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综述 - 全面剖析
  • 干货!延时摄影的基本制作流程

    延时摄影又叫缩时摄影(英语:Time-lapse photography)是以一种将时间压缩的拍摄技术。在一段延时摄影视频中,缓慢变化的过程被压缩到一个较短的时间内,呈现出平时用肉眼无法察觉的奇异精彩的景象。例如:风起云涌、花开花落、日出日落等。很多朋友问我如何拍摄一部延时作品。下面就教大家了解一下延时摄影的基本流程。器材准备1:相机,一般现在的相机都拥有间隔拍摄功能。我手中一台尼康D7000和一台松下GH4都有这个功能。如果没有这个功能也不用怕,网上购买一根具有 延时拍摄功能的快门线就行了。2:三脚架,一定要有一个稳固的三脚架,避免风大引起晃动。必要时候可以用砖头或者书包固定脚架腿部。3:镜头,大多数情况下选择广角,可以拍出宏达的场面,有时候也会用长焦拍日出、远景等。相机设定1:一般情况拍摄模式都选择手动挡,如果拍摄日出日落光线变化大的时刻可以选择光圈优先档(后期要对延时摄影去闪烁处理,以后咱们再讲),对焦模式手动。2:拍摄格式设定,一定选择RAW格式,无损保留所有图像信息,后期在调色方面很有用。3:选择间隔拍摄功能,可以设置间隔时间,一般根据情况来定。以云朵为例:如果云移动速度快,可以设定的间隔时间短一点,比如2-3秒。若果云移动速度很慢,可以设定为5-7秒。还要注意一点,就是要考虑快门时间,间隔时间一定要大于快门时间,留出2-3秒给相机存储相片。4:拍摄张数可以随意设定,一秒钟25张画面,250张就是10秒钟的视频。之后就可以开始拍摄了。后期处理1:软件的选择,今天我们用到的软件有Adobe Bridge CC、Camera RAW、Adobe Premiere Pro CC。当然很多软件都可以做,他们的原理都差不多。打开bridge,可以预览RAW格式图片,也很方便对图片进行管理。全选所有的图片,CTRL+R快捷键,在Camera Raw中打开所有图片。RAW格式的把丰富的图片细节都保留了下来,但是图像灰灰的不好看,现在我们要进行调色。右侧的这些功能模块可以对图像进行非常全面的调节,非常专业、快速。 我们只需要给其中一张调色,复制参数给其他图片就行了。具体操作看下图:在左侧列表上面有一个Filmstrip下拉菜单,选择“全选”--“同步设置”。在新的窗口中,最上端的下拉菜单里面选择“全部”,确定,这样所有照片都被调色了。最后我们将所有图片转JPEG格式,接下来就可以进行剪辑了。进入剪辑在PR里面我们建立HD 1080 25P工程,然后选择导入素材。注意:在导入素材的时候一定要选择“图像序列”,这样我们的延时图片才能以视频的形式导入,而且默认是25帧每秒的素材播放。然后我们就可以对视频剪辑,加音乐,加特效。现在只差最后一步,输出。CTRL+M,进入输出页面,选择你的输出格式和分辨率。这样一部延时摄影短片就这样诞生了。

  • 斯科塞斯解释他为何喷漫威不是电影,我竟然看哭了

    文章转载自Mtime时光网戳我跳转原文链接马丁·斯科塞斯批判漫威电影不是真正的电影(cinema),引发全球范围的讨论,有人支持有人反对,也有人说老马的观点已经过时了。今天,马丁·斯科塞斯在《纽约时报》上撰写了一篇文章,解释了他为何会那样批判漫威电影,以及他对电影未来发展的担忧,情真意切。时光君为你把全文翻译好了:10月初在英国的时候,我接受了《帝国》杂志的采访。有人问了我一个关于漫威电影的问题,我回答了它。我说,我试着看了几部,但都不适合我。在我看来,它们更接近主题公园,而不是我一生都熟悉和喜爱的电影。一些人似乎抓住了我回答的最后一部分,认为这是一种侮辱,或者是我仇视漫威的证据。如果有人想从这个角度来描述我的话,我无能为力。你能在大银幕上看出来,许多系列电影都是由有相当才华和艺术才能的人制作的。我对这些电影本身不感兴趣,这是一个个人品味和性情的问题。我知道如果我更年轻些,如果我晚些时候成年,我可能会对这些电影感到兴奋,甚至想自己拍一部。但我长大后,我自己做电影,并且有了自己的感知——电影是什么?它们可以是什么?——它离漫威宇宙就像地球离半人马座阿尔法星一样遥远。对我来说,对我所喜爱和尊敬的电影制作人来说,对和我差不多同时开始制作电影的朋友们来说,电影是关于真相的——美学、情感和精神上的真相。它是关于人的——人的复杂性和他们的矛盾,有时是矛盾的本性,他们可以互相伤害,互相爱护,然后突然面对自己。它是银幕上的意外,在生活中被戏剧化和被解释的,并扩大到艺术形式中找到可能的意义。这对我们而言是关键:电影是一种艺术形式。当时对此有一些争论,所以我们支持电影与文学、音乐或舞蹈等其他艺术样式同等重要。