点击蓝色字关注我们！《一出好戏》，黄渤充满野心的处女作，好评连连，却也不乏批评的声音。叫好者，直呼过瘾，两小时的物竞天择，野蛮人、小信者、阴谋家、大老板、侠义者、美娇娘、势利眼、墙头草、书呆子，皆是适者，皆能生存，一部浓缩的文明起源野史里面瞥见了当下社会现状种种。唱衰者，则不满剧情的漏洞，更加不满人物塑造的空洞。谢飞导演在看完本片后，写下一句短评：一部荒诞奇特的寓言讽刺剧，认真、努力，作为演员黄渤的导演处女作值得肯定。除了导演想表达的意念过多外，剧作的弱点在于对主要人物（特别是黄自己扮演的主角）的设定及刻画单薄了些。要知道只有丰满、结实、有内容的人物形象，才是叙事艺术作品成功的核心。厂工在该片上映当日即前往影院观看，诚实地说，厂工在观影中感受到了黄渤此前并未袒露的一面，也因此心生好感，或者毋宁说这好感来自于戏剧作为一种以肉身进行思想的艺术形式的本性。是的，这部电影更像是以屋久岛为剧场的大型舞台剧，思想是它所要的，而电影是它遗忘的。此外，本片精彩的美术设计使厂工产生了兴趣。于是厂工联系到了本片的美术指导林木，了解关于《一出好戏》背后的故事。林木曾参与多部著名影片的美术工作，除了《一出好戏》之外，还有管虎导演的《杀生》、徐静蕾导演的《杜拉拉升职记》、陆川导演的《九层妖塔》、杨庆导演的《火锅英雄》、吴有音导演的《南极之恋》，以及前不久刚刚拍完的管虎导演的《八佰》。 《杀生》一片则荣获第49届金马奖最佳美术设计。图为林木凭《杀生》获最佳美术设计奖在访谈过程中，慷慨的林木指导与厂工分享了大量“机密文件”。在获得同意的情况下，厂工在此与大家分享这些原先只在内部流通的人物造型方案。《一出好戏》人物造型群像马进的人物造型设计小王的人物造型设计姗姗的人物造型设计老板的人物造型设计1.《一出好戏》美术工作的最特别之处什么？特别之处在于它是一个比较极端环境里的故事，需要找到一个有岛屿地貌特征的地方做为外景地，同时又有一些真实环境无法满足拍摄的场景需要在棚内搭建，并且要和真实环境充分衔接，这很有难度又充满趣味。2. 本片美术工作遇到的最大困难是什么？如何解决的？困难和意外有很多，比如选中的实景有很多非常符合剧本的需求，但是操作难度非常大，出境拍摄带来的人员限制、制作条件的限制、海岛天气难以预估的变化等等。其中天气是最令人忐忑的因素，记得马进和小兴栖息的救生艇那场景，位于一个很宽的乱石滩的河道上，平时干涸的河道没有水，大面积的石滩形成了很酷的视觉效果，我们花了很大的工程把沉重的救生艇陈设在河道中央的大树边，假定它是被海啸卷到这里被树干卡住了，然而开拍前几天连下暴雨，山中河道水量向下游暴涨，差一点就把我们陈设的景冲走，幸亏道具组事先做了生根加固，不然不仅是耽误周期，而且从国内运到日本的救生艇型号是没有备份的。在美术制作方面最大的难度还是国内置景效果和国外实景的衔接匹配问题，为此我们前期做了很多功课，在外景拍摄之前就预先作出方案，拆分出不同的搭建场景分工制作，美术组一多半的人员并没有机会出国了解现场，我们就预先进行实地的勘测扫描，复原出模型数据两地同步搭建，再根据现场状况随时进行调整。总之，这是个需要各个部门一起协调配合的复杂工程。 3. 实拍和棚拍的比例是多少？海洋的场面是如何做到如此真实？实拍和棚拍基本是各占一半吧，展现荒岛自然风景和大部分外光环境都在日本屋久岛实拍，进入到山洞，大船的场景以及有CG特效的海难部分则都在国内置景完成。海啸的段落是在绿幕棚搭建一个遥控的液压平台，置景道具部门完整复制出大黄鸭的车体和内饰，把它固定在遥控平台上，模拟车体在海中的颠簸起伏，两侧配合高压水雾装置喷射出浪花的效果，给车内的演员营造出一个真实的环境和动态体验，就能很自然的表演出重心偏移晃动的效果。 4.《一出好戏》中自己最满意的美术设计是什么？人物造型上有哪些巧思？这部戏的造型设计和美术设定都是在寻找生活的真实和寓言的荒诞感之间的变化，故事的前半部分基本是比较写实的，根据不同人物的不同身份定位自然的展现一个公司员工的群像，因为没有足够的笔墨去交代每个人物的身份前史，为了强化故事需要的阶层感，我们给个别的角色增加了一些符号感，比如拿腔作势的公司高管、墙头草的主任、性感的前台、刮躁俗气的保洁、仗势欺人的保安等等。随着情节推进人物处境的转变，松散个体逐渐划分了阵营，不同阵营的群像就开始有了不同特征，这和他们的生存环境与物质条件息息相关。再随着时间的推移，到了共同生产的和谐阶段，人物最初登岛的衣服已经损耗殆尽，我想让原有的群像展现出某种统一制式化的趋势，再借这种统一制式化来传达出群体的虚假和病态，于是就利用沉船上残留资源的设定，采用统一的条纹布匹把大家的造型串联起来，制造像医院病号服一样的统一调性，也暗示出这是一个荒诞病态的群体。 5.可以详细讲讲那个倒置的轮船的内景设计吗？我印象中这次场景设定过程中最难的一个瓶颈，是怎样去体现剧本中于和伟饰演的老板分裂出去后的第二阵营。这群人登岛以后因矛盾冲突产生立场的变化，分裂出去的人如何生存，靠什么建立的自信和优越感？这在概念初期就一直是困扰我们的难题，我和导演试想过各种不同的原始生存形态：分别占据不同的山洞里，或者有淡水资源的小溪边，居高临下的山顶灌木草地，甚至想过搭建原始森林中的树屋，但是要么太常规缺乏新意，要么场景条件受限或执行难度太高，一直没有好的方案。