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  • 干货丨输出成片的旅程,一个完整作品要走这9步

    很多新手朋友在学会剪辑软件后,还是不知道该怎么剪出一个完整的视频,今天我们就帮助大家梳理下视频剪辑的整个流程,不仅是新手朋友,对于专业的的剪辑师,剪辑的流程也都是大体按照以下的环节进行的。1熟悉素材剪辑师拿到前期拍摄的素材后,一定要将素材整体看一到两遍,对每条素材都要有大概的印象,熟悉前期摄影师都拍了那些东西。比如有哪些镜头是专门拍摄的,有哪些镜头是关于专业领域的画面,比如工厂的设备、专业的文件等等,在不了解的情况下分不清素材的作用。2镜头分类筛选素材分类是在剪辑过程很重要的一个环节,在大致了解熟悉完素材之后,接下来我们就需要将素材进行筛选分类,需要建立相应素材的项目文件夹,将不同场景的系列镜头分类整理到不同文件夹中,这个工作如果工程量较大可以提前分好,也可以在剪辑软件的项目管理中完成,分类主要是方便后边的剪辑和素材管理。可以按照以下的一些分类标准进行素材分类(1)按照剧本、脚本结构分类(2)按照逻辑分类:人物、场景、空间等(3)按照时间分类:早上、上午、中午、下午、傍晚等。(4)按照人物动作分类:跑、跳、挥拳、走路等。在这里注意一点:大家进行素材分类时,先不要删除哪个镜头或者片段,有可能你觉得用不上的素材,或许在最后成片中还比较好用。3思路整理剪辑师拿到前期拍摄的素材后,一定要将素材整体看一到两遍,对每条素材都要有大概的印象,熟悉前期摄影师都拍了那些东西。在熟悉完素材后,剪辑师需要结合这些素材和剧本整理出剪辑思路,也就是整片的剪辑构架,这个工作可能会和导演或编导一起探讨完成,沟通一下拍摄内容和需要注意的素材,剪辑师会提一些建设性意见,方便剪辑师接下来配合剧本整理出剪辑思路。4粗剪(框架、情节完整)粗剪是电影,预告片或商业广告的原始版本。因此不必进行非常细致的调整,如音乐、节奏甚至是剪辑点等因素,主要关注影片的逻辑及前后场的连接,它是通过将原片的最佳构图组合成一个简单的时间线而创建的。通常,这是一个故事第一次在现实世界中比较完整的呈现,这个故事以前只存在于作家和导演的头脑中。将素材分类整理完成之后,接下来的工作就是去掉多余的重复镜头、去掉废镜头,挑选合适的镜头将整个影片的故事线先搭建起来,将每一场戏份镜头流畅的剪辑下来,然后将每一场戏安装剧本叙事方式拼接。这样整部影片的结构性剪辑就基本完成。粗剪的主要目的在于搭建整个影片的结构。5精剪(节奏、氛围)确定了粗剪之后,剪辑师还需要对影片进行精剪,这一步就是在粗剪的基础上对影片的细节部分进行打磨,对影片做减法和乘法,减法是在不影响剧情的情况下,修剪掉拖沓庸长的段落,让影片更加紧凑,乘法是使影片的情绪氛围及主题得到进一步升华。精剪这一步是需要新建一条时间线的,不要在粗剪时间线上直接去动镜头,如果精剪时觉得某个位置缺镜头,就可以回到粗剪时间线里去寻找,粗剪时间线没有就去分类里找,精剪并不是一遍就能完成的,都是需要反复剪辑调整,才能剪出满意的作品。精剪最好是按照剧本先挑出第一个小情节,然后在这个小情节下每次只剪辑一个镜头,再去剪辑一组镜头,再去剪辑一个情节。一步步往上走的,一定是你小的部分剪好了,再去往大了走,每个细节都是经过你”精雕细琢“的镜头,最后给观众呈现的效果也是精致的。精剪完成的时间线一定要很整齐,这样,你自己去修改的时候也会方便很多。6添加配乐、音效合适的配乐可以给影片加分,配乐是整部片子风格的重要组成部分,对影片的氛围节奏方面也有很大影响,所以好的配乐对于影片至关重要。而音效则使片子在声音上更有层次。7制作字幕及特效包装影片剪辑完成后,需要给影片添加字幕及制作片头片尾特效。当然特效的制作有时候会和剪辑一起进行。8影片调色那在精剪完成后需要对影片进行颜色统一校正和风格调色,就要剪辑师输出一条时间线给到调色师进行调色。对于大制作的视频,一般情况下会有专业的调色师来完成。9渲染输出视频成品最后一步是将剪辑好的影片渲染输出,也就是导出视频成片。这里呢你就要把影片用到的包装、调色等等所有部分,合成到一起,调整完成后,输出成片。输出时就需要注意格式编码和像素分辨率等等,输出前后最好多看几遍成片,如果有问题还需要再返回去修改。丨本文部分图片素材来源于网络,如有侵权,请联系删除剪辑师需要在无数的历练中强化自己的剪辑思维,并且配合导演的意图,与摄影师的拍摄手法则可以将其功效发挥至最大程度。一支短短的vlog也可以培养自己的剪辑思维。如果你想从事后期行业,学习更深层次的剪辑技巧、想要通过剪辑剪出一份光明的未来,那么《75天剪辑实战培训班》便是你的不二选择。课程从零基础到业内提高全部涵盖,教学内容以剪辑思路、剪辑技巧及各类真实类型片案例制作为主,帮助您成为一名专业剪辑师。2020年,75天剪辑实战培训班新加入Vlog单元学习和实战《旅行的意义》。这并非是普通的vlog形式与实战素材,我们邀请到全球旅拍摄影师陈西川(8K RAW pre签约摄影师和DJI签约摄影师),和他带来的拍摄作品和素材助力75天线下剪辑课程 。所有《旅行的意义》实战素材陈西川老师经历了长达5年时间拍摄,所耗材成本已经超过百万(新加入单元单个课程成本超过500万),拍摄素材超过3T。《旅行的意义-冰岛篇》《旅行的意义-意大利篇》

  • 技术实力与艺术修为兼备、CG全能大佬杨雪果老师专访

    每次与杨老师见面,感觉都不同。印象最深的是杨老师的学识渊博,在CG创作方面尤为强大。再次与杨老师会面。借此机会,我们也对老师做了一次专访。在正式开始前,我们按惯例简单介绍下杨雪果老师。杨雪果,国际著名CG艺术家,1977年出生于云南昆明。云南艺术学院设计学院副教授、硕士生导师、动画与数字媒体系主任、云南省美术家协会设计委员会副主任、云南省动画与数字媒体教学指导委员会秘书长、中国CGDC(ChinaJoy)游戏人制作大赛评委、Wacom中国授权认证讲师、Leewiart(乐艺)精英艺术家、CG艺术展策展人、最受欢迎Blur’s good brush绘画工具开发者。杨雪果(国际知名CG艺术家)杨雪果老师一直致力于CG绘画、3D动画、游戏、VR/AR、商业设计、民族工艺美术等领域的教育研究与商业合作。出版著作《传扬生活妙韵的巧技——云南民族工艺》、《3dsmax高级程序贴图的艺术》、《Photoshop终极CG插画技法--Blur's good brush极速手册》。数十件CG作品发表于国内外各大CG艺术杂志和网站。多部作品入选国际权威CG图集和大赛如Expose、Exotioue、光谱、Digital Painter、CG Overdrive、Biomech Art、2d Artist、插画圈、天下共生、乐艺等等。先后荣获Expose7大师奖,CG Overdrive大赛卓越奖等。杨雪果艺术在线画廊:yangxueguo.artp.cc 自学成才,见证行业兴衰CG世界:杨老师好久不见!很高兴您能再次接受CG世界的专访。您最近在忙些什么?非常高兴能再次接受CG世界的采访,最近在忙学生的毕业季、策划一些行业活动,还有个人创作、研究等。杨雪果三维实验作品 CG世界:您是国内最早一批进入 CG 领域的,当年有什么契机吗?可以给咱们CG世界的用户,分享下您这些年的从业经历吗? CG艺术是上个世纪90年代逐渐进入国内的,其中游戏领域最为突出,大部分人都是通过世嘉和索尼的次世代游戏认识到它的。当时三维图形技术的出现,对我们这些长期接受平面化图形体验的人。是一种身心上的全面颠覆;同时动画以及电影VFX的长足进步,也使得我们这代人一下子被“数字化”震撼到。在那个时代能用电脑搞制作和创作的人,我们都觉得是非常高端的人才,当时,我也希望自己能变成那样的人。 杨雪果早期手绘CG作品 大三时父母给买了人生中第一台电脑,从此开始了我的自学之路,但那会儿网络环境不好,学习资源也很匮乏,大部分学习和研究工作都是自己瞎折腾。更要命的是,大量新鲜技术资讯还是英文的,学习过程那叫一个痛苦。 2000年以后,中国CG行业逐步兴起。我在高校做老师的同时,也在一些游戏、影视、科技类企业中任职,多年来,算是见证了中国CG行业的兴衰变化,同时也在为CG行业发展贡献自己的绵薄之力。如今中国的CG行业发展,可谓是蒸蒸日上,这相当令人振奋。 杨雪果早期学习3d时的作品 杨雪果早期手绘CG作品CG世界:您不仅自己学习,还出了一本让我印象深刻的书《3ds max 高级程序贴图的艺术》,这是迄今为止国内首部讲解3dsMax程序贴图生成材质、纹理效果表现的专业图书,可以说好几代CG人都是看这本书成长起来的。我很想知道,当时您是怎么掌握到那么多 max 技术的? 2002年我创作的一部动画短片《重生》入选了当年的CG杂志和2002华人CG作品年鉴,在圈内口碑也还不错,这部短片中我使用的主要技术,就是基于程序贴图的,为了学这些技术,当时每天超过12小时都泡在国外CG论坛。《重生》短片研究这些技术的目的,就是想运用程序化纹理解决当时需要复杂UV拆分处理位图的工作流程,同时让渲染变得程序化,可控制,这个影片成功后我希望将多年积累的一些经验和成果分享给大家,于是便有了这本书,此书一共有4个版本,含台湾版。 3ds max 高级程序贴图的艺术1-3版CG世界:杨老师,这么多年您都有在坚持创作,方便分享看看,您这么多年的创作心得吗? 我觉得自己是一个非常喜爱艺术的人,尤其喜欢纯粹一点的东西,CG对于早期的我来说可能更多的是一种从业与谋生的工具,但是随着对事物的不断深入与探索,我发现它也是一种充满无限可能的艺术形态,值得我们深入探索和实践,用自己的思想以及观念去进行融合创造,而不是仅仅只把它当做一种实用性的“工具”。对于CG的创作,我们应该同时走“探索性”和“商业化”两条路,这样才能让CG这类艺术创作,保持持久的生命力,这也是我多年来的心得体会。 杨雪果实验创作 工欲善其事,必先利其器CG世界:刚刚您提到了创作过程,我想代表CG世界的用户请教下,您创作时用到了哪些工具,比如哪些软件?硬件? 我用的软件比较多,除了主流的Photoshop、3dsmax、Zbrush、UE4、Substance Painter、AfterEffect、Hitfilm这些,我对很多冷门软件也很感兴趣,比如:Terragen 、Mandelbulber、Mandelbulb3D、XenoDream、INCENDIA NEXT、Rebelle 、Project Dogwaffle Howler,有时这些偏门软件在创作上反而更加给力。对于硬件环境,我之前一直使用的是24核的图形工作站,现在用的是 ConceptD 7 Ezel 笔记本工作站。对于上述那些软件来说,英伟达的RTX显卡是必须的,它能给我们的工作加速,比如渲染加速、物理加速和OpenCL加速等。CG世界:刚听您提到一款最新的电脑,您感觉这款ConceptD 7 Ezel和过往所使用的相比,有哪些独特的优点? 最近体验的这款ConceptD 7 Ezel ,我感觉还蛮惊艳的,纯白色的外观很时尚很潮,作为一款配备了高性能的 RTX 2080 SUPER 显卡的 RTX Studio设计本,专为满足创意设计需求而设计,常规的平面创作完全不在话下,较为复杂的三维创作比如建模、动画、实时渲染、分形计算等,GPU加速效果也是很OK的。还有一点我很喜欢,就是在大规模的三维计算时,风扇噪音非常的小,这是我目前用过的所有便携式机器中静音效果最好的;另外值得一提的是,它还有个4K高色彩的多角度可变绘图屏,在上面画画实在是太舒服了,重量也很轻可以随身带着走,对于我这种经常需要在“移动”状态下搞创作的人来说,非常的重要,这也是我选择它的最重要原因之一。 CG世界:杨老师在用这款机器做雕刻或者手绘的时候,手绘笔的使用感受如何? ConceptD 7 Ezel的画笔触控,与影拓Pro数位板上的触控感较为接近,内置小画笔非常顺手,笔触定位也很精准,机器配置较高,用起来非常顺滑,我这台搭载RTX 2080 SUPER 显卡的 RTX Studio设计本,在4K的显示分辨率下,即便是较大的画布也不会有延迟问题。加上屏幕角度灵活可变,可以适应不同场合的创作需要。可以说这是一台能完美适用于各种数字绘画的机型。 敢于探索,紧跟时代潮流CG世界:我看您的作品多数都是那种超现实主义的,您这些创作的灵感都是从哪里来的呢?又是如何一步步实现的? 小时候看到达利的作品就很喜欢,大学时看到异形之父齐格的作品,感觉无法自拔,从此便爱上了“超现实”类的创作。这类创作倾向于表达错乱的维度、批判性、揭示性、梦境、情绪等元素,我从2005年开始尝试使用CG的方法,创作这种类型的作品,随着CG技术的不断发展,我感觉到运用CG来表达头脑中这些“乱七八糟”的想法是非常适合的,而且还可以将CG的优势发挥的淋漓尽致,相比传统方式更加的天马行空和无拘无束,直到现在我还在满怀激情的探索这种艺术风格下的创作。 软件方面我喜欢综合软件流程,并不拘泥于常规的制作方式,通常情况我会融合2D、3D以及分形等手法来创作作品,尤其喜欢一些开源的小软件,往往这些在主流应用中不起眼的小工具却能实现很多意想不到的效果。 杨雪果利用ConceptD 7 Ezel 创作的作品CG世界:您如何看待色彩对超现实主义作品的影响?在这方面,您是实现去控制整体色彩感,以达到心目中想要的效果的? 创作方面,我对色彩准确性的要求是很高的。 比如我经常使用实景扫描资产来创作,需要让电脑中的图形色彩尽可能的和现实保持一致。在绘画和图形设计中,需要保证作品达到100%的Adobe RGB色域显示,以及保证后续打印输出色彩的准确性; 在三维渲染和影片制作中,还需要经常使用HDRI或EXR等16Bit高动态范围色彩控制,来精确把握在后期合成中渲染的准确性等等,这些都是针对设计过程中专业化的刚需, 一般的显示器,都无法做到精准还原以上色彩级别,而上面谈到的ConceptD 7 Ezel,在这方面的表现还是很不错的。 杨雪果分形艺术作品CG世界:除了硬件,我听您特地提到了UE4,这款软件在使用过程中,对于硬件有哪些特别的要求? UE4、Unity3D以及明年马上要推出的UE5,我个人感觉最重要的功能都是集中体现在实时GPU加速等技术领域上的,比如实时光线追踪和实时GI(全局照明)以及不断进化的AI(人工智能)技术。这些技术的背后,都需要英伟达的硬件支撑,才能有效的开展工作,采用高配置的RTX GPU,将对我们做图形设计尤其是三维图形设计的人来说,能够提升效率与品质,能节省很多时间。杨雪果UE4作品(RTX 光线追踪在UE4中的应用)CG世界:作为经验超丰富的业界先行者,您如何看待这些年来,科技发展对于CG行业及创作者的影响? 可以这么说,没有科技就没有CG,科技发展对CG领域的推动太大了,尤其是软硬件的发展,直接决定了这个行业的发展方向。作为这个行业的从业者,我觉得首先要关注的就是硬件发展所带来的改变,从而更好利用新技术提升创作能力。 具体打个比方,现在如日中天的Nvidia RTX实时渲染、OptiX AI降噪、AI算图、PhysX物理加速、OpenCL加速等,都是我们现在广泛运用的图形加速技术,我无法想象如果没有这些技术的加持,会是怎样的一个制作效率。 这些技术,尤其是下一代实时光线追踪和AI技术的进步,让未来的精彩指日可待;另一方面CG创作者将会更加需要多元化的创作方式,比如我可能在办公室、公园、郊外、咖啡厅等多种环境下进行创作,同时对硬件性能的要求也会比较苛刻,因此像ConceptD 7 Ezel这样的新技术结晶,也是我们CG设计师非常需要的专业化产品。杨雪果利用GPU加速技术制作的动画作品CG世界:从什么时候开始学习 UE4 的,您觉得 UE4 给您的创作带来最大的帮助是什么? 大致是16年开始接触和学习的,UE4对于我来说最大的帮助,就是在做动画影片输出的时候,再也不用出去喝咖啡了(笑),节省了我大量的时间。 CG世界:可能对于每个人来说都可以通过努力学会。那么对于艺术美感的造就,以及如何创作一幅艺术感极强的作品是比较难的。请杨老师讲讲在如何提高艺术审美上的一些经验和学习技巧。技术只要跟着教程去学,早晚都能掌握,但是从事艺术创作首先需要的是“艺术观念”,特别是自己领悟的那部分观念,也可以说“悟道”,并不是简单通过训练就能够悟透的事情。 那么如何去培养自己的艺术思维呢?我觉得首先需要从生活中去汲取,人之所以要创造我们称为艺术的事物,就是因为要脱离这个“正常”和“无聊”的世界,去创造非现实的体验来赋予生命某种意义。 其次我们可以从很多前人那去学习,欣赏大师的作品从而启发自己对艺术更深层次的理解。当你有一天你从模仿转变为独立创作,说明你已经掌握艺术创作之道。 最后,对于CG来说,新技术时时刻刻都在颠覆我们的创作和思考过程,及时的学习新技术,不要偏食,也不要墨守成规,通过这些东西打开思维和视野也是成就自己艺术发展的重要因素。建议:慎重选择,不断学习CG世界:最后给我们年轻一代 CG 人一些学习和工作的建议吧。CG相关的每一个领域都很大,切记不要盲目的选择,我们需要做的是从各种信息渠道(比如CG世界)去真正了解CG艺术的方方面面,结合自身的兴趣再做考虑;同时持续的学习新知识掌握新技术是这个行业的重要特点,技术的更新迭代速度非常快,一不留神就可能落后,掌握越多的技术手段,意味着你能有更多的表达方式。时刻关注行业的发展,让自己往高精尖的专业性人才、跨界性的创新型人才的方向发展,这也是当下社会逐渐提升的人才需求。