伯格曼的《假面》我们发现,艺术可以在各种不同的地方以各种不同的形式出现——在塞缪尔·富勒的《钢盔》中,在英格玛·伯格曼的《假面》中,在斯坦利·多南和吉恩·凯利的《好天气》中,在肯尼斯·安格的《天蝎座上升》中,在让-吕克·戈达尔的《随心所欲》中,在唐·希格尔的《财色惊魂》中。或者在希区柯克的电影中——你可以说希区柯克也在拍他自己的系列电影,或者说这就是我们的系列电影,他的每一部新片上映都是一件大事。在一个拥挤的老剧院里看《后窗》是一种非凡的体验:它是观众和电影本身之间的化学反应所创造的事件,真的太令人激动了。希区柯克某种程度上,希区柯克的一些电影也像主题公园。我想说的是《火车怪客》和《惊魂记》,前者的高潮就发生在一个真正的旋转木马上,而后者是我在首映当天的午夜场里看的,那是我永生难忘的体验,人们惊讶、激动,没有失望。六七十年后,我们仍然在看那些电影,并为之惊叹。但是,我们不断回顾的是那种刺激和冲击吗?我不这么认为。《西北偏北》的技巧令人惊叹,但若没有故事内核里痛苦的情感,加里·格兰特的角色也没有彻底陷入迷乱,那只不过是一系列动态的优雅的构图和剪辑。《火车怪客》的高潮部分是一个壮举,但现在令人共鸣的,是两个主要角色与罗伯特·沃克让人深感不安的表演互动。《西北偏北》有人说希区柯克的所有电影都有相似之处,也许没错——希区柯克自己或许也想知道,但和今天的系列电影有所相同又是另一回事了。据我所知,定义这些电影类型元素的是漫威影业。这里没有真相、没有悬疑、也没有真正的情感的危险,没什么是真正处于危险中的。这些电影是为了满足特定的需求而制作的,它们被设计成有限主题的变体。它们名义上是续集,在精神上是翻拍,里面的一切全都是官方盖章的,因为不可能有其他的方式。这就是现代系列电影的本质:市场调查、观众测试、审查、修改、翻新和再加工,直到它们可以被消费。换句话说,它们与保罗·托马斯·安德森、克莱尔·德尼、斯派克·李、阿里·艾斯特、凯瑟琳·毕格罗、韦斯·安德森们的电影截然不同。斯科塞斯与韦斯·安德森当我看这些电影人的电影时,我知道我将会看到一些全新的东西,并被带到意想不到的,甚至是不可名状的体验领域。我对用画面和声音讲故事的可能性的感受将会被扩散。你可能会问,我有什么问题?为什么不放过超级英雄电影和其他系列电影呢?原因很简单,在美国和世界各地的许多地方,如果你想在大银幕上看到一些东西,这些电影现在就是你主要的选择。这是电影展映的艰难时期,独立电影院比以往任何时候都变少了。平衡被打破了,流媒体成为了主要的输出系统,不过,我认识的电影制作人中,没有一个不愿为大银幕制作电影,不愿在影院向观众放映电影。我也是这样,作为一个刚刚为Netflix拍完一部影片的人来发言,Netflix,只有它,允许我们以需要的方式完成了《爱尔兰人》,为此我永远心怀感激。《爱尔兰人》片场照,马丁与德尼罗戏剧性的,我们打开了这样一扇窗户,非常棒。我想让电影在更大的银幕上上映更长时间吗?我当然想。但不管你和谁一起拍电影,事实是,大多数多放映厅的银幕上都在放那些系列电影。如果你要告诉我这只是一个供求关系的问题,只是给人们他们想要的,我不同意。这是一个鸡生蛋还是蛋生鸡的问题。如果人们只得到一种东西而无休止地只卖一种东西,当然他们会想要更多的那种东西。你可能还会说,他们就不能回家在Netflix、iTunes或Hulu上看任何他们想看的东西吗?没错——除了在大银幕上,那个电影制作人想让她或他的作品被人看到的地方。我们都知道,在过去的20年里,电影业界在各个方面都发生了变化,但最不好的变化是在黑夜的掩护下悄然发生的:逐渐消失并不复存在的冒险。今日的很多电影都是为快速消费而生产的完美产品,其中很多都是由才华横溢的人们组成的团队做出来的,同样,他们缺乏了一个电影必须拥有的要素:单独一位艺术家使之成为一体的视野。当然啊,艺术家总是最危险的要素。我当然不是想说,电影应该是一种被资助的艺术形式,或者曾经是。当好莱坞制片厂制度还活的很好时候,艺术家与商业之间的矛盾十分频繁和尖锐,但正是这种富有成效的矛盾关系,让我们看到了有史以来最伟大的电影——用鲍勃·迪伦的话讲,他们是“英勇且有远见卓识的”。如今,这种矛盾关系已经消失了,电影行业里有一些人对艺术问题完全漠不关心,对电影历史的态度轻蔑,又觉得它是自己的所有物——形成一种破坏性极强的组合。遗憾的是,现在的情况是,我们有两套分离的领域,一个是全球范围内的视听娱乐,另一个是电影(cinema)。它们仍然会有重叠的时候,但这种情形越来越少了。我担心,拥有经济支配地位的一方,令另一方变得更加边缘化,甚至贬低它们的存在。对于那些梦想拍电影的人,或者那些刚刚起步的人来说,现在的情况很残酷,对艺术很不利。只是简单的写下这些话,已经令我肝肠寸断。—End—

  • 汤姆和杰瑞八十岁啦!它的小秘密你知道吗?