直到有一天我突发奇想，海边如果有一艘被海啸冲到岸上倾覆过来的大船残骸，那么就有意思了，倒置沉船既有视觉奇观感，又解决了一些物质资源的合理性，同时暗示出人物关系的反转变化，成为情节推进一个支撑点，我想到这个一下豁然开朗了，当时特别高兴，第一时间就找黄渤导演开会讨论，结果一拍即合顺利通过了这个方案，这算是前期美术构思的一个转折点吧。从这一点发散出的细节变得更加有趣：倒置的轮船成为一个颠倒的世界，所有人们日常的视觉观感反过来了，因为轮船上固定陈设多数都是生根的，就呈现出桌椅在头顶天花板在脚下的场景，床是倒着的，顶灯都在地面上，文字图样都是反的，我们为了解决上楼梯的问题专门查阅和构思了如何利用船舱的镂空楼梯井口的设计，让很多纠结的问题都迎刃而解了。 6. 参与本片最大的感受和收获是什么？首先最大的感触是很佩服黄渤导演做电影的态度，做为处女作并没有去追求相对保险的商业喜剧类型，而是勇于探索更有深意的内涵尝试不同的表达方式。另外，我也感受到这种现实魔幻感的题材的执行难度比想象的更高，它不像历史魔幻片或者神话故事那样单纯，只要有了好的想法在影棚里天马行空的搭建就好了。而现实题材和社会生活联系紧密，执行过程中会遇到更多的制约和困难，视觉效果上对真实的还原度要求也更高。这样的制作也让我从中收获了很多经验和乐趣，也特别感谢团队每一个伙伴的付出。还有就是因这次拍摄去了很多国内外的海岛哈！尤其是淳朴美丽的屋久岛。-end-长按关注新片场

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7月24日，暑期档喜剧《西虹市首富》在北京万达影城CBD店点映，所有场次座无虚席，观众们在笑点里"爆炸"，连同在现场的徐峥也说，"我的笑点挺高的了，但在看片时一直没停下来"。令人意想不到的是，这样一部爆笑暑期喜剧最后的升华片段也非常动人，让观者落泪，不出意外，又会是今夏爆款。看完电影、笑过哭过之后，我们也专门联系到了《西虹市首富》的导演闫非，聊聊创作背后的故事。 1经典概念结合纯粹血统2015年，喜剧《夏洛特烦恼》，以5900万的成本，斩获14.4亿的票房，有高达7.4的豆瓣评分，在票房口碑双丰收中，成为了当之无愧的暑期黑马。闫非和彭大魔这一对搭档，在「爆款」之路便有了一个很好的开端。 爆款属性与丰厚的舞台剧经验是分不开的，闫非在和彭大魔担任导演之前，就已经演出并协助沈腾执导话剧《疯狂的石头》、自编自导《乌龙山伯爵》、为央视春晚创作《扶不扶》、《投其所好》等小品。对于剧本创作，他们自认不算“高产”，因为“我们的很多想法要经过特别长时间的打磨，才能比较艰难地呈现在纸上——不太爱打字。”非编剧科班出身的两位也曾直言，“包袱其实都是聊出来的”。成片虽然以“段子”为主，却因为多年舞台摸爬滚打中沉淀出的优秀喜剧节奏，再加上多次现场表演中打磨出的故事主线、情感主线及人物特点，相比于新人导演，他们具备了更多优势。然而这一次，两位又进行了一次「新」的尝试。新作《西虹市首富》并非原创的剧本，而是选择探讨一个更为古老的电影话题，因金钱与人性而产生的强烈戏剧冲突——"一夜暴富，究竟会改变什么"。 经环球影业授权，《西虹市首富》改编自80年代的《布鲁斯特的百万横财》。故事讲述了一个二流棒球运动员在最穷困潦倒时，获得了舅父的三亿美元遗产。前提是，他要想办法在一个月内花掉三千万美元。在电影《西虹市首富》中，由沈腾扮演的落魄足球守门员，意外得到了台湾二爷的三百亿遗产，前提是要在一个月内花光十亿。影片延续了好莱坞的经典喜剧概念，在剧本创作上却采用了本土化的「无缝嫁接」。片中久穷乍富的足球队几乎承担了所有笑点，完美诠释穷屌丝一夜之间变成暴发户，他们在最豪华的酒店租住，顿顿山珍海味，在"是金子总会花光"的框架中，干什么都"不差钱"的片段爆笑十足。 而如何把这么多钱花到点上，则是剧本创作主要需要解决的问题，对此，闫非和团队也经过了很多考量，创作周期也因而被拉得很长，主演沈腾说，“等一个好剧本等了很久”。 原著中的主角是个棒球选手，"棒球这项运动对我们来说可能不那么亲切，所以就改成了足球，而且我和大魔都是足球迷“，闫非表示，"与其说我们选了足球，不如说我们选了守门员这个职业，我们用他来代表守护底线的概念"。 喜剧要成功征服观众，除了卖力搞笑，往往还需要情感上的升华。影片最后的两场足球队比赛对观众的情绪来了个180度“大逆转”，笑破肚皮之后突然一发煽情最是令人招架不住，许多观众都忍不住飙泪。闫非说，"足球赛本身就是一场游戏，输赢、比分并不重要，但是这个过程，我们可以注入更多思考"。 每一个看似漫不经心包袱都是精心打磨，每一个转折都与情节设计的功能性完美贴合，这也是《西虹市首富》足够抓人的关键所在。难怪连山争哥哥在看完之后都向主创“大胆自荐”，“希望两位导演邀请我来西虹市演一个角色”。 2两岸演员丰富角色维度扮演男一号王多鱼的沈腾依然在片中贡献了独家的“爆笑”功夫，让人忍俊不禁的同时，也更容易接受影片戏剧化的设定。从郁郁不得志到一夜暴富，再到奢侈挥霍，最后在友情、爱情、梦想等一系列情感的抉择中，沈腾诠释的非常好。 但看似信手拈来的表演，琢磨起来并非如此简单，沈腾说，"这是一个没有现实可以借鉴的（情景），所以我们想象了很多种可能性"。 如何诠释一夜暴富的第一反应？导演闫非说，"每个人对于这件事情的反应都是不一样的，我们会根据他们的表演来选一个最有喜剧感、最合适的。" 这次《西虹市首富》的女一号是近几年的熟悉面孔宋芸桦，她曾在《我的少女时代》里扮演林真心，从清纯的高中生到轻熟职场女性，她的跨越，也如同一场挑战。 宋芸桦在片中扮演为王多鱼理财的会计夏竹，两人之间还有一段爱情戏。