  • 神作惊现?比《少年的你》还猛?2020FIRST入围剧情片超前解读

    今儿信息量有点过大。传言说是电影院要在7月11日开张,接着是7月25日补办上影节。对于一个爱好电影的人来说,有种欢天喜地过大年的意思。但这还都不是官宣,真正有电影官宣的,只有一家单位——第14届西宁FIRST青年电影展,他们公布了竞赛入围片单和终审评委团。评委会阵容:主席陈可辛,成员曹斐、郝蕾、孔劲蕾、刘恒、章明、赵楠。第14届FIRST青年电影展入围片单:剧情长片,共13部:《歌声缘何慢半拍》导演:董性以《哈日夫》导演:宝音格西格《花这样红》导演:周洲《荒野咖啡馆》导演:时晓凡《回南天》导演:高鸣《加害者,被害人》导演:季竹青《龙门相》导演:肖一凡《情诗》导演:王晓振《未见莲华》导演:刘姝《艺术死了》导演:周圣崴《藏历一年》导演:高剑《枝栖》导演:李季风《罪业搭档》导演:高寒纪录片,共8部:《棒!少年》导演:许慧晶《告别十二岁》导演:徐玮超《光之子》导演:卡先加《老郭梦工厂》导演:郭爽《清明》导演:李宝玖《世界的形状》导演:赵煦《瘾》导演:王凯《云阳》导演:解舒畅短片,共13部:《白色的马》导演:徐雨洁《侘寂》导演:黄莎莎《渡过平静的河》导演:程宇《公园日记》导演:雷磊《狗虱》导演:杨亮《家庭式》导演:游珈瑄《恐鸟症》导演:傅晓雨《妈妈》导演:姚露欣《拼车》导演:伊克拉木《少年阿尧》导演:林柏瑜《四月》导演:周小琳《修容镇》导演:包亦凡《硬币》导演:宋思琪今年FIRST组委会收到剧情长片100部,纪录长片73部,短片470部。最终剧情长片入围13部,纪录片8部,短片13部。这34部作品,将由陈可辛率领的7人评审团做出最终评判。有片聊,才能聊出点安全感。没片空谈,只能是坐井观天。第一导演特此采访了初审剧情长片组评委王飞飞,今晚,咱们先把这13部剧情片好好撸一遍(明晚再聊那8部纪录片,会有意想不到的创作揭晓)。话说回来,认识大飞都是大学那会儿了,这一晃将近十五年过去,他常年从事选片工作,也在近几年,交出了自己的导演长片处女作。大飞和我说不了假话,我问得当然也不客气,这13部电影,的确有罕见的神作,有传统电影节文艺片,也有天然适合电影院的商业类型片,还有社会系电影,说是比《少年的你》下手还重点。甚至有一部动物电影入围,你能信吗?估计影展CEO李子为一开始都不信。必须信。片子都来了,迷影还能远吗?就像大飞最后说的,“不管怎么说,现在整行业心情都比较低落,只要还能拍片,就是有希望。”我们聊得是希望,这东西,坐井里望不到。01.有点“神”,还不“作”第一导演:我就先从最要紧的片子问吧,《情诗》这片,都说有点神。王飞飞:对,今年在瑞士尼翁真实电影节的线上放过一场。这部电影对所有想成为导演的人来说都是一个巨大的启发。第一导演:哪种层面的启发?王飞飞:我可以告诉你,整个片子只有两个演员,导演跟他太太演的,也只有一个场景,就在车里。然后是三个长镜头,一个镜头一幕,三幕三场戏结束。第一导演:喜欢了喜欢了。《情诗》王飞飞:对,非常原始。主题就是两性关系,夫妻两口子。你听我刚才这么介绍,你可能会想这片会不会闷?我告诉你,完全不闷,它的戏剧性极强。我们说电影其实从诞生的时候,它不就是一个纯纪录吗?《火车进站》,它更像是一种戏剧的纪录。后来才逐渐有了镜头语言,慢慢进化到今天。《情诗》这个片子就是回到最原始的状态,就是两个人,镜头不动的,你可以认为它没有任何镜头语言,但就是这两人关系,有悬念,有意外,有包袱,非常好看。第一导演:靠台词?王飞飞:靠表演,靠两个演员。这就是我说的启发,人家就是最简单的方法,而且拍得非常有意思,又绝对是一部电影,一部电影应该有的东西它全有,最后落点是很现实主义的东西,婚姻上的东西戳得非常准。第一导演:这次入围的13部剧情片里还有比它更极简的吗?王飞飞:不用说入围,在所有投过来的100部片子里,《情诗》是最极简的,另外一方面,它很少见。你之前问我这次要是去西宁最想和哪个导演聊聊,就是《情诗》的导演王晓振。为什么呢?我跟他有缘,我2014年在FIRST做选片人的时候,当时有选到他的长片《田园将芜》,入围了但没提名,只是展映。那是他的处女作,隔了七年,他带来第二部作品,我也正好回到了FIRST做初审。七年啊,他中间应该是没有拍片的,我们也没有联系,也不知道他干什么了,但七年后他带了这样一部作品来,太有意思了,我想跟他聊一聊。02.伪文青,真戏谑第一导演:第二好奇的是《艺术死了》,去年我还因为《女他》“被盗版事件”采访过导演周圣崴(宅了6年拍垃圾,上线首日被盗版,导演:求活路)王飞飞:这个片子很有意思,其实是一个伪纪录片,最开始,导演自己报的是纪录片竞赛,后来影展组委会分析了一下,还是把影片放在了剧情长片竞赛,它有虚构的成分。《艺术死了》导演非常有想法,虽然概念并不新鲜,肯定很多人都有想到过,我在书里看到过,日本有个导演也这么拍过,就是一个艺术家死了,用纪录的形式去探究他为什么死。但是这个导演用行为艺术的方式去探讨严肃的话题,艺术家的作品和这个世界的关系,和大众之间的关系,甚至带着一丁点悬疑,对当下所谓艺术圈的环境有很强的讽刺,还原了一些艺术展览现场的状况,尤其是去过798,参加过一些展览活动的文艺青年,你可能会有很多会心一笑的地方。我没看过他之前的《女他》,只能说《艺术死了》的剧情蛮强的,有大量的解构,大家会看得很开心。这个片子其实是北京大学艺术学院的一个艺术项目,导演的老师做监制,他非常快速地完成了,你能看到这个导演很有才。03.工业,类型,强类型,反类型第一导演:刚才说的两个片子都是打“巧”,有没有两极一点,走工业路线的?王飞飞:有,比如说《罪业搭档》,工业感很强的片子,王学兵主演,高群书导演监制,应该是去年5月份在西北拍的,纯犯罪类型。和王学兵搭档的是马浴柯,有打戏,这片适合投放到院线市场。另外这片对西北环境也有描写,它原来叫《沙尘暴》,一个重工业城市,煤矿挖光了,大部分人无所事事,年轻人都跑出去了,只剩下中老年人,那是中国很多现有小城市的状况,比如东北鹤岗,中国很多内陆城市都存在这种问题,这里的人出现了一些精神层面困境。还有一部叫《龙门相》的电影,也是高群书监制,但它是一部低成本,全片都是非职业演员,主演好像是一个网红叫何教授,这种强类型故事很考验表演,很容易演崩了,但那哥们演的是不赖。《龙门相》《龙门相》是一个绿帽复仇的故事,一开始我觉得有点像《提着心吊着胆》,这哥俩长的也有点像。但它最后是一个反类型,整部电影不狂躁,比较稳,有很多远景,中俄边境地带,就是人和环境的关系。这片原名叫《高级动物》,可以想到它的关注点就是人。第一导演:我看片单还有部《加害者,被害人》,听上去也是犯罪类型,还是马来西亚的片子。王飞飞:不,导演是国内的,在美国留学,电影是在马来西亚拍,在那里拍,因为这个题材讲校园霸凌的。其实蛮复杂的,它也讲到一些社会阶层的问题,一个穷人家的孩子死了,一个富人家的孩子竟然去自首,说这人是我杀的。剧情里,这件事通过互联网炒作后,引起马来西亚整个社会的热议,按咱们话说是一个热搜的社会事件。我觉得导演也有在讨论一个后真相时代的问题,还挺当下的,它最后有一个巨大反转,又有青春片里那种所谓的校园情感。《加害者,被害人》第一导演:听上去有点对标《少年的你》?王飞飞:我们初审看的时候也这么觉得,但它尺度比《少年的你》大一点。第一导演:大部分是马来西亚本地的演员?王飞飞:是一个国际团队,有马来西亚演员,也有台湾的,小女孩拿过金马最佳新演员提名,还有大陆的,黄璐演富人家的妈妈,是一个暴力电子游戏的开发商,一心要挽救儿子。第一导演:有部很像青春片似的,叫《荒野咖啡馆》,和《罪业搭档》《龙门相》气息完全相反。王飞飞:《荒野咖啡馆》肯定不是典型类型化的,它是制作层面上的精良,导演是国内比较有名的商业摄影师,拍过好多明星大片,包括一些奢侈品。所以他的故事不类型,甚至有点超现实的东西在,是特别浪漫的东西。虽然有刘雅瑟在里面,但它不是一个我们常见的青春片,也是西部小城,虚构的背景,一条废弃的公路上的收费站,一位年轻女孩从上海回来,被安排在收费站当收费员。她父亲跟一个外国科学家在做公路勘测的工作。两条线,有父女关系的。片子的视觉上我觉得很好,因为导演本身的背景,决定了他视觉上的审美。《荒野咖啡馆》04.女性,以及出色的女演员第一导演:问个柔软点的,女性点的,《花这样红》,又是周洲导演,第二次入围FIRST了。王飞飞:那年我没来FIRST,没看过《美丽》,我知道他的女主角池韵拿了FIRST最佳演员嘛。《花这样红》里,池韵演的是位有癫痫病的喜欢拉丁舞的女孩,一激动就容易犯病,一犯病就抽搐,她除了这种生理问题外,生活中还面临家庭的问题,包括男友的问题,她寄宿在她的亲属家的问题,带一点那种新时代女性的状态,要自己照顾自己,会让你觉得她这个人物好像就是你身边的某个朋友,她能打动那些小城市里的年轻女孩。