    1939年,威廉·汉纳和约瑟夫·巴伯拉创作了《猫和老鼠》,在这个第一次世界金融危机刚刚过去6年,第二次世界大战正式爆发的时间段里,《猫和老鼠》也如同这些大事件一般,开启了它“轰轰烈烈”的一生。1940年2月10日,《猫和老鼠》第一季集《甜蜜的家》正式播出,顿时轰动全美,而《猫和老鼠》所属的米高梅电影公司不喜欢动画片中这两个主角的名字——“贾斯珀(Jasper)”和“金克斯(Jinx)”,还为此举行读者竞选,最后改成了现在大众所熟知的“汤姆(Tom)”和“杰瑞(Jerry)”。目前《猫和老鼠》有新、旧两个版,新版是2014年由华纳兄弟娱乐公司重新开始连载的动画作品。而旧版,就是我们本文将要重点叙说的1939年版。画风的调整《猫和老鼠》的画风有过14次调整,但大体可以归类为早、中、晚三个时期。早期汤姆猫的毛比较长,两位主角的形象比较接近真实的动物形象。中期,是持续时间最长的时期,同时也是中国观众最熟悉的那种形象。汤姆猫从这时开始用后腿直立行走。后期,较少有人注意到,两位主角的的眉毛变得很粗重,汤姆显得很颓废,杰瑞的脸变得比以前方。晚期的形象比较简陋,但是表情最丰富,肢体动作也最夸张。当然其中也存在一些画风突变的情况,出现了Q版的汤姆和杰瑞。而引起画风变化的主要原因就在于《猫和老鼠》的制作人的变化。

  • 变态级制作!《双子杀手》牛杯CG技术全面解析

    文/Mike Seymour、Ian Failes编译整理原创内容/CG世界 上一次听到扑朔迷离的故事情节还是在几年前的宫斗剧中,“皇后杀了皇后”“姐姐追着姐姐”。是的,今天的话题和“自己追杀自己”的威尔·史密斯有关。电影《双子杀手》进行了一场关于“我是谁、我在哪、我为什么要打我自己”的人性拷问,值得观众贡献票房的理由有很多,导演李安、主演威尔·史密斯、3D+4K+120帧、青年的自己和中年的自己打架、影视首个100%数字化真人角色等等。很显然,影片中出现的那位23岁的威尔·史密斯(剧中角色Junior)并不是导演玩穿越的时候给抓来的,而是依靠现在强大的视觉效果(李安导演说应该称其为“视觉艺术”)技术制作出来的。 从1997年的《黑衣人》、2001年的《拳王阿里》,到2007年的《我是传奇》、2013年的《重返地球》,再到前段时间的《阿拉丁》,大荧幕前的观众见证了威尔·史密斯的不断成熟和变化。该如何创建一个既真实还原本人、又符合观众心理认知的年轻角色,是《双子杀手》所面临的一大挑战,而李安导演再一次在CG技术上实现了登峰造极的艺术效果。 接下来,「CG世界」就带大家了解一下国际顶级团队的艺术家们是如何制作《双子杀手》中年轻的威尔·史密斯Junior的。01制作团队 参与这部电影制作的VFX团队有Weta Digital、Scanline VFX、East Side Effects和UPP,其中Weta Digital完成了和Junior相关的全部任务。 Weta在很多漫威影片中都成功塑造了de-aged角色(比如年轻的弗瑞局长、寇森和托尼),这次他们没有“旧瓶装新酒”,而是整出了一个完全数字化的角色,以逼真的效果、极高的渲染细节和干脆利落充满力道的角色表现刷新了创建数字人类的新标准。02拍摄及动捕阶段制作前期,Weta 团队在USC ICT Light stage上对威尔·史密斯进行了非常细致的扫描(就连牙齿也没放过),获取了一系列照片素材和turntables(简单理解为360°旋转展示),创建了和本人极为相似的数字版本,为下一步工作做铺垫。还扫描了一位23岁非裔美国演员的皮肤纹理用作素材参考(只是参考年轻人的皮肤状态,不涉及他的面部结构)。 ▲设备展示,图片来自网络在整个电影拍摄阶段,Weta先后分三次拍摄了威尔·史密斯的参考素材,第一次是在准备前期,第二次是在影片开拍时(并进行了FACS面部动作编码系统操作),第三次是在影片拍摄尾声。 现场拍摄采用A/B方式,威尔·史密斯扮演51岁的特工亨利出镜,另一位演员扮演23岁的Junior与他搭戏,之后再进行调换。通过这样的方式,表演者能够对对手的表演做出反应,与对手产生互动和眼神上的交集,相互匹配,从而获得协调同步的表演。 影片拍摄即将结束、后期制作即将开始的时候,Weta团队协助影片制作团队建立了mo-cap(动作捕捉)舞台来捕捉A/B表演。这次两人饰演的角色对调,威尔·史密斯佩戴动捕装置扮演Junior,另一位演员扮演的亨利,其他重要角色演员也会在舞台上再次进行表演,为的是营造出真实全面的表演环境。 二次拍摄结束之后会选取效果最好的一个take,录制威尔·史密斯第二次表演的声音,再将所有音频进行同步。 (为了不给大家造成绕口令般的困扰,下文中“威尔·史密斯”用“W.S”代替,“23岁的威尔·史密斯”用“Junior”来代替。) 03换头 vs CG角色对电影行业稍微有些了解的人都知道“换头”这事。说到面部替换,小编想到了《银翼杀手2049》和《金刚狼3》。