2023春节，影迷嗨了！多部影视剧爆款频出，掀起一波观影热潮。既有大热院线电影《满江红》《流浪地球2》《深海》，也有高口碑热播剧集《三体》《狂飙》，虽题材各异，但各有各的精彩！预告、幕后、影视解读层出不穷，快来看！1、热门影视预告集锦春节档选哪部？当然全都要！剪辑：NG三番一口气评完2023年春节档5部电影剪辑/解说：语风观影2、春节档观影总结《流浪地球2》首支预告声音设计/混音：邵航 声音设计/混音：两万里20K-Miles《满江红》定档预告策划/剪辑/制作：幻星 NUROSTAR 声音设计/混音：邵航三体(2023)定档同舟共济版预告剪辑：Joker电影《深海》比海更深版定档预告剪辑：香油和盐 声音设计/混音：邵航《交换人生》预告剪辑师：徐辰3、影人拉片深度解读十万字世界观下的科幻巨著，《流浪地球2》故事解读编剧/剪辑师/配音/出品人/动画：银屏系漫游指南4、幕后揭秘创作故事春节视效巨制《深海》首曝幕后纪录片！想让世界看到中国动画市场：光线彩条屋影业《三体》 | 《三体纪事》宇宙闪烁揭秘制作：CLAY CRAFT 黏土5、达人精彩混剪2023春节档预告混剪丨今年我已经好想去看声音设计/剪辑师：愿知多少妍珍啊我每天都在想 在哪里和你重逢会比较好|宋慧乔X高叶|黑暗荣耀X狂飙剪辑：Gussie【狂飙 双主角向】丨一边是永无止境的罪恶深渊，一边是寸步难行的正义天堂出品人/剪辑/剪辑师：ZikY“孟钰”即“梦遇”梦是没法走到最后的剪辑：夜听music“读孙子兵法,品启强人生”策划/剪辑：百万剪辑狮【演员修养×张颂文｜坚持不懈】“裹着心的光，永远向着前方”出品人/剪辑/剪辑师：ZikY【真.狂飙】弯道漂移不减速 我是有田你记住【莽村车神李有田】剪辑/后期制片/创意：小罗伯呆糖尼终究是爱情：两个男人的爱恨情仇剪辑/后期导演：where哪部是你春节必追的呢，欢迎评论区讨论！

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《阿凡达2：水之道》今日正式在内地院线上映，据猫眼专业版数据，在上映瞬间，内地票房即突破1亿。传奇导演詹姆斯·卡梅隆终于在13年后再次续写潘多拉传奇，让影迷以及电视市场为之振奋！本篇盘点了一系列广告、幕后等优质短片，一起来感受下梦幻“水世界”带来的奇观吧！1. 《阿凡达：水之道》中字正式预告2. 年度大片《阿凡达2：水之道》预告3. 《阿凡达：水之道》中字终极预告4. 《阿凡达·水之道》3D 中字宣传片5. 阿凡达X奔驰《水之道下的奇幻王国》6. 《阿凡达》轰动影坛的视效巨制！“这里是我们的土地！”7. 新旧《阿凡达》画面对比8. 《阿凡达2：水之道》 是如何拍摄的？詹姆斯·卡梅隆为所打造的史上最疯狂的摄像机9. 【黑猫电影幕后分析】《阿凡达》No.1如何成为一名优秀的阿凡达！

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被疫情憋了一年，院线贺岁档总算开张了。人们对贺岁片的期待落实在了一串票房数据上。在众多热门片中，它拔得头筹，还创下了中国内地院线首日票房新记录10亿——《唐人街探案3》其实早在去年贺岁档，这部影片就是最受观众期待的，推迟一年后上映，《唐探3》又在打擂中胜出。V姐也将这部未映先火的电影排在了最想看的贺岁档榜首。今天就让我们来聊聊，开分6.8，目前回落到6分的《唐探3》好看吗？不得不说，它绝对是一部合格的合家欢商业贺岁片。满足普罗大众在过年七天乐里观影的心情和期待。不管从演员卡司的配置上还是搞笑段落的篇幅以及画面的视觉冲击，都值得我们跟家人朋友一起走进影院观看。看演员：王宝强、刘昊然、妻夫木聪、托尼·贾、长泽雅美、染谷将太、铃木保奈美、浅野忠信、三浦友和...看画面：在涩谷十字路口撒钱；还原各种日本元素；在彩蛋里的大本钟和伦敦眼放烟花；热热闹闹、欢乐祥和……有了这些基本的视听保障，“唐探宇宙”算是集结完毕了。也是从《唐探3》起，“唐探宇宙”这条线更加明确了，我们也能在片子的不少细节里看到陈思诚想要把“宇宙”做大的野心。为了夯实大家对唐探的记忆，《唐探3》添加了过往几部经典的桥段和演员。像是在第一部里惊艳（悚）无数人的张子枫；还有第二部里的人精宋义（肖央饰演）；以及网剧中的天团联盟。说实话，要不复习一下之前的两部电影和延伸的12集网剧，你都很难理解第三部中的这些梗。从2015年第一部唐探诞生起，时间线就已形成?唐探的故事还得从秦风和唐仁勇闯天涯的“英雄事迹”说起。当年，警校落榜的秦风被安排去找表舅唐仁，两人误打误撞破获了震惊世界的“曼谷黄金失窃案。”而后，又因为破获了“纽约连环杀人案”闻名世界。这次《唐探3》，他们受邀前往日本东京，为一桩密室杀人案找真凶……（为了不剧透，就不展开讲剧情了）唐探系列电影的主线基本形成，就是围绕神探秦风和唐仁的破案展开的。与此同时，导演陈思诚又在里面加入了一条支线，也就是全网都在讨论的Q。谁是Q？从哪里来？到哪里去？是整个宇宙的谜题。而Q的首次现身，是在《唐探1》之后的网剧《玫瑰的名字》中。杀害林默（邱泽饰演）母亲的凶手手腕上刻着一个“Q”，随后在与lvy接触中发现，她的耳后也有Q字纹身，林默察觉一切并没有那么简单……Q还在《唐探2》的关键时刻以及《唐探3》的全篇现身。人们纷纷猜测究竟谁才是真正的Q。其实到这里，唐探宇宙的关系线索已经很明朗了。以秦风、唐仁为首的神探团通过和Q这股邪恶势力的对抗来维护世界的和平。秦风和唐仁亦正亦邪的组合，犹如华生和福尔摩斯、柯南与毛利小五郎，是典型的喜剧风格配置。再来讲讲陈思诚对这个庞大宇宙的处理。公允的说，有好有坏。好在，他布了一个很大的局，将中国元素和各大推理派别结合，谱写华丽的烧脑剧情。不好在，想要融合、表达的东西太多，导致叙事割裂。就拿《唐探3》来说，里面装的东西就太多了。表面看主线是秦风和唐仁对密室案的分析和破解，支线是展露Q真正的目的。可实际上，他最想传达的是Q扭曲的普世观对秦风的影响。Q不相信人性、法律，想以此来借助正义重构整个世界。但因为太过依靠之前的剧情导致第一次看的观众无法理解Q的世界以及和秦风的关系。更何况这期间还要穿插搞笑的段子以及添加整个唐探宇宙的角色。一通哈哈大笑和眼花缭乱中，已然忘了Q的存在。另外，为了模仿好莱坞大片最后升华的部分，《唐探3》在结尾处强行上了一把价值，宛若年终总结，让人失去兴趣。其实在看到密室案破获的时候，我就在想陈思诚会用怎样的结尾将这部电影收掉，没想到的是，对贺岁片的回馈全都留在了结尾。一通烟花加上颇有哲理的总结，简直是年夜饭前的标配。也是因为上述几点，导致《唐探3》的口碑褒贬不一。对于推理迷来说，陈思诚无疑打造了一个别样的专属于国人的破案空间。但对于影迷来说，他还是有些操之过急，很多情绪不是靠剧情顺带出的而是靠强硬的插入告诉我们的。毕竟在带有哲理的电影中，“自己悟出道理”和“被告知”，总归是有差距的。希望《唐探4》都能消灭掉这些不足，让我们看到逻辑在线、强关联的“唐人破案IP”。

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克里斯托弗·诺兰的新作《信条》已正式登陆内地院线，诺兰的电影不仅烧脑更是烧钱。早在6月《信条》预告片放出时，“诺兰炸飞机”就冲上了微博热搜。《信条》预告片截图为了呈现真实震感的画面，诺兰炸毁了一架真的波音747。也许对于大导演来说，这只是常规的操作。但是对于电商摄影师来说，想要出类拔萃，最该学习的是如何用最少的时间和成本，制作出高品质的视觉影像。随着第21期新片场学院线下实训《电商短视频广告实用课》（后简称“电商课”）的结课，我们就通过学员作品来看看：是如何分析产品特性，发挥自己创意；综合运用老师课上所讲的拍摄技巧和理论知识；用低成本和少人力，拍出高品质影像的。01音响广告这组学员的拍摄对象是一款便携式蓝牙音箱，核心卖点是无论身处何处都能收获高品质的音质。那么如何在广告片中，突显音律的震动呢，这就需要画面中动态元素的配合。首先灯光能帮助我们轻松实现光线运动变化，通过扫光能够很好呈现出音响侧边金属的质感。学员作品截图LED灯可以调控色温和亮度，打出你想营造的光线色调。音响属于数码产品，学员们更想表达出产品的高科技感。所以用了经典的红蓝搭配，冷暖的鲜明对比，有着更强的视觉冲击力。在此酷炫的背景色调下，产品由暗转亮，如同一出好戏缓缓登场。学员作品截图增加画面元素，比如滑落的水滴和缭绕的烟雾，不仅加强了画面的动感，也突显了产品防水的特性。学员作品截图镜头向前推进，产品由远至近，结合后期的背景音乐，画面中音响好似跟随音乐的节奏在律动。