2018年初有一部时长将近20分钟的短片上传到新片场，几天之后这部片子被推荐到了场库，并在两个平台上广受好评！ 一年后，这部叫做《角色》的短片在国际上斩获多项大奖，一举拿下2019ADFEST亚太广告节最佳新锐导演金奖，这是18年来第一位中国导演获此殊荣，还入围了2019国际棕榈泉最佳纪录短片单元。 片中角色均为真人出镜，讲述了一对平凡母子互相扶持、相濡以沫的故事。一位患有唐氏综合征的儿子和一位生活在最底层的母亲。一对母子，相依为命三十载。三十载，她在黑暗中渐行渐远，他不想做黑暗中沉沦的人。 三十载，他与她相依为命，从此谁也无法脱离彼此。质朴诗意的影调，母子并肩面对逆境的隐忍、坚韧与乐观，深深打动观众的心。 《角色》视频导演：谢鹏 摄影指导：陆希璊 美术：美术天天 摄影指导陆希璊是这样阐述这部片子的“我与好友谢鹏的相识缘于2016年腾讯99公益的一次拍摄，当时由设想的航拍一镜，最后发展成了表现主义浓烈的一部影片。当一年一度的腾讯99公益再次拉开序幕的时候，我们面对的是一位患有唐氏综合症的年轻人和他的母亲。思考许久之后，我们打算在影像创作上不给观众过多主观的介入感，并尝试使用一颗老镜头完成影片的拍摄。我想让影片的视角质朴、生活的同时，平静地走向主人公的内心，带着观众去看到主人公眼中的世界到底是何许模样。小龙是快乐的，龙妈是快乐的，这个世界也许，本就是这个样子。最后，感激所有无偿付出于本片的兄弟姐妹们以及威盛对于器材的无私支持。” 因此，我们请来了《角色》的导演谢鹏和摄影指导陆希璊，和我们分享拍摄时的心路历程！ 人生没有白走的路 谢鹏，自幼学习钢琴，在浙江传媒学院念影视制作系念录音专业。大学毕业后来到上海，顺理成章做起了录音工作，四五年后，他觉得机械性的录音工作满足不了精神需求。转投台湾导演邓勇星门下拍片并剪辑。半年后身体吃不消的谢鹏打算停下工作休息一段时间。不久有代理商找到他做“Free Producer”（自由制片人）。 浸淫行业多年，在成为导演前，他几乎做过剧组的所有工作“剪辑学了十二三年，做过副导，私下一直在看书学习”。而机会总是留给有准备的人，对谢鹏来讲就是最后得到投资人的导演邀约是水到渠成的事。入行三四年来，主要以拍摄广告片（《腾讯X计划》）和微电影（《玫凯琳系列》）为主，他又总能在作品中融入人文关怀。这次的《角色》也是和多年好友兼摄影师陆希璊合作。 而陆希璊除了接拍如林肯、二代海马和索尼等商业广告外，在作品履历表中也不乏公益短片项目，如在《水井坊》中的摄影风格则完全回归了中式审美。 此次两位好友合作的《角色》原本是聚焦于特殊儿童画作的一分钟广告片，“拍摄前投资方出于社会舆论压力和公司形象的考量退出了，但一直接洽的创意人则以个人身份为项目提供着帮助” 。于是谢鹏当下立断，由画推人，把关注点移到了特殊孩童家庭。“副导演在开拍前约谈了十几对这样的家庭，到我开始介入时变为几对，最终我们选择了龙妈和小龙”。 被问及为何选择龙妈和小龙时，谢鹏难得严肃“这批特殊儿童中有自闭症和唐氏综合征，自闭症儿童生活在另一个世界，拍摄他们只能用纪录片，对我而言，用艺术创作的手法去拍摄他们是犯罪，是不道德的。唐氏综合征则有重有轻，而小龙靠内心的力量把自己治愈的相对较好，是唐氏儿童中相对较典型的一位。同时龙妈和小龙对摄影机是开放信任的“最重要的是“生活清淡如水，两位（素人）演员三十年来也是这样，他们从未想过借由何物红，也没有想过名利。他们只是做自己，在影像和镜头前还原自己一直在做的事，我好感谢他们” 在采访伊始，导演谢鹏评价短片《角色》的原型及演员龙妈和小龙的话似乎也可以用于做这部短片的初衷“我想借由这部短片还原一个相对于正常人来讲不那么正常族群的生活，让他们在其中找到生活的共鸣，也希望社会中的（正常人）可以重新思考自己在家庭中所处的位置“。 和谢鹏合作多年的摄影指导陆希璊认为“我们的社会在不断向前发展，经济和社会意识形态也在发生改变。可让整个社会往好的方面发展需要大家一起去努力，我们恰好做的是文化产业，自觉肩负着责无旁贷的任务，去做这样的事。可以让大家感知到一些美好，让大家觉得我可以去做一个好人，这是我做(《角色》)的初衷” 短片拍摄用时4天，后期超过3个月，制片成本20万，全片只用1个老镜头，所有制作主创人员分文未取。在赞美声中，难免有疑惑的声音出现，如“《角色》到底是一部纪录片还是剧情片？”。无怪观者疑惑，影片中的主角龙妈和小龙是现实生活中真实存在的人物，而影片的拍摄却“按照严格的脚本场景去片段记录故事，所有的景片都是搭建的”。谢鹏坦承“虽然短片中的原型演绎了角色（影片中的角色），但用原型和角色是两件事，角色在这里承担了故事的走向和导演对故事发展的方向。引起疑惑的点在于，原型存在即为纪录片吗？原型和剧情不可以共存吗？” 摄影指导陆希璊也谈到：“纪录片和剧情片的元素在影片中算是一半一半”，二人更倾向于认为《角色》是一部剧情短片。但在引起讨论前，这个问题对他们而言远没有先拍出来重要。 然而《角色》在他们创新般的打破原有戏剧结构的尝试下，模糊了观者对传统纪录片和剧情片之间界限分明的定义时，确实具有了某种先锋的倾向。 《角色》的体量不大，但在音乐、形式上却尽力展现一个“非正常”家庭三十年的生存状态。 先是用文字代替旁白转场，一是出于叙事的需要。之前确实“想过用对白去表达这个家庭三十载的相依为命，但发现这样整个故事的叙事结构就乱了。”二是预算不足“不能完全展示一个家庭三十年的历史，那么通过文字可以让故事往前推进，也可以作为戏剧的前情提示存在”。 同样的由于预算不足，现在《角色》呈现的故事只是冰山一角，谢鹏透露“小龙的爷爷知道小龙生病后，召集家族成员，要求他们将小龙当做正常人看待。但由于这个病需要有人时时照顾，龙妈辞去了工作。生活的重担在龙爷爷和龙爸相继去世之后，落到龙妈身上。”诚如影像展现，龙妈在苦苦坚持后说“我都要得抑郁症了，快要坚持不下去了”，这个时候小龙站了出来说“妈妈，我来照顾你”。 十几年后，照顾者成了被照顾者，二者之间角色的对调在文字和简单的台词中完成转换，轻描淡写处动人十分。 “片中所有转场的文字，包括海报的字型，由有门创意paul通过手写的毛笔字制作完成，是独一无二的”提起制作的细节处，谢鹏总是对朋友的资助心怀感恩。 再者是用画幅的变化，拓展影像中人物的内心世界。《角色》中有一场海滩戏，那天突然有一对家人出现，龙妈很自然的看着他们，和小孩子玩了起来。“那是神来之笔，陆老师拍了下来，画幅也从之前的16:9 变为4:3” 事后，谢鹏提起时仍有敬畏“我没法向你表述龙妈的表情，她没有悲伤也没有羡慕，好像来自梦另一端的人与她相遇，她接受并参与了另一个家庭的圆满”。 就像“影片中出现的三条小金鱼，那是我和美术指导天天（张之天）决定好的，一定是三条，其中有一条是龙爸。我想表达的是这三十年来，龙妈和小龙就是这样相濡以沫的关系，就像鱼和水，虽然有杂质，但他们的生活里留下的是纯净” 相交多年的陆希璊说“谢鹏是一个很细腻，要求很高的人”，除了影像上设计的意像外，最后是在音乐的选择上，也经历了颇多曲折。“先是配上巴赫，后来是肖邦的夜曲”但似乎总差那么点意思，直到有一天谢鹏无意间听到了“Earth”，顺着曲子查到了斯蒂芬米库斯，一位德国作曲家。 米库斯的音乐以“可以摧毁任何心灵防线的能量著称”这与谢鹏对影片的感觉不谋而合 “这首曲子很平淡，但平淡中自有细腻情愫，坚韧不舍弃”。陆希璊说“这是一个很单纯的故事，本来就不应该配上花里胡哨的音乐，有些东西是需要有敬畏之心去完成的” 影像的东方美学 陆希璊自认在影像风格上还处于探索阶段“在拍摄商业影片时，影像风格上我偏向于好莱坞，但在拍摄（《角色》）时，我很在意东方审美”。出于对预算、时间和观众呈现的考量，“整部影片用一颗镜头去表达，不想在影像上给观众太多疏离感，也不想让观众（观看）时感受到主角被过多打扰的痕迹”这样做是希望观众可以感受到“故事真实流畅的发生着”让他们在影像结束之后，仍旧可以感受到“生活在继续”。 正是以上这些用心和付出，吸引了更多的人去关注这部影片。一位业内的前辈看过《角色》后问谢鹏要不要参选亚太广告节的新锐导演单元。 谢鹏参报了，但也没太当回事“（亚太广告节）这么大的盛事，每年都有来自不同国家差不多三千多部优秀的作品参报，后来得知入选到了4—5位时，还是很开心能被认可的。” 颁奖那晚，谢鹏和陆希璊在台湾基隆，睡得很早，因为第二天凌晨四点有拍摄任务。“后来（制片人先知道的）发现在颁奖前两个小时收到了主办方发来的邮件，才知道《角色》获得了新锐导演金奖。” 还是托在亚太广告节现场的朋友帮忙领的奖。“亚太是很公平公正的，如果(组委会觉得)作品不合适，他们宁愿空着奖项不颁，今年的银奖就是空缺的”。 随后《角色》又入围国际棕榈泉短片节，A类主竞赛单元最佳纪录片。对此，谢鹏心态很平“收到了来自棕榈泉的入围短片单元后就无下文。但相比亚太的公正，我相信棕榈泉是一个更加全面的平台” 而能够有机缘参报戛纳广告节短片单元，得益于亚太广告节的推荐“戛纳广告节是全球最多制片人花高价去看的一场影展，（制片人）期待和更多新锐导演合作。所以只要作品在国外网站有上映，有剧情海报，时长在60分钟之内都可以参报。”对于将在六月公布的奖项结果， 谢鹏似乎已经不再在意，对他而言，他对这部作品的使命已经完成。而拍摄这部作品的过程留给他的启发，却已经帮他找到了下一部作品想要表达的主题：媒体舆论！ 遗憾是为出发做准备 谈及拍片中的遗憾，谢鹏说“故事太短了，其它有实很多值得挖掘的点。”为此，他坦言在跟投资人商谈，看是否可以有拍长片的可能。对摄影指导陆希璊来讲故事超出预期来源于谢鹏的“后期剪辑”。相对于展望未来，他更关注当下“和谢鹏一起把手头现有的事做好，投入生活，感悟生活“。短片《角色》的故事结束了，但在影像之外，生活还在继续，体悟永远常新。点击访问主创团队新片场作品集：导演@谢鹏 ； 摄影指导@陆希璊 ； 美术@美术天天