当软糯可爱的"台湾腔"遇上粗狂直爽的"东北腔"，冲击感想想都很酸爽。 闫非说，"在片中本身需要这样一个女生，而且我们希望通过台湾演员来扩大这种角色上的维度，有一个反差感，如果让内地演员来扮演台湾人，就会奇怪，除了宋芸桦，还有台湾老戏骨李立群与张晨光，他们的出演也增加了片子的深度"。 在片中，李立群与张晨光分别饰演了王多鱼的二爷与管家，他们亦正亦邪的出演和沈腾构成了让人爆笑不止的“反差萌”，配角九孔的出现也让影片多了些港台无厘头的味道。 除了加入台湾演员，张一鸣、常远、艾伦一如既往地贡献了高水准演出，“他们在话剧表演中，都是有千场以上经验的人，对剧情的整体把握都非常到位”，闫非说。 而且，在片中客串的大咖们也是经过主创的精心设计，自带光环的王力宏、演讲大师郎咸平、搞笑主持张绍刚……像时不时出现的彩蛋一样给观众带来意想不到的惊喜。这种多维度不仅体现在演员的配置上，连影片的配乐都可见一斑。本次影片中，闫非首次和配乐大师彭飞合作，使片子的艺术感提升的可不是一个层级。从王多鱼入住豪华酒店的古典乐，到全民运动时火箭少女的《卡路里》，在古典与潮流结合，闫非说，"我们就是要多维度，还要毫无维和感"。 彭飞为影片写的插曲《膨胀》就是这种毫无违和感的结合，用牛仔的戏谑感把"我想任性就任性"的剧情写出了"我想飞到天上去，给我的羊儿吃几朵棉花堂"的梦幻感。 3“我们不会选深沉的话题”闫非说，"我们不会选深沉的话题，这样很容易故作深沉"。"一夜暴富"是一个在网络上天天被当作段子讲的话题，如果真的发生了该怎么办？《西虹市首富》的主创们对此也提出了自己的看法。 虽然《西虹市首富》中的西虹市是虚构的，但"西虹市宇宙"的世界观与现实生活却并不脱节。王多鱼撒钱时的暴发户心态，以及曾经轻视后来又巴结他的周围人，在这样一个天马行空的故事中，捧腹大笑之后的隐隐回味是追求物欲的荒诞和讽刺。"现实生活中，在金钱面前失掉底线的事情是时有发生的，但是我们表现出了坚守底线的态度，其他的可以留给观众思考"。 这也许也是初为人父的闫非，在经历了《夏洛特烦恼》巨大成功之后的个人感悟。沈腾说，“对待喜剧，我们是严肃的”，不尝试讲太多冠冕堂皇的大道理，却让人在爆笑之余忍不住暗暗反思。种种迹象表明，《西虹市首富》的爆款属性不只是闫非和彭大魔以往喜剧片的延续，而是一种全新的态度和思考，这种用心应该被更多的人感受到。-end-

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随着电影《动物世界》的热映，越来越多的人开始关注到了影视制作的幕后工作，专业规范的工业流程也为人们所津津乐道，声音制作作为一种此前一直默默无闻的工种，此番也受到了更多的重视。因此我们特地请来了国内知名电影录音师德格才让，与我们分享电影声音工作的方方面面。德格才让，独立电影人、编导、电影混录师。曾为多部影片担任录音与原创音乐制作工作，并获得多项大奖。参与制作过《静静的嘛呢石》《河》《塔洛》《追凶者也》《太阳总在左边》等电影。导演作品《他们一百岁》荣获第二十一届釜山国际电影节AND创投最大奖。现正筹备拍摄长片“青葱计划”五强作品《他与罗耶戴尔》。好的电影录音师的标准是什么？“首先要英语好，其次要身体好，然后才是对技术的掌握。”德格才让的回答让我们颇为意外。为什么首先要英语好？我们暂且按下不表。 这次采访，我们和才让老师约在北京白家庄某酒店楼下餐厅，离他的录音工作室不远。才让老师十分守时，提前到达了餐厅，就像他跟组向来宁可早到也不迟到。到达酒店，我们径直走进餐厅，但每一张桌子找遍也未看见才让老师。忽然窗外一个束着长发，穿着沙滩裤和衬衫的男子正惬意坐在一张露天咖啡桌前朝我们挥手。 我们走过去和才让老师打招呼，抱歉于我们的晚到，才让老师微笑邀我们坐下。点冰啤，摆电脑，放录音笔，我们三人的位置恰好在一片树荫之下。举杯的时候，我们才意识到是我们生活的离大自然太远，眼前一排高耸丰满的槐树，每一片叶子都反着太阳的金光，半透明，树后面沥青的马路，车来车往，间或响起鸣笛，再远处是一整块的天，淡蓝，云也被充足的阳光照得发亮，像是将要凝结的白瓷釉质，被太阳的热度缓缓融化，在空中晕开。 衬衫最上面的扣子 酒杯落下，首先引起我们注意的是才让的衬衫纽扣，系到了最顶上一颗。 才让告诉我们，这是年少时逞强留下的病根，现在肩颈不能受凉。 这要从才让的25岁说起，那一年他担任万玛才旦导演《寻找智美更登》的录音师，那是他第一次独立录音，也是到目前为止接过最难的一部戏。那时候正值寒冬，有一场车戏，五个演员同时在车内说话，为了给导演留出更多的活动空间，德格才让选择一直待在车顶，一个人扛着寒风录完了全程。 除了这场让他落下病根的车戏，另一场8分钟对话的戏也让他记忆犹新，那场戏拍了足足一个礼拜，“应该能创造中国电影史的记录了，142条，还是没过”，“换任何一个录音师过来，一定会扒一层皮”，德格才让呷了一口啤酒，说得云淡风轻。 这部影片涉及大量长镜头拍摄和演员的即兴表演，给录音工作带来了巨大的困难，才让花了半个月的时间，把所有场景都重录一遍。他对声音工作的要求极高：“每个段落都有推敲，从声音中甚至可以挖出影片的另一条线索”。 经过了《寻找智美更登》的历练，才让树立了自己的信心，他认为没有什么困难是不能克服的。 万玛才旦当时是我的粉丝 小学时候的才让每周六会和朋友去录像厅看电影，每有新片子来的时候，不大的录像厅总会爆棚，这深深震撼了年少的才让。虽然片源不多，但2块钱可以看一天，早九点到晚12点循环播放四部不同的电影，上午四场，下午四场，晚上也连着放映。