背景色彩的不断变换，增强了视觉的冲击力，也诠释了该音响有12种醒目的颜色可供顾客选择的卖点。学员作品截图02口红广告大家在挑选口红时，眼光不止停留在口红本身，也在于口红的使用场景。所以在这组学员作品中，增加了演员和产品的互动，镜头多用特写来描绘女演员的唇色。学员作品截图该广告片的核心是为了突出口红多变的色彩，比如正红色代表的就是正式、严肃、有气场，水粉色代表的就是温柔、柔和、好亲近。不同唇色，适用不同场合，也代表了不同性格。为此女演员在广告中分别演绎了娇俏可爱的萌妹和气场大开的御姐两个角色。学员作品截图为了突显口红本身高级而简约的质感和女演员化身御姐时强大的气场，在在背景白墙上打了红光，为了让光互相不影响，就需要在主光和辅光的地方，把散射到背景的部分用黑旗遮掉 。03蜂蜜广告这则广告融入了生活化的使用场景，在实景棚内完成拍摄，由于涉及到多个场景，需要学员在之前就有清晰的创意构思，确定每个场景要拍摄出怎样的风格质感。学员作品截图为了体现自然舒适的风格，广告片中采用了自然与均衡的光线，女演员的皮肤也很通透、柔和。老师也会教大家如何观察室内的光线变化，通过各种灯具和附件布置出一个符合生活逻辑的光线。学员创作花絮产品有具体的使用场景，更能触及消费者的购买需求。所以该广告片就拍摄了多个生活片段，悠闲的下午茶，一勺蜂蜜可以提升甜品的口感；慵懒的午后，一杯蜂蜜水消除身体的疲乏。学员作品截图在后期剪辑时，学员们选用了连续的3个镜头跳切，让整部短片有了更好的节奏和表现力。学员作品截图

新片场线下实训

今年院线新片已经泡汤了一半，别人都延迟定档或撤档，这时候只有一个影市救星——诺兰，跳出来说：我们坚持上映！诺兰的新片《信条》昨天还上了热搜，让大家对这位科幻片大导更加佩服得五体投地。在《信条》最新预告的结尾出现了一个“炸飞机”的片段，眼尖识货的影迷嗅到了实拍的气息。《信条》最新预告截图而近日诺兰和主演罗伯特·帕丁森向媒体Total Film开诚布公：那场戏确实炸了一架真的波音747！根据诺兰口述，采用实拍的理由竟然是——“效率高”……再次被大导演的魄力和胆量折服了！诺兰表示，那场戏本来打算用缩微模型加布景，辅以特效来打造。但剧组在加州的维克托维尔考察拍摄地时，意外发现了一大批旧飞机，于是立马精打细算了一番，最终得出结论：显然买一架实际大小的真飞机用真摄影机拍出来，要比做模型来拍或搞电脑CG更有效率。诺兰笑着把自己这种行为称之为一种“冲动消费”帕丁森也在一旁偷笑，惊讶自己演了一场炸掉真·波音747的戏，怎么想都觉得这事“大胆到荒唐的地步”。当然，这不是诺兰第一次大胆实拍了。放眼全球，其实还有很多知名电影烧了很多money、花了很多人力物力，才最终完成了不可思议的实拍。所以，让我们先把诺兰的“实拍癖”讲完吧。01能实拍·诺·绝不用绿幕·兰其实炸飞机对于诺兰来说，其实已经“炉火纯青”了。毕竟在2016年拍摄《敦刻尔克》时，诺兰似乎就开始对炸飞机上瘾了：图来源：光影莫里斯除了这些近期作品之外，诺兰的作品几乎每一部中都有烧钱实拍的戏份。他曾经还有个著名的口号：我不用绿幕，因为太无聊了！图源：微博@光影莫里斯回顾他过往的电影，在《蝙蝠侠》系列里，韦恩庄园地下的蝙蝠洞就是为了实景拍摄搭建的。主演贝尔开的蝙蝠车，也是诺兰先用泥捏出了一个模型，然后拿给工程师说：去给我造一台真的出来！到了最经典的《黑暗骑士》。那场展现小丑癫狂般邪恶的“炸医院”戏份，也是专门找了一家废弃医院，真的炸了它。而希斯·莱杰也为这场戏奉献了超精彩的即兴表演，成为了载入影史的经典一幕。拍《盗梦空间》时，那场囧瑟夫在失重的旋转走廊中打斗的戏份也是实拍的。诺兰效仿库布里克《2001太空漫游》中宇航员在人工拟重轮里奔跑锻炼的拍摄技法，同样打造了一个实体的环形旋转空间。每一个结构部件都必须精准对位，建造工程也是耗资巨大。《2001太空漫游》幕后片场还有《盗梦空间》中那个永远走不出去的彭罗斯阶梯，实体搭建的；最后一场雪地追逐战，剧组也是打了个飞机直接到加拿大拍摄。而且那场雪崩也是真实人为制造出来的！连小李子在造梦出来的咖啡店那场花式爆炸的戏也是真实爆炸拍摄，并辅以CG修复的。《星际穿越》则更加疯狂，剧组种了300英亩的玉米地，最后迎来丰收还大赚了一笔。最终为了成功制造点燃玉米地的场面，诺兰在田里藏匿了10个1500加仑的丙烷罐，并且一次性点燃，配合制造出了真实的大面积燃烧。图源：微博@亭林镇无业青年影片结尾麦康纳穿过虫洞后，宇宙中的五维空间竟然也是实拍的。下面这段幕后制作花絮，揭示了诺兰和主创人员是如何通过严密的逻辑推算和超人的想象力，将这一复杂抽象的概念变得直观可见。《星际穿越》五维空间搭建幕后花絮据说，这个从书架连接五维时空的设计，饱含了诺兰的心血。因为他为了拍电影，把这书架上宇宙空间、量子物理等等的书籍全都看了个遍！如此看来，天下就没有诺兰不能实拍的电影场景，没有现成的就实景建造，实在不行打着飞机全球找。如果这些方法都不行，那一定是华纳给的钱不够了……（其实诺兰大动干戈、大花金银实拍的故事还有不少，篇幅有限，先给大家介绍这么多）02那些拍片烧钱的导演们虽然诺兰拍片很大胆，但绝不是耗资最大的。因为在电影界，就没有“最”烧钱，只有“更”烧钱！《速度与激情》算是全球最火爆的系列电影IP了，影迷们一旦看到范·迪塞尔踩下油门的瞬间，荷尔蒙就疯狂飙升。从2001年第一部《速度与激情》上映至今，这个系列共损毁了2000余辆汽车和一架飞机，一辆坦克等。截止到《速度与激情8》为止，仅是各种汽车的损耗费已经超5亿美元……而《速8》也是系列中最大胆的一部，最让人瞠目结舌的，就是群车无人驾驶追逐混乱的场面。其中还有汽车从七层楼破窗而出的戏份，都是采用真车拍摄的。据导演格雷透露，为了体现这段戏的真实性，《速8》毁了上百辆车，其中包括烧了3-4辆兰博基尼。果然大手笔！时光倒流20年，虽然《黑客帝国》也被称为“特效帝国”，著名的“子弹时间”特效更是引发了一场好莱坞特效工业的革命。但其实当时的CG特效并没有现如今这么发达，很多场景也是迫不得已进行实景拍摄的。比如《黑客帝国2》中，这个高速路追车场面。导演沃卓斯基兄弟当时特意花了250万美元，修了一条长度1.5英里的高速公路。而拍摄高速公路追逐这一场戏，更是花费4000万美元，撞毁了100多辆汽车。实际拍摄再加上后期的特效，本片1.5亿美元的成本估计有很大一块儿是投在这场戏里面了。《黑客帝国》的两部续集中，导演和特效总监联合了全球6个顶尖视觉特效公司，共同完成了多达2500个的特效镜头，是第一集412个特效镜头的六倍多。在当时繁复的特效制作背后，也是大量的金钱做后盾啊！当然，也有一些你认为可能是CG特效，但并非特效的实拍。片中雨果·维文饰演的史密斯特工是尼奥的一个劲敌。数以千计的复制人都是雨果的面孔。而这些复制人其实都是根据演员的面孔，制作出模具，在仿制出来的假人！此处求雨果·维文看到无数个自己后的心理阴影面积……而在好莱坞，有两位能把商业和艺术玩转于掌心的电影大神。一位是你知道他在拍什么，但是慢工出细活，蓄力十年拍一部作品的那种；另一位是你完全不知道他要拍什么在干嘛，但就是特想看，而且拍出来就是爆款。这两位，一个叫詹姆斯·卡梅隆，一个叫克里斯托弗·诺兰。在诺兰还没火的时候，卡梅隆的烧钱计划早就走在诺兰前面了。在拍摄《泰坦尼克号》时卡梅隆的决策则更加烧钱。影片总耗资在当时高达2亿多美元。其中泰坦尼克号的水下残骸镜头，是卡梅隆说服制作公司二十世纪福克斯，要求通过对泰坦尼克号残骸的实体摄影来加强电影的历史真实性。他召集了俄罗斯、美国和加拿大的科学家、摄影师、水手和历史学家，于1995年组织了12次潜水，才拍摄到了极其难得的画面。为了拍摄真实的外景，二十世纪福克斯在墨西哥的太平洋海岸购买了一块16万平方公里大的地区。1996年5月31日在那里设立了一座规模和一座小城市一样的摄影场。通过爆破他们制造了两个巨大的水箱。一个可以容纳6400万升水的箱子里面，装有泰坦尼克号逼真的重建模型，模型可以旋转270度。另一个可容纳有2200万升的水箱里有一等舱豪华的内部装饰。虽然在建造这个仿真“泰坦尼克号”时，救生艇和烟囱被缩小了十分之一，但半身船体和甲板，几乎都是按照实际的泰坦尼克号比例完成的。看似一部满满的特效大片，但都是卡梅隆和制作团队，把控每一个细节，努力还原现实场景，才成功地让《泰坦尼克号》具备了前所未有的观影震撼体验。03有人拍片烧钱，有人拍片磨人再从电影史往前看，有烧钱的，就一定有消耗人力的。1982年的时候时，特效技术基本还处在绘景和微缩模型的阶段。