你肯定要问池韵表现力怎么样,是,非常突出,有天赋,我不确定她是不是学过表演,但是我觉得她就是一个电影级的女演员。第一导演:还有哪些演员是冒尖的?王飞飞:《情诗》啊,演员非常牛。第一导演:又说回《情诗》了。王飞飞:这片子没有别的,就俩演员在车里,对,女演员演得非常好。我不知道我能不能这样说,我怕观众可能未来看片会造成障碍,比如说,我可以告诉你这个女演员其实演了两个角色,很牛的,《情诗》一共是两个演员,三个角色。第一导演:张力起来了,张力起来了。王飞飞:不,可能这个女演员她演了三个或四个角色。第一导演:怎么还几何倍增长了呢?!王飞飞:它的结构有点意思,我不能说太多了。第一导演:那我再问一下另外的女性题材,《未见莲华》,刘姝导演早年有一部《小荷》,也是谭卓早期的片子,至今没法上,现在这部《未见莲华》的情况呢?王飞飞:很成熟,叙事很流畅,它确实是一个典型的女性主义或者是女性主题的片子,也能看到受了很多欧洲文艺片的影响。主人公是一对年轻的小两口,女主角母亲是一位虔诚的佛教徒,意外车祸去世,那女儿她就觉得自己没照顾好妈妈,有愧疚,想弥补,还要找到肇事的元凶,过程中有社会关系的讨论,也有宗教的关系,你会想到《密阳》,我觉得导演是奔那个去的,她甚至选的女演员都……第一导演:像全度妍?王飞飞:对。05.国际名誉,以及毫不知名第一导演:该聊《回南天》了,它在鹿特丹转了一圈,回到FIRST,优势还大吗?王飞飞:我可以这么说,《回南天》是一个典型的电影节作品,相对简约,台词量不大,摄影很突出。它讲的是南方一种特有的天气,闷热潮湿,他把人物上,青年男女情侣的那种压抑的东西展现得挺好,符合气氛。我们评审不太会考虑它此前国际上的声誉,FIRST是比较成熟的节展,也不至于这样。《回南天》第一导演:就是说,《回南天》是影迷比较熟悉的那种文艺片形态。王飞飞:对,它不是强叙事,是一个靠情绪、疏离感支撑的东西,一切都压在下面。第一导演:相比《回南天》去过国际影展,李季风导演的《枝栖》,我没查到什么细节信息。王飞飞:《枝栖》其实也是去年FIRST创投入围的一个项目,低成本的独立电影,团队里应该也没有特别专业的人员。第一导演:它讲的是什么?王飞飞:一个老太太自己得了癌症,但老伴先去世了,她想去城里买一块墓地,结果又遇到一个丧葬行业的骗子,然后被一个年轻人救了,年轻人的奶奶也刚去世,他自己家里也有好多问题,但是他想帮助这个老太太。第一导演:我能说实话吗,这故事吧,听上去吧……王飞飞:对,听起来没什么,但是拍的还挺好,也有一定的叙事方式,我觉得在于什么呢,就是你年轻导演拍戏,如果钱真的很少,《枝栖》是告诉你可以用很少的钱去拍一个技术很过关的作品,你用十万块钱或者是二十万块钱,找一些朋友,先拍这样一个作品,远比你拿着剧本雏形去找电影公司更有效果,他们会觉得你技术上是OK的,你能拿到更多的钱去做下一部戏,前提是你确定要从事导演这个工作。《枝栖》第一导演:哪怕你没有《情诗》那种想象力对吧。王飞飞:对,这个导演我认为他是可以驾驭一部投资更大,功能感更强的东西,他用《枝栖》证明了这件事。第一导演:那《歌声缘何慢半拍》呢,片名跟《郎在对门唱山歌》似的。王飞飞:快速概括的话,它拍的是一个农村版《本命年》的故事。主角是原来村里的恶霸,一个小霸王,进了监狱,多年后放出来,但时代变了,曾经的小伙伴都结婚生孩子,只有他停留在过去。主角可能也是一个非职业演员,一个长得像我这样的光头大胖子。这片子有趣在哪儿,他发现还能记得住他威名的是一帮小孩,他带他们去捕鸟,去打弹弓,去偷菜吃,他还在用原来的方法,这个人物少年感很强的。但他又要去跟这个时代和解,是一种错位的逆向成长,有一种强烈的伤感在,这种朴素挺打动我。06.拍少数族裔题材,主角竟是动物第一导演:有两个片,看片名就是类似藏地题材,一部叫《藏历一年》,一部叫《哈日夫》。王飞飞:嗯,《哈日夫》是蒙族,我先说这片,我觉得你看片也挺多的,你觉得近二十年中国有什么好的动物电影吗?第一导演:啊?王飞飞:以动物为主角的。第一导演:《动物出击》,没有,开玩笑……就没有吧。王飞飞:对,它是。第一导演:它拍的是什么?王飞飞:一匹马。第一导演:主角就是一匹马?王飞飞:对,这个导演叫宝音格西格,是《狼图腾》那个组的驯马师,他在国内专门为影视剧训练马匹。他自己做导演,拍了这个作品。故事也很简单,主题也很简单,就是讲这匹马回家的过程,它一路被卖到不同的地方。第一导演:一匹马的回家路,独角戏居多?王飞飞:前一半讲老头跟马的感情,景非常漂亮;后一半就是马的回家之旅。第一导演:它拍法上是自然主义的,还是拟人的?王飞飞:拟人的,我坦率说,后半部分有很震撼的场景。第一导演:那《藏历一年》拍了什么动物?王飞飞:没有,《藏历一年》是一个非常平实的片子,讲一个小孩的四季故事。第一导演:四个短片集?王飞飞:四个寓言,春夏秋冬,它指向的也就是一个人的少年时期,青年时期,中年时期,老年时期,它有一种很强的手工感。这几年,咱们青年导演都在往工业化方向走,想进入产业,这本身是好事,但《藏历一年》的导演高剑,他反向而行,也有他这样做的价值。他的影像简单,有潜移默化的宗教性,感化人,又有统一性。在我们初审阶段,《藏历一年》是我顶上来的,熬了好久。它最终在复审也能提上来,证明我的坚持还是有效的。07.总述:只要还能拍片,就是有希望第一导演:咱俩都认识十几年了,咱们跟FIRST的交集也都五六年了,怎么今年突然叫你来做初审了呢?王飞飞:从2014年开始,我就帮FIRST做选片,那个时候FIRST的初审是大学生评委,复审是专业人士,终审是资深的电影人,同时它有全球七个选片人,选片人是有任务的,每人每年要推荐40部片子,我跟水怪就是中国大陆地区的两个选片人,等于2014年、2015年我帮FIRST做了两年这种工作。那时FIRST影响力还没现在这么大,选片的基数不够,所以它希望通过选片人做一个补充。这回是组委会去年就请我来,但是我去年在写剧本,就说再看机会,正好疫情闹得今年上半年没什么事。第一导演:这次工作节奏是什么样?王飞飞:我们剧情长片组是从4月初到5月中旬审片,初审评委是要求必须到FIRST组委会审片的,你也做过初审,你知道的,初审工作组一起关屋里看片,大概有一个月的时间。我大概去FIRST有20次,20天,平均一天看四五个片,是一个相对比较舒适的状态。我们一般都是从午饭后开始,我大概一点钟开始工作,到晚上八九点就能结束。我后面还又再用两天时间重新二刷了一下,保证打分的准确。我大概有两三年的时间没有这么高密度看片了,一开始感觉自己又回到了原来的生活状态。第一导演:你自己也是编剧兼导演,你有没有提前给自己预设一个审片标准?王飞飞:创作者往往容易带着强烈的个人喜好,但是做评审,视野要在更加开阔的维度上来挑片子。第一导演:这次总共看了多少呢?王飞飞:我们剧情片组看了整整100部。第一导演:和往年比少了点,是疫情的影响吧。王飞飞:对,好像说去年报了150部,今年也报了不止100部,但有些导演最终没有把片子投递过来,有可能是后期来不及赶。近年来,大部分作品是在北京做后期,很多后期机房的工作人员年初不能回北京,机房的园区可能也进不去,不能开门,很多片子的调色、声音、剪辑就都完成不了。第一导演:现在这13部入围剧情长片里,哪些是你们三个初审很快选出来的?王飞飞:有一半我们很快速就评出来了,问题就卡在另外那一半上,虽然没有吵,没火药味,没那种针锋相对,但每个人态度都非常坚决,投不出来的时候,大家都很客气,就再把片子调出来,再就着片子陈述观点,证明选它的确OK,说服另外两个人。大概也是持续了一天,看起来很温和,但都是暗中较劲。第一导演:那最后整体复盘,这100部竞赛剧情长片,它有没有一个显著的趋势,疫情的反射可能没这么快,但有没有显著的大事件来带动?王飞飞:青年导演拍自己的第一部的时候,他还是从自身出发,还是能看到有很多导演把他日常生活当中的焦虑转嫁成了创作主题,比如说有一类片子是比较多的,它在讲北上广深一线城市打拼的年轻人,比如因为过年,或者是家里有老人去世,回了老家,家是农村的,看到自己的同龄人都已经结婚生孩子了。我觉得这是当下中国年轻人巨大的焦虑,到底是一线飘着还是回老家,就这个题材,他们之间完全不需要相互借鉴,所以,至少有十来个片子都这个主题,情节都很像,安排相亲啊,或者参加朋友婚礼啊,买房子啊,说明大家生活状态差不多。第一导演:关于金钱的定义,贫富差距的讨论,6亿人口月薪1000元什么的。王飞飞:对,这些青年导演也都二十多岁快三十了,他们面临这方面的思考。现在入围的《回南天》其实也是这个大主题,只不过它的表现形式更私人。不管怎么说,现在整行业心情都比较低落,我觉得吧,只要还能拍片,就是有希望。采访、撰文/法兰西胶片

  • 9.1!今年国产第一神剧,这配乐是要闹鬼吗?