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《复联4》上映后不久的一天下午，厂花顶着火热的大太阳，来到了数字王国位于北京的办公室，与数字王国视效总监、副总裁、大中华区影视剧视效业务负责人——周逸夫，进行了一次对话。对于厂花这个特效外行来说，真是一次大开眼界的体验！也许你还不知道这家公司，但十有八九你看过他们参与制作的电影！ 比如《惊奇队长》中，可以随时变身伪装的斯库鲁人。还有《蜘蛛侠：英雄归来》中的史丹顿岛巨轮的场景等等。数字王国北京办公地是一座四层办公楼，大楼内除了艺术家们的工作区域外，有两处地点很值得一提。一处是VR体验区，另一处是虚拟人展示区。在VR体验区，有诸多数字王国出品的片子。厂花有幸体验了一部叫做《微观巨兽》（Micro Giants）的VR影片。仿佛瞬间走进昆虫世界，很是让人兴奋！这部片由周逸夫指导，他之前凭借此片进入圣丹斯电影节New Frontier单元展映。另一处的虚拟人展示区，封闭黑暗的空间内，全息投影出的邓丽君形象在演唱她的经典歌曲。2013年周杰伦在台北小巨蛋和邓丽君的世纪合唱，就是由数字王国帮助呈现的。数字王国北京办公室公司内部环境厂花在这里驻足观看了三首邓丽君的歌曲，三首歌曲三种装扮。效果一流，一代天后邓丽君的形象更是惟妙惟肖，令人沉醉，一不小心又省去了一笔演唱会的门票钱呀！无论是《复联》中的灭霸虚拟人、还是演唱会上的邓丽君虚拟人。从目前制作的大型项目感受到，数字王国的“虚拟人”技术在电影工业中还是娱乐体验上都走在了前面。在一间会议室落座周逸夫很快进门了，小西装、运动鞋（还是灭霸下巴的那款）帅气亲和。周逸夫，本科毕业于清华大学美术学院，后进入南加州大学电影学院获得硕士学位，现任数字王国集团视效总监，副总裁，大中华区影视剧视效业务负责人。于2013年加入数字王国，曾参与迪士尼电影《沉睡魔咒》及尼桑、耐克等广告的特效制作。2014年起与漫威之父斯坦·李先生共同开发超级英雄电影IP，期间带领团队开发9个电影、电视剧IP。自2015年涉足VR领域，他参与创作TFBOYS VR版MV《大梦想家》、黄晓明及马思纯主演的VR短片《黑童话》、陈冠希VR版MV《你》、王菲《幻乐一场》演唱会VR版、《康熙来了VR直播》、谢霆锋《锋味VR版》、《鮫珠传VR番外篇》、《西游记》、《宠物僵尸》等VR项目。其导演的VR短片《微观巨兽》入选2018年圣丹斯国际电影节“New Frontier”单元，成为首个入选该奖项的大陆导演。2018年，作为视效总监，他带领团队完成了姜文导演的电影《邪不压正》，闫非、彭大魔导演的《西虹市首富》以及优酷、世像联合出品的电视剧《大泼猴》。很难相信参与过如此多国际大项目的逸夫，竟然是个90后！年纪轻轻就这么有才，厂花瞬间爱了~ 打造独一无二的灭霸，总共分几步？ 漫威粉丝普遍对灭霸评价颇高，说他是漫威电影至今为止最能立得住的反派人物。虽然没有参与到灭霸的制作当中，但周逸夫对数字王国如何呈现这个成功的角色，分享了独家幕后。 周逸夫认为面对复联这样的大工程提前分好工是很重要的，比如这次灭霸的塑造，就由温哥华、洛杉矶等地负责不同的阶段。首先温哥华分部进行模型贴图，之后打包发送给洛杉矶做下面的工作。 （中景和特写的对比） 在《复联》电影中虚拟人灭霸的成本是最贵的，因为涉及到很多面部的特写镜头、以及全身的近景。甚至眼部、嘴部的特写。如果是出现在远景中的一个虚拟小人，那就会非常便宜。但在大荧幕上呈现如此近距离的特写，不但成本高，对特效团队也充满挑战。正常情况下，面对庞大的特效制作量，特效工作者的配合有两种。一种是按照镜头划分。比如说一个电影有1000个特效镜头，那么洛杉矶做500个、中国做300个，印度做200个。（模型、贴图对照图，来自网络）另一种是按照步骤进行划分。比如是按照模型、贴图、灯光等不同的分工进行工作分配。注：QA部分为数字王国洛杉矶办公室针对《复联4》的回答。Q：是否可分享数字王国在《复仇者联盟4：终局之战》中负责的视效镜头有哪些？有多少艺术家参与其中，又是如何分配工作的？ A：310位艺术家为《复联4》打造了共计337个镜头。罗素兄弟（上排）, 丹·迪利奥Dan Deleeuw (Visual EffectsSupervisor), 拉塞尔·厄尔Russell Earl (VFXSupervisor, ILM), and凯利·波特 Kelly Port (VFX Supervisor,Digital Domain)其中近80%由温哥华办公室主导，约20%由洛杉矶办公室完成，印度海德拉巴办公室则参与了部分擦除/绘制工作。这些镜头是围绕灭霸和他的两个女儿——“卡魔拉”与“星云”展开。部分渲染图片公开：星云 V.S. 星云:卸甲归田的灭霸，特写中左右两边脸的对比十分清晰、细致：过去时间中战舰内观看未来影像的灭霸：Q：就数字王国所负责的视效镜头而言，是由片方决定/数字王国选择，还是双向讨论的结果？ A：就《复联3》而言，数字王国收到了一份来自漫威的测试邀请：如何基于演员乔什·布洛林的表演打造这位片中的反派，最终被委托制作涉及这一角色的绝大多数场景，共513个镜头，总荧幕时长超过40分钟。 Q：数字王国曾参与多部漫威电影的视效制作。与先前相比，《复仇者联盟4：终局之战》的挑战在于？A：与观众所熟知的“大场面”相比，《复联》3/4均借助灭霸的情感表现推动了极为关键的叙事。打造一位能立得住的“反派”人物无疑是最具挑战的环节。在这两部作品中，灭霸很大程度上推动着着许多剧情的发展。因此演员乔什·布洛林表演时的细微之处，需要更为细节化的特效处理。而和灭霸对戏的大多为真人演员，只有形象保证足够的写实度，与真人角色结合起来才不会突兀。希望未来没有“后期”，只有“特效”和很多人的固有印象不同，如今特效制作，早就不是大家口中的“后期”了。现在很多项目，特效公司甚至是从剧本阶段就开始介入。不过也有因为剧本一直在打磨，导致特效方案也需要调整的情况。前期的磨合和沟通可以很好地控制成本，促使后期效果的完成度更高。根据给到的需求和素材，预判出拍摄以及特效的方案。比如一个镜头用不用特效，一个镜头绿幕要搭在哪里更合适…“也有遇到所有环节都完成之后，导演把拍好的内容拿来让我们评估，问后期能不能再添加一些特效。你说可不可以添加，其实是可以添加的，但想纯粹在后期上加工的特效，很难再出好的效果，而且工时和成本都会增加。”而在质量和周期这两个问题方面，负责制作的艺术家们，总是会面临两难的选择，时间与效果总是在两头拉扯！“如果导演的需求是保证时间，那势必在某些效果上需要采取一些取巧的手段。但有些片子特效师介入很早。比如梦工厂的《驯龙高手》前期就准备了7年之久。给你7年时间筹备，还是给你7个月时间筹备这是一道命题！对于我接触过的项目，绝大多数的时间是控制在6-12个月之间的。如果是电视剧的话周期会更短一些。”而在预算超支的情况下，有几种方式是比较常用的：1、更改故事线2、更改拍摄方法3、追加预算4、重点场次的特效着重处理，不重要的场次简单处理 在周期方面，「复联4」的绝大部分镜头与「复联3」为同期拍摄而成，数字王国与导演罗素兄弟的密切合作也因此由「复联3」转移至续作。然而对于视效团队来说，如此紧密的衔接十分罕见，这意味着艺术家们在结束「复联3」的视效制作之后，转身便投入了「复联4」，时间仅仅间隔两周。19年奥斯卡的视效类奖项，数字王国占据了两项（《复仇者联盟3：无限战争》、《头号玩家》双双入围），这不但是对艺术家们的最高嘉奖，同时也使得数字王国这一年的订单猛增！目前数字王国的团队组织架构主要包括：视效总监、CG总监，各组组长，以及模型、贴图、灯光等。视效总监会整体地把控制作质量，特效制片需要对制作的进度进行把控，所以大多数情况下视效总监和特效制片会产生摩擦，因为他们二人一个要“质量”一个要“速度”。（《复联》两位视效总监丹·迪利奥Dan Deleeuw和凯利·波特 Kelly Port） 而片方会有一位管理所有特效公司、以及特效团队的大总监，把控整个片子的基调。面对绝大多数的项目，项目负责人每周都要去导演的工作室进行汇报，导演和艺术家在这个阶段也会对制作的效果进行面对面的沟通，比如说《邪不压正》项目，如果姜文导演需要对老北京的前门进行做旧，那么艺术家需要了解具体做旧的程度。也会出现，有几个版本的做旧，导演来进行挑选的情况。 相较于“灭霸”这个项目，各个流程比较平均，而对于剧集来说，合成的人员需要更多。 另外逸夫还科普了一个小误区：很多最初接触特效的同学，可能认为渲染阶段是最轻松的，因为一段特效，一旦开始渲染可能需要几十分钟甚至几个小时。而这个阶段电脑全速运作，基本人就可以休息了。但对于数字王国团队来说，逸夫认为渲染阶段是最辛苦的，因为这个阶段每5-6个小时会出一次进度，而这个进度很有可能会出错，需要进行修改，所以一般情况下渲染阶段是最磨人的时候。所以在这个阶段，大家会采取轮班制。（重重的黑眼圈，是我对渲染深深的怨） 目前数字王国在洛杉矶、温哥华、北京、上海、海德拉巴（印度）等地都有办公室。逸夫透露，之前在制作《邪不压正》的时候，由于进度的问题，就请来了20位数字王国印度办公室的同事帮忙。之前制作《大泼猴》的项目也有印度同事的参与，他们的制作能力也是不错的，仅仅会因为一些文化上的差异会产生一些误解。 比如：玄幻剧里需要给一个物体加光效，北京的艺术家会默认为这种光效就是那种虚无缥缈的带着拖尾的光效。但在没有讲的很明确的时候，印度的同事会理解成“啪”地一下发光，像《星战》里的激光剑一样。不过这种小尴尬，沟通一下就好了。（电影项目《大泼猴》、《西虹市首富》、《邪不压正》）Q：数字王国接下来会有哪些作品和观众见面？A：全球各办公室，包括北京办公室正分别投入不同的电影、剧集和广告作品等，主要合作伙伴包括Netflix。考虑到保密协议，尚无法透露过多细节，还请理解！Q：对于《复仇者联盟4：终局之战》，印象最深刻的时间节点是什么？A：包括「复联3」在内，在长达两年的参与周期中实在难以选出最深刻的节点或最难忘的经历。两年时间里，影片的制作团队和数字王国的艺术家们一起庆祝了数不清的生日派对、参加了数不清的订婚仪式，甚至迎接了新生儿的诞生。共同熬过的苦难和共同制造的美好回忆让我们拥有了值得永远珍惜的友谊。另外，无论「复联3/4」，观众的反应令艺术家们激动不已，我们做这些工作并不仅仅出于对视效工作的热爱，更出于它为观者带有的愉悦享受。对每一位幕后从业者来说，观众的接受就是最大的回报，没有什么比这更有意义了。点击前往数字王国新片场页面 -END-

