作任务为期限的劳动合同或者劳动合同期限不满三个月的,不得约定试用期。另根据《劳动合同法实施条例》第15条的规定,劳动者在试用期的工资不得低于本单位相同岗位最低工资的80%,并不低于用人单位所在地的最低工资标准。3.实习生的相关规定很多大学生对实习、试用和正式这三者的关系还没有明确,我们求职者毕业后找工作都是正式的工作,正式工作是要签订劳动合同的,双方约定的试用期是双方相互考察的阶段。试用期是正式工作中的一部分是受法律保护的。实习顾名思义,在实践中学习。在经过一段时间的学习之后,或者说当学习告一段落的时候,我们需要了解自己的所学需要或应当如何应用在实践中。①验证自己的职业抉择,当大学生在了解自我的基础上确定未来的职业理想时,需要在真刀真枪的实际工作中检验自己是否真正喜欢这个职业,自己是否愿意做这样的工作。②了解目标工作内容,在确定自己适合影视合成工作后,那你就要明确影视合成职位的所有工作内容,影视合成师的一天都要怎么度过,核心工作是什么?边缘工作是什么?合成要与那些部门打交道,影视合成的核心能力是什么?在了解工作内容后就要尝试着操作,争取在实践中把影视合成师的工作都做了,也在操作中明确自己的优劣势。③学习工作及企业标准,知道了影视合成工作都要做什么后,你就要了解企业及业内对每个工作内容的所要求的流程和标准,这时你要以业内及企业的最高标准来要求自己,用这种高标准来要求自己时无疑就是向业内的一流人物发展。④找到自身职业的差距,实习不单是为了落实工作,更包括要明确自己与岗位的差距以及自己与职业理想的差距,并在实习结束时制定详细可行的补短计划。当你从明确差距弥补不足的高度来看实习时,你会实习中得到更多。4.社会保障的相关规定根据相关法律法规,企业为职工缴纳社会保险是强制性的,无论愿不愿意。并不是仅仅针对公司,员工也是有义务和责任去缴纳的,所以员工不缴纳也是不合法,即使你让员工自己写书面声明是自愿的,但是一旦出了劳资纠纷,公司一定是违法的,企业如果拒不给职工缴纳社会保险,后果将不堪设想。用人单位无故不缴纳社会保险费的,由劳动行政部门责令其限期缴纳;逾期不缴的,可以加收滞纳金。5.关于收入问题在影视后期行业中,企业是愿意花钱招聘人的,也愿意在人力资源上开出合理的薪金,人才一直是行业的一个大问题,所以只要你有能力你就能够获得合理的薪金。行业属性决定既要求技术又要求艺术。所以你的能力决定你的价值,我们在找工作的时候面临多个公司的选择,所以你的能力不会被埋没的。如果找不下符合你心意的薪资,这里面有两个原因:第一,你的个人能力距离行业的标准还有一定的差距,企业不愿意给更高的钱,归咎到底还是你的能力问题。第二,薪金是你自己的谈的,你觉得低可以不接受甚至不从事这个行业。五、如何成为一名优秀的影视合成师1. 高超的软件操控能力2. 优质的项目经验积累,可以调高画面的审美能力3. 不要盯着一个专业不放,第一选择拓展相邻专业4. 寻找合适的学校进修,理论结合实际,再回归理论,再回归实际,作为老司机提升5. 关注企业流程,节省成本,深入不同的企业学习交流6. 关注整个项目流程,项目如何进来,如何核算成本,如何输出,获取盈利7. 提升自己的管理能力,对外协调沟通能力8. 深化专业知识的偏僻点,整合为工作所用六、如何选择自学还是培训1.走职业道路当成未来的工作或者事业,选择培训①现在市面上的培训的时间一般是半年左右,在这个半年的时间内需要学完后期某个模块的整个流程的课程,整个课程系统培训的时间还是非常紧张的,你需要自己完成老师布置的任务同时自己还要自觉多花点时间完成额外的工作内容。②系统培训的另外一个原因是它跟行业挂钩,用行业的标准带你完成学习任务,学习过程就是以后就是以后工作的标准,给以后参加的工作开个好头。2.业余爱好,建议自学通过自学在市面上找到工作肯定有的,但这样找到工作的比例不言而喻,系统培训的时间就需要半年左右,自学的话少说没有一个一年左右的时间是很难学完,还有关键的一点,自学学的怎么样,遇到问题怎么解决,问题能不能发现,这些都是没有保障的,更不要说行业标准在哪,当然现在网络发展很快,可以请教别人,但是别人的时间也是有限的,不能保证及时给你专业的解答,而且这种是长期问题。自学也是有优势的就是:省钱。七、影视后期合成职业晋升路径如果小伙伴真的对于影视后期合成这个职业感兴趣,那么这个行业的职业晋升路径到底是什么?通常影视后期合成师的职业晋升的路径如下:初级合成师(4k-6k)-中级合成师(8k-10k)-高级合成师(12k-18k)-合成组长-项目总监(20k+)-视效总监或艺术总监(30k+)

1 23456 ... 35