    最近几天网友热议的声浪中,除了《乘风破浪的姐姐》还有什么?毫无疑问,是《隐秘的角落》。作为爱奇艺迷雾剧场的又一部悬疑力作,《隐秘的角落》在6月16日刚刚开播便斩获了不俗的成绩。豆瓣评分9.2,被奉为“2020国剧TOP1”。不少人为这部剧贴上了“ 此生不能错过系列 ”标签。故事高能、环环相扣、节奏紧凑、演技爆棚。无论从什么维度来说,都是妥妥的爆款。故事改编自悬疑小说家紫金陈的《坏孩子》。原著是一部基调阴暗的小说。从三个孩子在游玩过程中意外目睹一场凶杀案展开,由此揭露了孩童内心不为人知的“恶”。《隐秘的角落》的主体情节延续了小说。虽然三个小孩的人设做了大的改动(弱化了悲惨的成长经历),但也依然尽最大可能保留了这部作品的黑暗底色。比如第一集开头几分钟。秦昊饰演的数学代课老师张东升,将其父母(之后观众才知道是岳父岳母)推下了山崖。看似知书达理的中年老师竟然会做出如此举动。让人惊愕之余,又不寒而栗。悬疑气氛拿捏得十分到位。不得不说秦昊演得真好。他在人前表现的温文尔雅,实则生活一地鸡毛。曾作为“上门女婿”入赘,却已和妻子感情破裂,事业被亲戚瞧不起,又不受岳父岳母待见。内心早已扭曲走向了极端。他故意在电梯中吓哭陌生的小孩。又在空无一人的家中突如其来卸掉假发。当看到秦昊的秃头,V姐整个人都不好了。印象中,还没有在哪部剧中看过这么真实的秃法......而此时,镜头特意给了假发片一个特写。从侧面点出了“凤凰男”张东升在斯文面具下隐藏的不堪和自卑 。这场戏没有一个多余的镜头和台词。仅凭借生活中微小的细节和造型的设计,就让观众深刻理解人物内心。高,实在是高。犯案后,张东升谎称岳父岳母是坠崖意外身亡。面对警察的盘问,痛哭流涕的对妻子表现出愧疚。可回到家,却开始有心情一边哼着小曲一边赏花。脸上也开始有了笑容,隔着屏幕都能感受到岳父母的死让他如释重负。如此一来,这前后对比,任谁都会对张东升这个人心生恐惧。张东升以为自己所做的一切无人知晓。但没想到,他将两位老人推下山崖时的场景,却恰好被三个孩子用相机记录了下来。更没想到的是,这三个未成年的孩子也并非善类。他们非但没将所拍到的证据交给警察,反而找到了张东升,借此对他敲诈勒索。一场孩子与杀人犯之间的角逐就此开启......而除了被网友夸上天的演技、画面质感、拍摄手法。能将悬疑气氛营造的如此成功,在V姐看来片中的配乐起了很大作用。随便点开一集片头,都能让人起一身鸡皮疙瘩。不信?点开下面这段视频:听完你就知道什么是听着感觉能把人送走的音乐......也难怪一到剧中配乐响起,网友就会在弹幕上刷屏:能不能整点阳间的东西?说来,这还要归功于导演本人的品味。导演辛爽,曾是不折不扣的摇滚青年。担任过Joyside乐队鼓手,在北京的地下摇滚圈里摸爬滚打过几年。之后,他在影视公司做音乐总监,又做起了广告公司,参加过芒果台的《幻乐之城》,一步一步走向导演之路。也正因此,他更加关注音乐的在影视作品中呈现的作用。在《隐秘的角落》中,整部剧的配乐和片尾曲大多自国内的独立音乐。后海大鲨鱼、木玛、小娟&山谷里的居民、PK14、发光曲线、Joyside乐队......整部剧12集,一共安排了11首片尾曲。其中还有一首是导演自己作词作曲。根据每集所展现的故事主题,选择用不同的片尾曲来契合。还有片中不断重复的那首小时候都会唱的《小白船》。“蓝蓝的天空银河里有只小白船船上有棵桂花树白兔在游玩桨儿桨儿看不见船上也没帆飘呀飘呀飘向西天”明明是一首温馨童谣,到了这部剧里总出现在惊悚的画面中。谁听谁害怕。看到最新的一集,V姐已经对《小白船》产生PTSD了。这首童谣第一次出现时,是三个小孩在山上用相机录像自拍,他们同时唱起了这首歌。回去看相机中的录像,才发现背景里两个老人被推下了山崖。配合着儿童的歌声,反差格外阴森。到了第五集的最后。敲诈勒索凶手的事终于告一段落,夜晚,三个孩子开心的在海边船上赏月。岁月静好。此时,配乐又出现了这首歌。当唱到“飘向西天”时。画面一转,海面上正飘着一具女尸......至此,本集结束。片尾曲《人间地狱》响起。这首电音来自国内知名DJ,音乐制作人Anti-General。歌曲中用了大量的采样和飘忽不定的旋律片段,以及诡谲的人声,制造出一种迷幻又异域的感觉。用来当第五集的片尾曲,多了几分命运的意味。女尸是谁?凶手又是谁?相信看到这里的观众已经有所预料。而故事接下来的发展,也与歌名完美贴合。对于片尾曲的选择,辛爽曾在是媒体采访中说:“(片尾曲)是对整个故事的一个补充,所以建议大家要听片尾曲,它是戏剧的一部分。比如说《小白船》,大家知道它是一首儿歌,但其实它本质上是一首爱魂曲,是跟死亡相关的一首歌。再比如说第二集结尾木玛的《犹豫》,这两个字也代表了一些东西。《犹豫》的歌词里边其实已经讲了朱永平最后的结局。”用片尾曲补充剧情,这样的设计非常用心。剧中补充剧情的配乐还有很多。就拿第一集来说。开场张东升将岳父母推下山,随着两声尖叫,镜头对准一只蜥蜴。此时配乐响起,一段尖锐的高频音后,缥缈的人声有节奏的逐渐增强。张东升将半个身子探出悬崖,嘴上喊着“爸——妈——”,实则想确认两位老人是否已死。让人寒毛直竖。到了岳父岳母的葬礼时,诡异人声哼唱再次响起。配合着岳父岳母下葬时的镜头画面,让人感觉仿佛下葬的是自己一样.....之后,张东升杀了岳父岳母后在阳台上吃苹果.悠扬的钢琴曲传递出他内心的狂喜。事情败露。张东升意外找到三个小孩彼此对视时的电子乐.让这场荒诞情节多了一分反叛的气质。当然,并不是说好的影视作品都必须要有配乐。纵观影史,很多伟大的电影深圳从始至终没有配乐。而《隐秘的角落》中配乐深入人心,不仅仅只是导演对音乐的品味和选择,更是因为这些音乐出现的恰到好处。不会过分抢戏,又能将氛围营造到极致。让整个故事更加丰满,跟随者剧情发展,角色的心理变化,精准控制着观众的情绪。再加上好的故事,演员的表演、镜头调度,后期制作。每一个环节缺一不可,才让这部作品有了爆款的潜质。《隐秘的角落》的出现,也证明我们并非拍不出好的片子。还是有这样一群人,对国产剧抱着热枕,愿意大胆的去突破、去创新,去仔细的打磨每一个镜头。目前爱奇艺已经上线6集。想来点刺激的朋友可千万不要错过~

  • 京东618直播带货为什么要选择现场调色?

    2020年直播走进了我们万千大众的生活,有直播生活日常、直播游戏、直播才艺等各类直播,当然最火热的还是当下的直播带货。 我们都知道前有淘宝直播达人李佳琦、薇娅,不断刷新带货记录;后有创业能手罗永浩,号称直播还债;如今更是加入了雷军、董明珠这样的老板主播。 刚刚过去的618全球年中购物节更是一场全民的狂欢,疫情的影响还没消散,显然直播购物增加了用户的新体验。 本期小康为大家介绍的是直播带货中的现场DIT,2020年京东618家电直播中也创新性地使用DaVinci Resolve对机位进行现场调色。 相信肯定有很多小伙伴想知道互联网直播为什么需要调色?因为多机位摄影机色彩匹配/虽然EFP直播项目多采用相同机型,但由于租赁公司的不同摄影机使用年限、功况或搭载不同的摄影镜头,每台机器所表现出的色彩特征都会有所不同、甚至差异很大。 且租赁公司所提供的跟机员,由于行业现状的水平问题,只能够完成简单的开关机与自动白平衡校准。往往通过不规范的自动白平衡校准后所得的色彩画面也是千奇百怪,肤色等各项指标都是一个机位一个颜色。所以EFP直播的现场调色,首当其冲的是解决各机位的色彩匹配问题。 虽然达芬奇调色软件可以通过视频采集卡来进行实时信号的采集并完成调色,但是达芬奇调色软件是依托于CPU及GPU运算而得的调色结果,所以计算机的散热、运算效能、卡顿、死机都会给直播项目带来风险极高的不确定性,并且不同电脑的GPU性能不同,实时输出画面会有几百甚至几千毫秒的延迟。随着直播时长的推移延迟时间会逐渐加长,给PGM的声画同步带来巨大的困难。然后其他的实时调色软件又不如达芬奇调色控制来的细腻,所以EFP的实时调色需要达芬奇结合其他软件一起完成,例如:LiveGrade。在网络直播过程中,摄影机的输出信号会由于线材、导播台、推流编码设备、互联网在线播出平台的不同,发生衰减和不可控的转换。当导播台输出较高画质的PGM信号时,首先会由于推流软件OBS的影响,也可能是电脑不同品牌的采集卡的影响,图像信号会发生一次巨大的变化;其次,信号推流到不同的网络平台又会发生一次翻天覆地的信号压缩与转变。那现场实施调色就是要将正确的视频“调错”,通过“负负得正”的原理,将PGM信号与网络播出画面,所见即所得。在达芬奇中的确可以使用openFX插件中的美颜磨皮等插件进行实施图像的画面修饰。但是,这种操作会对计算机运算性能产生极大的考验。所以,在直播中,我们几乎不用、甚至严谨使用任何插件功能来对实时画面进行修饰。 我们还是使用“一级调色”的手段来完成演员肤色的局部改造。使用监视器作为现场DIT可以确保色彩的真实,作为调色师首先要保证自己所调画面的色彩准确性。经过校正的监视器可以准确还原色彩,为调色提供正确的方向。 本次现场调色使用的监视器型号是KVM-2460D,液晶面板色域达到P3标准98%以上,色彩高达1.07亿色,支持BT2020/DCI-P3/709色空间选择,支持HDR显示,是一款十足的电影级调色监视器。

  • 好莱坞将迎全面复工,中国电影还得等多久?