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2018年初有一部时长将近20分钟的短片上传到新片场，几天之后这部片子被推荐到了场库，并在两个平台上广受好评！一年后，这部叫做《角色》的短片在国际上斩获多项大奖，一举拿下2019ADFEST亚太广告节最佳新锐导演金奖，这是18年来第一位中国导演获此殊荣，还入围了2019国际棕榈泉最佳纪录短片单元。片中角色均为真人出镜，讲述了一对平凡母子互相扶持、相濡以沫的故事。一位患有唐氏综合征的儿子和一位生活在最底层的母亲。一对母子，相依为命三十载。三十载，她在黑暗中渐行渐远，他不想做黑暗中沉沦的人。 三十载，他与她相依为命，从此谁也无法脱离彼此。质朴诗意的影调，母子并肩面对逆境的隐忍、坚韧与乐观，深深打动观众的心。《角色》视频导演：谢鹏 摄影指导：陆希璊 美术：美术天天摄影指导陆希璊是这样阐述这部片子的“我与好友谢鹏的相识缘于2016年腾讯99公益的一次拍摄，当时由设想的航拍一镜，最后发展成了表现主义浓烈的一部影片。当一年一度的腾讯99公益再次拉开序幕的时候，我们面对的是一位患有唐氏综合症的年轻人和他的母亲。思考许久之后，我们打算在影像创作上不给观众过多主观的介入感，并尝试使用一颗老镜头完成影片的拍摄。我想让影片的视角质朴、生活的同时，平静地走向主人公的内心，带着观众去看到主人公眼中的世界到底是何许模样。小龙是快乐的，龙妈是快乐的，这个世界也许，本就是这个样子。最后，感激所有无偿付出于本片的兄弟姐妹们以及威盛对于器材的无私支持。”因此，我们请来了《角色》的导演谢鹏和摄影指导陆希璊，和我们分享拍摄时的心路历程！人生没有白走的路谢鹏，自幼学习钢琴，在浙江传媒学院念影视制作系念录音专业。大学毕业后来到上海，顺理成章做起了录音工作，四五年后，他觉得机械性的录音工作满足不了精神需求。转投台湾导演邓勇星门下拍片并剪辑。半年后身体吃不消的谢鹏打算停下工作休息一段时间。不久有代理商找到他做“Free Producer”（自由制片人）。浸淫行业多年，在成为导演前，他几乎做过剧组的所有工作“剪辑学了十二三年，做过副导，私下一直在看书学习”。而机会总是留给有准备的人，对谢鹏来讲就是最后得到投资人的导演邀约是水到渠成的事。入行三四年来，主要以拍摄广告片（《腾讯X计划》）和微电影（《玫凯琳系列》）为主，他又总能在作品中融入人文关怀。这次的《角色》也是和多年好友兼摄影师陆希璊合作。而陆希璊除了接拍如林肯、二代海马和索尼等商业广告外，在作品履历表中也不乏公益短片项目，如在《水井坊》中的摄影风格则完全回归了中式审美。此次两位好友合作的《角色》原本是聚焦于特殊儿童画作的一分钟广告片，“拍摄前投资方出于社会舆论压力和公司形象的考量退出了，但一直接洽的创意人则以个人身份为项目提供着帮助” 。于是谢鹏当下立断，由画推人，把关注点移到了特殊孩童家庭。“副导演在开拍前约谈了十几对这样的家庭，到我开始介入时变为几对，最终我们选择了龙妈和小龙”。被问及为何选择龙妈和小龙时，谢鹏难得严肃“这批特殊儿童中有自闭症和唐氏综合征，自闭症儿童生活在另一个世界，拍摄他们只能用纪录片，对我而言，用艺术创作的手法去拍摄他们是犯罪，是不道德的。唐氏综合征则有重有轻，而小龙靠内心的力量把自己治愈的相对较好，是唐氏儿童中相对较典型的一位。同时龙妈和小龙对摄影机是开放信任的“最重要的是“生活清淡如水，两位（素人）演员三十年来也是这样，他们从未想过借由何物红，也没有想过名利。他们只是做自己，在影像和镜头前还原自己一直在做的事，我好感谢他们”在采访伊始，导演谢鹏评价短片《角色》的原型及演员龙妈和小龙的话似乎也可以用于做这部短片的初衷“我想借由这部短片还原一个相对于正常人来讲不那么正常族群的生活，让他们在其中找到生活的共鸣，也希望社会中的（正常人）可以重新思考自己在家庭中所处的位置“。和谢鹏合作多年的摄影指导陆希璊认为“我们的社会在不断向前发展，经济和社会意识形态也在发生改变。可让整个社会往好的方面发展需要大家一起去努力，我们恰好做的是文化产业，自觉肩负着责无旁贷的任务，去做这样的事。可以让大家感知到一些美好，让大家觉得我可以去做一个好人，这是我做(《角色》)的初衷”短片拍摄用时4天，后期超过3个月，制片成本20万，全片只用1个老镜头，所有制作主创人员分文未取。在赞美声中，难免有疑惑的声音出现，如“《角色》到底是一部纪录片还是剧情片？”。无怪观者疑惑，影片中的主角龙妈和小龙是现实生活中真实存在的人物，而影片的拍摄却“按照严格的脚本场景去片段记录故事，所有的景片都是搭建的”。谢鹏坦承“虽然短片中的原型演绎了角色（影片中的角色），但用原型和角色是两件事，角色在这里承担了故事的走向和导演对故事发展的方向。引起疑惑的点在于，原型存在即为纪录片吗？原型和剧情不可以共存吗？”摄影指导陆希璊也谈到：“纪录片和剧情片的元素在影片中算是一半一半”，二人更倾向于认为《角色》是一部剧情短片。但在引起讨论前，这个问题对他们而言远没有先拍出来重要。然而《角色》在他们创新般的打破原有戏剧结构的尝试下，模糊了观者对传统纪录片和剧情片之间界限分明的定义时，确实具有了某种先锋的倾向。《角色》的体量不大，但在音乐、形式上却尽力展现一个“非正常”家庭三十年的生存状态。先是用文字代替旁白转场，一是出于叙事的需要。之前确实“想过用对白去表达这个家庭三十载的相依为命，但发现这样整个故事的叙事结构就乱了。”二是预算不足“不能完全展示一个家庭三十年的历史，那么通过文字可以让故事往前推进，也可以作为戏剧的前情提示存在”。同样的由于预算不足，现在《角色》呈现的故事只是冰山一角，谢鹏透露“小龙的爷爷知道小龙生病后，召集家族成员，要求他们将小龙当做正常人看待。但由于这个病需要有人时时照顾，龙妈辞去了工作。生活的重担在龙爷爷和龙爸相继去世之后，落到龙妈身上。”诚如影像展现，龙妈在苦苦坚持后说“我都要得抑郁症了，快要坚持不下去了”，这个时候小龙站了出来说“妈妈，我来照顾你”。十几年后，照顾者成了被照顾者，二者之间角色的对调在文字和简单的台词中完成转换，轻描淡写处动人十分。“片中所有转场的文字，包括海报的字型，由有门创意paul通过手写的毛笔字制作完成，是独一无二的”提起制作的细节处，谢鹏总是对朋友的资助心怀感恩。再者是用画幅的变化，拓展影像中人物的内心世界。《角色》中有一场海滩戏，那天突然有一对家人出现，龙妈很自然的看着他们，和小孩子玩了起来。“那是神来之笔，陆老师拍了下来，画幅也从之前的16:9 变为4:3”事后，谢鹏提起时仍有敬畏“我没法向你表述龙妈的表情，她没有悲伤也没有羡慕，好像来自梦另一端的人与她相遇，她接受并参与了另一个家庭的圆满”。就像“影片中出现的三条小金鱼，那是我和美术指导天天（张之天）决定好的，一定是三条，其中有一条是龙爸。我想表达的是这三十年来，龙妈和小龙就是这样相濡以沫的关系，就像鱼和水，虽然有杂质，但他们的生活里留下的是纯净”相交多年的陆希璊说“谢鹏是一个很细腻，要求很高的人”，除了影像上设计的意像外，最后是在音乐的选择上，也经历了颇多曲折。“先是配上巴赫，后来是肖邦的夜曲”但似乎总差那么点意思，直到有一天谢鹏无意间听到了“Earth”，顺着曲子查到了斯蒂芬米库斯，一位德国作曲家。米库斯的音乐以“可以摧毁任何心灵防线的能量著称”这与谢鹏对影片的感觉不谋而合 “这首曲子很平淡，但平淡中自有细腻情愫，坚韧不舍弃”。陆希璊说“这是一个很单纯的故事，本来就不应该配上花里胡哨的音乐，有些东西是需要有敬畏之心去完成的”影像的东方美学陆希璊自认在影像风格上还处于探索阶段“在拍摄商业影片时，影像风格上我偏向于好莱坞，但在拍摄（《角色》）时，我很在意东方审美”。出于对预算、时间和观众呈现的考量，“整部影片用一颗镜头去表达，不想在影像上给观众太多疏离感，也不想让观众（观看）时感受到主角被过多打扰的痕迹”这样做是希望观众可以感受到“故事真实流畅的发生着”让他们在影像结束之后，仍旧可以感受到“生活在继续”。正是以上这些用心和付出，吸引了更多的人去关注这部影片。一位业内的前辈看过《角色》后问谢鹏要不要参选亚太广告节的新锐导演单元。谢鹏参报了，但也没太当回事“（亚太广告节）这么大的盛事，每年都有来自不同国家差不多三千多部优秀的作品参报，后来得知入选到了4—5位时，还是很开心能被认可的。”颁奖那晚，谢鹏和陆希璊在台湾基隆，睡得很早，因为第二天凌晨四点有拍摄任务。“后来（制片人先知道的）发现在颁奖前两个小时收到了主办方发来的邮件，才知道《角色》获得了新锐导演金奖。”还是托在亚太广告节现场的朋友帮忙领的奖。“亚太是很公平公正的，如果(组委会觉得)作品不合适，他们宁愿空着奖项不颁，今年的银奖就是空缺的”。随后《角色》又入围国际棕榈泉短片节，A类主竞赛单元最佳纪录片。对此，谢鹏心态很平“收到了来自棕榈泉的入围短片单元后就无下文。但相比亚太的公正，我相信棕榈泉是一个更加全面的平台”而能够有机缘参报戛纳广告节短片单元，得益于亚太广告节的推荐“戛纳广告节是全球最多制片人花高价去看的一场影展，（制片人）期待和更多新锐导演合作。所以只要作品在国外网站有上映，有剧情海报，时长在60分钟之内都可以参报。”对于将在六月公布的奖项结果， 谢鹏似乎已经不再在意，对他而言，他对这部作品的使命已经完成。而拍摄这部作品的过程留给他的启发，却已经帮他找到了下一部作品想要表达的主题：媒体舆论！遗憾是为出发做准备谈及拍片中的遗憾，谢鹏说“故事太短了，其它有实很多值得挖掘的点。”为此，他坦言在跟投资人商谈，看是否可以有拍长片的可能。对摄影指导陆希璊来讲故事超出预期来源于谢鹏的“后期剪辑”。相对于展望未来，他更关注当下“和谢鹏一起把手头现有的事做好，投入生活，感悟生活“。短片《角色》的故事结束了，但在影像之外，生活还在继续，体悟永远常新。点击访问主创团队新片场作品集：导演@谢鹏 ； 摄影指导@陆希璊 ； 美术@美术天天

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前段时间，一部讲述广告行业甲乙方痛点和矛盾的爆款系列短片《甲方你好》在新片场微博上迅速走红！本片在主题上不仅填补了内容市场的空缺，而且在全网收获了50w+的浏览量和400+转发量，也荣登周榜单榜首！短片从甲方和乙方这一对既博弈又共生的关系出发，从一个广告编剧的视角，生动形象地讲述了甲乙双方的趣事，简洁明快，幽默诙谐，内容真实到引起了各位影视和广告从业者的极大共鸣！让我们再来回顾一下~于是厂花请来了短片的创作人徐好玩来新片场做客，想跟他聊一聊短视频创作，还有他对现实生活中甲方乙方关系的独到见解。徐好玩人如其名，生活中的他更加有趣。然而，这样一个有趣的人却爆料：自己没什么朋友。细问原因才知道，他说自己在跟朋友相处的时候会带有“职业病”，无论做什么事情都很难享受在娱乐之中，很多朋友只有在遇到知识性或行情性的问题才会找到他。可能这也是一个“职业搞笑人”的宿命，让别人大笑的人，却很难逗自己开心。跟徐好玩聊天的时候，厂花也是感受到了他的“职业病”，但他分享的内容也是干货满满，让人收获颇多！遇到奇葩甲方？你也得是个奇葩乙方！“徐好玩”这个名字最开始被人熟识并不是导演、编剧徐好玩，而是主播徐好玩。作为荔枝FM的头号主播，他曾经主持了《毒舌来了》、《笑不出来》、《街头神采访》三档当红节目，订阅听众总数达250万，节目总播放次数超过1亿，正所谓有趣的人到哪里都是有趣的，无论是音频领域还是视频领域，他都能把握住自己的优势。这次的《甲方你好》系列短视频爆红，他谦虚地说自己靠的是运气，但除了运气，更重要的还是对市场形势的精准把控。