那个时期，几乎每个周末才让都在录像厅里度过，这给他对电影的理解打下了根基。说到走上录音这条路，其实并非出于偶然，才让从小就喜欢音乐，在音乐上很有天赋。才让的父亲从北京带回来吉他，哥哥一个礼拜没有学会，可是自己看了看就学会了。长大后，才让在西北名族大学学习文学，课下和同学组了一个乐队，还在学校的歌艺大赛中获得校园十佳歌手的大奖。当时同为西北名族大学学生的万玛才旦正在场下观看才让的演出。“他当时是我的粉丝”，德格才让笑着说。对文学、音乐和电影的共同热爱，使两人一拍即合，成为了胜过亲兄弟的铁哥们。万玛才旦后来前往北京电影学院学习，一年后，他把才让叫过去学电影录音。 在万玛才旦的引领下，德格才让开始在北京电影学院系统学习电影录音，这种将电影和音乐结合的学科似乎是专门为他而设，开启了一扇全新的大门。从为《静静的嘛呢石》担任录音助理开始，到《寻找智美更登》独当一面，德格才让逐渐成为了万导的御用录音师。 德格才让为电影《静静的嘛呢石》演唱的插曲《故乡》 一时间，所有与藏族相关的影视项目都会找到他。从央视的纪录片，到几乎形成“垄断”。然而德格才让确认为，这反而不利于电影录音师的成长。“对电影的声音工作者来讲，电影配乐并无商业片与小成本电影之分。我们都带着同样的态度去研究学习”。 首先要英语好 2011年，以访问学者身份赴美交流，了解了高度工业化的电影声音制作流程。 操作过工业级别的大片，他说，这才应该是技术工种的正确打开方式，“每天朝九晚五，很舒服”，这样才能在“工作时拼命工作”。 但大多数时候，在国内当一名电影录音师都是一件很辛苦的事。 当被问到优秀录音师的标准时，他答道：首先要英语好，其次要身体好，然后才是对技术的掌握。 英语好是因为不论是硬件还是软件，操作界面都是英文的，这是全球统一的，比如新到了一台录音机，你看不懂就很难办。不懂英文你可能连REC是record都不知道，更不用说大量的专业术语了。这是最基本的，每次面试的时候，我第一个问题都是“你英语怎么样？”。身体好则是因为常常遭遇恶劣的环境，《寻找智美更登》就是一例，没有好的身板是抗不来的。才让说他招人时尽量找不抽烟的。尤其是做前期录音的不抽烟比较好，比如上高原，你抽烟容易高原反应，而且片场有人不喜欢烟的话，你想抽烟就比较麻烦。更重要的是你每次接到的电影类型不一样，环境和工作强度不一样，所以身体是工作的本钱。 然后才是对录音技术的掌握，对电影的认知，对电影的喜爱。如果喜欢音乐就更好了，可以组个乐队一起玩。 叉烧网电音研究处处长 除了电影录音师，才让还有另一个头衔：叉烧网电音研究处处长。 酷爱电脑和软件的才让，在2000年初互联网还不发达的时候，出于兴趣研究国外流行的音乐软件，把自己的摸索写成教程，发布在叉烧网上，启发了很多早期做电子音乐的人。由他独立编写Orion视频教程，获得了台湾飞天数位胶囊音乐科技公司的发行。 事实上，才让本可以是叉烧网的联合创始人之一，但更热爱电影的才让毅然把人生的重心放在了电影录音这一领域。因为在电影里，声音的创作有更广阔的空间。 深藏功与名 声音设计是是一件孤独的事，往往只有内行人才懂。 才让认为，还原真实场景的声音景观，并且让人察觉不到才是真本事。 谈及国内电影声音工作的现状，才让说，国内最缺的是前期的声音设计。不同的剧本，不同的视听语言，需要不同的声音设计，这都是要在前期设计好的。只有前期设计好了，后期才有更多的细节处理空间，光会操作机器是没办法完成创作的。才让在声音设计上的功力可以从《塔洛》和《追凶者也》这两部电影中得到验证。凭借在《追凶者也》一片中出色的声音工作，他获得了当年的年度新锐录音师，并从张艺谋的御用录音师陶经手中接过沉甸甸的奖杯。在台下的时候，陶经前辈便一直在与他讨论影片的声音设计，才让心中十分感动，感觉遇到了知音。对于一个电影录音师，得到业界大佬的认可，这是最大的鼓励。获奖之后，才让写了一篇极尽详实的文章阐述了《捉凶者也》声音设计，我们从中摘取了两个例子。宋老二的声音造型设计：剧本中刘烨饰演的宋老二有一辆破旧的皮卡，为了体现他汽车修理工的身份，我们想到这皮卡何以体现破，除了造型上要老旧，更重要的是听觉上要作到破，从而也折射宋老二的生活境遇，这就是声音造型感设计推动和辅助剧情。那种发动机轰隆的破声，还有冲油门的生猛变速声，也符合老司机急直、倔强的脾性，可以辅助人物角色的“憨包”劲儿。 凶杀现场大海草原的声音场景设计：在如此黄荒之景下发生凶案，非常具张力和意外效果，而不是套路似的一看场景就能猜到要杀人了。为了营造一个很惬意的草原场景就需要丰满这些声音元素，我在片场每次拍摄时会采集各种风声、溪流、高原鸟、绵羊，因为我很熟悉它们，已知在后期混录时用到，在成片中你所听到的各种自然和舒适，皆由这些元素不自然不舒适的各种叠加与组合。凶杀现场作为片头，设计时没有做的严肃、紧张，而是非常朴实和静逸，更没有音乐切入去渲染，直到进入电影片名时才放音乐来升华主题，此处整个声音动态都相对“安静”，用一种平淡来埋伏片中章回体环形再现凶杀现场的“暴力”，也是我首次尝试以先静后动的声音动态来控制同一个场景两种氛围的设计。 录音师是距离导演最近的人 2016年，德格才让执导的纪录电影《他们一百岁》获得釜山国际电影节AND创投最大奖。当被问及为何从录音师转导演时，才让表示”录音师是距离导演最近的人，拍摄现场的影像、声音，所有的第一手资料，都会经过录音师”，从剧本筹备时的声音设计，到拍摄时的声音录制，再到后期的处理混缩，贯穿整部电影诞生的过程。