    文 | 张娜、陈镔编辑 | 江宇琦“没有了星光璀璨的灯光和红毯搭配,原本热闹熙攘的酒吧,放置鸡尾酒杯子的壁架如今却又高又空,有的酒店解雇了几乎所有的员工......”在美国杂志《名利场》于6月发表的《好莱坞如何变成鬼城》里,作者曾经如此写道。受到新冠肺炎疫情的影响,好莱坞自3月起便从一个制作幻梦世界的大型工厂、一个灯红酒绿的娱乐圣地,摇身一变成了一座名副其实的“鬼城”。对于美国乃至全球电影业来说,好莱坞的寂寥只是一个缩影。根据外媒《综艺》报道,Omdia电影主管大卫·汉考克在上周三的欧洲电影虚拟研讨会上表示:“与去年相比,今年全球票房缩水约七成。”并分析认为,最乐观的情况是2020年全球电影票房相比去年下滑58%。关于北美的票房,调研公司MoffettNathanson 6月公布的最新研究报告显示,整个北美市场2020年度票房收入预计将减少一半,从2019年的114亿美元下降到55亿美元,降幅高达52%。在票房数据大幅跳水间,项目停摆、数以万计的从业者失业等问题,袭击了影视行业的每个角落。包括娱乐行业领头羊迪士尼、派拉蒙母公司维亚康姆CBS在内的诸多巨头,一季度财报都出现了营收、净利润的大幅缩水。大公司在财务经营上的承压,也导致了普通的从业者在这场风暴中无法独善其身。早在今年4月,迪士尼便解雇了数量不公开的“非必要”员工;濒临危险的AMC影院全球关店1000家影院,并宣布包括首席执行官亚当·阿伦在内的600名员工暂时停职。而美国娱乐工业工会统计的数据显示,近几个月里至少有12万名好莱坞剧组人员失业。重压之下,复工的呼声也变得越发高涨。尽管截止毒眸(微信ID:youhaoxifilm)发稿日,美国的疫情仍未得到缓解——累计确诊人数已经突破230万,但是各种复工的呐喊声却响彻整个美国影视行业,甚至有不少企业和团体,已对外公布了全面复工的时间节点。“我们已经感受到了行业内对于7月中旬复工的渴望。”纽约制作联盟副主席、FilmNation Entertainment执行副总裁迈克尔·杰克曼如此说道。而据外媒透露,原本华纳希望将克里斯托弗·诺兰导演的《信条》推迟到秋季上映,但诺兰却坚持在暑期档上映,并称:“《信条》是最为照顾观众体验和大银幕体验的,只有在影院,观众才能完全感受到它的画面和声音效果。”好莱坞复工进行时6月19日,位于好莱坞的Arena Cinelounge影院成为了洛杉矶当地第一家重新开业的电影院。影院在官方Twitter上称,开放的夜场门票几乎全部售罄。电影院的老板用“魔法回归”描述当他看到大银幕重新被影像填充时的心情,而这一家影院也被视作是好莱坞正式重启的一个重要节点。其实早在6月5日,洛杉矶之外的北美市场,就已经有超过600家的影院开始复工,占到整个市场影院总数的12%,其中室内影院占比55%,汽车影院则为45%——受到疫情的影响,实体影院被迫逐渐一一拉下门闸,汽车影院逆流而上、得到发展良机,目前拥有着50%以上的复工率。部分影院的复工只是一个开始。就在最近两周内,北美三大院线AMC、Regal和Cinemark均纷纷表示将从7月开始恢复影院正常营业,北美影院有望在7月底迎来大规模的复工。其中,在3月17日关闭了全球1000家影院的AMC,计划在7月份重新开放其在北美的大多数影院(约660家);Regal则宣布将在7月10日开始陆续开放电影院;Cinemark将影院恢复进度划分为四个阶段,分别是6月19日开放五家影院测试防疫措施、6月26日开放三分之一影院、7月3日再开放三分之一影院、7月10日放开全美所有影院。虽然各大院线的复工节奏不同,但很多外媒都认为,促进影院对复工更加果断的原因之一,在于克里斯托弗·诺兰执导的电影《信条》即将上映。虽然该片的上映时间,从7月17日推迟至7月31日,但依旧坚持留在暑期档,这给了原本还处于观望状态的影院从业者以莫大的鼓舞。此外,已经定于7月24日上映的《花木兰》,也被视作提振影院票房以及刺激观影热情的主力军。电影《花木兰》由于此前影院复工大多仍以旧片为主,故对用户的吸引力十分有限。比如在5月2日就已经复工的Santikos娱乐旗下三家影院,初期放映影片仍以《魔发精灵2》《喋血战士》等几个月前上映过的影片为主,以至于三家影院复工后的首个周末票房也分别只有7019美元、3374美元和5496美元。在此背景下,《信条》《花木兰》等超过2亿美元成本的大制作影片被一些业内人士寄予厚望,正是希能能借助影片进一步舒缓影院陷入的片源之困。同时,对于这些大制作电影的“如期上映”,北美影院从业者们纷纷表达了感激之情。AMC首席执行官亚当·阿伦甚至在第一季度财报电话会议上表示:“我们将分配给《信条》的影厅数量增加一倍或三倍或四倍。”当然除了足够有吸引力的片源之外,如何保证影院的卫生安全、增加观影人次等,也成为了影院开门后必须要面对的难题之一。为了消除公众对于影院封闭空间的顾虑,美国各州采取了一些限制客流量的管制措施。大多数影院也已经减少了每个影厅的观影人数,并对影院座位实行隔排开放,保证不超过 30% 的上座率。此外,不少影院还表示将增加对设备和影厅的清洁力度。比如AMC院线专门公布了一个叫AMC Safe & Clean的项目,包括了雇佣哈佛公共卫生学院的专家当顾问,并与清洁品牌Clorox合作,影院内采用静电消毒喷雾、HEPA空气过滤系统和MERV 13通风过滤系统等措施。而在影院提供的服务上,影院会对员工进行每日健康检查,并要求必须佩戴口罩,全部实行无接触式售票和支付优惠;零食和周边售卖也在缩减规模,也同时鼓励或要求客人戴口罩等等。早前亚当·艾伦曾告诉外媒《综艺》说:“当你强制要求那些不相信戴口罩能防疫的人戴口罩,效果会适得其反,我们不想把事情闹到政治争议的程度。”但如今AMC再次发声明称,全美观众进入AMC影院必须要戴口罩,而原本同样不要求观众戴口罩的Regal院线也迅速跟进了这项措施。AMC影院不过,很多家影院负责人都清楚,即使有了大片加持和安全措施的保障,如今想要吸引观众重回影院,和陌生人一起观看一场两个小时的电影,已经不是件简单的事情了。因此在复工前期,以Cinemark为代表的院线,纷纷表示希望通过放映经典电影、低票价政策(成人观影5美元、儿童和老年人3美元),吸引那些犹豫不决的人可以成为第一批走进影院的观影群体。对此,Cinemark首席执行官马克·佐拉迪表示,他们希望利用低价等促销活动,以及通过对环绕屏幕、IMAX等设备的升级,让人们能安心回到影院,从而实现“7月前多州的影院恢复50%的产能”的目标。就当影院银幕被一一点亮时,好莱坞的诸多剧组和项目也在尝试起步。曾经制作过《毒液》《哥斯拉:怪兽之王》等大片的布莱克霍尔工作室董事长兼首席执行官雷恩·米尔萨普称,好莱坞现在就像是“一艘准备好了的火箭船”。随着美国加州州长加文·纽森宣布,自6月12日起可恢复当地影视剧制作,包括迪士尼、华纳等好莱坞公司和工会组织,纷纷提交了影视行业关于新冠病毒检测和日常防疫措施需求,长达22页的白皮书已获得加州有关部门的通过。在这些协议的基础上,6月15日由二十世纪影业出品、詹姆斯·卡梅隆导演的《阿凡达》续集便已经在新西兰开始恢复拍摄;美国环球影业公司也预计在7月6日恢复在英国松林制片公司制作的电影《侏罗纪世界3:统治》,该片也成为了首批恢复拍摄的大制作电影之一。电影《阿凡达2》除了传统好莱坞巨头,影视产业新贵Netflix方面也透露,公司一些在冰岛和韩国拍摄的项目也正在恢复中;而由亚马逊出品的美剧《狂欢命案》第二季、迪士尼旗下漫威影业的全新英雄影集《猎鹰和冬兵》等项目,也获准在洛杉矶地区(大多数好莱坞制片厂所在之地)恢复工作。不过公开资料同时也显示,剧组的复工过程中,还会面临到诸多限制。在好莱坞影视业协会对疫情期间的电影制作所提出的指导中,明确建议疫情期间影视作品最好通过修改剧本或采用更多数字特效,将演员间亲密接触的戏份降到最少;虽然协会允许某些摄制组在个别期节目中有现场观众,但必须遵守社交隔离规定,强制佩戴口罩,并建议配备专业的防护人员来监督现场防疫措施等等。类似于这样的限制长达22页,让很多已经恢复拍摄工作的剧组感慨,仍旧在面对着诸多挑战。根据《洛杉矶时报》报道称,即便好莱坞剧组拿到了准许拍摄的卫生许可,但复工后的工作流程也会与过去大不一样。例如群众演员的减少、缩减剧组人员的建议,都会导致剧组在人员构成和规模上出现缩小的趋势。这些变化,或许会进一步改变好莱坞之后的拍摄流程,甚至会“对影视产业造成深远影响”。而当剧组规模在缩小的同时,支出却只增不减。比如环球影业称,《侏罗纪世界3:统治》在拍摄上的卫生措施,已经投入了约500万美元,其中包括用于新冠病毒的检测和防护。电影《侏罗纪世界3:统治》“在疫情期间,我们的收入每月减少100万美元,但当生产恢复后,又需要在改造空气净化器等工作环境问题上进行大额支出。”雷恩·米尔萨普称,随着好莱坞的逐渐复苏,布莱克霍尔工作室已经为疫情相关的卫生安全升级花费了约100万美元。而一位摩根大通的分析师预测,今后好莱坞每部影视剧的拍摄成本或将上涨10%至20%。好莱坞有多渴望复工?随着复工节奏的明显加快,从业者相信好莱坞很快便有机会回归“正常秩序”。尽管由于存在各种限制,从影片生产和制作到放映的成本都会被提高,甚至也对重新开始找工作的影视从业者提出了更高的要求。但每一个身处其中的人,甚至包括好莱坞里各项娱乐设施的负责人,都不愿意看见 “一个没有拥抱、没有红毯、没有人气的好莱坞。”况且在停工的每一天里,大量投入的真金白银都在不断流失,这是好莱坞和北美院线的巨头们所不愿意看到的。从上游制作的层面来看,等待上映的影片由于受到影院不开门的影响,只能调档或者推迟上映;而正在拍摄中的项目,从A级大制作到小成本独立制作,在此之前都陷入过一夜停摆的境遇中。早在2月26日,派拉蒙电影公司宣布已经停止了计划在威尼斯为期三周的《碟中谍7》的系列拍摄;3月13日迪士尼宣布《美人鱼》真人版电影也已经暂停;此外,《侏罗纪世界3:统治》《阿凡达2》等大制作影片的拍摄计划都陆续停下过。据美国娱乐工业工会统计的数据显示,在停工的前几天里,仅在好莱坞就有超过12万的影视从业人员进入歇工待业的状态。全球影视行业一度陷入冰封状态,也可以从北美各大公司的财报里窥见一些变化。毒眸此前在《迪士尼净利下滑92%,Netflix逆市飘红 | 北美财报季巡礼》已经提及,作为北美影视股龙头的迪士尼,第一季度总营收为180亿美元,同比去年的149亿美元上涨20.69%,但净利润骤降至4.6亿美元,去年同期则为54.5亿美元,跌幅达到91.6%——而这和影院、乐园关门有着直接联系。由于《花木兰》《新变种人》《黑寡妇》等重磅影片纷纷改档,第一季度的新片排映计划出现严重断档。而相比于去年上半年由《复仇者联盟4:终局之战》引领的史诗级表现,今年迪士尼在影视娱乐将面临营收大幅跳水的风险。与迪士尼类似,同样拥有线下乐园(环球影城)和制片厂牌(环球影业)的康卡斯特在第一季度总营收为266亿美元,同比小幅下滑0.93%;净利润则下跌39.6%至21.5亿美元,两项指标都创下近五个季度以来的新低。其中电影娱乐业务营收下滑22.5%至13.7亿美元,主要由于《1917》《多力特的奇幻冒险》《隐身人》等院线新片,表现不及去年同期的《驯龙高手3》《我们》和《玻璃先生》,而其他新片又因为疫情而被迫推迟上映。电影《驯龙高手3》对于这些以内容生产为主的影视巨头而言,在疫情特殊时期里,影视作品至少还可以转为线上增加收益,但对于以线下放映为主的院线而言,影院关门就意味着收入大幅跳水。6月初,北美院线巨头的第一季度财报姗姗来迟,而多家公司被爆出现了20%以上的同比跌幅。在经历全球疫情的巨大扰动后,电影放映市场仍在艰难寻找复苏的节奏。Cinemark在6月3日发布一季报:营业总收入下滑23.9%至5.4亿美元,其中票房收入缩水26.1%至2.9亿美元,卖品销售则同步下跌24.3%至1.9亿美元。虽然Cinemark的平均票价上涨了4.4%,顾客平均卖品消费额也增加6.4%,但由于该季度观众人数下降了27.9%,导致Cinemark整体收入大受影响。受此影响,Cinemark的季度盈利状况显著恶化,从去年同期净利润3.3亿美元变为亏损5.9亿美元,下跌幅度接近280%。另外,Cinemark在不同市场的表现也出现分化:美国市场的收入跌幅为23.0%,高于海外地区的27.4%,显示全球封锁措施的不同节奏。在第一季度,Cinemark的全球影院总数为555家,银幕数则为6145块,资产方面整体没受到太大影响。在收入被切断的情况下,Cinemark在“节流”上多管齐下,以期保证足够现金度过难关。这些措施包括:公司董事和首席执行官不领工资,高管在影院关闭期间自愿减薪80%;停止所有非必要的运营和资本支出;暂停季度分红;让超过17500名时薪制影院员工短暂休假,50%的总部员工保留20%的工资,剩余员工的工资减少50%;积极与房东和主要供应商合作,修改某些合同付款的时间安排等。另一家北美院线巨头AMC,在6月9日也发布了第一季度财报:营业总收入从去年同期的12亿美元下滑至9.4亿美元,跌幅达到21.6%。与此同时,AMC的净亏损从1.3亿美元飙升至21.8亿美元,扩大近16倍。这也印证了外界对AMC财务状况的担忧,早前关于AMC破产的传言一度甚嚣尘上。分地区来看,AMC在美国市场的季度收入跌幅达到23.7%,远高于海外同期的15.9%,拖累公司的整体营收。截至3月31日,AMC的影院数和银幕数分别为996家和10973块,继续稳居全球头号院线的位置。但值得注意的是,上述财务数据仅统计至第一季度结束,而北美影院从3月中旬才开始大规模歇业,尚未完全体现“社交隔离”带来的负面影响。也就是说,停工对影院造成的影响在第一季度财报中并未全面展出。而在一些国外财报分析师眼里,通过第二季度、第三季度的财报,才能看出这场疫情对于影院造成了哪些冲击。即使7月整个好莱坞都有了大面积复苏的迹象,但仍有分析师表示:“消费者对重返影院的接受程度、电影板块的稳定性与上座率限制的影响程度,会直接决定院线在下一季度业绩的风险程度。”其实不只是院线,很多分析人士都认为,这次复工潮后,短期内各大公司的财务数据都不会有太大的反弹,想要恢复至疫情之前的营收水平还需要一段很长的路要走。MKM Partners分析师埃里克·汉德勒曾预测称,在保持现有的复工节奏后,到了2021年电影市场也才会复苏85%。其中的原因,一方面在于西方多个国家的疫情都处于比较严重的状况之中,线下的文娱消费无法全面铺开;另一方面,作为全球最大电影市场之一的中国内地市场,影院何时能复工还是一个未知数。也正是由于目前中国内地影院复工时间节点不明晰,据《综艺》报道,中国40%的电影院可能会因为疫情引发财务危机而永久关闭,造成的票房损失将在整个好莱坞产生破坏性的金融连锁反应。如今中国内地的从业者,经历了早期翘首期盼影院复工,到3月底准备就绪开门营业,再到随着疫情加重影院再次被迫关闭等几个阶段后,影院复工的局势至今不明朗,却不断传出被拖垮的影院永久闭店的消息:6月19日卢米埃重庆金源IMAX影城决定将于2020年7月14日正式闭店;而近期某头部国内院线公司被爆出,裁撤了所有一线运营人员......(《半数裁员、八成降薪,影院人的声音需要被听到》)那些至今还在坚持的中国电影人,每天面对空洞的影厅、黑暗的荧幕,重复着检查、消毒的工作。他们曾见证和参与过的大银幕上的精彩,如今都随着灯光的熄灭而黯淡了下去。对于他们而言,能坚持到现在,是对于影院开门瞬间的期待,也是因为相信2020年不会是电影的终止符。正如马克·佐拉迪所说的那样:“电影已经跨越了几代人的历史,绝不会因为影院的暂时关闭,而结束了生命。”也期待中国电影能早日迎来全面重启的那一天。参考资料:1.How Hollywood Turned Into a Ghost Town.《Vanity Fair》2.Reopening Hollywood: Cinemark Boss Mark Zoradi On Reopening Multiplexes Friday Complete With Popcorn & Why COVID-19 Hasn’t Closed The Theatrical Window.《Deadline》3.AMC will reopen in July and ‘double or triple or quadruple’ showings for Christopher Nolan’s ‘Tenet’.《The Dallas Morning News》4.Reopening Hollywood: CEO Of Georgia’s Blackhall Studios Retrofits His Production Hub For Return.《Deadline》5.Hollywood is reopening with detailed new rules for productions amid COVID-19.《Los Angeles Times》6.How the coronavirus outbreak is roiling the film and entertainment industries.《Vox》7.Movie Theater Owners: We Need a Bailout,too.《The New York Times》8.Hollywood Is Reopening, but It’s Still Quiet on Set .《The Wall Street Journal》