但当年的奥斯卡最佳影片《甘地传》，却高度还原甘地葬礼的空前场面。因为圣雄甘地在印度乃至世界都有极为广泛的影响，因此片方对影片的细节呈现极为重视。为此，幕后团队征用了40万名群众演员！以求最大限度地还原历史真实景象。不得不说这40万群演真的是耗资巨大了。最终，《甘地传》获得了第55届奥斯卡包括最佳影片、最佳导演、最佳男演员、最佳原创剧本、最佳艺术指导、最佳摄影、最佳服装设计和最佳剪辑的八项大奖。这样卓越的成绩，也没辜负这影片巨大的耗资，和电影人们严谨追求极致细节的态度啊。以上都是真人电影烧钱实拍的案例。但下面这位以色彩风格和运镜构图独树一帜而闻名的导演韦斯·安德森，为了拍摄定格动画《犬之岛》，可费了不少功夫。要知道，这年头做定格动画的导演越来越少了。一是因为在CG技术日益成熟的今天，有太多更先进的动画表现形式讨好观众。二是定格动画，真的太麻烦了。每一帧，都需要不同的人偶配合不同的表情。为了制作《犬之岛》，幕后团队为900多个角色，制作了几千张脸部模型。甚至为了配合主角不同表情的脸部模型，手工上色了近40000个雀斑。《犬之岛》人偶幕后制作详解不得不佩服制作团队对细节的把控.……这样数量大、质量高的制作，体现了电影人对完美的追求和孜孜不倦的工匠精神。回归国内，同样有一位大导被人戏称为“造城狂魔”。为了追求电影作品对历史的完美还原，经常为了一部戏，造一座城。1997年，陈凯歌在拍摄《荆轲刺秦王》的时候，在横店建造了一座秦王宫。2001年为拍《赵氏孤儿》的陈凯歌又在象山，打造了一座“春秋战国城”，耗资1.2亿元。而在拍摄《妖猫传》之前，陈凯歌又耗资9.7亿元。花了6年时间，种了2万棵树，按照1:1比例打造了一座唐代长安城。（现为襄阳唐城影视基地）拱桥、乌篷船，还有远处隐隐的宫廷建筑，桥上百姓摩肩接踵。雕栏玉砌，透着历史的神秘……唐宋建筑的遗风，在这里被复原。《妖猫传》显然深谙其道。最终，实景拍摄的《妖猫传》确实如一幅华丽的画卷。陈凯歌成功地让我们感受到了盛唐时代的壮美与宏大。无论是为了追求真实实拍炸飞机；还是为了死抠细节、发挥匠人精神般的神还原。“烧钱”都不是目的。根本目的，都是导演们极尽大胆的方式，对一部完美电影作品的追求。 回想Total Film采访《信条》剧组的时候，帕丁森最后还问了一句话：像这样拍电影的，在电影界将来还能有多少后来者呢？

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距官方宣布公告以来，今天是全民抗疫的第36天。《人民日报》消息显示，2月23日0-24时，上海、江苏、辽宁、福建等24地新增确诊病例0增长。湖北以外的30个省区市和新疆生产建设兵团新增确诊病例连续16天下降。这些消息无疑是振奋人心的，春风送暖，胜利的曙光就在眼前。但我们也要牢记这些数字的背后是普通人，照亮普通人的故事。一线的医护人员不舍昼夜救治患者，防护装备在他们脸上留下道道压痕；武汉志愿者车队为当地运送物资，守护逆行的白衣天使们；淘宝店家玖妹售卖晚安短信，为需要心理慰藉的人们带去温柔的力量；更有千家万户的群众居家自我隔离......正是千千万万个普通人相互守望，发出的微光汇聚成灿烂的光芒，照亮了黑暗的每一个角落。作为一家影视公司，我们也一直努力做一些力所能及的事情。1月26日，新片场学院第一时间响应号召，宣布2月份线下实训课程延期开班。 1月31日，新片场学院宣布《电影自习室Pro》终身免费学习，活动至今已有3w余名影视行业从业者领取学习。众所周知，影视行业强调实战拍摄，用作品证明实力。一个创意想法只有从文字变为视听语言，只有与观众见面了，它才完成了自己的使命，获得新生。假如没有这突如其来的疫情，此时此刻，我应该和线下实训《影视编导创作就业班》的学员们在杭州电影片场一起欣赏他们期中的学习成果——分组独立创作的短片。《影视编导课》2019年年度花絮现实情况是，由于劳动密集型的特性，影视行业离真正复工解冻还有一段时间。但请大家放心，新片场学院线下实训一直没停止前进的步伐，制定了疫情期间的教学方案:报名任意一期线下实训课程，即可任选2—4门精选线上课，提前预习，在家蓄能。近期报名截图01理论预习，赋能实战匹配线下实训，精选线上课免费送躺着就能做贡献的抗疫第一阶段已经过去，现阶段全国各行各业最重要的任务是尽快复工促产，恢复经济发展。抱着“不选最贵，只选最对”的原则，每个线下实训课程的导师根据不同的课程内容和培养要求，精心在上百门的新片场学院线上课中挑选出以下几门课程。拒绝懒肥宅，在家宜充电。通过学习精选的线上课，提前预习理论，完善知识体系，明确自己的提升方向，你可以整理好学习笔记，等到线下实训课上第一时间请教老师，提高学习效率。1《电影摄影第一课：平面摄影师进阶电影视频制作全攻略》关键词：摄影、入门原 价：519元本课程是专为平面摄影师打造的视频制作终极指南，包括声音收录、光影调试、镜头运动、序列摄影、影视后期和实例剖析，帮助大家完成从单帧画面到电影镜头运动、场景转换的成功进阶。（新片场学院独家引进并配以中文字幕。）2《分镜头脚本创作：掌握10种类型商业广告创作思路》关键词：导演、进阶原 价：698元10种代表性的广告分镜头脚本类型：情感类、创意类、状态类、故事类、游戏类、时尚类、风光类、mv、飞机稿，短视频。本套课程的核心在于通过案例提升导演解读故事脚本、创作分镜头脚本的能力。课程分为两部分：第一部分是如何读懂故事脚本，如何梳理出三大要点，了解市场上流传的广告脚本。第二部分是分镜头脚本创作思路，结合个人实战经验技巧剖析每一个镜头背后的思考。除这两部分外，还有对分镜头脚本的基本知识普及以及对广告导演工作全流程的介绍等。3《视觉叙事的艺术1：摄影场景布光技巧》关键词：摄影、灯光、进阶原 价：699元本课程分为前期制作、现场演示和后期制作3个章节，将教你有关灯光、镜头选择、现场调度、摄影机运动、声音、工作流程、相机设置、视觉结构等实用先进技术，帮助你提升电影制作效果。（新片场学院独家引进并配以中文字幕。）4《给剪辑工作者的4堂进阶课》关键词：剪辑、进阶原 价：99元主讲人董北具有10年剪辑从业经验，剪辑的广告作品有《啥是佩奇》、2019Nike《甭信我 服我》等。通过本课程的学习，你能明确剪辑师的角色定位，提高与团队协作的能力；掌握培养乐感的有效方法；学习高效出片的整体流程；学会实用的节奏控制方案，搭建剪辑结构。5《商业广告创作课》关键词：摄影、灯光、进阶原 价：非卖品，线下实训学员专属导师Lucas是《电影自习室》核心创作人 ，也是新片场学院线下实训签约老师，有大量广告拍摄经验，善于把控影片节奏与整体影像风格。本课程是线下实训《影视摄影灯光实战进阶课》的课外延展补充，针对性强化学员的灯光意识，详细讲解曝光控制，采访拍摄的注意要点，结合实例逐步演示美术场景的搭建以及同一场景如何通过镜头运动和灯光打造不同质感。6《电影自习室pro》关键词：全流程、入门原 价：已终身免费渣哥的《电影自习室》可以说是新片场首屈一指的“爆款IP”。《电影自习室pro》作为升级版，更系统、更全面地详解影视制作全流程，教大家如何从头开始制作出一部精致影片。《电影自习室Pro》课程分为基础课和实战课两大板块，包含摄影、灯光、声音、剪辑、调色和实战训练6个章节。基础部分适用于全面了解影视制作每个环节的基础知识，而实战环节，会对类型片创作提供实用制作技巧和创作思路。7《5天pr剪辑入门课》关键词：全流程、入门原 价：限时免费课程分为5小节，专为剪辑零基础的同学设计，从素材管理、常用功能详解到成片导出，帮助你快速掌握Pr剪辑技能。02什么是新片场学院线下实训？新片场学院线下实训的口号是“面对面快速提升影视实战技能。”从2017年7月至今，新片场学院线下实训已经走过上海、北京、杭州、广州、成都、台州、大理等地，完成了百余期课程教学，培养了来自全国各地的2000多名学员，已经具备了完善的教学体系、良好的口碑、丰富的作品成果。成熟的教学方式所有的线下实训课程都是“理论实例演示+实践创作作品”。前几天的理论环节，老师会利用现场设备讲解，让知识点直观呈现； 影视编导课现场照实例演示环节，学员先实践、试错，老师再指导、讲解，此形式能够充分暴露并且高效解决学员拍摄遇到的问题； 电商广告课现场照创作环节，在老师全程指导下，学员们分组完成个人作品；最后毕业环节还设置成片总结和问题梳理。清新类短视频制作课现场照我们提供专业设备和制作团队，打造项目同级别的创作环境，始终围绕“实战”，旨在让你能在真实的创作过程中发现执行问题，积累主创人员的直接工作经验，突破传统成长方式，快速获得职业技能提升。