他继续补充道：“就我个人而言，我第一个本科是文学，音乐一直是副业，录音是后来做职业的，然后一直在拍片，拍各种类型片做积累，所以转作导演并非偶然。” 此外，与不同的导演、不同的剧组合作，才让每回都会学到新的东西。他说“阳光照到每一片树叶上，反射的光芒都不一样”，才让善于在每一个人身上发现闪光点，并从中学习，比如你在片场一个道具师、一个灯光助理他们都会有一些“妙招”，就是要吸取他们的微小光芒积累，电影作为一个综合的艺术，远远不是高高在上导演的姿态，正是这种求知若渴，让他成为了多面手。一路走来，辛苦，孤独，却仍然乐在其中，收获满满，从文字到声音再到影像，一样没落下，“所有东西都用上了”。 2017年，德格才让凭借剧本《他与罗耶戴尔》成功入选CFDG中国青年导演扶持计划暨“青葱计划”计划五强优胜项目。新片将在近期开拍，是由贾樟柯和万玛才旦联合监制，才让透露，是一部音乐公路电影。让我们一起期待这位多才多艺的导演的新作吧！ 看见没，才让的助理正拿着手枪保护他。 -end-长按关注新片场第三届NEW ERA青年电影季征片开始啦！扫描下方二维码点燃你创作的小宇宙用作品打动世界

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Boss直聘充满争议的世界杯广告，曾将Boss直聘送上AppStore商务类排名第一名的位置。世界杯广告之后，舆论的声音不绝于耳，作为这支话题广告制作者的红制作，面对网友的负面评论却表现得不以为意，并宣称“好是有问题的，好是不会传播的”。在红制作创始人的朋友圈里，他如此解释红制作的含义——制作有“杀伤力”的广告，刀刀见红。2013年创立的红制作，号称“一分钟开价1000万，低于300万的订单不接”，目前已经制作了5支春晚TVC，不乏深受业内推崇的优秀作品，并发展出了一套“惊世骇俗”的方法论——“广告是勇敢者的游戏”“胆小是大玩家的专利”“品味是流量的敌人”“准备好了可能就来不及了”“创意就是偏见”“效果是最大道德”我们联系到了红制作，想了解他们作为创作者，制作这样一支广告背后的考量。更想知道在他们心中，什么是新媒体语境下，广告人的职业道德。以下为新片场对红制作的专访内容（经编辑）：为Boss直聘策划制作这样一支世界杯广告，是出于怎样的考量？这是我们为Boss直聘做的第三支广告了。这是一个特别年轻的公司，成立时间只有四年，但我们一直认为Boss直聘就是一个非常具有革新性的产品，你看很多同类产品都是要么站在招聘者的角度，要么是招聘者和求职者兼顾，但是Boss直聘是第一次完全站在应聘者这一边的、非常年轻态的这么一个产品。当初我们找工作的时候可能还会委曲求全，但现在的年轻人已经拥有了更多的话语权，找工作就直接跟老板谈。伟大的产品需要伟大的创意，但同一个产品在不同阶段也会有不一样的诉求。Boss直聘在一开始完全没有名气，所以第一支我们就做了枪毙老板这样一个大胆的创意，投放之后就飙到了行业前五的位置。第二支春节TVC《跳槽》又升了一个台阶，在移动流量端爬到第一名。这个时候Boss直聘在一二线城市已经具有相当的覆盖率了，那么这次世界杯广告要做的就是怎么样让更多的人知道这个产品，所以我们就是以这样的目标作为出发点，然后再去考虑怎么实现这个目标。在15秒的时间里怎样最大限度地抓住观众的注意力？关键信息的重复，然后我们再为这种重复设想一个合理的场景，那么就是球迷摇旗呐喊的这么一个场景，也很符合Boss直聘年轻、正能量的调性，年轻就应该发出自己的声音。如何评价这支广告的效果？我们是在和出手就是几十亿的大玩家竞争，是在和梅西、内马尔这样的巨星代言人竞争。你看七麦数据上面，Boss直聘在世界杯广告投放之后App商务部进了前三，总榜进了前五十，下载量提升了一个量级，但现在并不是招聘旺季，所以这个数据是非常有代表意义的。怎么看待网友的负评？其实我们不太在乎。在中国你只要干一点儿事就会有人骂你。我们当时设计的就是往大里做，所以预计到了会有这样的热度，后来舆论的方向被一些水军带跑了，那么我们就“与民同乐”呗。是否担心这样一支广告会影响红制作在行业中的口碑？我们也做过很多不同类型的广告，各种时长各种风格的都有。可以说我们有100种兵器，会针对不同企业，为满足不同的产品需求，设计不同的打法。这支广告完全是从产品自身的需求出发，客户有很多种，不能把特殊情况当成常态。其实企业家特别明白，是面子重要还是里子重要，所以在世界杯广告之后很多企业都来找我们。现在很多同行可能对广告这个行业有误解，追求什么艺术表现力，但做出来的广告只在圈子里有反响，没有对企业产生实质性的帮助。什么样的广告才算成功的广告？什么样的广告公司是好的广告公司？好的广告公司就是能为甲方带来实际效益的广告公司。它要能做出成功的广告。什么是衡量广告成功的标准？很简单，例如我媳妇儿知不知道，我妹妹知不知道，我亲戚会不会给它点赞。我觉得这是一个非常重要的标准。争议一点都不重要，一个好广告是什么？就是你投放之后是不是被人谈论了。之前，我们在做《我们的时代》的时候，也有很多人骂，也有很多人赞，但这都不重要，只要有人谈论就是好广告。当然，每个人都有他心目中“好”的标准，受众有受众的标准，广告主有广告主的标准，我们尊重他们的标准。这个时代是多元的。但是广告本身就是一种冒犯，就好像我正好看电视剧里面两个人卿卿我我的时候，突然有人送外卖来了，我做广告的都讨厌广告，所以我就想让广告不那么讨厌一点，让它有趣。但是这也是没办法的事情，你为什么必须看广告？