在《银翼杀手2049》中,MPC用CG手段将扮演Rachael的女演员肖恩·杨还原成年轻时的容貌,面部还是肖恩的面部,身体表演是另一位演员,在《金刚狼3》汽车追击片段中开车的也不是狼叔本人。虽然都是“换头”,《双子杀手》用到的技术手段和前面二者不太一样。 在“什么时候换头”和“什么时候用CG角色”的问题上,Weta团队始终认为表演才是关键核心,身体是表演的一部分,不能把W.S的头部换到别人身上,不然表演是分裂的。当他以亨利的身份出现在镜头中的时候,Junior就必须是动捕的数字化角色。 动捕时,会在W.S脸上设置精确跟踪点,头部佩戴红外摄像机装置(HMC),背后衣服下面隐藏的小型电池为这个装置提供电量,透过服装能看到他背心上离散的红外光点,用来跟踪他的身体。动捕过程采用了同时捕捉面部和身体的方式(包括肩膀在内),能非常完美地跟踪头部,使之和肩膀匹配到一起。 当然有这么两种特殊情况可以采用“换头”技术。第一种,镜头中只出现Junior,也就是W.S有空扮演23岁的自己,身体是镜头表现的重点,为了节省制作时间,可以给他换头(身体还是W.S的);第二种,特技表演。比如有一个二人在1英尺宽度墙壁上以50英里/小时骑摩托车的镜头(点击视频观看),很显然W.S没法完成高速飙车表演,这些镜头大部分是特技演员的身体。也有例外,Junior的特技骑手的身形比Junior要瘦小,因此替换是以腰部位置为分界线的。04面部CG 为了创建数字角色Junior,Weta先制作了W.S的数字副本,只有与本人精确匹配之后,才能将他的表演重定向到年轻数字角色上。 前面我们提到了影片开拍时进行了FACS Session来研究W.S的一系列表情和动作。在此过程中,依靠W.S脸上涂的白色印记和标记点为摄影测量提供帮助,得到了一组网格动画。 上图是W.S正在进行FACS Session时的照片,为了将表情重新映射到Junior脸上,需要为其制作极为精细的面部动画,带有23岁年轻人应该有的皮肤纹理。 根据以往项目经验来看,想要获得演员皮肤细节,在拍摄参考素材之后会为演员创建石膏模型,根据模型制作乳胶面具,放到平面扫描仪上进行扫描,获取毛孔排列方式,从而得到面部纹理效果。但这种2d方式得到的毛孔形状有个问题:不完美。 这次,除了之前扫描得到的23岁非裔演员皮肤纹理,Weta一位着色器编写人员发现了富有创造性的新方法---程序性毛孔系统。利用复杂规则使Junior脸上的毛孔生长,开发出定义年轻演员皮肤流向的流场,不同毛孔连接起来得到椭圆形毛孔,从毛孔层次产生令人信服的皮肤效果。 CG:流场控制毛孔走向 咱们来看这些CG Junior的图像,毛孔位置用点来表示,不规则毛孔之间的线形成了面部皱纹,颜色越深的地方皱纹就会越重,流方向偏向颜色深的部分,而椭圆形也是从颜色深的部分形成的。还有一些看上去很小的线也很重要,因为面部褶皱是多向的,细小部分不能忽略。 这个高分辨率的人脸上拥有数百万个毛孔多边形网格,通过四面体模拟运行,随着面部产生收缩、压缩和拉伸等运动,毛孔会沿着适当的流线弯曲,从而形成Junior脸上的各种细纹。这种新方法代替了以往扫描演员皮肤获得乳胶面具来模拟平面2D UV空间的方式,实现了毛孔的3D生长,保留了2D方式丢失掉的细节,达到了前所未有的面部皮肤效果。 05数字眼部 Weta团队改进了他们原有的复杂数字眼部流程,对6位志愿者进行了一天的眼部研究,用手拉动眼睑或是尽可能多地拍摄眼部素材。他们发现CG眼睛之所以有时候做得很像洋娃娃和布偶,是因为没有正确处理眼睑和眼睛之间的交互方式。 他们改变了之前对于眼睑和眼睛表面匹配的假设方式,认为眼睑像是作用于眼球上的一个表面面,二者是分开的,眼皮里面非常柔软,像是鱼肉贴在眼睛上的感觉,压紧眼睛并且支撑眼睑。 Weta原有流程可以对眼角膜、角膜隆起的部分、虹膜等组织进行建模,这次在原有基础上又匹配了脉络膜。 脉络膜是位于视网膜和巩膜之间含有结缔组织的眼睛血管层,位于眼球内后部最远的位置,前部比较薄,约0.1毫米,后部较厚,约0.2毫米。虽然医学文献中总将脉络膜描述为黑色,但Weta团队发现其核心是非常非常深的蓝色,不同文化不同种族的人所拥有的这种黑色素含量不同,总之就是他们在对这些组织进行建模之前,进行了深入的了解和研究。 另外一个重要任务就是调整眼球的形状。在以往的项目制作中Weta都会选择“球形”眼球,但是他们发现当眼球推入眼窝时,为了适应眼窝形状眼球会发生变形,而且眼窝也并不是非常完美的球形。也就是说,眼球会出现角的结构以填充眼角的位置。 Weta对结膜结构也进行了建模。结膜是位于角膜上的一层薄膜,一直延伸到角膜凸起的边缘并与之相连接,可以保持眼睛湿润。他们发现W.S眼角泛黄是发生在结膜位置上的,如果直接将其映射到眼睛上,当眼睛转向另一个方向,它会随着眼睛滑动。但真实情况下是不会滑动的,只停在眼角的位置。 在解决了看似细小但是非常复杂的特征问题之后制作出来的CG眼睛,才不会让人感觉目光空洞两眼呆滞。 