摄影灯光课、广告导演课现场照广告导演课、摄影灯光课相关配套完善的课程设置目前新片场学院线下实训共有6门课程，长期班和短期班结合，覆盖各种级别项目，适合不同基础学员，满足他们不同的学习需求。1《电商短视频广告实用课》关键词：摄影、入门、短期班本课程核心观点是“低成本高质量”和“小团队”，帮助大家6天玩转电商短视频，利用低成本，少人力，制作出高品质的影像。2《清新类短视频制作课》 关键词：摄影、入门、短期班本课程以旅行拍摄、情感短视频为切入点，重点突出自然光的妙用，微剧情的拍摄剪辑思路和小成本调色技巧。最大程度降低视频创作对器材的依赖，让每个优秀创意得以实现。通过导师演示+学员实践的7天学习，你能掌握清新类短视频制作全流程和必备拍摄技能。3《影视编导创作就业班》关键词：编导、入门、长期班本课程针对影视类编导培养方向，一个月的系统学习和创作，让每个学员都具备独立完成创作的编导能力，收获3大类型个人作品。教学内容和教学成果完全与市场对影视类编导的用人标准接轨。丰富的作品类型和高标准的作品质量，不但让你掌握专业的技能，更会助你完成一张完美的简历。4《影视摄影灯光实战进阶课》关键词：摄影、进阶、短期班本课程将从职业摄影师的角度出发，聚焦摄影&灯光方向的专业知识，为大家解析构图、镜头、镜头运动和光影对画面的作用。同时，导师会结合丰富的一线创作经验，现场布光，打造别具匠心的画面，强化学员的灯光意识，也会传授职业摄影师必备的思维逻辑以及团队沟通技巧。5《广告导演全流程实战课》关键词：导演、进阶、短期班本课程以创作出优秀的导演作品为目标导向，7小时实景基地的超长创作时间，专业广告剧组团队协助拍摄，电影级摄影&灯光器材强力加持，豪华配套加速打造个人导演作品。同时，本课程采用8人精品小班制教学，导师全程指导每一位学员的创作，帮助学员们在实践中找到适合自己的导演发展方向。6《影视摄影职业技能培训班》 关键词：摄影、入门、短期班本课程采用“师徒式”教学方法，能够在学习之后掌握架机位、测量焦距、跟焦，以及器械拍摄（轨道、dolly车、三轴稳定器、摇臂等）的辅助工作，快速成为一名能被市场所认可的摄影助理，为未来的摄影师之路打下坚实的基础。每一位完成全部课程并获得A+认证的学员，将得到全职工作机会；每一位完成全部课程并通过结业测试的学员，将有机会获得实习机会，由新片场和源莱传媒直接输送到各个剧组实习或就业，无缝衔接，真正做到毕业即就业！新片场站内流量加持依托于国内最大的创作人社区——新片场，新片场学院线下实训具有雄厚的师资力量，邀请业内一线创作人为课程导师，学员能够获得行业一手资料，紧跟市场发展动态，积累高质量行业人脉。新片场有自己的新片场官网、场库官网、新片场App和场库App，优秀学员作品可推荐至新片场首页。作品上首页后会同步更新在电脑端和手机端，意味着你将短时间内获得更多的关注和机遇。广告导演课、摄影灯光课学员作品混剪03报名须知活动一活动时间：2020.2.21—3.15活动规则：活动期间报名《电商短视频广告实用课》《清新类短视频制作课》即可任选上述2门线上课;报名《广告导演全流程实战课》《影视编导创作就业班》《影视摄影灯光实战进阶课》即可任选上述4门线上课。活动二活动时间：2020.2.21—2.29活动规则：1、分享此篇文章至朋友圈并集赞20个； 2、分享此篇文章到一个20人以上影视类群聊活动期间报名任意一期线下实训课程，完成转发集赞任务并截图给客服，即可享受尾款支付时减免999元学费。END抗疫尚未成功，我们仍需努力！每个人都在用自己的方式，让生活回归有序。请你足够相信，待到山花烂漫时，我们如期而至。扫码咨询

新片场线下实训

《双子杀手》终于在李安的带领下，在中国院线登陆了！此前，很多人说《双子杀手》口碑扑了，一大原因就是作为公认的世界电影风向标的美国媒体评价爆冷。烂番茄新鲜度29%(7评)，MTC是33分(0好评2中3差) 创下了李安的口碑新低。但同时《双子》在法国却是口碑一片向好，普遍四星好评，从导演、剧本、表演到视效、拍摄技术，逐个夸了个遍。看完这种两极口碑，不免让我想起上一次李安的《比利·林恩的中场战事》刚上映时，也面临着如此局面。时隔三年，李安这次又失败了？还是我们错怪他了？其实也不难理解，文化的差异导致了不同地区的观众对同一部电影有很大的观感差异。美国媒体一向都是更看重剧情，看重娱乐性，而法国媒体则更注重影像，在意的是作者性。《双子杀手》主创但是！别人的评价只能是参考，还是只有自己真正看过影片，尤其是在CINITY厅亲自体验过4K 120帧“顶配”《双子》后，才能真正的感受到了这部影片究竟如何。今天厂长就为你详解李安这个“电影技术杀手”的拍摄奥秘！01剧情扑了还是爆了？终于等到18号零点的首映，抱着对技术的满心期待以及对剧情的低要求进了影院！先不说影片如何，影片放映完人们都不约而同自发地鼓起了掌，而演职人员表结束滚动时又是一阵掌声，我想这是观众对于一名电影的先驱探索者最大的肯定。说回剧情（可能略涉嫌剧透），在我看来其实并不复杂。这是一部披着克隆、特工、动作片皮的李安式哲学电影。特工亨利（威尔·史密斯饰），在准备退休之际意外遭到一名神秘杀手的追杀。在两人的激烈较量中，他发现这名杀手竟然是年轻了20多岁的自己，一场“我与我”的对决即将展开…很多人说这部影片很“李安”，因为双重父子关系等等，将老亨利（51岁的史皇）和小克（23岁的史皇）解读成父子关系，以为李安又想来探讨伦理关系和弑父情结。亨利和小克之间更像是年龄跨度较大的“兄弟”，严格来说是年老的“自己”和年轻的“自己”的自我对话。亨利与小克之间的追逐战更像是我们年轻的时候偶尔会预感到老去的自己会有多面目可憎，所以小克对亨利的追击虽然心有疑惑但仍毫不留情；而年纪大了往往会对于自己的一生有所悔恨和遗憾，希望可以穿越回去劝诫自己。所以亨利对小克多次忍让，并在最后阻止小克杀死反派，也是因为他希望年轻的“自己”不要重蹈覆辙，能有一个完整的心和完整的人生。不过仁者见仁智者见智，虽然网上众多讨论故事剧情的帖子五花八门，但大多数人在意的故事，却并不是技术狂热者李安感兴趣的。李安在采访中说：“故事并不吸引我，但是这个元素，一个大家都很熟悉的人，电影和他自己，两个人并排演戏，而且这两个都是真人，那是是以前看不可能经历的感觉。我很期待看到，这样演出来的戏是什么样的感觉。”说穿了，李安根本没想通过这个剧本表达什么深度的内容，而是更像是一种对自己拍电影技术的挑战。李安专访-“拍《双子杀手》像回顾自己的生命”?02两个史皇的互杀？剧情之后不得不提的就是李安带来的新技术。我们以为李安是文艺片专业户，只是近几年才开始沉迷技术，事实上李安在学生时期就已经是一个“技术痴”了。《少年派的奇幻漂流》李安自己曾提到：“导演（director）就是给方向（direction）的人。从学生时代起，我拍片就有个目的：想练习一样新技巧。……直到现在，我还保持这个习惯，每拍新片总希望能触摸一些新技术。我拍片的胃口很大，有很多好奇心，学到某个技术，就会有快感；而且我希望做出不同的效果，令人印象深刻，我就有很大的满足感。”《双子杀手》对于李安来说要解决的第一难题，就是如何完美还原一个年轻30岁的威尔·史密斯。而最好的办法就是用CGI技术打造一个“人”。2015年的《终结者5》通过CG实现了施瓦辛格年轻化，2016年的《美国队长3》也让小罗伯特·唐尼重回小鲜肉，但是无法与现实演员长时间进行互动。今年的《阿丽塔》是一个由3万台电脑、800位特效人员耗时2年打造出的超级高仿“虚拟人”，她可以和真人演员在现实场景中一起出现，但是这仍然显而易见是一个假人。事实上，这并不算是什么新技术，但从没有一部电影像李安这么大胆，让数字打造的23岁的史皇跟50多岁的史皇在现实场景中进行如此长时间的互杀对手戏！《双子杀手》的最特别之处也在这，一个演员同时饰演年龄跨度如此大的两个角色，不仅要在外形转换上做到天衣无缝，也要在情感切换上毫无违和。尤其是4K+120帧的高清影像下，所有细节都必须无懈可击。李安再次和《少年派的奇幻漂流》的特效制作者Bill Westenhofer、以及全球顶尖CG特效公司Weta Digital合作，动用500名视觉特效师，花了整整两年，打造出一个23岁的威尔·史密斯。整个特效团队解构了威尔·史密斯的每个身体部位，细致到每一寸肌肤。《茶煲表哥》(1991)他们回顾了威尔·史密斯早期所有角色，包括电视剧The Fresh Prince of Bel-Air、《六度分离》、《绝地战警》、《独立日》等，还有生活中的素颜视频，如家庭录像等，几乎找来了他20多岁时的所有视频素材。