  • QuickTime-动画编码详解,制作动画请使用专用编码器

    嘿,这里是 源源捣。 最近我为大家分享了利用DNxHR、Prores、CineForm这类中间编码文件代理剪辑视频的方法,不过前不久在我为大家分享如何用PR制作三连小动画时,片尾提及了动画编码格式。因此本文会为大家更加详细的介绍一下动画编码格式以及它与其他三个编码器的适用场景。耐心看完的话你会发现奇怪的知识增加了。不过急躁的你也可以为本文点赞之后直接跳到最后看总结。----------新片场:@源源捣----------动画编码格式 动画编码格式(Quicktime Animation format)是苹果(Apple Inc.)公司在20世纪末(鬼知道到底是哪一年)推出的针对动画素材进行编码的编码格式。该编码格式主要使用步长压缩算法(run-length encoding)与条件补偿算法(conditional replenishment )进行编码。 目前PR、AME与AE均支持使用Quicktime格式-动画编码器编码素材并以.MOV格式将其封装导出。Premiere CC2018中的动画编码器 相比后期大神们常用的Avid公司推出的DNxHR系列编码格式、苹果公司推出的Prores系列编码格式以及Gopro公司并购的Gopro CineForm编码格式这样的中间编码格式,动画编码格式理论上更加适合作为板绘二维动画或MG动画素材的中间编码。 这是我在三连动画教学这期视屏中为大家分享的三连MG动画制作方式的成品截图: 这是我自己使用AI绘制、AE做动画创作的板绘二维动画作品截图: 这是我使用相机随便拍摄的一段画面截图: 可以明显看到在MG动画以及板绘动画中,画面中出现了大量的相同颜色色块。而实拍的画面即使看上去拥有有内味儿的“相同颜色色块”,但事实上,色块中的颜色只是色相、饱和度、明度都很接近的不同颜色们。原理 为什么要提这些色块呢? 这就要说说动画编码器所使用的步长压缩算法了。为了方便大家理解,这里我用一个简化的例子来解释压缩的逻辑,但实际情况往往更加复杂,幸好我不是程序员。简单地说,编码器会在每一帧将整个画面的像素分解为一排一排的像素。 随后将一排一排的像素逐个分解为长度不同的步格(runs),步格的长度以及所包含的颜色会根据前一帧的像素颜色以及这一帧的相同颜色色块分布情况决定。 对于每一个步格,编码器会选择这三种编码方式中的一种来将色彩信息编译为码流(Bitstream):1.染上你的颜色(same color) 2.跳过此帧(skip) 3.PCM。 在染上你的颜色模式下,步格中的所有像素色彩信息会被步格中的一种色彩信息代替并在编译为码流时压缩为更短的“名字”来代表这个步格的色彩信息。如果步格中的颜色不同,则会造成有损压缩。 跳过此帧模式也就是条件补偿算法,这是一种帧间编码方式。将与前一帧颜色相同的步格直接按照前一帧的色彩情况编码。 PCM模式就硬编呗,对步格中的色彩信息不作任何压缩,直接编译为码流。 选择哪一种编码方式取决于编译结果的数据大小,算法会优先选择体积最小的编译方式,而在前两种方式都不适用的时候就会使用PCM编码方式。----------新片场:@源源捣---------- 了解这些以后,大家应该很容易理解,在视频中出现大面积相同颜色的色块且连续很多帧都不会发生变化时,比如最近流行的很多幽默小动画:素材取自Up主:@阿幕降临 动画编码的压缩率会比较高,并且不会丢失太多细节,甚至在100%编码质量下可以做到无损。但是对于实拍的画面或者光影复杂的3D动画,画面中很少会出现这样大面积同色色块还连续多帧保持不变(由于实拍画面必然会因为传感器产生噪点,所以几乎不可能有大面积的同色色块),即使在无损模式下动画编码的压缩率也并不会比其他的中间编码高,并且由于条件补偿的算法逻辑 ,在编码质量较低时还会制造更多肉眼可见的噪点。实际体验 我自制了一个非常标准的简易MG小动画,大概是这样的:一个五秒钟的简单MG小动画 随后我分别使用100%质量的动画编码、100%质量的CineForm编码以及100%质量的DNxHR编码来导出了视频文件,导出时间见下图。 动画编码器不出所料在面对这种大面积同色色块的情况时效率超高,不过CineForm速度居然领先DNxHR(无论是444还是HQ),这点还蛮让我惊讶的,看来CineForm的编码算法在应对这类素材时也有一定的优势。而对比生成文件的体积,动画编码器轻松取胜,甚至甩了DNxHR编码几条街。 值得一提的是,动画编码格式支持的采样深度可以高至32bit ARGB 4:4:4。在某些非动画情况下也是可以取代没有Alpha通道的DNxHR编码格式与最高16bit的Prores编码格式而作为中间编码格式的。况且100%压缩质量的动画编码格式是可以做到无损压缩的。知道这些后,Prores和DNxHR望了望彼此,很有默契的退出了直播间。总结 在制作MG动画、板绘动画、简单3D动画时,使用动画编码格式作为中间编码格式。 素材取自:氰化物欢乐秀、Up主:@画渣花小烙、@回形针PaperClip 在制作实拍视频、复杂3D动画时,使用Prores、DNxHR、CineForm作为中间编码格式。素材取自Up主:@影视飓风、@特效小哥studio----------新片场:@源源捣---------- 然而这些和萌新又有什么关系呢,懒惰又贫穷的我依然快乐地选择H264。参考资料: 1. "Apple QuickTime RLE". MultimediaWiki. 2. "Screencast codec showdown: The codecs: Animation". Peter Hosey.本文由@源源捣编写,禁止转发B站与新片场,其它平台请规范转载。

  • 一个快速分镜软件

    疫情期间没事做,想逼着自己学习画分镜,虽然依然画不明白,但是找到了一个分镜软件:Previs Pro,一个 iOS 平台上的快速分镜软件,可以用预置的道具、角色、表情库简易搭建情景,再用虚拟摄影机取到想要的角度。很像 Sketch Up(草图大师)的分镜版本。这次给谢导做监制,项目从给到创意到拍摄,只有四天。导演预估的镜头量大概是60镜,第二天可以给出文字分镜。但按照我们常合作的分镜师一天能画 20 cuts 的进度,我们是没有办法在第三天进行常规PPM的。于是想起了这个app,经过导演同意后,我揽下了出分镜的工作。第二天白天我们拿着文字分镜堪景,摄影和导演拍下了所有期待的角度,晚上我用 Previs Pro 做了第一、三、四篇的分镜。历时六个小时,平均两个小时一场戏,十几个镜头。之前只是觉得这个软件很巧很不错,但是没有实际应用到项目中,这次制作下来,总结了几点心得:1. 非常快。如果不是场景极度复杂,那么平均每个小时完成五个画面丰富的镜头是没有问题的,传统分镜师的速度大概是每天20镜黑白/10镜彩色。(别拿一天画40镜的案例和我抬杠,谢谢。)其实还有更快的方式,就是我用现场堪景的照片作为背景,只摆前景的人物,这个功能在软件里也有很好的支持。2. 非常准。由于我们是看完镜取完角度再制作的分镜,所以这次的分镜达到了非常准确的程度,基本上在现场可以直接照着拍,拍完和分镜一模一样。当然我还可以根据美术方案再去细化/更新分镜,以达到完全一致的效果,但是工作产出比不高,所以没这么干。3. 有局限。第二篇由于有大量的餐桌特写镜头,而软件的预置道具库里并没有相对应的餐桌道具,所以第二篇交由导演自己从参考片里截屏贴图完成。另外第四篇开篇的几个打篮球的镜头,用这个软件实现起来也是非常困难的,因为人物的绑定是预置的,没有办法随意掰动人物模型的四肢,所以动作戏、武戏、运动戏是不太容易实现的。4. 美感不足。虽然软件内已经可以对于颜色、光效 、焦段甚至景深做自定义调整,但无奈人物模型过于丑陋,导致整体美感下降,遭到了代理小伙伴和客户小伙伴的无情的嫌弃……所以这个软件出的分镜,我建议是不要给客户看的,但是拍摄团队拿来直接使用是非常高效的。或者可以用软件出草图给分镜师,分镜师照着草图画,效果和效率应该也是非常好的。最后是一点小建议,有画分镜的预算和周期足够的情况下,一定要找分镜师画,放心、省事、好看、合乎广告制作流程。只有在没费用、没时间的情况下,我才建议用这个软件。另外,Previs Pro 只适合导演这个工种使用,其他工种真的是用不太着,有闲、有好奇心的小伙伴可以试一下,还是挺好玩儿的,但是终身版也不便宜,除非真的可以运用到项目中,不然其他工种没必要买。而且不同的项目类型也并非完全适用,比如病毒、剧情类广告就比较适合,场景数量少,单一场景内产生的镜头多,制作一个场景可以衍生出好多镜头;炫酷类、动作类、人物状态类的广告就不太适合,没有适合的模型,或者单一场景内的镜头数少,不划算。另外我觉得剧情短片用这个来做分镜也不错。总体来讲我觉得挺好,尤其是对我这种没有绘画能力的人来讲。