06数字牙齿 尽管数字Junior角色的形象看起来已经很不错了,Weta团队还是在尽力寻找可以提升效果的空间。 早期他们打算根据表情和摄影参考对牙齿进行建模,来匹配W.S从黄色过渡到略带蓝色的牙齿,效果单从颜色上看就不太令人满意。在之前的项目中Weta也创建过非常复杂的牙齿模型,但为演员的牙齿内部进行建模还是头一次,这里面涉及到了牙釉质和牙本质的问题。 通过研究发现,牙本质是黄色的,牙釉质是蓝色的,都是非常透光的材料,牙冠最高位置接近于白色。牙冠的牙釉质要比牙本质多,因此我们看到的颜色倾向于蓝色,而牙齿中心的牙本质比牙釉质厚,颜色就倾向于黄色。 Weta团队在研究了牙齿结构之后,对演员牙齿的牙本质和牙釉质两个结构分别进行建模并添加了合适的材质,获得了从黄色过渡到蓝色的复杂色彩关系,才有了看上去特别逼真的Junior的牙齿。 07灯光 先来介绍一下Mannuka。Manuka是Weta Digital基于物理的渲染器,可以高效、快速地处理复杂需求,《霍比特人3:五军之战》就用到了它。为了更好地适应Spectral Manuka工作流程,Weta团队对拍摄现场的每一盏灯进行了扫描和捕捉,得到了准确的光谱信息,并使用滤镜制作了一组双包围曝光(Bracketing)的HDRs,将标准12stops的灯光射程扩展到24stops。 PS:摄影包围曝光可以帮助我们拍摄高对比度场景,是一种克服技术限制、创建自然图像效果的简易拍摄方式。 在创建Junior面部效果的时候,他们并没有采取在ICT Light Stage上进行光谱采样的方式,而是用黑色素来定义皮肤,其中包括真黑色素和类黑色素。通过渲染器了解到“什么时候光会照到皮肤”“黑色素密度在哪里”“黑色素的特征是什么”等信息,然后对黑色素进行光谱数学运算,这个过程就类似于做染色而不是色彩贴图。 通过黑色素密度和特征数据渲染出我们看到的面部特征。再加上血红蛋白的重新分配,可以有效地增加Junior脸上的血液流向(比如和他父亲面对面的那一段)。这种创建方式不仅影响了脸部的整体颜色,对鼻子和眼睛的影响也很大。此外,创建Junior流泪时眼睛泛红的效果,只要加重血管来改变眼睛的颜色就可以了。 这部分还用到了Weta Digital开发的新技术Deep Shapes,在《复仇者联盟4:终局之战》中也用过。面部肌肉运动的深度是不同的,如果肌肉运动所产生的影响是在筋膜里,在面部表层皮肤也会呈现出某种明显的效果改变。Deep Shapes正是基于这种概念研发出来的,它从根本上改变了深度面部层读取表情的方式,动画师可以直接从皮肤表层看出影响效果。 在了解了Weta是如何制作Junior的皮肤、眼睛和牙齿之后,我们再来分享一些制作过程中很有趣的事情。 08Pepsi 挑战 制作团队采用了一种叫做“Pepsi 挑战”的方法来检查CG Junior的效果对不对。首先从W.S演过的标志性经典角色照片中选出4张与CG Junior混在一起,辨别哪个是什么电影里的什么角色,不断调整顺序,直到让人无法辨认出哪一个是数字角色为止。 他们选取了《绝地战警》中W.S和马丁·劳伦斯在车里对话的场景,在将近30几个切来切去的镜头中选出了2个W.S的镜头进行抠像,用Junior替换了原来的角色,其他包括声音、表演等等一切都是相同不变的,再把这两个镜头放到原场景中,让观众去找哪两个镜头是替换过的,说实话很难辨别出来。只有通过这样的方式才能保证制作方向是正确的,使团队内部对创作充满信心,毕竟CG角色,不是认为像就可以,必须要经历一些测试来验证。 09混乱打斗 电影中有一段W.S和Junior打斗序列,制作团队称之为“messy fighting”(混乱打斗?),现场拍摄时由两位特技演员按照事先卡好的时间和编好的动作进行打斗表演。经过多年来的工作和锻炼,他们可以很好地把动作表现成真实打斗。但在这部影片中,120fps会暴露他们是在套招而并非打架。团队采取了“messy fighting”的方式,打破设计好的动作,打乱时间,提升打斗氛围,来保证镜头效果的真实性。 从制作角度来说,数字化的打斗是非常快的,既要改变发生的时间、速度,又要演员降低表演的感觉,增加能力者打架的感觉。当二人出拳力度非常大的时候,要对脸部进行模拟,呈现出脸颊和耳朵摆动的效果。104k/120fps/3D 很多人并不了解4k/120fps/3D真正意味着什么,最后咱们用倍数的概念解释一下。它将近普通电影数据的40倍(帧数的5倍,每帧像素的4倍及左右两眼),如果把它放到Weta内部审阅系统中,创建Quicktime所需要的时间是普通电影的40倍,把一段2分钟的镜头剪辑放到系统上大概需要6个小时以上。 李安导演并不是第一次使用采用这种革新性技术,2016年《比利林恩的中场战事》就率先用到了“120帧/4K/3D”,这次在《双子杀手》中进行延续,就是为了给大荧幕观众带来更加真实震撼的沉浸式体验。

  • 一篇专业的影评是怎么写出来的?