1989年威尔·史密斯21岁时的录像视频特效团队还划分成不同的组，研究牙齿的，研究嘴唇的，研究皮肤的等等。他们还花了很长时间研究威尔·史密斯的眼睛，因为眼神是演员表达情绪的最重要武器，细致到巩膜、角膜、脉络膜。当然，工作远不止这些，他们需要模拟肌肉运动、血液循环、呼吸频率...而在拍摄时，威尔·史密斯只需带上一个头部装置，在脸上布满摄影机跟踪的点位，模具上的两台摄像机可以完整记录他每一个细微的面部表情。特效师再通过模具校准脸上所有的跟踪点。然后跟踪点通过电脑进行数字空间上的计算转换，在虚拟形象上重构整个面部和表情细节。于是电影里的小克就有了如假包换的皮囊和丰富而变化的表情情绪。虽然可能是为了展示小克的逼真，各种近景特写实在有些多……当然也要感谢威尔·史密斯是个无畏而敬业的演员，既能演出中年亨利的成熟和沧桑，也能演出青年小克的天真和冲劲。在看电影时，即使明明知道小克是一个假人，是虚拟的，但还是会被他躲闪的眼神、因为烦恼而拧在一起的眉毛、感到被欺骗被背叛的流泪而吸引。李安说“有些人说这是技术，但事实上这就是艺术。”“我们模仿的是上帝造人的过程。创造一个鲜活真实，看起来有自己思想的真人。”03120帧怎么爽？第一遍，我只是看了一个60帧的点映。但当厂长在“满配”模式下二刷过后的感受，就一个字：爽！120帧，才是李安在这部片中注入的最大野心！但与CGI造人技术不同的是，120帧拍电影，却有人看好有人唱衰，没有一个定论。然而必须知道的是，现阶段普遍的24帧只是时代选择下的刚好够用，并不是极致。其实一开始电影的帧率并不固定。例如早期卢米埃尔兄弟拍摄的是 16帧，而爱迪生则推荐采用 46帧进行拍摄。直到30年代学院派才定下24帧为电影拍摄标准，其实我觉得这更应该叫“底线”。因为这是人眼能接受的最低极限，再慢就会识别出是连贯的照片而不是一段动态视频了。80多年来，电影艺术一直被称为“24格的真理”，因为24帧画面细微的卡顿感和我们常说的动态模糊（Motion Blur）以及胶片带来的较暗的色彩效果，已经成为对所谓“电影感”的一种固有印象，所以我们才说24帧看起来像电影。而且，据李安讲解：“24帧/秒只是行业习惯，其实就是片商为了低成本考虑，它本身是低帧率的，没有什么科学道理。”任何时候都不缺寻求突破的人，早在1956年的时候上映的《环游世界80天》就是用的30帧每秒拍摄，可惜这个帧率当时的影院都不支持，还是只能以24帧播出。2012年的《霍比特人意外之旅》尝试用48帧来拍摄，然而全球当时只有1/150的影院的屏幕支持这个帧频，48帧的版本在中国始终没能播放出来，但是这也传递给了世界电影一个信号：高帧率电影正在进入全球影迷的视野。2016年李安用《比利·林恩的中场战争》带来了更真实的120帧，但是全世界也只有6家影院支持，大多数人都未能感受到120帧的真正体验。也有很多反对的声音，北美媒体也曾总结过“HFR（高帧速率）电影”遇冷的原因：“额外的细节，超真实的画面有时候会阻碍观众的注意焦点。从而影响整个观影体验，尤其是这个故事还并不让你喜欢。”可是对李安而言就如同打开了新世界的大门：“在拍国语片前，我想再试一下好莱坞的技术，毕竟他们的工业体制相当完善，我想看一下我还能做什么。”在李安看来，120帧只是一部电影最正常不过的帧率，“电影的帧率固定在24帧是因为比较容易做到，包括亮度也是因为如果太亮胶片就会燃烧”，李安介绍道，电视目前已经可以达到60帧率，据研究，人眼在超过800帧率时才会无法辨认。以前一直是电视追赶电影，但是现在却是一成不变的电影规格被电视远远甩在后面。电影的24帧已经太久了，如果再没有新的突破，那么家庭影院可以看的影片为什么还要花更多的钱去电影院看呢？低、高帧率观影《双子杀手》示意图“电影之所以这么好，是因为一百多年来，一个接一个的天才，一个接一个的工匠，多年来汲取观众的反馈，它变得非常复杂。”詹姆斯·卡梅隆曾表示，采用每秒48帧或者60帧画面的方式拍摄是为了更好的服务于3D技术，制造出更加真实更加完美的影像效果，在真正意义上给观众提供一种身临其境的观影体验。而4K+120帧+3D的《双子杀手》则真实到可以看见人物脸上那些细小的皮肤颗粒、花园里飞舞的蚊虫（以前只能通过演员拍脸的动作和常识知道那里蚊子很多）。120帧在《双子杀手》中的好处，更具体一点的例子，就是两代史皇的这场追车戏。早年间，摄像机架在摩托车上，开30迈的速度，用反复的抖动、横移、高速剪辑可以做出100迈速度的效果。因为在24帧下，速度再快观众也看不清。但如今最大的进步就是：李安拍一场摩托车追逐就有无数种方式更过瘾的呈现。他可以用长镜头第一人称拍摩托车高速狂奔、可以拍第三人称视角摩托车甩尾飞去、可以拍摩托车追逐时，演员相互射击、可以拍摩托车摔毁，甚至爆炸的细节。甚至连摩托车行驶过程中自然的车尾抖动，都看得一清二楚！不得不说，这是我看过最舒服最刺激的一次3D电影。李安说：“当你体验这个电影的时候，就开启了完全不同的观影体验，那是另外一个世界，而这是属于数码应该做的事情。”尾声有人说：“（李安）是在错误的时间做（可能是）正确的事情。”但是如果现在没有人做，所谓“正确”的时间又什么时候才会来呢？不可否认的《双子杀手》带来的技术革新确实对行业内产生了震荡，至少会有更多的影院支持高帧率电影。三年前，国内能够放映120帧的影城仅有2家，到10月18日《双子杀手》上映时，国内能够完整演绎4K+3D+120FPS的影城已经有超过30家。华夏与Real D，与李安在加拿大的数字技术工作室进行技术合作，研发出了一套整合了“4K+3D+120fps高帧率（HFR）、高动态范围（HDR）、广色域（WCG）、沉浸式声音（Immersive Sound）”的全新放映系统，取名为“CINITY”通过李安和华夏电影，好莱坞大片有史以来，第一次彻彻底底的将中国设为了主场，也为中国观众带来了最前沿的观影体验。目前为止，支持60帧/3D放映的影院已达5000多家，支撑80%的中国票房市场。现在全国已经有30块CINITY银幕。10月底会有将近50块，到年底会增加到100块。从某种程度上讲，这次CINITY影厅的建设，更多体现了国人的智慧和国人通过近些年市场变化之后所做出的应对策略，在未来也会有希望打破欧美对高端影城技术的垄断。而硬件的升级也给了更多人探索的信心，也会有更多好剧本和想法被发现、被创作、被呈现在观众眼前。李安与他的技术有着非同寻常的意义。十年前，2009年上映的《阿凡达》，用令人耳目一新的特效技术撬动了中国的电影市场，不仅收获了13.78亿元的高票房，还使得IMAX被大众接受且愈发普及。十年后的今天，无论最终《双子杀手》在国内票房如何，都不会是高帧率电影的句号，而只是高帧率电影的又一次尝试和起点。“电影看了100多年也是这个样子，演了很多东西，其实很多东西已经僵化了，制式化了。在全世界很多地方的观众有点疲惫，尤其是美国。我觉得反而中国观众对看电影这回事还挺带劲的，所以我觉得充满了希望。”还记得，3年前《比利·林恩》上映的时候，李安曾经说过：“这就是电影该有的样子，你们可以骂我，但技术是无辜的。”

新片场

前几天由复联4掀起的霸屏运动正在如火如荼地进行着。虽然它占领了接近90%的院线场次，这两天上映的内地影片可谓是夹缝中生存，但这夹缝中却顽强地生长出了一棵生命力强盛的小草，它就是在今天公映的《撞死了一只羊》。《撞死了一只羊》在定档之时，复联4的定档消息还未发布。在听说跟《复联4》撞档后，《撞死了一只羊》片方一度考虑过要不要改档，监制王家卫坚持觉得，电影院也不能只放《复联4》啊，不改了！厂长一度想起当年跟《美队3》撞档的《百鸟朝凤》，当时《百鸟朝凤》出品人方励为求周末增加影院排片，心酸下跪。难道这次的《一只羊》又要重演此幕吗？王家卫已经先发出了力挺本片的誓言：这样有力度的一席话，也无疑打动了很多观众和影院。然而这到底是一部怎样的电影，敢坚挺于此，竭尽全力用0.1%的空间搏出中国艺术电影99.9%的未来？在影片上映前的一个周二，厂长来到了导演万玛才旦在北京暂时的住所，来了一次关于《撞死了一只羊》的采访。万玛才旦向新片场粉丝问好万玛才旦是谁？这是一部怎样的电影？国内的少数民族电影经历了从上世纪的国家化叙事向个人化叙事的转型，而这种“转型”，普遍被认为是由2005年的《静静的嘛呢石》带来的。也正因此，万玛才旦被世人冠以“藏族题材电影第一人”的美誉。在去年的第75届威尼斯电影节上，万玛才旦带着他的藏语艺术电影新作《撞死了一只羊》，斩获地平线单元的最佳剧本奖。