“与《万万没想到》等爆红节目类似，当今市场上缺少有关诉说乙方同理心的IP，加上现在甲乙双方的矛盾愈演愈烈，有关甲乙方矛盾的视频内容更能普遍受到观众的认可。”这部短片看似是一个吐槽甲乙方矛盾的主题，但徐好玩有他自己更独到的考虑，“当今甲乙方矛盾的关键所在就是，大多数人分不清自己是甲方还是乙方，或者即使清楚自己是哪一方却无法理解对方。通过《甲方你好》这个系列的短片可以让甲乙双方换位思考，减少甲乙方的矛盾。”可以说，《甲方你好》系列是一个启迪，对当今从事广告、影视创作的从业者们还有那些雇佣他们的商业大佬们，都具有很强的现实意义。但是，甲乙双方的矛盾，在当代的合作环境下并没有片中呈现的那么简单。徐好玩也用自己的亲身经历揭秘了矛盾产生更细节的根源：“某甲方公司向我提出3万元拍一个视频种子，要求投放的效果有30万收益，而我开出用35万成本保证达到30万收益，没想到这样的不合理要求却被甲方一口答应，原因在于对接人是甲方公司的直属员工他并没有从公司品牌升级或文化宣扬的角度出发，只求最终达到自己的KPI，所以宁可将大价钱投在制作费上以求完成任务，但乙方却以为与自己的对接人代表的是甲方整个公司，这才导致了甲乙双方的矛盾。而代理商明白甲乙双方的这种矛盾关系，希望乙方只做出对甲方来说刚好达标的60分的东西，多重复、多曝光、多洗脑，乙方却希望做出令自己满意的100分作品，但乙方眼里的满分作品在甲方看来会成为两个极端：要么即0分，要么满分，代理为降低风险进行错误的引导，致使内容市场上错失了很多真正优秀的作品。”万里挑一的有趣灵魂同样需要积累别看徐好玩把甲乙方矛盾看得这么透彻，他开始接触短视频行业正是在三年前短视频在国内刚开始兴起的2017年，“一开始就先用手机尝试着拍摄，为之前任职的公司拍了一些短片后，慢慢对短视频创作产生了浓厚的兴趣，先从后期学起，了解了视频生产和制作的流程后，才开始研究剧本的编写。”厂花本以为徐好玩的创作才华来自于他从小的天赋和创造力，一定是学艺术类或传媒类专业出身，可是完全猜错了！徐好玩大学学的是机械设计制造与自动化专业。一个理工男，怎么后来就从事短视频创作了呢？毕业后经过权衡，他决定放弃自己的专业，做自己的热爱的传媒行业。用他自己的话说，“从18岁以后就没闲着”，所以工作履历非常丰富，“先在南京的一个研究所干了半年，提拔成了设计师主任，一年后公司破产回老家创办了自己的工装公司，之后创业失败为了还款身兼数职，最忙的时候同时打了7份工。”这也促使后来从事编剧行业后，他更能站在不同行业工作者的角度去考虑问题，写出更加生活化和更具同理心的内容。没有人天生就具备搞笑的天赋和才华，更多的是后天的培养与积累。他说：“苦中作乐的人通常更加有趣，纯乐观或纯悲观的人梗就会少一点”，徐好玩是个有心的人，他平时不断收集有效素材并深深印在自己的脑海里。他之前做过一档纯段子类节目，“那时候每天都在不停的搜集网络段子，在搜集段子、筛选段子、表演段子的过程中，积累了大量喜剧素材，所以对于喜剧短片的情感拿捏比较准确。每年的春晚都是大型的段子现场，根据春晚中的创意点去找MCN或KOL，如果觉得他们的段子适合当今社会需求而且符合自己的品味，就持续关注，关注的博主由少到多，每天看微博的过程就是一个积累和学习的过程。”在积累中他也慢慢发现：由于观众审美和品味的提高，那些纯粹为了让人去笑的段子已经很难达到人们的笑点了，反而那些接地气、有同理心、有干货的片子更让人喜欢。他说“在最早在公司上班还未接触到甲乙方关系的时候，做出来的东西大多是‘自嗨’，很少有人看，连自己回过头来看也会觉得不够有意思，审美周期超不过三个礼拜，后来接触了甲乙方关系，才明白了什么叫做大众审美，什么是客户需求”，小众文化是自己坚持的梦想，大众审美才是可以真正做得起来的有意义的事情，这也是他给刚入行短视频的创作人的一点建议。 内容市场大换血，创作人将何去何从？无论说话还是做事，他的逻辑思维性都很强，头脑中最前端的干货与和多领域的工作经验可以脱口而出，是一个“集编剧、导演、演员、播音、后期、推广于一身的美男子”。徐好玩也揭秘了自己内容创作的核心竞争力，即“先音频后视频”的反向创作思路。因为从音频起家所以在配音方面便具有了得天独厚的优势，音频紧凑的节奏特点非常符合观众快节奏的审美和信息流的阅读需求，先把镜头内容落实在音频中，在音频制作完成后，根据音频幻想画面，最后再将视频与音频结合，最终使成片更具有观赏性。但弊端就是工作量巨大，所以他说“产能”成为了首要问题，原创内容很难做到周更。这就引出了他说到的另一个创作的关键性难点——周期问题，“在市场环境当中，视频媒体的先进性要比音频早半年或者一年，所以在制作音频时需要仔细分析前半年视频行业的内容，就一定不会出错了，造成‘自嗨’的原因是没有分析市场和媒体大环境的周期，在内容上要反其道而行之，与大型门户网站形成内容上的互补，多给观众变换口味，另外要时常记录下自己的创意点和头脑风暴，哪些可以做，哪些已经淘汰了，做到及时更新”。大家总说自己在内容市场上的运气不好，但归根结底就是没有分析好整个大环境，这是需要所有做视频内容的创作人需要直面的问题。“无论是什么样的平台，它都只是一种媒介，是否能够拿来创造价值还是要看自己的策略，养活自己的能力一定要大于对平台的依赖心理。”当今社会整个内容市场都在换血，很多乙方变成了甲方，这会对未来的格局产生很大的影响。在这样的市场环境下，徐好玩也保有着自己对短视频创作的原则和初心：“这次爆火的「甲方你好」会一直做下去，因为甲乙方市场一直存在，所以永远会有新鲜事，之后可能会制作一个具有公益性和社会意义的IP，去除网红化、中心化，用第一人称视角让观众沉浸地体验社会当中各行各业人们的生活，不再只是甲方乙方或者广告圈里的故事，许多看似属于社会基层的行业，其实都有大智慧在其中，比如家庭主妇、鬼屋工作者等等”，他也希望通过这样的系列短视频，让各行各业从业者能得到大众的同理心。毕竟，无论是音频还是视频，它只是一种传播工具和渠道，这个工具如何去利用，能不能创造其的价值还是取决于自己的主观引导，这个社会需要更多的像《甲方你好》这样的媒体种子来作为一种让大众更容易接受，更能够在获得笑声的同时又有思考价值的传播内容而存在。 （点击访问@徐好玩的新片场个人主页）

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这是侯祖辛在去年《奇葩大会》上的演讲，主题是“80年代的中国摇滚圈”。其中崔健说到的这种“只能用来怀念的耻辱”，也是侯祖辛致敬中国摇滚而拍摄纪录片《老摇滚》的最大动力。《老摇滚》在新片场上一经播出，就好评如潮，圈粉无数！为此，厂长特地邀请了这个北京大妞侯祖辛和她的御用摄影、剪辑师阿布来新片场做客，聊了聊摇滚和纪录片的故事。侯祖辛和阿布做客新片场集美貌与才华于一身的全能女导演侯祖辛在上《奇葩大会》之前已经两次成为焦点人物了。早在2012年第一届《中国好声音》的舞台上，侯祖辛就已经以歌手的身份被大众所熟知，如果你还有印象，她就是在那英战队最终输给了冠军梁博的女孩。侯祖辛和梁博《中国好声音》巅峰对决第二次登上热搜的时候，侯祖辛已经是一位导演和编剧了。2018年初，她为中国气象频道拍摄了两支宣传广告，短片创意满满，把气象服务拟人化为一个神秘帅气的“黑衣人”，给男主角的生活不断送去“温暖”。中国气象频道宣传片-黑衣人中国气象频道官微上线这支短片后一周，观看量就破了4000万，转发8万次，评论数近2万。这部片子也被评为了2018年度最佳30个广告范例。从此，人们又认识了这位年轻有创意的女导演，侯祖辛。于是更多的人联想到了“好声音”上的她，对这个性格爽朗又有才华的北京姑娘充满了兴趣，才发现，原来她还是纪录片《老摇滚》的导演，她的父亲就是中国摇滚的开拓者之一——侯牧人。《老摇滚》中侯牧人讲摇滚“我当时长大的地方就是一个北京的艺术家大院儿，里面有很多非常棒的作曲家、歌唱家、舞蹈家。那个时候大家都没什么钱，就生活在一个筒子楼里面，跟宿舍一样，长长的走廊，两边全是一间间的房间。几乎家家都有乐器。”侯牧人摇滚专辑《红色摇滚》除了这些之外，这些艺术家们难免坐在一起也抽着烟骂着脏话，聊着音乐创作，侯祖辛小时候就在录音棚里听这些叔叔阿姨谈天说地，然后在一屋子的烟味儿里慢慢睡去。1988年成立的中国重金属摇滚乐队，唐朝乐队跟祖辛导演聊的时候发现她就是一个“行走的故事会”，她的经历要说起来可能能讲上一天一夜。她的“多重身份”跟更像是一种命中注定，跟从小的经历有着千丝万缕的联系：“我从小就想拍电影，小时候特喜欢集结小朋友们去演我排的戏。大人们就说，‘你干的这件事叫导演’。所以那个时候就种下了当导演的种子。我也很喜欢写东西，爱编一些故事，想做一个自己能编剧的导演。长大之后长辈们就建议，如果要自己编剧，最好去学一些社会学、人类学什么的，所以就顺利地从北京四中考上了香港中文大学社会学。”（点击访问@侯祖辛在新片场的作品主页）很多人都会质疑，侯祖辛是不是想红？不专心学习、好好做导演，为什么参加中国好声音？又上各种综艺节目？侯祖辛的回答很坦然：“上大学的时候，我们有自己的乐队，参加了唱歌比赛，拿了两届全香港的冠军，在第一年考入USC电影学院之后，就被选上去参加好声音，输给梁博之后，就继续去美国读研究生了。后来梁博问我学成归来之后能不能给他拍MV。所以《好声音》促成了大家相互认识，但也没有因为《好声音》大家就偏离自己的航线。”摇滚精神：“像个傻B一样活着”《老摇滚》这部纪录片有多叼？相信看过全片的朋友已经有所感受了。在这部片子无数的奖项中最值得一提的就是，它斩获了第30届IDA国际纪录⽚协会最佳纪录短片奖，侯祖辛也顺理成章地成为了首位获得此奖项的华人导演。同时，《老摇滚》也获得了第30届华沙国际电影节最佳纪录短片奖，2015罗⻢独立电影节最佳国际纪录短片奖，以及被誉为“中国纪录片奥斯卡”的中国纪录片学院奖最佳纪录短片奖。侯祖辛在IDA颁奖典礼上摇滚对侯祖辛来说，更多是成长经历必然的存在，更像是一种情结。“从小听我爸的《兄弟》、何勇的《钟鼓楼》、崔健的《一块红布》，听到就觉得有自己的记忆在里面，那种感觉，特别原始、特别中国。”崔健专辑《一块红布》“上世纪八十年代，所有领域的艺术家都在跃跃欲试，他们开始有了强烈的表达和宣泄的欲望。如今父亲已年过六十，没人会想到现在这个说话慢吞吞的光头老爷子，原来是个留着长发长须的摇滚音乐家。我在收到美国最牛逼的电影院校USC电影学院录取通知书的那天，老头儿得了脑梗。” 从那时起，侯祖辛下定决心要为这帮“老头儿们”讲故事。《老摇滚》北京首映礼上多位80年代摇滚圈大腕儿前来捧场拍摄《老摇滚》的过程，也是陪伴父亲跨过生命坎坷的过程。看到女儿靠在父亲的肩膀上一起唱歌的时候，厂长瞬间泪目了。