    电影批评家的解读能为一部电影增加意义、丰富语境,并且培养观众鉴赏与理解影片语境、美学设计及其实现各种效果的能力。电影是一种精致有效的传播媒介,它从不同的角度影响着观众的生活方式和世界观,我们需要独立于任何具体的电影,去思考电影这种媒介究竟是什么。电影理论自成体系,尝试探究、阐释电影的本质,即电影作为媒介是如何运作的,又是如何为观众体现意义的。电影批评既非对一部电影的缺陷或未曾实现的宏愿进行指摘,也不是评价一部影片的“好”或“坏”。很少有电影能被绝对地描述成好电影或坏电影。大多影片都融合了能产生良好化学反应的元素、实现或落空的初衷,并且几乎所有影片都含有不同层次的意义,高明的电影批评往往能够观察到这些,并进行阐述。电影批评并非一种否定性的行为。电影批评家的解读能为一部电影增加意义、丰富语境,并且培养观众鉴赏与理解影片语境、美学设计及其实现各种效果的能力。作为一名撰写电影批评的学生,你需要考量一部电影的多层意义、风格和结构设计。通常,这意味着点明隐含或微妙的信息,指认并思考影片中看似矛盾的内容或价值观念, 描述并厘清设计中的重要元素,以及最终创造一套新颖、有趣的解读或理解电影的方法。而最后一项功能正是电影批评的核心所在:创造可以开拓观众视野、加深观众对电影的欣赏的新的解读。你的方法取决于你要在哪种分析框架下进行论述。比如,分析影片的类型,包括寻找和确认模式—类型所固有的叙事、主题以及画面。类型模式可以通过比较同类型但各有特色的影片得出。若你要分析一部电影如何与某一类型相关,你可以明确这种类型的模式是如何在影片中呈现的,或进行了怎样的延伸。若类型模式变得过多,那么影片可能会偏离本属于的类型;但类型模式变得比较少或没有效果,又意味着它不那么属于某一类型。有趣的类型模式变更往往是由创作者带来的。这种情形下,类型研究和导演研究或许会有重叠。约翰·福特的西部片就与巴德·伯蒂歇尔(Budd Boetticher)和安东尼·曼的影片有很大不同,其中一部分原因就可以归结于导演风格和导演对于类型元素把握的不同敏锐度。约翰·福特经典西部片《关山飞渡》而且,某些理论模型也偏向于特定的类型。例如,精神分析理论在恐怖片和先锋电影中占据着举足轻重的地位,该类型的许多电影人都深受弗洛伊德作品的影响。侧重电影与社会议题的分析往往需要批评家阐明既定电影中的意识形态元素,将其与社会态势进行关联,或者对某些电影中再现性别或种族的部分流露特别的兴趣。这类批评家应该对电影所规定的“习以为常”或“真实”的东西尤其注意,思考这种银幕呈现是如何不可避免地忽视、否认或抑制另类社会结构的。而批评家通过“逆其道而行” 与解构式解读,往往可以揭露影片涉及的性别和种族等社会结构的隐含意义。斯派克·李是20世纪90年代第一位崭露头角的非裔电影人。《为所应为》是他的事业转折点,在全美范围内引发了关于种族问题的热议。对影片形式的分析通常是关于影片的视听设计细节,阐释照明、色彩及其他结构元素如何表达含义。此类分析可能自成体系,训练学生们观察、分析一部影片的视听元素, 也可能成为意识形态或作者论的一部分,并且实际上,这些方法理应发挥一定的作用。若单从主题的角度分析希区柯克的影片,而忽视其作品中出众的结构设计,那么这种解读或许不如电影形式分析那般令人信服,因为后者能够说明视听元素与电影主题之间的关系,而希区柯克的主题往往蕴含于特殊的影片设计之中。作者论探讨作者身份的问题。这类问题往往聚焦于电影导演—虽然摄影师和编剧也可被当作作者被研究。与分析电影的类型相似,研究作者也需要寻找模式—能够凸显导演作品中一以贯之的风格化叙事、主题以及画面设计。终其一生,希区柯克都对犯罪主题十分痴迷,而这无疑影响了他的电影作品。他曾研究分析了英国臭名昭著的谋杀犯的案例,因此塑造了银幕上最经典的反派形象。《惊魂记》里的诺曼·贝茨(安东尼·博金斯饰)就是这样一个令人恐惧的角色。在撰写电影批评文章之前,你需要清楚了解这篇分析属于哪种理论范畴。例如,一篇分析电影类型的文章与一篇单纯分析电影形式的文章,在目的上就不同。