在金马影展上，这部电影分别获得了最佳导演和最佳改编剧本两项大奖提名，在今年的亚洲电影大奖上，它又以最佳导演、最佳摄影、最佳原创音乐等多项提名成为获奖热门选手。除此之外，电影还拥有金像、金马获奖团队的配置：监制王家卫（代表作《东邪西毒》《重庆森林》《一代宗师》）摄影指导吕松野（第52届台湾金马奖最佳摄影奖提名，代表作《塔洛》）音乐林强（五届金马奖最佳原创音乐获得者，代表作《刺客聂隐娘》《天注定》）声音指导杜笃之（九届金马奖最佳录音、最佳音效获得者）剪辑指导张叔平（凭借《重庆森林》《一代宗师》获香港金像奖最佳剪辑，王家卫御用剪辑和美术指导）▲从左到右顺序分别为张叔平、林强、吕松野、王家卫、杜笃之绝对360度无死角的大师班底！《撞死了一只羊》幕后特辑两部小说的珠联璧合在成为导演前，万玛才旦是以小说家的身份为人所知。他从上世纪90年代开始就发表文学作品，然而大部分题材都是藏族生活。《撞死了一只羊》就改编自次仁罗布的小说《杀手》以及万玛才旦的同名小说。在导演的豆瓣上是这样介绍这部影片的缘起的而这部影片在构思之初，甚至早于威尼斯电影节地平线单元奖最佳影片提名的《塔洛》。将两部小说糅在一起，让这个故事发生了奇妙的化学反应。都是发生在公路上的故事，背景和文化上又很接近，佛教里救赎和施舍的善念贯穿全片。于是，一个撞死了一只羊的司机，和一个想要复仇的杀手，在这部电影里神奇地相遇了。“相遇的这场戏份，全剧组都在等风，但是天气是说不准的。”如果你看过影片会发现两位主角相遇的场面风沙滚滚，尘土满面，增加了影片的不确定性和悬疑感。“我把自己的小说放在了前半部分，次仁罗布的小说放在后边，用两位主角进行串联，同时也让两个人冥冥之中产生联系。” 这点厂长觉得十分有趣，因为在观看影片时故事十分流畅，完全没有两部小说中的故事依次登场的感觉。床戏必不可少！电影中有一场床戏，就是司机金巴背着半扇羊肉去会情人那场。导演自己的幕后手记中说：平常拍夜戏时一般无关人员都不会来，但是那天晚上似乎全剧组的人都到了。我看到大家互相打招呼时的表情都很暧昧，神秘一笑似乎彼此就心领神会了。我笑着跟旁边的摄影或者副导演说：今晚的气氛还挺诡异的。摄影师或者副导演回答我说：万玛才旦要拍床戏了，大家当然好奇啊！导演跟厂长透露，这段床戏其实在两本小说里都没有的。“加了这样一场戏，人物有了一个转折点，让主角金巴意识到了他和杀手命运的关联性。这样的转变需要一个具体的设置，那就是他的心思不在床事上。但电影本身是凝聚的艺术时间不会很长，这场戏又很重要。所以需要一些其他辅助的场景来强化，比如他们暧昧的关系，情人是怎么出场的等等。” 这些都是为了通过床戏体现金巴内心的转变。两种康巴汉子片中两个主角的相遇也非常具有戏剧性，且非常具有表现力，表面外形上完全不同，却有着相同的信仰内核。在选角的时候，万玛导演的三字真经就是——“凭感觉”。《撞死了一只羊》中的司机金巴同样出演过万玛才旦的上一部影片《塔洛》，并凭借此片获得金马奖最佳新人奖的提名。“但杀手的演员我们就找了很多，从气质上要跟司机有明显的差别，比较颓废，眼神上也比较忧郁，甚至眼球上有血丝。最后决定了演员更登彭措，两个主角各自穿上行头，放在一起，拍定妆照和视频时你会发现，两人呈现的反差十分明显，那个感觉就是我想要的。”然而观众看到的是影像，光凭演员自身外形和气质的差别还不够，所以要想一些办法完成视觉上的夸张和对比，“杀手是一个典型的康巴汉子，穿戴很旧但符合传统，这跟他的执念更相关，他要遵循传统的力量，用传统的方式在路上行走多年，只为完成最后的复仇。但这个杀手很柔弱，辛劳的奔波无法让他是很健康的，所以我们要故意让他咳嗽几声，有一种生病的感觉。”“相反，司机金巴虽然也是一个康巴汉子，但作为一个运输司机，他跟外界有很多接触，这从他的服装、抽的烟、听的歌曲就能看出来。他也会保持着一些康巴人传统的特征，比如他的饰物、手上的戒指。”“说是司机与杀手，但两位主角在片中的名字都叫“金巴”，金巴在藏语中的意思就是施舍。”4:3+黑白+胶片质感本片最让厂长印象深刻的就是影片选择的画幅比例，以及画面呈现出粗粝的胶片质感。这一尝试，也是万玛才旦的第一次。他也解释了做这个决定的理由：“这跟我们想呈现给观众的年代感有关系，但对年代做了一个模糊化的处理。4：3的画幅以及胶片质感就想体现这个故事不是发生在当下的，但具体哪个年代也不会明确表现，只通过司机听的卡带、喝的啤酒瓶子等元素来带给观众一点年代的距离感。”“这部片子其实是比较荒诞的，我们就要找到一种贴切的视觉表现方式。4:3的画幅是为了强调他们内在的人物关系。同时影片也没有一个明确的时代背景，这样的设置能让观众产生一定的时空距离，以及年代感。” 视觉和色彩是三个时空的载体不仅4：3的画幅是亮点，本片还运用了大量的黑白镜头、还有看起来如梦似幻的变形镜头。据万玛导演跟厂长透露，视觉形式的变换也是为了更清晰地呈现片中的“三个时空”。分别是“现实的时空、回忆的时空、梦境的时空”。这种时空的变化就蕴含在画面的色彩和镜头的表现形式中。酒馆的戏份也作为“时空转换点”显得格外重要，室内场景温暖的色调和两位金巴望向窗外大雪纷飞的黑白画面形成了鲜明的对比，同时也构成了两个人物内心的连接。两个“金巴”最有趣的地方不过于杀手呈现出来的柔弱，而司机外形的强壮。万玛导演自己对这样的设定也给出了解释：“他们两个金巴可能互为一体，因为一个人会具有两面性，杀手表面柔弱，可是复仇的执念异常坚定，司机金巴他看起来强壮粗野，但撞死羊之后想要超度这只羊又体现了他的慈悲心。”可这种由外到内的对比，最后在两个人身上好像发生了一种互换。最终有慈悲心的司机，在梦里完成了这次暴力的复仇。而万玛才旦说，这不是“一次看似暴力的复仇，而是一种大的慈悲”。“杀手虽然最终选择了放下，但他的内心是煎熬的。杀手要复仇的那位老人的内心也是很难放下自己的罪恶感的，所以他才会每天去转经。而司机最终替杀手完成了这样的复仇，其实是对他们最大的解脱。”最后的最后，金巴梦醒，再次开上货车驶向远方，他摘下从未摘掉的墨镜，眼前的一切仿佛都更明亮、更清晰了……《撞死了一只羊》终极预告厂长已经许久未见这样能给内心带来净化的电影了。去观影的你，在这种亦真亦幻，现实、回忆和梦境的交错中，既体验了一次脑力运动，又接受了一次心灵的洗礼。关于影片奥义的答案，今天厂长只是听到了万玛导演自己的版本，但他也完全接受“87分钟的电影看出87种解读”，“这本身就是一个充满多义性的故事。就像小说一样，多义性正是它的魅力所在。” 这样的感动大概也是艺术电影最迷人之处吧。说了这么多，你可能要说厂长是不是有点吹过头了，我只是真心不希望这样一个在当今中国电影市场中如此特立独行的存在，被普世的流行电影文化淹没。多年后的我们，或许也能回忆起当年有这样一部藏语电影，在可可西里的沙漠狂风中独行，却与我们的心灵碰撞出了一片广阔深厚的精神世界。这才是《撞死了一只羊》带给我们当下中国电影最大的财富。-END-

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电影，好似一盏巨大的回忆时钟。在光影的流动里，在演员的表演里，在原声的嘀嗒里，传统与现代、历史与乡愁、错身与孤寂，交织在了一起。《阿飞正传》于6月25日首次在内地院线公映，并通过全国艺术电影放由映联盟专线与全国观众见面。28年后，再见无脚鸟。这部由邓光荣(Alan Tang)制作的影片，在王家卫说来只是一部“场景设置在六零年代的爱情故事”。王家卫不止一次地在接受媒体采访时表示，“那些风格和视听语言，我并不是在拍摄之前就已经想好的。甚至在拍摄中，我也没有特别刻意去营造。一切，都是这部电影自觉形成的。”无论如何，《阿飞正传》构建出了王家卫电影的一个商标形式：留白的情绪碎片、纷繁的视觉与音乐、错失的情缘、以及忧郁的记忆承载。关于王家卫的电影风格，谭家明有一个这样的观点——“王家卫的作品，其实他最后整个东西出来的形态都是从剪辑那里建立起来的。他的灯光和构图都很好，这个他自己可以在开拍前确定，但故事结构和风格大概就是由剪辑雕刻出来的。塔尔可夫斯基不是讲， 剪辑就是“雕刻时光”嘛。 ”就形式主义而言，《阿飞正传》正式宣告了“王家卫电影”的诞生。我们可以注意到，影片中出现了大量水和时钟的镜头。这两样东西，后来还曾反复出现在王家卫的《春光乍泄》和《花样年华》之中。《春光》里的瀑布和广场上的时钟；《花样》里的大雨和巨大的石英钟，等等。流逝的回忆、瞬间即逝的时光，成为了王家卫电影的重要组成部分。具体地说，在影片开场段落，张国荣饰演的旭仔在离开那个小卖部的时候，景深里就是一片波光粼粼的光影流动。