因为这是免费的。你看香港看英超一年要交一万多，那个没广告。但有好多人会聚在一个广场大屏幕下面看电视，为什么？因为他们交不起那个钱。央视花了多少钱买世界杯转播权啊，可不得卖广告么。所以这个行业的逻辑其实很简单，拿人钱财，替人消灾，我觉得拍3分钟广告不知道在哪里投放的都是神经病。如何理解“好是有问题的，好是不会传播的，好事是不会传千里的，就坏事才能”，“品味是流量的敌人”，审美品味和传播效果之间是否存在必然冲突？品味不该是评价广告的唯一标准，现阶段来说，品味不是消费者的第一需求。你知道中国最有名的食物是什么吗？是老干妈。老干妈品味高吗？你看Prada、Chanel那些奢侈品，品味高吧，但是品味高的东西不属于大众消费品。如何看待广告人的艺术追求？我觉得他们是在广告行业里面追求不应该追求的东西。所以我觉得有些同行特别没有职业道德，花着甲方的救命钱，夹带自己的私货，忘记了广告的初心。我们在20-30岁的时候，内心也很痛苦，但后来发现，广告就是广告。如果真追求艺术，为什么不直接去拍电影？是你们成就了小米还是小米成就了你们？现在boss直聘在商务类里面排名第三，一度达到过第一，说明现在已经是行业领导地位了。所以，我们真的可以说是脱离了小米，做出了一个非常成功的案例。之前一直有人质疑我们是蹭了小米的热度，但现在我们做了一个新的企业，我们一样可以成功。其实小米一开始和boss一样，也没有知名度。我们做了小米这么多年，每一场关键战役都有我们的代表作。小米它是如何成功的？我们是有一套打法的。针对小米有适合小米的打法，针对boss有适合boss的打法。每一个客户都在不同的阶段，有的需要在品牌上更新，有的需要在知名度上提高。比如小米第一次站在全中国第一的时候，我们要告诉大家这种商业模式是成功的，所以我们做的广告《我们的时代》是宣告，是宣言。还有一个客户是网易的游戏。游戏曾经在广告这个行当里是一个很low的东西，尤其是手游。但我们在给网易游戏做的时候，我们就告诉大家：无论是游戏玩家还是游戏从业者，我们对游戏从不游戏，因为我们都是游戏热爱者。那是游戏最受误解的时候，我们是第一次为游戏正名，也为网易游戏树立了一个正面的品牌形象。直到现在，网易都会拿着这条片子到高校进行校招。说回Boss直聘，做广告应该帮企业解决当下的问题，也就是让大家用到Boss直聘这个很好的工具。而且，它是一个工具类APP，没有那么多负担。你肯定不能用这个方式去卖Chanel包包。我们也拍过小米Mix这样很高大上的。这是因为小米走到一定层级，需要在品牌上做一个拔高。如何评价叶茂中？我跟你说，我闭着眼睛就能复制他的方法。首先，企业logo色做背景，一个大演员加一个配角，不会超过两个活人，然后把它的slogan念三遍，再加一个jingle（音效）。比如说，我们要新做一个APP叫共享厕所，只要找个大明星，再找一个马桶做配角，重复三遍slogan，然后配一个冲马桶的声音，就ok了，多简单，500万就到手了。如果不是以广告的艺术性作为追求，相比同行，红制作的优势在哪？我们的特点是，我们和客户有共情能力，花很多时间跟客户沟通，站在客户的角度思考，客户遇到了困难的时候，我们能很快get到，给出解决的方案，我们和客户更像是是商业伙伴的关系。而不是去搞个广告奖给自己镀金，这是个很好笑的事情，完全忘记了广告是什么。所以我们很少参与广告圈，几乎从来不参与广告圈的活动。我们每天都在关注Boss直聘的数据，我们要判断我们的广告是不是对的，我们一直在实时监控数据，验证和评估我们自己的思路。我们团队只有五个人，我们是核心思想，我们是CPU，其他都可以外设。我现在问你们，广告人的尊严是什么？我觉得广告是要有道德的，因为你在花的是企业的救命钱，但很多人就会把钱拿过来做一个满足自己或者模仿老外的作品。所以我觉得这个行业里很多人不道德，花着客户的钱，打着给客户解决问题的幌子，为自己做一些很幼稚的东西。要么就是他不懂广告，要么就是他藏了太多私心在里面。当然，我们对客户也是是有要求的，要有判断力，要有常识，要聊得来，他们的产品要有潜力，广告带来的只能是关注度，能否赚钱还要看产品自身。广告公司与甲方的关系更接近于商业伙伴，这是否是广告未来的发展方向？我觉得是的，因为你服务不了太多客户，你必须让客户知道你在关注他的生意。如果不关心企业的生意，你的格局就会很小。所以作为广告人我觉得需要拓展自己的眼界，从效果出发，从传播上来考虑，如果你只知道螺丝钉，那你不会知道飞机长什么样。什么是新媒体语境下，中国广告人的职业道德？争议才是广告人的道德，不要脸才是道德，牺牲小我成就大我，不要脸挺好的，我的面子一点也不重要。说得难听一点，相比于其他行业，广告业创造的产值非常低，你可以说广告就是寄生虫，寄生在企业中，你的宿主都活不了了，你怎么能活呢？-end-长按关注新片场第三届NEW ERA青年电影季征片开始啦！扫描下方二维码点燃你创作的小宇宙用作品打动世界

新片场