一旦你对文章的目的有了清楚的认知之后,接下来就要把待分析的影片观看至少两到三遍。寻找电影中你觉得令人印象深刻、有趣且能够达成此篇文章目的的元素—如关键场景、角色互动、叙事结构以及视听设计等。找到这些元素后,对其认真描述。无须做到事无巨细,只需将你正展开解读所需的镜头或场景阐释清楚即可。如果某处细节不符合预期,也不要勉强,因为你为电影分析所援引的例证是否有效,读者一看便知。将视觉设计的所有方面准确无误地标注,一字一句地引用对话,并且别拼错角色的姓名。学着辨识、指认从银幕上看到的内容十分重要。摄影机不会“突然俯冲”—它在升降机、游架、推轨、推车上,或以斯坦尼康稳定器的形式绑在操作者的身体上进行移动。淡入、淡出镜头与叠化镜头的表现形式云泥之别。若批评家无法分辨这二者之间的区别,那么他的公信力一定会受到质疑。在对老电影或植根于其他文化、社会的影片进行个人化的判断时,要秉持审慎的态度,因为老电影所反映的社会或许已不复存在,且与你所生活的社会大相径庭,而其他文化和社会可能恪守不同的行为礼仪与情感表达的准则。保持审慎并非意味着规避当下—彼时电影工业中被视为“理所当然”的种族主义和性别歧视等偏见,唯有跳脱早期文化的谱系,方可显露其被忽视的内在含义。深入研究影片所探讨的主题或议题同样至关重要,因为这样你可以得到评价一部影片如何处理其所表现的问题的依据。观看同一位导演的其他作品或其他导演执导的相同题材或类型的影片也许会有帮助,这会令你对一系列作品愈发熟悉,并借此将你所分析的影片置于某种情境之中。你或许也需要阅读其他学者和批评家对这部影片曾做的评述,因为这能促使你思维活跃、妙笔生花,也能让你看到其他作者是如何一步步建构他们的论点和论据的。然而, 你需要牢记在心的是,批评文章的目的在于新颖、独创的解读,而不是将他人的观念再一次阐释。任何从已发表的著作中借用的材料都需要特殊说明,并注明出处,否则就是抄袭的行为。在理性范围内尽可能地拓展你的思路,追问引申义。刚起步的作者或电影批评者的作品的缺陷在于没有充分讨论自己提出的论点或主题,而经验丰富的作者会对一个妙点子背后的丰富意义兴奋不已,并且知晓如何以不同领域的知识来探究这些意义。刚起步的作者往往会忽视这一点。在理性范围内拓展思路、追问引申义是电影批评家拥有优秀的写作能力、敏锐的分析能力和电影批评能力的有力佐证。新手通常拥有新鲜的想法, 却只是浅尝辄止。在你检查文章的时候要仔细思量由你的论点所引发的议题,因为所有严肃对待写作的作者都会这样做,没有人会草率交付初稿,因为没有人能够出色到在初稿阶段就完美无瑕。你是否进行了充分考虑?在初稿写就之后,你还会时不时地冒出新鲜的想法。紧随这些想法,将其融入你的论证之中。并不存在构建批判式论证的单一公式或方法。然而,所有适用于优秀写作的准则也适用于电影批评。我清楚地知道,你试图说服读者,让他们相信你对一部影片的解读揭示了普通观影中无法轻易觉察的重要模式和多层意义。因此,你需要谨慎言行,令读者跟随你的思路,一步步地梳理你的论证—从描述论证动机到引用证据,再到结论陈述,不一而足。好的文章思路清晰、逻辑连贯并能以理服人。电影批评是一种修辞学层面上的行为,写作能力与让读者信服的思辨能力同样重要。最后,要牢记,优秀的电影批评能够发人深省。如果你的想法足具挑战性,如果你在不同画面以及叙事片段之间所做的关联足够新颖并富洞察力,那么你的文章可以加深、拓展观众对于一部影片的理解,甚至会促使他们带着新体悟重新观看电影。

  • 风靡好莱坞的方法派表演:英雄、反派都爱用这招