这一现实环境因为有了如此超现实意味的打光，一下子强化了“水”的意象。回忆变得朦胧，飘忽了起来。后来，王家卫在《春光乍泄》里表现黎耀辉回忆何宝荣在其房里疗伤的那段黑白影像，用的也是这个手法。Shot_01：张国荣入画(画面内回响着他脚步声，复调声音)。男主角带领观众进入故事世界。影片开场，总共有出现三次，诸如此类的镜头跟在男主角身后，由画外空间进入画框内空间(故事世界)的运动镜头。男主角强势的入画，象征了他对于整个叙事的杠杆效应。在影片中，所有的情节转换点，都是由他来带动的。Shot_02：下午三点的时钟，以空镜头的姿态插入在开场段落。脚步声渐息，取而代之的是时钟的嘀嗒声(复调声音)。在嘀嗒声里，旭仔对苏丽珍说，“你叫什么名字？”一场情事在嘀嗒声里拉开帷幕。Shot_03-Shot_04：随着苏丽珍对画外空间的“看”(详见后文)，影片的主题配乐幽幽地响起，画面直接切入到一片丛林。后文可知，这是一个闪前镜头。这个镜头的视点可以称为旭仔的主观视点也可以作为摄影机的客观视点。有趣的是，由于这个镜头没有明确的视点来源，我们亦可以将这个镜头理解为另一种形态的苏丽珍的主观视点。笔者认为，这是一种肉身并不在场，情感线索却一直延续着的诗意镜头。Shot_05：随着丛林镜头的不断横移，影片出片名。笔者认为，影片的英文名“Days of Being Wild”正是在隐射港人对于九七回顾大限之前的最后狂欢。是颓废到底？是远走他乡？是留守故地？影片中的各色角色其实都在做一个自我身世归属的事情(旭仔的寻亲之旅就是一个极佳的诠释)，他们的何去何从，正是在从一个个侧面隐射香港的何去何从。Shot_06：随着横摇丛林镜头的淡出至黑屏(一秒)，影片的开场段落结束。出现在影片正文部分的第一个镜头，正是这个镜头。这个框中框的构图，似乎在暗示着画面中的人物陷入了某种“局面”之中。此外，矩形、垂直体、三角型、圆形，各种几何形状的物件，鳞栉次比地出现在画面之中。显然，此时的时钟还并未以一种强势的姿态，霸占主画面。但是，它已经高高地悬挂在了主角的头顶上，隐约可见。Shot_07：旭仔第二次来到小食部。我们可以注意到，旭仔身后的景深处是有人物在那里走动的。由此可见，这个景深是一个实景(对比后面出现的虚景)。而且，景深处的光影错落(亮-暗-亮-暗-亮-暗)又正好与影片最后倒影在旭仔脸上的明暗光影交叠，形成呼应。真可谓，他从时光里来，他又回到了时光里去。Shot_08：“没用的，你一定会见着我的。”旭仔丢下这句话之后，离开。镜头随之切换到苏丽珍头顶上的时钟。对比Shot_06，时钟开始在画面中占据主导位置。Shot_09：在时钟的嘀嗒声里，影片的主题配乐再度响起。有趣的是，此时的配乐音效，好像来自梦境里的声音。乐声里，苏丽珍莞尔一笑。《阿飞正传》、《花样年华》、《2046》，三部电影并没有绝对的剧情上的逻辑串联。除了一点，三部电影都有一个名叫苏丽珍的女子。但是，三部电影在情绪感知上是一致的——怀旧。我们都知道，王家卫五岁那年(1963年)，随她母亲，自上海去到香港。但是，王家卫在影像世界里复刻的那个六零年代，完全是依赖他的个人记忆的。他对法国影评人Michel Ciment说道，“我想换回从前的那些记忆。我害怕这些东西以后我会忘却。”更加有意思的是，王家卫本来确实是想将影片设置在1963年的。为何后来成为了1960年，王家卫先后在二次采访时说道，“为了John F. Kennedy选举”、“为了Apollo太空任务”。无论如何，时代新篇章的感知，油然而生。王家卫更是确切地告知Berenice Reynaud，“《阿飞正传》里面的那个六零年代的香港，并未真实地存在于现实之中。这是一个虚构的世界，一个想象的过去。”当然，出现在影片之中的所有服装、道具包括场景建筑都是王家卫经过细密考据之后的产物(张叔平 语)。Shot_10a-Shot_10b-Shot_11：镜头从旭仔手腕上的手表慢慢摇到两人的脸部特写镜头。随即，镜头马上切换到挂在墙上的时钟(特写)。嘀嗒声里，两人共同度过了“一分钟”。Shot_12：“一九六零年四月十六日，下午三点之前的一分钟……”我们可以注意到，在说这段台词的张国荣的脸与前一个镜头里时钟的脸，正好处于同一个位置。我们可以这样来理解旭仔与苏丽珍之间的情事，他们两人之间的关系，始终是旭仔在主导的。后文可知，旭仔和“一分钟”成为了苏丽珍的梦魇。对于苏丽珍来说，旭仔和一分钟是“等量”的。Shot_13：苏丽珍的旁白，“我们由一分钟的朋友变成两分钟的朋友，没多久，我们每天最少见一个钟头……”音轨上是持续不断的嘀嗒声(复调音乐)。尤其值得我们回味的是，景深的尽头成为了一个无人的“虚景”(相对Shot_07)。粼粼的波光倒影在那个小房间之中。一场镜花水月的情事，正式上演。Shot_14：旭仔依旧在这段关系中占据主导地位。交错的体位，暗示出了两个之间即将引来一个所谓的“命运分叉口”。果然，苏丽珍试图让旭仔娶她，被旭仔拒绝。丢出狠话，“你这里，我以后再也不会来了。”据说，为拍这段戏王家卫NG了七十几次。Shot_15a-Shot_15b：一个框中框的构图，使得人物(苏)陷入困境。一个移焦，使得人物(旭)成为画面的主导。王家卫利用极为简约的构图和移焦，一下子烘托出了旭与苏之间的关系。苏的空间是狭小局促，旭的空间的相对开阔。Shot_16：一个可以管窥到王家卫作者笔触的镜头。苏离开，有人反复地擦拭镜子。王家卫的电影，如果我们有一句话来总结的话，或许我们可以这样说，“那些弥漫在梦里的甜蜜、时光里的往事、镜子里的伊人，不断地错失、错失成那一段段在期待中渡过一生聚散的情缘。”Shot_17a-Shot_17b：一个由镜像摇到实像的镜头。纵观整部影片的移动镜头，大凡都是由手表(表示时间的器物)或镜子移动到相关人物。如此，时间与镜子便成为了一对等量关系。真可谓，镜中人儿百事非。我们再单独来看这个镜头，需要注意的是，一旁的花朵与镜中人的服装，相映成趣。Shot_18：又是一个镜中人的镜头。有趣的是，旭仔留给她的那只耳环，与其身上的服装，再度相映成趣。Shot_19：刘嘉玲饰演的舞女露露来到旭仔的住所。我们可以注意到，包括旭仔在内，整个空间的色调是偏灰的。但是，随着露露的入画，画面中一下子有了一抹靓丽。而且，露露入画的第一个动作就是照镜子。镜子与各种时间装置，在整部影片中，或明显或低调，反复出现。Shot_20：不同于旭仔与苏丽珍之间的关系，旭仔占有主导地位。在旭仔与露露的这段关系里，露露占有主导地位。一个画面，一览无遗。Shot_21：露露离开，有人反复地擦拭时钟。同类镜头，可见Shot_16。著名影评人Tony Rayns评论《阿飞正传》，“《阿飞正传》仍将是王家卫电影作品的一次顶峰，以及香港电影的一座里程碑。它用作者半虚构的过去世界，调和港人面对未来世界的巨大冲击，酝酿出千回百转的乡愁诗意。”Shot_22-Shot_23：我觉得全套戏最好的point（位），是张国荣跳Cha Cha（恰恰舞）。王家卫想到找张国荣跳下Cha Cha也不错，但就只有一个shot，没有剧情也不连戏的，他不知放在哪里好。另外又拍了刘嘉玲走了之后张国荣在床上抽烟的一段。有一日王家卫给我一段录音，我听听是什么来的，原来是那段“无脚鸟”的独白。于是我又想这段monologue（独白）应该放在哪里。我尝试用摊在床上那段戏，看是否够长来配合这段独白，咦，够长喔，便用在那里。跟着想到Cha Cha那个shot，就索性连接下去。这两个shots加上monologue，就是角色的theme（主题）。他的vision（视野），正正一个cut可以将张国荣这个character表达出来。第一，好堕落，摊在床上，好decadent（颓废），当“死下死下”的时候，一个cut，他又有生命力去enjoy life（享受生命），这么大的contrast（对比），两个shots一个cut已可道尽，这是我最中意的一个point。王家卫看了也说：“正喔！”——谭家明，摘自《王家卫的映画世界》Shot_24：来自露露视点的主观镜头。我们可以注意到，整部影片是没有苏丽珍的主观视点镜头的(或者说有那个诗意视点)。相反，影片反复有出现露露的主观视点。她想要进入旭仔的世界，她是主动的，她有她的对于爱情的倔犟。这个镜头有意思的地方在于，露露看的对象正是旭仔的母亲。后来，她对她说，“我年轻时，也同你一样。”Shot_25：一个极为安东尼奥尼式样的构图。白衣旭仔与黑衣苏丽珍，向背地交错站位。两人之间的隔阂，一览无遗。Shot_26：再度出现露露的主观镜头。