在经历了人生的大起大落后，摇滚并没有离开这个倔强的老头，他已经做好准备，在脑梗后第一次写一首歌，写给自己，写给当年一起做摇滚的兄弟，也写给这个时代。他给这首歌起名为：像个傻逼一样活着。侯牧人新歌《像个傻逼一样活着》创作手稿侯祖辛赠予厂长的《老摇滚》专辑这就是一个曾经的摇滚人用亲身战胜病魔的经历在心中三十年的摇滚精神。废话不多说，沉下心来，静静地看完这部纪录片。制片人/策划/导演/编剧/摄影师：侯祖辛；剪辑/录音/摄影/调色：阿布新导演值得被信任，好故事值得被记录看完《老摇滚》的你一定也有很多感触，或许你被侯老爷子的摇滚精神打动，或者你觉得片中的摇滚乐唤起了你的回忆，再或者你仅仅是觉得叙事节奏、剪辑手法、音乐都让你热血沸腾。这也是《老摇滚》更多元的意义所在——能唤起更多热爱纪录片、热爱电影的人勇敢地拿起摄影机去讲故事。你可能觉得《老摇滚》已经是完美之作了，但祖辛导演还不满足，她也透露了当时拍摄《老摇滚》时候的内幕：“当时真的没有钱，阿布免费来当摄影师，自己买了一些设备，挑杆自己举着收音，如果还需要拍摄的时候，就双腿夹住挑杆，摁下开机，让这些摇滚圈大嗨腕儿们自己拍手打个板儿。”（点击访问@阿布在新片场的作品主页）“所以现在反观《老摇滚》还是很生涩的，如果再让阿布来剪辑他不会再这么去剪，而且收音效果、拍摄设备真的不是特别好，即使过程艰难，可是有自己的感情融入到作品中。”这就谈到了最让祖辛导演欣慰的事：《老摇滚》在参加国际展映后，老外看过的反响也特别好，她回忆说当时有一个外国女孩通过社交账号找到她私信说：“我对摇滚不是很了解，我带着父亲去看了你的纪录片，因为他也得了脑梗，看到你的作品，他感动得流泪了”。其他人也能在其中找到他们各自的共鸣点。所以侯祖辛开玩笑说，“如果现在拍广告还让我自己扛魔术腿儿、挑杆，我肯定不愿意。但是如果有好的纪录片题材，我还会自己亲力亲为去拍，完全不介意预算和资金，因为好故事值得被记录。”当时初出茅庐的侯祖辛也是因为她的执着和努力，才得以使《老摇滚》完成最终的拍摄。一次偶然的选片会，让侯祖辛认识了《舌尖上的中国》总导演陈晓卿，陈晓卿导演十分赏识侯祖辛，说让她今后遇到什么困难可以去找陈导。隔了好久，侯祖辛因为《老摇滚》中历史画面不够，又找不到任何当年摇滚人的影像，而想到了陈晓卿导演，“我从微博上找到了陈晓卿导演，问他我能否借用一下央视的资料库，找一点历史素材。他特别爽快就答应了，然后带我进了资料库，我就在里面如饥似渴地找当年的视频素材，最后我战战兢兢地想问陈前辈需要付多少钱，生怕自己买不起这些素材，但是陈导说不用给了，拿去用吧，很久没见到这么死磕的年轻人了。”也是因为这件事让侯祖辛备受鼓舞。《舌尖上的中国》总导演陈晓卿在祖辛导演看来，新导演需要得到信任。她也感叹“自己能一直遇到好的甲方或制片方，是一种幸运”。《老摇滚》是侯祖辛的毕业作品，毕业以后，有的甲方会因为被《老摇滚》打动了，而找到侯祖辛看她拍广告能有什么发挥。“中国气象频道的‘黑衣人’，当时给我发挥得空间就特别大，最后也有了一个好的效果。因为有了这些片子，制片方就会更相信我，不会给我制定很大的方向。我拍摄的每个作品尽量都能做到代表我自己。”《老摇滚》北京首映礼侯祖辛与父亲合影说到这就不得不透露目前祖辛导演正在筹备的两部电影长片了，第一部是一个中意合拍片，讲的也是音乐人的故事。第二部长片是一个经济犯罪类的影片，主角是个大女主。“我是个女导演，所以特别希望拍到非常棒的女性角色，现在的女性电影越来越多，也会有越来越多的制片人能相信我们这样的新导演、女导演。”对于纪录片新人，或者想要去拍摄纪录片的人，祖辛导演也有很多经验传授：“纪录片跟别的类型片不一样，设备真的不重要，一些很棒的纪录片，明显拍摄条件很苛刻，但是内容却很丰满。你需要的是实际去拍、去锻炼，人物类的纪录需要跟这个人建立信任，‘拍到’才是最重要的！”侯祖辛当时在香港中文大学社会学的同学，有的已经留校做了老师，讲课讲到音乐时，会给学生们播放《老摇滚》。在祖辛导演看来，《老摇滚》如果能为社会学做点贡献，能为那个时代的人做点贡献，那就值了。纪录片好似一直脱离不了时代，表达总会跟时代背景息息相关。环境或许会影响创作，那些表达自我的作品就如同侯牧人、崔健、张楚等人的摇滚，被视作洪水猛兽。但历经时间的沉淀，历史和众人总会发现它真正的价值。

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曾爆火Vimeo的张靓颖名画创意MV「Dust My Shoulders Off」前段时间在新片场又一次刷屏，2016年MV一上线，短短9个半小时便空降美国iTunes音乐录像带下载榜单第一名，一举拿下多个国际影展奖项，甚至获得传播设计类最高荣誉——德国红点奖的最佳设计。虽然这支MV已经上线两年多，但一经导演上传新片场后，热度依然不减，周榜单中也位列榜首，相信看过这支MV的人，一定会被其大胆有趣的创意所折服。MV「Dust My Shoulders Off」原片提及本片的导演廖人帅，想必大家印象中还是那个在「康熙来了」中敢说敢为、综艺点满满的艺人形象，其实他的正经身份是个创意爆棚的导演，「康熙」片头也是由廖人帅制作的。于是乎，厂长特地找到廖人帅导演聊了聊，更深入地了解了他和他的创作故事。不想当导演的艺人不是好摄影师来自摄影世家的熏陶廖人帅，出生在台湾东边的一个小城——花莲，爸妈和外公都是摄影师，生活在小城的他爱森林，爱大海，也爱冒险。受摄影世家的氛围熏陶，从小耳濡目染的他也愈发喜欢用镜头记录他所了解的世界。（偶像范儿的廖人帅）在家里有了一台DV后，学生时期的廖人帅就开启了自己的拍片之路。从最初的兴趣开始，慢慢获得一些小奖项认可，使他更加坚定了自己的摄影之路。一不小心跨了界2004年还是大学生的廖人帅创立了CIRCUS组合，从而进军娱乐圈，但后来他又是如何跨界成为一名导演的呢？廖人帅却说自己成为艺人完全是误打误撞无心插柳造成的，摄影师才是自己的本职。（Circus组合）20岁最早开始他只是纪录片摄影师，后来通过朋友介绍参与电视频道 Channel V的节目制作，没想到竟然有了自己的第一个真人实境节目“CIRCUS ACTION”，有点类似现在的Youtuber。提到成为导演的机遇，廖人帅说：“最感谢的贵人应该是陈奕仁导演吧，2004年我就是陈奕仁导演的纪录片摄影师，而那次案子的纪录拍摄对象竟然是迈克尔·乔丹《Michael Jordan-AISA TOUR 2004》”， 第一次成为纪录片导演的难忘经历，让廖人帅至今提起也激动不已。谈到艺人和导演，自己更喜欢哪种身份，廖人帅的回答甚是幽默“不红的艺人和还行的导演, 那……我选导演好了”，艺人跨界成为导演，这个听起来很大跨度的转型，其实是一个必然事件，就如廖人帅自己所说：“保持新鲜好奇心，对自己不设限，所以时常不小心跨了界。”（点击访问@陈奕仁 在新片场的作品主页）斩获多项大奖的MV制作幕后技术与创意的完美配合「Dust MyShoulders Off」MV贯穿12幅世界名画，并且颠覆了原先名画的世界观，做出了全新的定义。故事的开始，从歌手张靓颖所扮演的上班族拉开序幕，电话那头传来老板的责骂，正在逛芝加哥美术馆的倒霉上班族，莫名闯入名画的世界，展开一连串不可思议的奇幻冒险。MV画面丰富，视觉冲击力极强，转场流畅有趣，可谓是创意十足，廖人帅导演称这是一次“非常疯狂的创意”，疯狂不仅体现在极度实验性的拍摄现场，也贯穿了整个高难度的后期制作过程。如何将两幅不同画风的名画无缝衔接，廖人帅为此研究了非常多的西方美术史资料，“开始也想过非常多不同的名画组合而成的剧本，但最后我们还是尽量选择大众比较熟悉的名画，为了让观众产生更好的共鸣。”MV中梵高被泰森咬耳朵，用火箭筒轰跑车，……将各种看起来很荒谬的事统整成合情合理的事，需要在运镜安排和转场设置上下足功夫，导演廖人帅和监制陈奕仁在串场的设想上做了各种尝试，从而保证了故事的连续性。当然MV的成功也离不开后期CG动画的加持，“从头到尾都是挑战，真的是没有人做过，不管是在创意上还是技术上”MV的视觉特效总监如是说。「Dust My Shoulders Off」制作花絮从花絮中能看出，张靓颖为了拍这个MV也是遭了不少罪！拍摄前期的造型设计和化妆真的大费周章，要在张靓颖的脸上画各种油彩。廖人帅作为导演也身先士卒，亲自试画演示。由于这些名画风格不同，所以在尝试过多种转场后，才决定了每幅画之间如何切换。再好的剧本也需要伯乐赏识《Dust MyShoulders Off》的MV剧本其实早在开拍前4年就已经成形了，后来这个创意也有提给很多天王天后，但总是吃闭门羹，原因很简单，谁都想自己在MV里帅帅美美的。“但老实说我总觉得我们的娱乐圈总有太多无聊的限制，一下‘太危险’，一下巨星们没时间练、没时间拍.....其实我想说你们每支MV都已经很帅很美很酷了，到底要这样搞多久？不腻吗？当娱乐圈提供的娱乐程度不如网络素人高，反应不如他们快时，市场网红崛起，被分食了财富与注目度也无法埋怨谁了。”廖人帅很庆幸，几年之后有一位大胆的歌手为他的这份创意买了单。谈及和张靓颖的合作，廖人帅感叹道：“张靓颖是非常难得的艺术家，我不想称呼她为歌手，因为我觉得她更是一位艺术家，她有勇气与野心，不给创作者任何框架的创作空间，就算是被颜料画得面目全非也尽力配合，求得只是一个创意的完整，这是身为一个主流歌手非常难能可贵的。华语歌手总是被要求脸要清楚、要大、要美、舞蹈要好记.....创意总是被放在很后面，而这支MV最令人振奋的是，我们终于可以把创意放在第一位了！”MV凭借其独特的创意斩获多项大奖，被德国红点设计奖作为宣传首选封，“会报名参加竞赛，当然希望能拿奖， 我认为《DustMy Shoulders Off》之所以能拿下多个国际影展奖项，应该是我们流畅地串联多个名画，并且颠覆原先大家耳熟能详的名画世界观，给了全新有趣的定义。”《Dust MyShoulders Off》MV能在国际上斩获多项荣誉，也是对此次创意最大的肯定。贪心的创作者永远不会止步 创意最不值钱？廖人帅曾入围了第28届金曲奖“最佳音乐录影带奖”，最后却落榜败给张三李四的《拆》，典礼落幕后，廖人帅愤怒直言：“这里最不值钱的叫做TMD创意！” 厂长特意让廖导谈了谈他对创意价值的看法：“其实华人的创作环境，尤其是带有商业价值的创作，创意一直都被放在很后面，所以我才会把‘这里最不值钱的叫做创意’当成我抗争用的标语。其实创意才是真正最能创造出价值的，没有创意就没有能被留下的经典，没有经典就无法造就文化。” 这是廖人帅对平庸模式的有声抗争，作为贪心的创作者，他希望远离千篇一律的恶性循环，等待着创作环境的觉醒，让创意有更多的可能。他愿意尝试一切可能，对于创作，廖人帅一直保持着新鲜的好奇心与想象力。 还算安全的冒险如今廖人帅已经不局限于MV，广告拍摄也得心应手，提及创作风格，廖人帅笑称自己目前还没有特定的风格，毕竟希望自己拍什么像什么，“如果要说创作理念的话，我会认为是“还算安全的冒险”。“安全”是之于必须对客户负，“冒险”是之于必须对自己负责！” 他希望自己每次的作品都能挑战些新尝试，藉由突破学习到更多可能性。作为刚入驻新片场社区不久的创作人，廖人帅导演独树一帜的风格收获了大片的好评，好的创意总会被发现被赏识，我们期待更多的创作人用创意成就作品，用作品打动世界。（点击访问@廖人帅导演在新片场的作品主页 ）最后小小透露一下：廖人帅导演悄悄地告诉厂长，他与张靓颖再度合作的全新美国单曲MV“Body First”近期应该会发布，这次创意会是个更大胆的尝试，所以敬请期待吧！