“我们打了这么多年的仗，一切只不过为了别把我们的房子涂成蓝色。——加西亚马尔克斯《百年孤独》15分44秒的片子在第12分40秒时屏幕上出现了这句话，于是几乎已看完整个影片的观众才知道，为什么这部以环境保护为主题的公益微电影起名会叫《一条没有变成蓝色的鱼》。在百年孤独里，当屋子被涂成蓝色即意味被统治，而白色意味着自由。一条没有变成蓝色的鱼也是借用这样的象征，讲述了在一个美女环保律师的不懈努力下，自然环境最后没有完全任人宰割的故事。林哲乐很淡然的说，当然希望有人读过马尔克斯，可以看懂此处的寓意。但是他从未想过拍摄这部微电影是为了改变别人，带给别人很大感触，而更多的是呈现一个社会事实，呈现一种解决问题的新思路。 纯纯粹粹被故事打动在谈到自己的这条公益微电影的时候，林哲乐反而不大愿意强调“公益”这件事，也不认为以前常做商业项目，现在转型做公益项目是什么需要被特别提及的事情。林哲乐提到，有些事不是为做公益而做，只是突然很有感觉，有需要说的话，或者是需要做一点改变。这种改变，是用自己擅长的方式去做了一件感兴趣的事，是自己的选择，不是说为了公益耗费了多少人力物力、多辛苦。一开始打动林哲乐的就是这个故事本身，在前期田野调查的时候他在NGO工作的朋友和他说有一个为大自然打官司的事，于是林哲乐第二天就决定拍这个了。后来再去和他们联系，到北京见面。“我逐渐了解到我要描绘的是一群怎样的人，那是一群有赤子之心的人，而且坚持一件事很久。对于环保这样的事，可能很多人不会觉得这和自身相关，但是他们从国家修法前坚持到国家修法后，如果不是心里真的觉得应该保护环境、应该保护其他动物的话怎么坚持得下来。感觉做完这条片子我也是和这个片子共同成长的。我没有希望这个片子带给别人多大的转变和多大的触动，我只是想展现出来，现在有环保这样新的问题出现，可能人们会觉得慌张或者应对起来很艰难，但是我们可以去解决，并且可以有新的解决方式，就是这样。” 内核+习惯≈风格在被问到片中种种含蓄的表现方式是不是导演风格时，林哲乐直言他觉得风格是一个伪命题。在他看来，风格是根据题材变化的，是一个在不断流动的东西。如果要说一以贯之的风格的话，自己还没有找到。但是在探讨风格这样的问题上，林哲乐有自己一套独特的看法，他更喜欢将它以“内核+习惯”来描述。内核是带有每个人气质和做事范式的东西，它是一个相对稳定的、支撑性的内在部分，而习惯则是一种外在的部分。当他居住在某个地方、接触到一些人、做某些事，他肯定会被这个情境所影响，那么在一段时间里这个人就会形成一种习惯，用这种习惯去做事、去表现。然而人总是会不断变的，当他所处的位置变了，接触到的人和事变了，他的习惯也是会变，那外在的“风格”也充满了不确定性。“如果7、8年前的我看现在的自己，我肯定会想这是在讲什么?可人总会变化，内核加习惯就且称作风格，你感知一切，都是自己的。” 与新片场同行们的交流当说到新片场作为国内最大的创作人社区，希望林哲乐导演与这些创作人们分享一点自己的感悟，或者对新入行的同学们说一点经验时，林哲乐很认真地说，他觉得最重要的一件事就是你得知道你要做什么。“平常在讨论一个剧本时，大家往往都会有很丰富的内容，但是应该用一句话去概括整个内容，把多余的形容词都丢掉，这时一切都变得很清晰、统一了。要不要选这个演员、要不要这句台词、要不要穿这件衣服、要不要拍这个特写，都可以根据这句话来判断。一旦清楚了“初心”，做事或者做片子就会清楚一点。在这样的前提下，再去保持一些开放的态度，让片子和你共同生长。”对于新入行的伙伴而言，如果可以在很年轻的时候就寻找到自己适合做、喜欢做并且擅长做的事，就会解决掉很多问题，但是这很奢侈。当找到了这样的状态，一切困难就只是困难而已，人自身不会有任何困难。 最后，林哲乐说他最喜欢的话之一是孟子所说的“虽千万人，吾往矣。”“不被理解是正常的，可能出于利益或者其他原因，但这句话的动力不在于勇敢，而在是始终站在自己觉得对的地方。”在说这句的话时候，他的声音低沉、缓慢而坚定。一如他的影片，平稳之中却有不动声色的力量。

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原“漫威”画师Walter A. McDaniel的新片场个人地址：http://www.xinpianchang.com/user/photo/ts-last/id-551915我从没想过能跟参与过蜘蛛侠、金刚狼、X-men 等一众超级英雄创作的画师Walter McDaniel坐在一起聊天，直到有天偶然发现他另一个身份—一位身在中国的创业者，而且正在以漫威、DC、迪士尼都没尝试过的方式做动漫，公司名字是 Black Dragon。得知这个事实的一刹，当然要“约”。在我跟 Walter 相处的短短一天中，他言谈举止间展现出的都是他的 inner kid，每每说到尽兴处就会跟你来一发 High Five——这么跳脱有趣的摩羯座我还真见得不多。这是一个中国“漫威”的故事。听我从头道来。15岁的冒险Walter 的艺术生涯开启得并不容易，因为在护士妈妈和电力工程师爸爸眼中，学“艺术”多少有些不务正业，不如当个医生或律师靠谱。而且 Walter 家孩子多（他排行老七），父母总是要操心生计的。不过，Walter 自认为是个“叛逆的人”，认定了的事绝不放弃。15 岁的他为了让父母放心，白天努力学习考出好成绩，课余时间抓紧去特长班学习画画，常常画到很晚。直到他在 19 岁独立承担大学学费后父母才不再抱怨。在真正拿笔创作动漫人物之前，Walter 从事的都是偏向广告营销及出版之类的事。他 16 岁进入普罗米修斯广告公司实习，后来在 Continuity Comics 这家小公司呆过一段时间。他跟我说，这段经历带来的最大的收获是如何“be a pro”，如何待人接物。做广告最重要的就是搞清楚在游说谁，这些经验沉淀到后来就是，故事要讲给谁听，产品为谁做。可以说，在艺术之前，Walter 打下了商业的底子。19 岁，Walter 终于和漫威相遇了。