Shot_27：这里王家卫利用镜子的反射，扩展旭仔房内本就局促的空间。镜子里的旭仔虽然和露露并置在一个平面里，但是由于诸多的垂直物(窗帘、椅子、床、镜框)旭仔与露露之间的“隔”，语意明显。Shot_28：离开了穿白衣的旭仔，一袭黑衣的苏丽珍遇到了同样穿黑色雨衣的，刘德华饰演的警察超仔。关于整部影片的配色，王家卫曾经表示他本来是想要把这部电影拍成黑白片的，类似Edward Hopper的画。但是作为彩色片的《阿飞正传》，更利用我们明确地感知到王家卫的用色。绿色、白色、黑色、红色，这些颜色的出现都是经过精心编排的。“在用光上，我是有意让《阿飞正传》与我的第一部电影《旺角卡门》做出对立。那部电影里有太多刺眼的光线和霓虹。我告诉Chris(杜可风，影片摄影师)，我想去做一部所谓‘单色’(monochrome)的电影。这是一部表现各种人物各种忧愁的影片，光的质地要做得淡、做得薄。这给Chris带来了很多的问题，大量的滤镜、极少的光线，以及非常难控制的焦点。这也是为什么这部电影会拍这么长时间的一个理由。”王家卫如是说。Shot_29：配乐声响起。苏丽珍“踏足”在一滩水洼之中，警察离开。又一段镜花水月的情事，似乎就要上演。想不到，无疾而终。互相的彼此错过，正验证了王家卫电影一贯的母题——错失的情缘。其实，我们可以将《阿飞正传》和后来的王家卫电影《花样年华》做一个形式上的比较。两部电影都是湿漉漉的(大量的雨戏)，一个低调、阴郁、黑色；一个高调、华丽、明亮。《阿飞正传》在梁朝伟的关灯动作里结束(暗)，《花样年华》在阳光下的“佛视点”镜头里结束(明)。Shot_30：又是一组垂直物林立的镜头。腿、皮包、石柱、铁栅栏、人物，都是垂直物。画面中，只有巨大的时钟是圆形的。同样，这个镜头暗示了苏丽珍与警察之间的“隔”。Shot_31：苏丽珍在悄悄地抽露露一直抽的烟(见，Shot_24)。或许，我们可以这样去理解这个特写镜头。苏丽珍试图将自己变成露露那样的女子，去讨旭仔，或者说以赢得旭仔的欢心。只是，她的“变装”过程被警察打断了。Shot_32-Shot_33：这两个相连镜头是紧接在苏丽珍脱口而出，“你别提这一分钟”之后的。显然，“一分钟”(具象时间，抽象旭仔)，对于苏丽珍来说，成为了她的心魔，她的梦魇。苏丽珍好似被关在了那一段时光之中。笔者认为，这个镜头可以引发观众多方位的感知。其一，九七大限将至，倒计时开始。其二，苏丽珍从这个子夜十二点之后，开始重新面对她的人生。其三，后文再也没有出现巨大的时钟，十二点成为了一个时间的尽头，一个情感的尽头。Shot_34：苏丽珍被“关”在了这一分钟，这一段她与旭仔的情事之中。Shot_35：两人走在“平行线”(铁轨)之上，似乎在暗示，两者是不会发生交集的。Shot_36-Shot_37：一组潘迪华饰演旭妈的镜头对比。前一个镜头，化妆台上堆满了她的化妆品。真可谓，一朝红颜老，无谓胭脂贵。后一个镜头，是潘迪华在临行美国之前回头看旭仔。背景是虚空掉的，完全有别于之前的化妆台。你可以乐观派地说，旭妈勇敢地面对未来，去过自己想要过的生活。当然，你也可以悲观地说，旭妈的感情生活，一片苍白。Shot_38：类比Shot_34。Shot_39：花朵、烟盒、车尾灯，整部影片红色的出现是相对较少的。如果说花朵是象征青春，烟盒是象征身份，那么出现在这里的车尾灯似乎在象征水与火之间的“冲突”。漂泊大雨里的红色车尾灯，极佳地点睛了两人关系的紧张。一贯怯懦的歪仔给了露露二巴掌，两人的关系，在情急之下，开始倒转。Shot_40：在主题配乐里，在慢镜里，旭仔的这段步履，每一个步点都踩在节拍之上。旭仔对自己生母的主观凝视，采取了拒绝的姿态。有意思的是，旭仔走的这段路，在开走的瞬间，胶片略微晃动，之后的画面明显地暗了下来。Shot_41-Shot_42：一组看似Bug的镜头。操着国语的旅店大妈明显是拿的206的钥匙，到了下个超仔开门的画面，超仔打开的居然是204的房门。笔者之所以认为这组镜头不是Bug，是因为笔者认为后来反复出现在王家卫电影里的那间“2046”房间，并不仅仅是在暗示九七后五十年的政治隐喻，更是在叙事上利用一个神秘空间，交叠出人物与人物之间的私密情事。2046，或许正是204和206的某种组合。Shot_43：暗示人物命运的灯头白炽灯，再度出现。上一次出现是在Shot_19。关于人物灯头白炽灯的应用，王家卫后来在《花样年华》里做出了更为精彩的编排。在《花样年华》里，梁朝伟的出场就是顶着一盏白炽灯出场的。Shot_44：这里，我们稍微开个小差。当旭仔说出那句，“有机会的，到时你别自卑。”似乎一语成籖，张国荣的银幕角色与现实真人，好像合二为一，叫人唏嘘。Shot_45：“所以在我死的时候，我一定不会阖上眼。”旭仔的这番话正通灵的帕索里尼的“诗剪辑”或者说“诗闪回”理论。将死的旭仔，此前的一组镜头是他出生时的画面，是交代他如何被旭妈收养的。死亡与新生的并置，迸发出了诗剪辑最强大的爆发力。我们在将死的时候，到底会看到什么？那些我们或许会看到的人生片段，其实就是电影里的剪辑。Shot_46：在叙事结构上，影片开始闭合。旁白，“……其实它哪里都没有去过，那只无脚鸟一开始便已经死了……”由于有了这段旁白，或许，或许这个镜头其实就是旭仔的主观镜头，是他在这个世上见到的最后画面。Shot_47a-Shot_47b：影片主题配乐响起，光影忽明忽暗地投射在旭仔的脸上。他从时光里来，他又回到了时光里去。Shot_48：镜头高高飘起。这列“时光列车”，继续前行着，一直驶到“2046”。《阿飞》、《春光》、《2046》，三部电影里均有出现的列车，强烈地表述了一个王家卫电影的根本主题——漂泊。故乡何在？故人何在？往事依稀，物是人非。Shot_49：一组空镜头闪回。这个画面正好对应了Shot_33。时间继续在走，在走……只是，当时的人儿都已不知所踪。Shot_50：另一个阿飞出笼了。就文本考据而言，王家卫本来是要把《阿飞正传》作为上下部来拍摄的。在下部里面，梁朝伟饰演的另一个“旭仔”在赌场里遇到了苏丽珍，从而开启另一段情事。只是，王家卫把上下部的成本全部在这个“上部”里面烧光了。下部，只落得一些片段和剧照，留存。始终不知道如何安置这一段落的王家卫，是谭家明最后决定把它放在整部影片的结尾处。台湾电影学者焦雄屏曾经问过王家卫这样一个问题，“上次摄影杜可风与影评人舒琪对谈时，曾提到你在影片中用了许多‘时间’与‘水’的意象，可否谈谈这点？”王家卫答道：“因为这个戏(《阿飞正传》)的主题的是一个Memory的故事，如果要把‘回忆’具象化，就好像水的那种感觉，水不是固体，很不稳定，会有很多反射效果，会有很多角度，记忆给人的感觉也是如此，因此我在戏里用了较多这类的‘水’的意象来强调主题。不过题外话，其实香港在六零年代也蛮多雨水的。至于时间的意象，也是用来强化这个记忆或回忆的主题。往常我们常认为人只有到老才会懂得回忆，然而事情却不尽然是如此，常常我们在年轻时候就会忘记一些蛮重要的，而记得一些我们认为无足轻重的东西，因此电影中用钟、表这类计时器的出现，只是用来呼应这项主题。”光阴流逝，爱欲纠缠。雨声、嘀嗒声、脚步声、这些重复的，节奏感极强的声响，王家卫都在这部电影里放大了出来。“从这一分钟开始”或者“让我们记住这个时刻”，片子的人物始终在强调去捕捉一个所谓“瞬间时刻”的东西。1984年，大陆和英政府达成“97回归”的协议。此后，大量的香港电影人开始在他们的电影里利用各种“时钟装置”隐喻他们的“九七焦虑”。其中，王家卫用他的《春光乍泄》和《2046》做出了极为自我式的回应。放之这部电影，王家卫曾经如此告知Tony Rayns，“《阿飞正传》就是在表现留守香港或离开香港的各种复杂情绪。我尝试着在唤起两个来自一战后的不同家庭。一个是讲广东话的本地香港人。一个是讲上海话的移民香港人。第一部分，他们因语言不通而隔离。第二部分(未成片)，他们开始逐渐认识到彼此。”每一种艺术形式都可以理解为是创作者在试图表达，而观赏者要想理解，并形成有效的“交流”，就必须尝试去学习留意对方的“语言”，电影同样也不例外。在《导演思维看电影》课程中，银熊奖获得者、国家级导演杨超，用丰富的专业知识串联起数十部经典电影镜头，逐帧逐句娓娓道来，带你由浅入深地进入电影世界。这是一次读懂电影的独特求索之旅，无论你是电影发烧友还是影视从业者，无论你喜欢商业大片还是小众文艺片，这里有电影的终极秘密，有你一直在寻找的答案。戳图了解课程详情：

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