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上周，由东野圭吾原著改编、日本人气偶像木村拓哉和长泽雅美搭档出演的电影《假面饭店》登陆了第九届北京国际电影节展映。导演铃木雅之也惊喜现身，与观众近距离交流互动。本次展映开票当天，仅仅三秒票就被一抢而空。展映当日，好评不断，观众朋友们纷纷表示“木村拓哉跟长泽雅美好有CP感”、“配乐带感”、“超出预期的好看”，更表示“希望不久的将来全中国的大银幕上都能欣赏到《假面饭店》”。厂长看过之后倍感惊喜，而且《假面饭店》在日本已经获得了不错的票房和口碑，在2019年上映的日本国内影片中，该片成为最快突破100万观影人次的影片，真是希望有机会能引进内地院线呢！为了让没有看到本片的朋友和那些同样关注这部作品的人更多地了解这部电影幕后的故事，厂长特地去采访了导演铃木雅之先生。从电视剧到电影铃木雅之在日本算是家喻户晓的导演了，从90年代起，开始执导经典日剧《世界奇妙物语》系列，以及《悠长假期》、《庶务二课》系列、《律政英雄HERO》等等耳熟能详的日本电视剧作品都出自他之手。2007年，他将《律政英雄》改编成了电影，获得了一致的好评，也算是一部他从电视剧导演到电影导演成功的转型之作，后来他又拍摄了新版的《律政英雄》以及全新的电影版。近几年开始，他开始执导更多的电影，如《少爷》、《本能寺酒店》以及这次的《假面饭店》。谈到从电视剧导演转向电影导演后感受上最大的区别，铃木导演说：“我认为最不同的是给自己的时间。在拍电视剧时会觉得时间非常紧张，一集接着一集，拍电影的话时间相对来说比较充足。总的来说拍电视剧靠的是一股冲劲儿，而拍电影是靠的一股细腻劲儿。”“日剧式的电影”拍过那么多电视剧的铃木雅之，在这部作品中不难看出他日剧式的拍摄风格，不论从剧本改编、影片结构、表现手法来说，很多观众都给予了“这是兼具电视剧与电影风格的作品”这样高度的评价。厂长也发现了一些有铃木雅之个人特点的镜头，如画面对称的构图形式，360旋转的拍摄手法，就像他之前的《律政英雄》以及其他刑侦题材影视作品一样吸人眼球。铃木雅之也谦虚地解释说：“自己的作品现在可能是有些许标签化了。我拍摄的一些作品，观众说看起来就像《律政英雄HERO》的电影版，或者就像之前的某个作品，因为拍摄这些作品时，我都是以我认为最舒服的叙事方式来拍，自然而然就呈现出了现在这个状态，虽然有可能被标签化但是目前不会刻意的去改变自己的风格。”说到拍摄，铃木雅之是一个很会”在小空间里办大事“的导演，这次的《假面饭店》也不是他第一次拍摄固定场景的影视作品了，之前的《本能寺酒店》就是一个很好的例子。这次在拍摄《假面饭店》时，铃木导演也说“从勘景看酒店，到跟酒店工作人员等协商、大厅的布景、制作一些特殊场景，最后算下来总共花了三四个月的时间”。“对于这部电影本身印象最深的场景就是木村和长泽雅美两个人在探讨来酒店的人们都带着假面，这一幕在拍摄时我的印象最深刻，也是我最喜欢的一场戏。”日本电影少见的超强阵容《假面饭店》卡司阵容可谓日本电影届史无前例的，木村拓哉与长泽雅美首次搭档出演，吸引了大批粉丝，还有松隆子、前田敦子、小日向文世等多位知名演员鼎力加盟，可谓老戏骨和小鲜肉都聚齐了！绝对神仙阵容！但你一定不知道，东野圭吾小说原作《假面饭店》从八年前推出至今，有很多人想把它影视化，但都被东野圭吾拒绝了。这次能拿下改编权还多亏了这样的神仙阵容。铃木导演透露：“它也是东野先生作品里一个比较特别的存在，因此对于这部作品的改编，东野先生是十分慎重的。我们费了相当大的功夫，进行了非常多的探讨，向他说明我们大概想要把它改编成什么样子，请哪些人来演，说到如果来找木村拓哉做男主角的话，你会不会有一定的兴趣。东野先生说心中这个角色，确实是想象着木村来写的，这就成为了重要的突破口。从这开始才得到了进一步沟通，直到最后得到改编的认可。”说到木村拓哉，可算是日本资深的“流量明星”了！不论中日韩，都聚集着大批木村的粉丝。这次《假面饭店》也是铃木导演跟木村无数次合作后的再次联手，他对木村的表演也是给予了高度的认可：“无论木村在20多岁的时候还是在现在，他都是在日本地位非常高的一位资深演员，但是木村对于每一个角色都全身心投入的态度一直没变。而且他也愿意尝试很多新的角色，去面临新的挑战，包括这一次饰演的刑警也是他的第一次尝试，所以从我自己的角度讲，每次都可以看一个新的木村。木村帅气的脸是很难让人忽视的，但是在这部电影里可以让观众的重点稍微从他的脸上移开一些，也就能看到他的演技也多了一些张弛有度，这一点可以在大家看作品的时候感受一下。”从观影体验上来看，这无疑是一次成功的改编，但它跟东野圭吾以往的作品不同，悬疑和推理的意味并没那么重，这也是本片最精心最有趣的地方之一。其实这是铃木导演跟东野圭吾沟通过后的选择的表现方式：“我们希望通过这个电影，通过里面的酒店来展现一个新的世界观，就是这个酒店会来很多人，但是大家也都不知道这些人本身有怎样的故事，通过两位酒店工作人员的演绎，来串起一个缩小版世界观。同时在这里发生的杀人事件，其实也可以理解为酒店环境中的悬疑日常化，我们把重点放在大家身边都会发生的这个世界观的构造上，尽量去弱化其他方面的悬疑因素”。厂长也希望《假面饭店》能早日在国内的大荧幕上与大家相见，让你体验一部特殊的东野圭吾小说的改编电影，在悬疑之外，对周围的世界产生全新的思考和认知。-END-

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前几天由复联4掀起的霸屏运动正在如火如荼地进行着。虽然它占领了接近90%的院线场次，这两天上映的内地影片可谓是夹缝中生存，但这夹缝中却顽强地生长出了一棵生命力强盛的小草，它就是在今天公映的《撞死了一只羊》。《撞死了一只羊》在定档之时，复联4的定档消息还未发布。在听说跟《复联4》撞档后，《撞死了一只羊》片方一度考虑过要不要改档，监制王家卫坚持觉得，电影院也不能只放《复联4》啊，不改了！厂长一度想起当年跟《美队3》撞档的《百鸟朝凤》，当时《百鸟朝凤》出品人方励为求周末增加影院排片，心酸下跪。难道这次的《一只羊》又要重演此幕吗？王家卫已经先发出了力挺本片的誓言：这样有力度的一席话，也无疑打动了很多观众和影院。然而这到底是一部怎样的电影，敢坚挺于此，竭尽全力用0.1%的空间搏出中国艺术电影99.9%的未来？在影片上映前的一个周二，厂长来到了导演万玛才旦在北京暂时的住所，来了一次关于《撞死了一只羊》的采访。万玛才旦向新片场粉丝问好万玛才旦是谁？这是一部怎样的电影？国内的少数民族电影经历了从上世纪的国家化叙事向个人化叙事的转型，而这种“转型”，普遍被认为是由2005年的《静静的嘛呢石》带来的。也正因此，万玛才旦被世人冠以“藏族题材电影第一人”的美誉。在去年的第75届威尼斯电影节上，万玛才旦带着他的藏语艺术电影新作《撞死了一只羊》，斩获地平线单元的最佳剧本奖。在金马影展上，这部电影分别获得了最佳导演和最佳改编剧本两项大奖提名，在今年的亚洲电影大奖上，它又以最佳导演、最佳摄影、最佳原创音乐等多项提名成为获奖热门选手。除此之外，电影还拥有金像、金马获奖团队的配置：监制王家卫（代表作《东邪西毒》《重庆森林》《一代宗师》）摄影指导吕松野（第52届台湾金马奖最佳摄影奖提名，代表作《塔洛》）音乐林强（五届金马奖最佳原创音乐获得者，代表作《刺客聂隐娘》《天注定》）声音指导杜笃之（九届金马奖最佳录音、最佳音效获得者）剪辑指导张叔平（凭借《重庆森林》《一代宗师》获香港金像奖最佳剪辑，王家卫御用剪辑和美术指导）▲从左到右顺序分别为张叔平、林强、吕松野、王家卫、杜笃之绝对360度无死角的大师班底！《撞死了一只羊》幕后特辑两部小说的珠联璧合在成为导演前，万玛才旦是以小说家的身份为人所知。他从上世纪90年代开始就发表文学作品，然而大部分题材都是藏族生活。《撞死了一只羊》就改编自次仁罗布的小说《杀手》以及万玛才旦的同名小说。在导演的豆瓣上是这样介绍这部影片的缘起的而这部影片在构思之初，甚至早于威尼斯电影节地平线单元奖最佳影片提名的《塔洛》。将两部小说糅在一起，让这个故事发生了奇妙的化学反应。都是发生在公路上的故事，背景和文化上又很接近，佛教里救赎和施舍的善念贯穿全片。于是，一个撞死了一只羊的司机，和一个想要复仇的杀手，在这部电影里神奇地相遇了。“相遇的这场戏份，全剧组都在等风，但是天气是说不准的。”如果你看过影片会发现两位主角相遇的场面风沙滚滚，尘土满面，增加了影片的不确定性和悬疑感。“我把自己的小说放在了前半部分，次仁罗布的小说放在后边，用两位主角进行串联，同时也让两个人冥冥之中产生联系。” 这点厂长觉得十分有趣，因为在观看影片时故事十分流畅，完全没有两部小说中的故事依次登场的感觉。床戏必不可少！电影中有一场床戏，就是司机金巴背着半扇羊肉去会情人那场。导演自己的幕后手记中说：平常拍夜戏时一般无关人员都不会来，但是那天晚上似乎全剧组的人都到了。我看到大家互相打招呼时的表情都很暧昧，神秘一笑似乎彼此就心领神会了。我笑着跟旁边的摄影或者副导演说：今晚的气氛还挺诡异的。摄影师或者副导演回答我说：万玛才旦要拍床戏了，大家当然好奇啊！导演跟厂长透露，这段床戏其实在两本小说里都没有的。“加了这样一场戏，人物有了一个转折点，让主角金巴意识到了他和杀手命运的关联性。这样的转变需要一个具体的设置，那就是他的心思不在床事上。但电影本身是凝聚的艺术时间不会很长，这场戏又很重要。所以需要一些其他辅助的场景来强化，比如他们暧昧的关系，情人是怎么出场的等等。” 这些都是为了通过床戏体现金巴内心的转变。两种康巴汉子片中两个主角的相遇也非常具有戏剧性，且非常具有表现力，表面外形上完全不同，却有着相同的信仰内核。在选角的时候，万玛导演的三字真经就是——“凭感觉”。《撞死了一只羊》中的司机金巴同样出演过万玛才旦的上一部影片《塔洛》，并凭借此片获得金马奖最佳新人奖的提名。