  • 干货丨摄影造型活动的任务逻辑

    本文已获得作者@侯咏 (中国内地摄影师、导演、编剧、制作人)授权转载。01摄影造型活动的定义摄影造型是人类从事的一种艺术行为。是利用摄影工具(照相机、摄影机等)在二维平面(胶片、相纸、银幕、屏幕等承载影像的材料)上对应客观现象(景、物、人)制造出具有立体感和空间感的二维视觉影像的一种创作活动。其影像给人造成的三维视觉假象是摄影者通过运用镜头、光影、影调、透视、色彩、构图、运动(活动影像)等创作手段和技巧来实现的。 02摄影造型活动的根本性质1、 对现实的记录 ——写实性、真实性自摄影术发明之后,摄影影像就被认定是对现实最具真实性的写照。时至今日摄影图像还经常被当作毋庸置疑的证据在法庭上发挥作用。由此可见,摄影图像是对现实的真实写照这一点是摄影活动的基本性质。也就是说,摄影能够真实、准确地记录我们面对的自然世界和现实生活。但是,“真实”是一个模糊而相对的概念。“纯粹的真实”只能存在于文字定义中,现实中却很难找到。而真实与否的标准也无法以精准的刻度来量化。如果说“全然的真实”就是人眼所看到的现实状态,摄影只需将它们照搬成视觉影像即是“纯粹的写实”。且不论每个人眼中的“现实”都不尽相同甚至完全不同,就说“照搬”即能相同这一点,从概念上二者就各具属性,根本不可等同。而在实际中就更无法设立一个标准来衡量二者是否相同。因为原本二者就是处于不同维度的两种完全不同的形态。我们眼中的现实世界是三维的,而作为摄影活动结果的视觉影像是二维的。从空间物理的角度来说,二维是一维的N次方,三维是二维的N次方。也就是说,二维是三维的N次方分之一的投影,二维是无法具备和包括三维的全部信息的。由此得证,视觉影像是现实世界的N次方分之一的投影,视觉影像无法获取它所对应的现实世界全面完整的信息,也就不可能具备现实的真正属性。因此,纯粹真实的摄影影像和对现实完全“照搬”的摄影活动都是不存在的。所以,摄影造型活动的“记录现实的写实性和真实性”这第一个根本性质其实仅仅是理论而已,实际是站不住脚的。2、 对现实的改造 ——扭曲性、创造性照相机、摄影机是需要摄影师来操作的,所有的视觉影像都不是摄影机而是摄影师拍摄而成的。换句话说就是,通过摄影机拍摄出的视觉影像呈现怎样的形态,完全取决于摄影师的操作。也就是说,任何一个视觉影像的形成,无不带有摄影师的主观烙印。那么,带有摄影师主观烙印的影像,必然不是“纯粹的”、“自然真实” 的现实世界,而是经过摄影师“改造过”的现实世界。因此,这种摄影师对现实世界的改造性或创造性,是摄影造型活动的第二个根本性质。相对于第一个根本性质——真实性——来说,创造性显得更为重要,也更有说服力。因为它对我们摄影艺术创作的意义和作用更加重大。第二性与第一性是反比关系。也就是说在摄影创作中,摄影师的参与性和创造性越强,其结果的真实性就越弱。反之亦然。例如,你为女孩拍照,把她拍的越丑(影像)就越不像她本人(现实);相反,你拍的越美也同样越不真实。第一性÷第二性= 103摄影师从事摄影造型活动的目的和任务摄影造型活动的性质决定了摄影师从事摄影造型活动的目的和任务。而目的和任务可以分为高低两个层次,或者称作基础任务和核心任务。1、 客观再现现实这是摄影师从事摄影造型活动的基础。也是基本目的任务。内容包括学会摄影专业基础知识、掌握摄影专业基本技能。此阶段还谈不上创造性。就好比说这是一个先学会识字和写字的基础性阶段,可以抄写文章,而不会创写作文,充分表达自己的感情和思想。即使写出了文字,也仅仅停留在流水账式的叙事日记水平上。2、 改造和创造现实创造性地表现摄影师对现实的特殊感受,给“客观现实”赋予摄影师 鲜明的“看法”和“态度”——个人感受。这样才能被称之为摄影“创作”。尤其是从事故事类的影视摄影创作。在此类影视摄影作品中,摄影师的个人感受越强烈,对“客观现实”的改变就越大,创作的成分就越多,其创造性就越大。还是举前面为女孩拍照的例子,如果你把她拍的(影像)与她本人(现实)几乎一模一样,未做任何加工(美化或丑化或者其它别的意味添加),那么,你觉得这个摄影创作有意思吗?作为一名有学养、高水平的专业摄影师,你觉得满足吗?创造性是加法,是在客观现实的基础上,附加摄影师的“态度”。就像俗话所说“照猫画虎”,在此取其“改造和创造”之意,就是1+1≥2。所以说,创造性是摄影创作活动的核心任务。04摄影创造性的来源摄影师在从事摄影造型活动中的创造性来自两个方面:1、 外部条件的规范剧本内容——题材、类型、时代、地点、行业、人物、事件等等。导演要求——导演对创作的具体想法和要求。预算规模——制作成本的水平和等级的规定。周期计划——时间、季节的期限。以上各项为摄影师规定了摄影造型活动的不可逾越的范畴。摄影师的基本职责就是根据这些要求进行影像化呈现。因此,摄影师的创造性是有任务、有责任的创造性。其中,完成摄影造型任务的底线是服从导演。这些外部条件的规范,看起来完全是对摄影师的创造性造成捆绑的枷锁。但是这些限制的压力一定会作用于摄影创作,反而激化和推动摄影师的创造性。所以说,摄影师的创造性首先是在外部条件的规范下生长和运行的。从这一点来看,摄影师的创作并不是单纯个人化的。2、 自身素养的储备知识——广度与深度兼具的书本知识、间接认知。经验——实际操作的经历、经验、能力和功夫,以及实践验证后的认识和结论。修养——全面深厚的知识与实践养化而成的文化、艺术素质,特别是文学、绘画、音乐、科学、哲学等方面的修养。感受力——对客观世界、现实生活的感受能力和敏感性、敏锐度。共情心——对周边的人和事具有感同身受的深刻情感。品味——对艺术和生活具备高尚的鉴赏标准。境界——对世界、自然、人生、事业经过了深度的哲学思考,形成了比较正确的世界观、人生观和价值观,眼界宽广、心胸开阔、心中有爱、无私奉献。是一种理想的人生高度。 05摄影创作过程的逻辑层次在客观再现现实的基础上更强地发挥摄影的创造性是摄影创作的核心任务。摄影的创造性是摄影师通过摄影创作活动得以实现的,是在摄影创作的成果中蕴含的。摄影师的所有工作都包括在这一过程当中。以下,我们用降序的方式依次分析、阐释发挥摄影创造性的创作过程以及过程中各个环节的层次和逻辑关系。它们是由形而上的抽象意识逐渐具象化的次第。若是升序排列,则是具象向抽象发展变化的次第:1、 态度摄影创造性的发挥最终要体现出摄影师对待所表现的客观事物的态度。包括观念、立场、观点、看法等等。未达到这个高度的摄影创作,其创造力则是疲软乏力的。也就是说,摄影的创造力不但要有力度,而且要有高度和深度。态度是建立在摄影师于影像表达中所传递的情绪和感情之上的。也就是说,态度以情感为载体。没有感情的态度是冰冷无味、毫无说服力和感染力的。严格来说,没有感情的态度不是真正的态度。2、 情绪、感情摄影师在创作中会努力传达某种鲜明的情绪和强烈的感情,通过画面影像呈现出来。而情绪和感情来源于摄影师对客观事物的感受。没有感受则不可能有情感。3、 感受表达鲜明、强烈地表达个人感受是摄影创作的灵魂,也是摄影创造性所依赖的最重要的因素。摄影师的个人感受产生于对事物的感知和认识。而无论态度、感受和情绪,都是一种个人的主观化意念和抽象性意识,都需要借助于客观的具体物象得以呈现。4、 形态、氛围形态的定义是“视觉感官所能感知到的信息总和”,通俗讲是现场所见或镜头摄入的所有视觉景象。包括场景气氛、人和物以及画面的状态和动态等等。氛围则是与形态共存的环境气象和情势,是一种不可视的气场和能量的可感知状态。形态和氛围是介于抽象与具象之间的概念,是建立在场景气氛的基础上,作为承载摄影师表达感受的依托而较为具象的存在。5、 场景气氛作为摄影创作的基础因素,包括由每个场景的不同气氛所构成。气氛的概念有两种含义:第一是近似氛围之意,是指“可以引起人强烈感觉的景象或情调”,“是弥漫在空间中能够影响情绪和行为的心理因素和心理感受的总和”;第二是摄影专业用语,特指不同时间段的光线效果,比如:日景气氛、黄昏气氛、夜景气氛等等。此处所涉及的气氛偏重于第二个含义,但同时也包含有第一个含义。二者的关系是:第一含义建立在第二含义基础上,第二含义依赖于第一含义而产生、而存在。6、 光效光效的定义有两方面指向:一、现实环境;二、视觉影像。包括光影和影调的概念,是构成气氛的基本因素之一。也就是说,气氛首先是由场景中的不同光效而体现出来的。前辈们常常强调“光效气氛”,说明它们在摄影创作中的重要性。光效,也可称为光线、照明。严格来说,光效属于诸多摄影造型手段中光线、照明的核心内容,它既是摄影创作中最基础的环节,同时还是发挥摄影创造性所依赖的重要技能之一。7、 镜头、色彩、构图、运动这些因素都是与前项的以光效为主要构成的“光线、照明”一同作为摄影创作所依赖的造型手段,同属摄影的“十八般兵器”。它们都是具有各自特长的工具。比如:除了光效气氛之外,人物的位置和景别的安置(构图)、镜头角度与透视的选择(镜头)、冷暖光色及色彩基调的处理(色彩)、摄影机的走向和动态设定(运动)等等,都可以为摄影师创造气氛和氛围而服务,最终为发挥摄影的创造性提供方便和依靠。气氛是通往摄影创作终极目标通道的下端,在此通道的上端依次是氛围、感受、情绪(感情)和态度。而摄影的“十八般兵器”,即摄影的造型手段,就是在通道中通往终极目标的战车,是摄影艺术创作学科体系中最为重要的内容,需要另外展开论述。8、 自然形态处于通道最下端的起点就是摄影师进行创作之前,客观现实的本初状态。是摄影师和镜头面对的原始现象。如果不对它做任何加工,不添加任何人的主观意念,也许就是所谓对现实的“真实记录”(当然此种情况只存在于理论层面)。如果摄影创作活动的性质真是如此,那就意味着我们站在摄影创作的通道口原地不动。那么摄影创作的起点就成为了终点。我们所学习和掌握的“十八般武艺”就毫无用武之地了。因此,现实的自然形态是摄影创作活动的基础和依托,是摄影师步步向上攀登、通往创作终极目标的出发点。上述的八个方面,涵盖了摄影创作活动的所有阶段和内容,为摄影创作展示出一幅总体结构规划图,让摄影师能够透彻理解摄影创作活动的本质;全面而又系统地明了摄影创作各个环节之间层层递进的联系和逻辑关系,从而为更好地发挥摄影师的创造性提供帮助。00作者简介侯咏摄影师、导演1960年9月生于陕西西安,毕业于北京电影学院摄影系,中国内地摄影师、导演。上海戏剧学院教授、硕士生导师。主要作品与成就1、作为摄影师1983年,首次担任摄影师拍摄影片《九月》,从而正式开始电影摄影师生涯。1984年,拍摄田壮壮导演的影片《盗马贼》。1985年,担任传记影片《孙中山(上下)》的摄影师,并凭借该片首次获得第七届中国电影金鸡奖最佳摄影奖。还拍摄了《一个都不能少》、《王朝的女人杨贵妃》、《夜色撩人》、《我心雀跃》、《泡芙小姐》等影片。之后,又因在影片《晚钟》、《鸦片战争》、《我的父亲母亲》中的摄影造诣,相继获得中国电影金鸡奖最佳摄影奖。成为中国唯一一位四次荣获金鸡奖最佳摄影奖的摄影师。2、作为导演1991年开始从事导演创作,执导影片《天出血》。2004年执导的影片《茉莉花开》荣获第七届上海国际电影节评委会大奖。2006年执导的历史剧《卧薪尝胆》获得第2届首尔国际电视节最佳长篇电视剧奖以及最佳导演提名。2007年,执导体育题材影片《一个人的奥林匹克》。2008年,执导年代剧《闯关东中篇》。2012年,执导年代悬疑剧《愤怒的摄影师》。