老板也真是大胆，进来没有太久就让他担当了《Deathlock》的主画师，一画就是八九个月。他坦言，当时对一个孩子来说确实压力山大。他最喜欢的角色是金刚狼，因为这家伙是一个“真性情的Antihero（反英雄角色），行事风格直截了当，同时又很有坚持，很有创业者的开拓精神”。为什么是中国？爱吃意面不必非跑到意大利，想做中国元素的动漫也不必非得飘洋过海来北京，且这里空气又不好，Walter 为什么要来？其实，本来他来这边是为了忙渠道方面的事，来了之后发现，中国有这么丰富的文化和哲学思想——“这正是讲故事的精髓所在”。这应该不是一个老外的客套话，他认为中国的IP(知识产权）产业正在经历变革，这是一片新疆域。他还以上世纪 80 年代末、90 年代初的日本做了释例，哆啦 A 梦、海贼王这些享誉海外的动漫面孔看起来并不像日本人，但其精神内核是符合日本文化的。又经过深入了解，他还发现，原来日本文化的源头也是根植于中国的，来中国创业就有点追本溯源的意思了。更重要的是，“这是一个诞生国际化动漫新品牌的天堂， 中国梦是比美国梦还要大的梦，而且基于互联网本身应该有新的 IP。”因此，Black Dragon 的定位是一家国际化的中国动漫公司，本土化的部分会跟V电影、新片场进行平台合作。互联网不仅带来了传播的无国界，也孕育了拥抱互联网的新一代文化产业创业者，这也是 Walter 非常看重的。其实国内创业团队不管大小，IP 运作的意识都越来越强，像万万没想到、暴走系列等等都是如此。这些年 Walter 在世界各地都铺好了渠道，“我为这家中国公司搭好了一个全球舞台”。《Deadpool》《Deathlock》这两部作品他都是主画师他也不是一开始就懂IP我们都知道，这个行业的价值在于以优质 IP 运作为核心的产业链，没有“链”也就没有价值。但 Walter 对此也非先知先觉。差不多 20 年前的样子，美国漫画出版行业如日中天，漫画书是当时最主流的 IP 媒介形态。不少漫威的创作者们都出来开了自己的公司，当时有个同行竟在 1 个月内挣了 1000 万美金，24 岁的 Walter 也已在加州有车有房。当时漫画热的一个标志性事件是，DC 以一部《超人之死》完结了超人系列，于是漫迷们争相抢购，除了阅读，很多人还买来收藏。这个漫画就从原先的 2 美元被炒到了 25 美元。大家恍然大悟：如果我 2 美元买本漫画，两周后再以 25 美元卖掉，岂不是比炒股还要挣钱？！当然，跟所有的泡沫一样，这个 Bubble 也破了——人们没有意识到真正的价值在于那些深入人心的角色，而不是出版物本身。Walter 也是在这时候更深刻认识到 IP 的重要性。1998 年漫威完成破产重组后，在长达 10 年时间里都在兜售旗下漫画角色，后来终不甘心为他人作嫁衣而推出了“漫威电影宇宙计划”。所以，IP的价值在于TransmediaWalter 在采访中不止一次地提到了“Transmedia”（转媒体或者串媒体）这个词。对那些长盛不衰的 IP 而言，他们总能与时俱进地在各种媒介形态之间实现 IP 更新，将能引起共鸣的角色价值尽可能地释放出来。十多年前，Walter 在美国运作独立工作室 WAM 时就是“Transmedia”的实践者了。孩之宝由一家玩具公司进化成一家影视公司，跟他有着千丝万缕的联系；《GI Joe 特种部队》玩具转变为漫画、动画，以及新玩具设定都是他带头完成的；《变形金刚》电影版的前期创意、策划及角色设定亦是如此。IP 要动起来。我们有理由相信，Black Dragon 能够传承漫威讲故事的牛 B 基因——漫威的英雄形象虽丰富，但始终会保持一个针扎不破，水泼不进的大漫威宇宙体系，因此每年单个主角的编剧都会坐下来讨论一两次整个宇宙的演进，然后才分头去创作蜘蛛侠、金刚狼等。Joe Kelly和James Felder这样的漫威、DC 大神编剧也将与 Black Dragon 合作。中国的“漫威”有什么不一样呢？这一次，漫威的归漫威，互联网的归互联网。关键还在于 IP 更新与流动，只不过互联网不仅带来了更丰富的媒介形态，用户在媒介间的即时互动有潜力改变以往的叙事方式，整个体验将被重新设计。拿 Black Dragon 明年要上线的网络剧《Space Racer》来讲（这个也要周播的），这部剧将与手游同步发布。用户在追剧的同时还能事先“学到”游戏通关的秘诀和窍门，也起到了丰润角色背景的好处，而玩家达到某个 Level 时自己的角色就可以出现在后续的剧情中，他们开创的新玩法也可能被剧情采用。当然，玩家们也可以在社交网络上跟好友 PK 排名。除了 Space Racer 们在太空被一群机器人小丑统治这个大背景外，整个故事还有另一层设定，即这里的人们都生活在一个叫 Spacebook 的匿名社交网络里，这正应了当下匿名社交的大潮流。Walter 说，这是漫威、DC 及迪士尼都没开始做的事。“新技术总会带来 IP 的新形态，以后 VR、甚至智能玩具都可能是我们用功的对象。”当然，这些都得有一个前提—得有优质的 IP 和内容，Black Dragon 已经来中国两三年了，他很不理解有些本土团队要快快上马一个项目，而且“反响不好我们就再出一部新的”。Walter 说一直在打磨团队和产品，就是想要做出一些让用户长情（that last) 的东西来。如果你的角色，故事能够讲出特定受众群体心声的话，孩子们才不会关心一个角色已经存在了 100 年还是 5 天。只要赢得了终端用户的尖叫，挣钱是水到渠成的事。转载自36氪

陈跃Vincent