“但杀手的演员我们就找了很多，从气质上要跟司机有明显的差别，比较颓废，眼神上也比较忧郁，甚至眼球上有血丝。最后决定了演员更登彭措，两个主角各自穿上行头，放在一起，拍定妆照和视频时你会发现，两人呈现的反差十分明显，那个感觉就是我想要的。”然而观众看到的是影像，光凭演员自身外形和气质的差别还不够，所以要想一些办法完成视觉上的夸张和对比，“杀手是一个典型的康巴汉子，穿戴很旧但符合传统，这跟他的执念更相关，他要遵循传统的力量，用传统的方式在路上行走多年，只为完成最后的复仇。但这个杀手很柔弱，辛劳的奔波无法让他是很健康的，所以我们要故意让他咳嗽几声，有一种生病的感觉。”“相反，司机金巴虽然也是一个康巴汉子，但作为一个运输司机，他跟外界有很多接触，这从他的服装、抽的烟、听的歌曲就能看出来。他也会保持着一些康巴人传统的特征，比如他的饰物、手上的戒指。”“说是司机与杀手，但两位主角在片中的名字都叫“金巴”，金巴在藏语中的意思就是施舍。”4:3+黑白+胶片质感本片最让厂长印象深刻的就是影片选择的画幅比例，以及画面呈现出粗粝的胶片质感。这一尝试，也是万玛才旦的第一次。他也解释了做这个决定的理由：“这跟我们想呈现给观众的年代感有关系，但对年代做了一个模糊化的处理。4：3的画幅以及胶片质感就想体现这个故事不是发生在当下的，但具体哪个年代也不会明确表现，只通过司机听的卡带、喝的啤酒瓶子等元素来带给观众一点年代的距离感。”“这部片子其实是比较荒诞的，我们就要找到一种贴切的视觉表现方式。4:3的画幅是为了强调他们内在的人物关系。同时影片也没有一个明确的时代背景，这样的设置能让观众产生一定的时空距离，以及年代感。” 视觉和色彩是三个时空的载体不仅4：3的画幅是亮点，本片还运用了大量的黑白镜头、还有看起来如梦似幻的变形镜头。据万玛导演跟厂长透露，视觉形式的变换也是为了更清晰地呈现片中的“三个时空”。分别是“现实的时空、回忆的时空、梦境的时空”。这种时空的变化就蕴含在画面的色彩和镜头的表现形式中。酒馆的戏份也作为“时空转换点”显得格外重要，室内场景温暖的色调和两位金巴望向窗外大雪纷飞的黑白画面形成了鲜明的对比，同时也构成了两个人物内心的连接。两个“金巴”最有趣的地方不过于杀手呈现出来的柔弱，而司机外形的强壮。万玛导演自己对这样的设定也给出了解释：“他们两个金巴可能互为一体，因为一个人会具有两面性，杀手表面柔弱，可是复仇的执念异常坚定，司机金巴他看起来强壮粗野，但撞死羊之后想要超度这只羊又体现了他的慈悲心。”可这种由外到内的对比，最后在两个人身上好像发生了一种互换。最终有慈悲心的司机，在梦里完成了这次暴力的复仇。而万玛才旦说，这不是“一次看似暴力的复仇，而是一种大的慈悲”。“杀手虽然最终选择了放下，但他的内心是煎熬的。杀手要复仇的那位老人的内心也是很难放下自己的罪恶感的，所以他才会每天去转经。而司机最终替杀手完成了这样的复仇，其实是对他们最大的解脱。”最后的最后，金巴梦醒，再次开上货车驶向远方，他摘下从未摘掉的墨镜，眼前的一切仿佛都更明亮、更清晰了……《撞死了一只羊》终极预告厂长已经许久未见这样能给内心带来净化的电影了。去观影的你，在这种亦真亦幻，现实、回忆和梦境的交错中，既体验了一次脑力运动，又接受了一次心灵的洗礼。关于影片奥义的答案，今天厂长只是听到了万玛导演自己的版本，但他也完全接受“87分钟的电影看出87种解读”，“这本身就是一个充满多义性的故事。就像小说一样，多义性正是它的魅力所在。” 这样的感动大概也是艺术电影最迷人之处吧。说了这么多，你可能要说厂长是不是有点吹过头了，我只是真心不希望这样一个在当今中国电影市场中如此特立独行的存在，被普世的流行电影文化淹没。多年后的我们，或许也能回忆起当年有这样一部藏语电影，在可可西里的沙漠狂风中独行，却与我们的心灵碰撞出了一片广阔深厚的精神世界。这才是《撞死了一只羊》带给我们当下中国电影最大的财富。-END-

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4月20日，上映了一部让厂长特别想跟大家谈谈心的电影——「狗眼看人心」。《狗眼看人心》海报俗语常说，“狗眼看人低”，但是这“狗眼”实际形容的是“人眼” ，还有众多关于带“狗”字的话都是用来骂人的。可为什么大家偏偏喜欢用狗来影射人呢？相信看了这部电影你就会明白。《狗眼看人心》终极预告片是狗咬狗还是人吃人？这是个问题影片一上来就给大家展现了两条狗。一条“好狗”，一条“坏狗”。好狗是主人公余峰（黄磊 饰）家的讨人喜欢的萌宠妮蔻，坏狗是突然跑出来咬人的邻家藏獒。开篇从轻松快乐的家庭氛围，迅速转入了小狗妮蔻和比它体型大数倍、又凶猛如虎的藏獒搏斗的场面可谓惊心动魄。最终战局以小妮蔻为保护主人被咬成重伤而结束，小妮蔻对于余峰一家来说更像是家人，在奄奄一息之际，一家人护送它到宠物医院急救的过程，无疑是一颗强有力的催泪弹，迅速就唤起了众多宠主和爱狗人士的共情。看到这，厂长还以为这是一个讲述宠物和人的温情故事。没想到，接下来剧情的翻转，让这个狗咬狗的事件发酵成了人与人的斗争。这也是本片导演兼编剧吴楠的智慧之处。为了讨回公道，余峰一家试图找到狗的主人——住在隔壁大院有权有势的路老太太。路家为此事表现出的不诚恳和百般刁难，让余峰决定不再忍气吞声，发誓要为小狗讨回公道。一家人开始想尽各种办法为狗“复仇”，但后来路家派出的各种各样的“发言人”纷纷出现，却让原本仅仅是“狗咬狗”的矛盾升级为了可怕的“人吃人”的社会丛林博弈战。狗生不易，人生也不易，小狗愿意用生命守护我们，然而谁能来为我们争取生命的尊严？从编剧到导演的蜕变这是厂长近几年来看到的国内“最敢说”的电影。这个故事是一场公平与公正、文明与野蛮、理想与现实的斗争！黄磊饰演的余峰是一名编剧，在一种戏中戏的自嘲中让这个故事顺理成章地从现实转向了荒诞，戏中戏剧本里的“书生”其实就是余峰自己，他代表的是一群知识分子，公平与理想是他心中的执念，他在向这社会发出质疑的声音……人物塑造丰满、情绪饱满、观点深刻是本片最大的亮点，这要归功于同时作为编剧的吴楠导演多年的剧作经验。大家对这个吴楠这个名字可能有些陌生，但提到《哪吒传奇》和《摩登家庭》相信有一部分不想暴露年龄的观众就会倍感亲切了，这两部作品都是吴楠作为北京电影学院导演系研究生在读期间创作的。后来又有了《满城尽带黄金甲》和《疯狂的外星人》等等，都是她的编剧作品，而《狗眼看人心》是她的导演处女作。导演系科班出身的吴楠为什么要走上编剧之路？她是这样说的：“每一个导演都不是天生毕了业就能做导演的，要有一个阶梯式的上升过程，我个人理解，每个电影的敲门砖都是剧本。最开始选择去中戏教书、写剧本也是一份能养活自己的工作。”纵观吴楠的编剧作品，我们不难看出她对于很多类型的影视剧都有尝试，从家庭、动画到古装、喜剧和科幻，这样多题材的涉及被吴楠视为一种日常挑战：“《黄金甲》是我第一个电影编剧作品，我本人的意愿是作为一个职业编剧的话需要多接触类型，多掌握类型，而且编剧这件事情，不是上上课看看书就能学到的，这是一门手艺。更多的需要你亲手实践，当你去写一个长篇电视剧的时候，自然而然就会写人物了，就会搭建框架组织内容了，也就能更了解类型片元素去如何塑造了。”从职业编剧到导演的蜕变，离不开吴楠对自己的审视。“做职业编剧有个舒适区，它有上升空间，生活得也不错，身份认同上就会成为一个编剧。但毕竟是导演出身，当时问自己做导演的梦想有没有消失，还是想去拍摄一部自己的作品。”于是就有了今天的《狗眼看人心》。23名狗狗演员均出自“狼王”门下大家观看本片时，最过瘾的应该就是开头妮蔻与藏獒搏斗，以及余峰闯入路家大院去群狗“斗智斗勇”的场景，前者高潮迭起、险象环生看了让人揪心，后者惊心动魄、乐趣无穷。这些狗狗出场的戏也是《狗眼看人心》中最大的亮点。作为一个宠物主题电影，导演吴楠为此请来了参加过《狼图腾》《荒野猎人》和《权游》制作的知名国际顶级驯兽师安德鲁·辛普森（Andrew Simpson）及其团队倾力加盟，而且片中共出现的23名狗狗演员均出自“狼王”安德鲁门下。看过电影的观众都记住了满身是血、乖乖趴在手术台上一动不动的小妮蔻，将受伤后奄奄一息模样表现得淋漓尽致。回忆这场戏的拍摄过程，安德鲁·辛普森则透露：“有时候是四架摄影机同时对着它，6到7个人围着它，那个时候动物是很有压力的。”上映前片方曝出的一支“妮蔻片场日记”的特辑，也让众多观众惊呼“这只小狗太上镜了！绝对是狗届中的奥斯卡得主！”。从这个花絮里我们就可以看出驯兽师们跟狗狗们的感情就像家人一样，所以众多网友称这部电影是“爱狗人士必看之作”。这部戏的主角是我们每一个人说回余峰的故事，他在电影中要写的剧本是一个普通书生被迫成为英雄的故事。他将自己放置在剧本中，同时把剧本放置在了现实社会中。影片中的余峰，为了替爱犬争口气，跟“大人物”死磕到底，但受到重重阻挠，最开始是流氓小田的粗暴，然后是柴女士（汤唯 饰）所谓的“文明”法则，直到最后家里人的安全受到威胁，平静安稳的家庭从此陷入旋涡，内部矛盾和家里各个角色自带的处世之道就显露了出来。老丈人所代表的忍气吞声派，尽量想保护家庭的安全而将大事化小小事化了；妻子亮亮（闫妮 饰）在此时也松了口表了态：“我想过好自己的小日子”，代表知识分子提出质疑的余峰会以他的价值观思考的更多，“你的小日子真过得好吗？你幸福吗？”，这也是个向所有观众提出的问题，将我们带入了思考。这些人所折射出的社会形态和众生相，其实有我们每个人的影子。这个时候不免横空抛出了一个问题：如果这件事换做你，你要怎么做？吴楠说了一句让厂长特别赞同的话：“这个社会可能有诸多不平等，但烦恼面前人人平等。我们不论身处哪个阶级哪个层面，都有各自烦恼的事情。这件小事只是一个象征，它影射出的是当今中国人的生活困境。”换做普通人我们可能不愿意往深了想，你会发现这件事暴力解决不了，文明也解决不了，这就是我们这个时代的特殊性。“我们常说世道人心，主人公这个家庭其实就是当今世道的镜子，你会发现这样的小事你能承担，但如果事再大一点呢？再大一点呢？” 换成知识分子，他会刨根问底，他会非要想出一个解决办法不可，“当有人会为这种事纠结，质疑，这是社会进步的第一步”。《狗眼看人心》上映首日票房数据最终，妮蔻这个角色更像是人心的净化。它是善良的、付出的一方，一家人把它视为家人，给予这个小生命完全的珍重，这其实就是妮蔻最好的结果。然而，人生的路远比狗生长很多很多，我们不断在寻求一种和这个世界相处的平衡点。如果你期待一部不同寻常的宠物电影，那厂长相信这部片一定是你的菜！或许它能给你带来一些全新的思考。