  • 没想到,我们竟用这种方式“参与”了戛纳电影节

    文| 张娜编辑| 江宇琦2019年的春夏之交,毒眸第一次到访戛纳、参与到了戛纳电影节的报道当中,亲身体验与见证了这一年一度的电影盛事。然而转眼到了今年,受全球疫情影响,戛纳电影节可谓一路坎坷,作为观众和报道者的我们,更是只能在遗憾中继续等待着电影行业全面复苏的消息。可没想到,就当我们以为今年要和戛纳无缘时,却意外通过一种特殊的方式参与到了戛纳电影节里。“刚带上VR头显,你会觉得突然坠入到一个全新的虚拟世界,可能会有一条巨龙翻腾着从头上飞过,你也会惊奇地发现,主角正在直视你的眼睛。”日前,毒眸在VeeR的北京办公室里,通过头戴式显示器,一睹了今年“戛纳虚拟影节”部分展映参赛作品的风采。而从6月24日起,相关的一系列线上创投、讲演活动,也会借由VR技术和设备展开,给人以身临其境的感觉。所谓“戛纳虚拟影节”,即戛纳XR Virtual(以下简称“戛纳XR”),是戛纳举办的针对VR/AR内容和技术的官方活动。今年的戛纳XR中,包括了VeeR Future Award(360VR 影像展)、Development showcase、Positron Visionary Award、Tribeca Virtual Arcade、Events&Conference五个单元环节。其中由VeeR联合举办的VeeR Future Award单元的大奖已在6月27日颁出,由VR影片《宇宙远征——初探月球》斩获。VR影片《宇宙远征——初探月球》老牌国际电影节设立官方VR影片单元,并不是什么新鲜事了。早在2016年,戛纳就开始引入VR影片,并于2019年将其正规化、开创了戛纳XR;而在戛纳之前,威尼斯电影节、圣丹斯电影节、翠贝卡电影节等久负盛名的国际电影节,也都先后设立了官方的VR竞赛单元。按照计划,2020年本是戛纳XR继续壮大、扩大声量的一年,但受疫情困扰,许多策划也被迫搁浅。可是塞翁失马,突如其来的变局却给了戛纳“走出去”的机会——借助VR技术,自1946年成立以来,戛纳不仅首次将很多活动搬到了线上,戛纳XR还将携手VeeR 把360VR沉浸影像单元展映内容带入中国进行线下展映,是有史以来第一次。原本在《头号玩家》等科幻电影里才能想象的故事,如今正通过技术的进步照进现实,而像戛纳这样老牌电影节的革新和拓展,正是这场影视产业变革里重要的一步。戛纳的VR之旅“戛纳对于VR一直都持有一种开放的态度。”在普遍的认知当中,像戛纳这样的老牌电影节多少会和“保守”联系在一起,但VeeR的联合创始人陈婧姝却在采访中告诉毒眸,这次VeeR和戛纳XR之间的合作谈得其实很快,究其原因还是在于戛纳对内容创新一直抱有积极的态度。事实上,早在2013年,戛纳创意节就曾推出了“创新狮”奖,用来授予那些基于技术创新的创意作品,聚焦电影技术的前沿;而到了2016年,戛纳则在数字单元“NEXT”中增加了以“VR Days”为主题的展映活动,Oculus StoryStudio、Baobab、Felix&Paul、Penrose等诸多VR公司都曾在戛纳电影节期间亮相。这正是从这一时间开始,VR内容便再也没有缺席过戛纳电影节,每年都会有不同国家、地区的VR作品前来参展。而在看到威尼斯、圣丹斯、翠贝卡等电影节纷纷设立了用于展映AR/VR等沉浸式艺术内容的固定单元后,戛纳也最终选择跟进,于2019年增设了戛纳XR环节,专门在电影宫里开辟了一块场地用于展映VR/AR相关的内容。在规划中,戛纳今年还会进一步扩大XR环节的规模,甚至构想在棕榈滩上设立一个约为1600平米的单独场地。“环境可能会比较有悬浮或者科技感。”VeeR内容总监黄钰提到,去年威尼斯电影节把VR单元的场地曾放在了一个小岛上,并称之为“VR岛”。“每个参展人都要从威尼斯电影宫出发,坐几分钟的船才能到达那个神秘之地,而岛上的展映环境设置为废弃的砖房,具有仪式感的同时也充满艺术性。”“如果没有疫情的话,戛纳今年或许会是另一种让人惊喜的样子,”对于没法见证“戛纳的VR岛”,黄钰表示出了遗憾。但与此同时她也提到,遗憾给了戛纳和VR另一种结缘的可能——原本这些老牌电影节很少会办线上的展映活动,今年当翠贝卡电影节在4月份率先决定将Cinema 360单元放置到线上后,这让戛纳和VeeR看到了360VR内容线上展映的空间,于是双方开始接触谈及合作,并最终确定在线上举办360单元及影展。相比于引入VR内容,戛纳愿意走到线上其实才是最令人感到惊讶的。作为一个拥有超过70多年历史的传统电影节,戛纳对于电影艺术性的坚持和对创作者的保护一直颇有执念。相关负责人也多次表示,线上展映无法呈现电影的艺术魅力,并担心线上播放会造成电影资源的外流。就在疫情爆发初期,戛纳电影节艺术总监Thierry Frémaux还曾坚定地表示“不会考虑虚拟放映”。然而由于法国疫情情况确实不容乐观,如果不转战线上则意味着很多活动或许要被迫放弃。因此从4月底开始,VeeR便就线上活动的可能性和戛纳XR方面展开交流,最终考虑到VR内容的特殊性,以及VeeR团队展现了自身的技术优势后,戛纳才正式松口。“整个磨合的过程一来一回,差不多谈了将近一个月的时间。”黄钰透露,最终双方于4月末正式敲定了合作意向,并在5月中进一步确定了详细合作形式,而此时距离戛纳XR的展映和VeeR Future Award单元的颁奖,只剩下一个多月的时间。此后一段时间里,主办团队开始紧锣密鼓地面向全球征片。尽管征片周期不到3周,但仍然有全球一百多部片子参与投递,评审团从中选出了来自八个国家和地区的13部影片,参与到了6月24日-7月3日的戛纳XR展映和6月27日VeeR Future Award的颁奖活动中。陈婧姝告诉毒眸,这是戛纳第一次针对360VR影片展映单元设立奖项,而整个评选过程之所以有些艰难,除了时间较紧之外,还因为此次入选的作品题材和类型多样,既有偏向剧情类的《进击的老爸》《朋克吧!女孩》《不思异:重叠空间》,也有纪录片《消失的奇伯克女孩》《珠峰生死状:加映版》等影片内容。入选影片:《故乡的果实》颁奖开始前,毒眸通过VR头显已经欣赏过了一些入围影片,发现和早些年单单强调视觉冲击感,忽视故事性不同,如今的VR作品已经有意识地在利用技术手段去开拓故事叙事的新角度,强调剧情的完整性和艺术性。比如来自韩国的入围VR影片《故乡的果实》,便罕见地用VR技术讲述了底层外来务工者工作的艰辛,影片没有使用纪实性的镜头,而是采用粒子风的数字艺术手法,以及舒缓的叙事节奏,展现了主角对于故土的思念等复杂情绪,并借助VR技术拉近观众与作品间的联系。据悉,此次360展映的评委会成员,由翠贝卡影展资深策展人Loren Hammonds、戛纳XR项目总负责人Elie Levasseur、Kaleidoscope CEO兼创始人RenéPinnell、中国电影艺术研究中心(中国电影资料馆)资深研究员、北影节VR单元联合创始人李迅等电影策展人、制片人、学术研究专家们共同组成,从沉浸感、叙事能力、技术和表现手法创新三个维度对影片进行评分。最终,在三个维度上都受到评委认可的纪录片《宇宙远征——初探月球》脱颖而出,获得VeeR Future Award大奖。该片基于NASA提供的珍贵数据,通过3D建模复现了登月计划的丰富细节,用沉浸式的体验展现了旅行者1号的探月之旅。值得一提的是,该奖项的颁奖典礼,是在戛纳XR的虚拟电影市场的平台内进行的,该平台是由MOR(Museum of Other reality)为此次线上展映而搭建。MOR联合创始人Robin Stethem表示:“希望创建一个能容纳众多VR展示厅、VR商场、VR电影院在内的大型虚拟空间。”而不同于常见的线上视频交流,在MOR里的每一个参与者,都有一个专属的虚拟形象,并可以远程操控其一举一动,不仅能走上台前幕后,也能聚在一起互相发言交流。Cannes XR Virtual 颁奖典礼现场这份技术也被应用到了整个戛纳XR的创投环节与中。戛纳XR官方在MOR里为每个参与创投的作品都设计了一个小房间,参与者只要带上VR设备,就能“走”到房间里亲自体验相关作品的概念物料,或者与主创团队“面对面”交流,宛如真的置身于戛纳电影宫的交易市场里。新技术和新平台的共同出现,让今年的戛纳看上去科技感十足,也让来自不同电影节的策展人有了合作的契机。比如此次戛纳XR的单元里,还第一次引入了翠贝卡电影节的Virtual Arcade,和戛纳一起联动展映更多的VR影片。陈婧姝对此颇为感慨:“翠贝卡的VR更加成熟,此次和戛纳携手肯定会吸引到行业注意,这次特别有整个行业,大家在一起共同协作的感觉。”VR影视的困与机“这一次的活动是情况特殊,以后是否还会继续在线上展开,现在谁也不清楚。”黄钰认为,待到疫情稳定之后,戛纳方面出于自身品牌和运作等层面的考量,很可能不会继续将戛纳XR放到线上。但即使只有这一次短暂的尝试,对于VR产业的发展都可能起到至关重要的角色。要知道,虽然过去几年里,VR作为一种新兴技术,为影视内容的视听语言带去了新的变革,但同时也意味着VR内容想要真正普及,需要不断重塑和更新产业规则,攻克许多挑战——而就当下来说,最大的挑战之一或许不在于技术的革新,而在于发行渠道和变现模式。 和传统电影产业相比,由于VR内容的用户基数并不庞大,所以在内容和技术上的影响力更多只是局限在圈内,没有走出圈层的限制、被圈外更多的资本注意到。“坦率的讲,现阶段一般参加创投会的资方,全部是VR行业里面的,不太有传统影视行业人或者传统行业投资机构愿意跟进。”陈婧姝说道,目前在发行和变现层面也都有不小挑战:“目前外界很难衡量到底什么长度的VR内容更适合授权,连定价模式这种商业化的‘基础’,每个地区都有自己的要求和标准。”还没有被充分认知到的VR内容,在行业的创作和规范化上,也因此而存在不小的挑战,譬如业内至今也没有一个具体的产业标准——片子时长短的有5-6分钟的,长的有30分钟的;类型有动画建模、也有纪录实拍;拍摄成本从几十万到几百万不等。如果说资本的观望、产业标准的缺失,是产业发展过程中所面临的一个直接阻碍,那在这背后,更根本的“壁垒”则在于市场和受众。研究公司Omdia的高级分析师George Jijiashvili此前曾预测,全球范围里的VR设备的数量将从2019年的1310万到2024年底增长至5550万。这些数字对于VR业内来说,是一次很大的增长,但如果将其与智能手机进行比较,就会发现这个增长速度还是十分有限,并没有覆盖到大多数消费者。而VR内容又无法走进传统影院,只能依赖线下的VR体验馆或者展映等渠道进行正常的播映。因此即使目前VR内容看似具备了线上发行和线下付费观看两种变现渠道,但前者因为拥有设备的用户数量较少,很难在短时间内成为重要增长点;后者这虽然被VeeR等公司视作重要的发力方向,却也面临着用户对线下场景认知度有限、消费积极性没有被全面激发等难点。基于VR行业暴露出的诸多痛点,VeeR方面相信,今年和戛纳XR的合作不仅仅是打造了一个电影节活动单元、做了一次品牌露出那么简单,更深层次的角度来看,此次活动的意义在于通过展映、创投等方式,鼓励创作者们在内容和技术领域里继续深耕,并把优秀的作品展示给更多的用户。和传统的线下电影节一样,戛纳XR里的创投会、主题演讲等活动,已然成为了一个链接VR内容创作者和投资方、合作方的平台,让更多的圈外资本关注以及介入到VR行业里,也会增加VR和电影等不同领域的产业交流。戛纳电影执行总监Jérôme Paillard也承认:“我们认为XR与电影行业的联系至关重要,这也是戛纳XR举行的重要意义。”因此除了展示已经完成的作品外,戛纳XR更受圈内人关注的点其实在于各种路演。在这里,众多项目开发者都争先展示自己所拥有的新内容和新技术,相关环节也被诸多VR公司、艺术基金会等视为VR内容的风向标。黄钰告诉毒眸:“VeeR也被邀请作为Developement Showcase的Decision Maker(决策者),给与参加创投会的项目反馈和建议,如果遇到适合投资和发行的项目,也会跟他们进行1对1的交流。”纯商业交互之外,在整个创投会环节里,行业里头部VR内容公司制片人、国际电影节VR单元策展人、投资人等产业链各环节上的负责人,也会像传统电影节一样开展各类座谈会、大师班、讲座,针对不同的主题会进行分享交流。今年的戛纳XR里,便设置了一系列针对行业痛点和今年行业格局变迁的讨论环节,包括360VR影视内容的发行与变现模式、如何创造一个更沉浸的故事环境、疫情之下行业如何生存、VR影视内容如何融资等,从创作技术层面到创作理念,甚至再到商务发行领域,都设置了专门的内容分享。但到这一步为止,更多还是在解决B端的问题,想要真正盘活VR行业,除了要有资本和优质内容,还需要将其推向大众。而今年戛纳XR特殊的举办形式,不仅仅能让更多无法亲临戛纳的人从线上接触戛纳,更重要的是戛纳也罕见地开了绿灯,允许参展内容走出戛纳、落地其他城市。接下来一段时间里,入围此次戛纳XR VeeR Future Award单元的一系列VR影片将走进线下,在北京、上海、深圳、成都、天津、西安等一二线城市举办影展,让更多观众体验到优质的360VR影片,这对于打响VR内容的观众认知度,或许会是十分重要的一步。入围影片《珠峰生死状:加映版》戛纳XR计划负责人Elie Levasseur,将戛纳XR比拟为行业的孵化器和加速器,认为在VR没有一个成熟市场的情况下,这能够助推整个VR行业发出更大的声音。“和戛纳的合作之外,我们也在尝试其他的扩圈方式。比如,VR内容可以成为影视IP的衍生番外与正片进行联动;可以和文旅产业互动,成为旅游景区的新兴文化消费项目;也可以作为独立的内容在线下门店吸引观众进行观看。”陈婧姝介绍道,VeeR目前已经和诸多影视IP进行衍生番外的合作,包括《猪猪侠》《镇魂街》《不思异》等国内各内容领域的IP;同时也在积极孵化自己的原创作品,例如入围今年翠贝卡和昂西动画节VR单元的《Ajax All Powerful》。当然,这一开拓阶段仍需要花费一些时间。陈婧姝认为,“行业不会马上爆发,但一直都在增长。”因此无论从普及VR/AR内容还是提升行业商业价值,都需要一些时间去推动。而Elie Levasseur也非常有自信地表示,VR最终一定会成为一种大众市场。“十年后,VR在电影节中一定会是一股不能忽视的力量。”

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