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众所周知，今年华语电影最大热门话题就是王小帅导演的《地久天长》凭借王景春、咏梅两位的精彩表演，包揽了第69届柏林电影节影帝影后2个银熊奖，同时受到了国际媒体和社会各界的赞誉。柏林获奖后不久，《地久天长》就趁着这股热潮，定档在了三月，终于在今天跟国内的观众朋友们见面了！《地久天长》获得最佳男女演员奖 (左起咏梅、王小帅、王景春)为此厂长造访了王小帅在北京的工作室。最先映入眼帘就是王小帅的书架，书架上不仅有各种世界名著和文学佳作，还陈列着王小帅的”电影历程“。厂长看到了他在各大电影节上的获奖照片，还有他各个作品拍摄时用过的场记板，《闯入者》、《日照重庆》、《地久天长》都在其中。为了给大家带来更多关于《地久天长》幕后的故事，厂长跟王小帅导演和制片人刘璇进行了几小时的畅谈。《地久天长》导演王小帅向新片场观众问好附王小帅专访+导演特辑华语片的荣耀，中国故事击穿全球泪点 《地久天长》讲述了患难与共的两个家庭因为一场有隐情的意外被迫疏远，他们在长达30年的时代洪流下历尽伤痛与不安，人生起伏跌宕，最终选择面对真相，滚滚向前的故事。年轻的刘耀军（王景春 饰）和沈英明（徐程 饰）两家人本是挚友，两家儿子沈浩和刘星在郊外嬉戏中，耀军的儿子刘星意外身亡，此事彻底改变了两家人的命运。刘家夫妇远赴南方。多年后，容颜已老的他们再次相聚，隐藏的真相终将因为年轻一代人的坦荡而揭开。柏林电影节展映现场影片在柏林的千人放映大厅展映，3个小时，无人离席。据说还出现了“集体哭晕”的场面，连外媒的影评人、观众都为电影所呈现出的情感流下了泪水。国外各大媒体给予了超高的评价：王小帅导演没有用音乐来烘托这些重要的时刻，而是用演员的表演向我们传递沉静的力量。一种恒久的哀伤一直弥漫在影片情绪中，这是导演最有野心的一部作品，带着质朴感将叙事与表演都保持在悠缓的节奏上，随着影片后段逐渐填补前期的叙事空白时，整体展现出强大的情感张力。不得不说的是，《地久天长》作为柏林电影节的压轴，几乎就是本届电影节最为激动人心最重要的作品。几乎凭一己之力，拔高了本届柏林的整体水平，这在历史上是非常罕见的。国内在柏林现场观看过电影的观众都在豆瓣上打出了4星或5星的好评，还有“哭到中途离场”的！时隔十年再次获得柏林奖在谈到这次获得柏林奖的时候，厂长采访了电影制片人刘璇，同时也是王小帅的夫人，她表示获得柏林电影奖，是“意料之内的惊喜”，因为这双银熊奖真的几乎毫无悬念，大赛评委之一的桑德拉·惠勒强调：“银幕上几乎没有另外一对夫妻，可以有如王景春与咏梅演绎得如此自然”！ 刘璇也一再坚持推荐大家去电影院观看《地久天长》，“这部电影展现了中国电影很高的艺术水准，这样的艺术一定要在大荧幕上体验一下！”《地久天长》剧照导演王小帅也算是华语电影界参加柏林电影节的先驱了，他十分感慨，“上次来柏林参展，还是十年前的《左右》，十年了，柏林电影节这套参展流程和评选机制都没变，甚至评委会会长办公室的小屋、围墙的颜色、沙发的摆设都没变，我们的作品能在三大电影节上受到最高规格的礼遇，那是一种仪式感，电影艺术需要这样被尊重！”中国传统故事背景，国际化的制作团队获得如此高的奖项和评价，并非一日之功，那是王小帅导演和全体制作团队历时4年的筹备和拍摄所获得的成果。因为对于这样有特殊历史背景和社会环境的电影，最靠谱的选择是找一支国内强大的团队来完成影片的拍摄和制作，因为需要每一个成员能理解故事的发生背景，理解台词所表达的情感。但是王小帅做了一次大胆的尝试。他也第一次打破了之前固定的制作班底，找到了韩国摄影师金铉锡。“摄影和美术不一样，美术是肯定要自己长期合作的班子，要对中国年代的变迁有很细致的了解，但摄影师就是在你搭好景布好光之后，他用镜头和光线说话。”“所以当时我的设想是比较灿烂的，人的一生虽然跌宕起伏，但还是要生活在阳光里。我想起了李沧东的电影《诗》，就找到了金铉锡。”《诗》剧照和金铉锡的首次合作近乎完美，大家在《地久天长》看到那些毫无违和感的长镜头、精致细腻的构图都出自这个70后韩国摄影师的镜头。小帅导演十分感动：“我们确定了这次合作之后，他很早就回中国来复景了。然后我们就交流每一场戏的构想，他每次带来现场的设备很多、很全面，都是为了拍各种镜头的运动。他们团队认真的态度让我非常感动。”《地久天长》横版海报刘璇说制片最大的难点在于演员的年龄段跨度在30年，“所以有从年轻变老的过程，演员是需要戴老妆的，而且很多面部的细节需要特效去完成。这个问题我们也找到了国外非常有经验的马修·史密斯的特效化妆团队”，《朗读者》《杀死伊芙》《黑镜》等知名影视作品的特效化妆都是他。如此看来《地久天长》能在电影节上打动来自全球观众也并不奇怪了，因为他首先得到了这些国际专业团队的认可。这要归功于王小帅和刘璇的果敢大胆，更离不开中国团队与海外团队的无间合作！王小帅的成功是命中注定 非线性叙事的结构几经波折现在大家看到的《地久天长》起始经过无数次的剧本修改，和叙事结构的推敲改动。刘璇告诉厂长，“最初两个孩子的设定是一男一女，有点青梅竹马的意思，但后来慢慢加入更多的元素，就超出原先剧情设定的范围了”，于是编剧阿美贡献了地久天长的第一稿，“她自己写的时候就很感动，边写边哭，连说这个故事太好了！” 后来剧本又陆陆续续经过了五六次的修改。后来王小帅还是觉得故事的内容体量太大，不得不进行删改，“最开始阿美的版本是线性叙事结构，两家人各自的故事都会有，命运像洪流一样推着两家人向前走，但问题是文字可以洋洋洒洒地写出来，把它转化成影像就是另一回事了，我当时很头疼，如果这样拍下来时长是不可控的，这几十年的跨度到底如何表示”。《地久天长》剧照：两家人年轻时的合影正是对线性叙事执着的怀疑，让王小帅突然灵感迸发，“那我就把这几个人物命运上主要的时间点都卡出来，这样搭景的时候也很明确，就把剧本结构重新打翻。” 最终经过了两次完全的结构调整才有了现在《地久天长》的故事架构。在剪辑上也选择了时间线交叉跳跃的方式，干净利落的呈现除了主角的经历和情感，让观众看完也像经历了三十年的人生旅程。《地久天长》剧照场景搭建是个大工程片中两家人生活的筒子楼，是在包头找到的旧楼房，最初王小帅对场景搭建颇具野心，“我们打算做一个包头市过去的复制，先到实景留下的那些老房子格局都看好，进行量取等等工作，再找一个空地按照我们的样本重建一个小城。这样以后再拍这种八九十年代有小城氛围的戏就可以直接进去拍了，也能造福当地旅游业。”但最终由于资金和时间的原因没能实现，实属惋惜。在拍摄过程中还发生了令团队陷入尴尬的趣事：“当时来了一个消息，包头市要庆祝内蒙古自治区成立70周年，我们本来选好的外景街道和楼房要进行全部粉刷，但是我们要的那些老墙就消失了，当时痛心疾首。……后来我们跑断腿在包头市边缘找到了一个极其相像的老楼。” 老年的刘耀军夫妇回到原住宅片中有个场景是夫妇俩时隔多年再次回到他们原来居住的地方，为了体现年代的变化，”原来院子里的树苗都要重新种植，杂草也都要拔掉，因为进入新世纪了，全国都在搞绿化嘛。“如此细致周全的考虑也让影片几乎百分百还原了年代感十足的场景。从三线三部曲到家园三部曲 王小帅在柏林电影节上就从未失手过，2001年《十七岁的单车》获评审团大奖，2008年《左右》拿下最佳编剧奖，再到如今《地久天长》包揽影帝影后。别看《地久天长》是跟诸多国外团队合作的”大制作“，但其实在王小帅刚刚拍电影的时候，却寒酸不堪。刘璇谈起了王小帅的过去，那个时候拍电影的艰苦岁月厂长听了都难以置信：”当时《冬春的日子》是他自己借钱拍的，到了《青红》这个状态还是没有改变。他创作力是很旺盛的，但经常单打独斗，自己一定要亲手操持很多事宜，当时《青红》的投资方突然出现问题，然后他拍戏的时候只要一停下，就开始打电话借钱。“电影《青红》的海报”三线三部曲“就是在这样的极端条件下拍摄完成的，”’三线‘是小帅非常有代表性的，对他个人来说是非常有意义的，拍《我11》的时候，小帅的父亲刚刚去世，他父亲就是受’三线建设‘的影响极大，留上戏任教8年，最后突然之间什么都没了，所以小帅从小对那个年代给民生带来的影响就很敏感。当最后《闯入者》拍完，给’三线‘做了一个完整的收尾，故事的层次丰富了，世界复杂性也呈现出来了。“《我11》电影海报《地久天长》是王小帅至今完成度最高的作品，也是“家园三部曲”的首部。从两代人的和解与坦诚到社会变迁、历史画卷、文化符号、苦难白描一应俱全，近三小时的片长串起了中国近三十年的时代变迁与中国人漫长又短暂的一生。少年王小帅一家 (左起母亲邓美慈、妹妹王冠子、父亲王家驹、王小帅)所以从某种意义上说，王小帅的成功是命中注定的。他的电影就是他自己的生活，他电影中的故事就是他自己的故事，这一切的灵感来源成就了今天的王小帅。地久天长，也是人生之无常导戏：“还能哭出来么？”众所周知《地久天长》讲述了一个很感人的故事，所以演员在表演时的情绪爆发是带动剧情发展的关键。事实证明王景春和咏梅也做到了，在荣耀背后，是角色活进了演员生命，是演员赋予了角色血肉。《地久天长》剧照有趣的是，其实在导戏的时候，王小帅并不希望演员们哭的太惨，“我跟演员说，你们千万别哭，因为正常情况下没有刚一见面就抱头痛哭的。但是他们几个演员也有自己的人生阅历，在演的时候他们的共情点就被触动了，勾起了很多人生曲折的回忆。所以当时拍完我就让演员找个角落恸哭一阵，再回来拍。再后来有的一场戏又需要演员哭了，我问徐程还能哭出来么，他说没问题。”王景春、咏梅获得柏林银熊奖微小的个体与宏大的时代对于王景春、咏梅两位所诠释的角色，其实就是中国时代背景下的代表。“隐忍”与“克制”，是王小帅最喜欢的中国人的特质，用他的话说，“这部电影是拍给中国人看的，都是中国式的家庭，也是中国人的情感”。 王景春饰演的刘耀军从年轻时的血气方刚，到后来向命运妥协，选择隐忍。他妻子是个典型的中国女人，“她活下去一切的动力，都是为了对方，为了活本身，剩下的事情就是按部就班地慢慢变老”。与往作相比，《地久天长》时间跨度更长，叙事背景也更宏大。但同时也将微小个体在时代推动下的被动感刻画得细致入微，以丰满的细节反哺宏大的背景。即使一个个体的生活，也一定离不开大的社会变局。王小帅想做到的其实就是“还原生活的本真”，虽然做不到100%还原当年，但我们都能通过电影体会到人生之无常的况味，”四季、三餐、两人、一生“。《地久天长》四季三餐预告片“漫长的人生，每个人都想求一生平安，但可能有的事会让你不得不颠沛流离，不能绘制出自己完美的生活蓝图，但即使如此，也希望友谊地久天长，生生不息…”《地久天长》在今天已经登陆国内院线了！相信厂长，走进影院的这3个小时，将会是沉浸其中的三小时。《地久天长》终极预告片

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