    方法派表演讲求要完全进入角色,揣摩角色的心理状态、还要在日常生活中身体力行,虽然疯狂,却受到许多好莱坞实力派演员的偏爱。方法派表演讲求要完全进入角色,揣摩角色的心理状态、还要在日常生活中身体力行,虽然疯狂,却受到许多好莱坞实力派演员的偏爱,而除了老牌巨星如马龙·白兰度、罗伯特·德尼罗、迈克尔·凯恩将此派演技彻底落实外,近几年我们还是可以常常在大屏幕上看到这种表演,近几年就连超级英雄电影中的演员,都开始会用方法演技诠释他们的角色,如《自杀小队》中的杰瑞德·莱托就是一例。以下就选出8个靠方法派演绎的电影角色,究竟演员们为了达到神乎奇技,做过哪些疯狂的事?《自杀小队》:小丑杰瑞德·莱托继上次在《达拉斯买家俱乐部》中爆瘦,演出跨性别者,这次又将诠释 DC 超级反派、蝙蝠侠的宿敌小丑。不只是希斯·莱杰为了演小丑而疯狂,继他之后的《自杀小队》版小丑杰瑞德·莱托,先前也传出送死猪、活老鼠给他的合作演员们,导演大卫·阿耶更透露从开拍起到杀青那一刻,全剧组没有人见过杰瑞德·莱托,现场就只有小丑,更直夸他的角色张力强到让全部的工作人员惊艳到傻眼。不过近期杰瑞德·莱托受访时,却表示他并没有要与希斯·莱杰比较的意思,也不觉得自己能超越他:“在我之前,诠释过这个角色的人皆带来了非常有影响力、不可思议、有趣又大胆的演出,所以接下这个角色对我来说非常特别,身为演员,你知道你也必须做出不一样、属于自己的表演。不论你是一个试图让一世纪前写的音乐复活的作曲家、或是台上的演员。导演将故事带上大屏幕,而演员的工作就是演好自己的角色。从《疤面煞星》到《哈姆雷特》皆是如此,某种意义来说重新演绎一样的角色是很有趣的。”《黑暗骑士》:小丑希斯·莱杰逝后以小丑一角赢得奥斯卡最佳男配角。作为已逝男星希斯·莱杰生前最让人印象深刻的演出,《黑暗骑士》中的小丑具有跨时代的意义,疯狂的表演无人能及。希斯·莱杰为了揣摩小丑的疯癫与病态将自己关在饭店房中数周,期间还以小丑的角度写日记,并尝试各种声音念台词,好找出最完美的小丑诠释方式,因此也有一说猜测希斯·莱杰会需要大量服用抗焦虑药、镇定剂、安眠药等多种药物,是因为沈浸在小丑的角色中走不出来。《黑暗骑士》为希斯·莱杰夺下了奥斯卡小金人,不过这位英年早逝的男星,却错过了亲自领奖的机会,至今仍让粉丝扼腕。《黑暗骑士》:布鲁斯·韦恩克里斯蒂安·贝尔就连《黑暗骑士》宣传期间都以美国口音示人。为了角色挑战短期增胖或减重,克里斯蒂安·贝尔的敬业向来有目共睹,由他演出的蝙蝠侠更一直备受观众爱戴,当初这位英国演员在演出这个角色时,也高度运用了方法演技,不但在片中完美呈现出了布鲁斯·韦恩的忧郁与纠结,更以一口流利的美国口音骗过了大众,甚至就连在电影宣传期间接受采访,都是以美国口音示人,让人几乎忘记他其实是个英国人。《疯狂的麦克斯4:狂暴之路》:麦克斯 汤姆·哈迪在主演的《疯狂的麦克斯》中台词比其他配角还要少。全片有大半时间都被面罩盖住脸、身为主角却只有 52 句台词,汤姆·哈迪在《疯狂的麦克斯》中饰演脾气暴躁的麦克斯,虽然锋芒稍微被查理兹·塞隆诠释的弗瑞奥萨抢过了一些,却依然在观众心中留下了很深的记忆点,而据悉汤姆·哈迪本人在拍摄期间也十分不好相处,如片中角色一样沉默寡言、还常常自言自语,几乎不太和其他演员还有导演互动。《与歌同行》:约翰·卡什杰昆·菲尼克斯于《与歌同行》中亲自献唱。由于诠释的是另一个实际存在的人,而不是虚构人物,许多演员在演传记型电影时,都会利用方法演技进入角色,好提升历史还原度,而曾获三度奥斯卡提名的杰昆·菲尼克斯于《与歌同行》中饰演传奇歌手约翰·卡什时,就也利用了此方法。他不但拒绝对嘴演出,坚持要现场自己弹吉他献唱,还要工作人员叫他「约翰」,拍摄期间被人用本名称呼时反而会让他反应不过来。《林肯》:亚伯拉罕·林肯丹尼尔·戴-刘易斯在《林肯》中的表演被誉为是神一般的演技,同片演出的影后莎莉·菲尔德表现也备受好评。来自英国的奥斯卡影帝丹尼尔·戴-刘易斯以其方法派演出著名,过去为戏学打猎、不洗澡、睡监狱等等的疯狂行径吓歪不少和他合作过的团队,而 2012 年为他夺下第三座奥斯卡的《林肯》更是整翻了工作人员,他不但在下戏后依然保持 18 世纪的美国口音,更要全部的人都待他如真正的总统,就连导演史蒂文·斯皮尔伯格都要叫他“总统先生”,如此状况持续了三个月。《朗读者》:汉娜凯特·温丝莱特曾七度入围奥斯卡,以《朗读者》夺下其中一座。金奖影后凯特·温丝莱特也许不是方法派的拥护者,但为了演出使她封后《朗读者》也是吃尽苦头,片中她的角色与 15 岁少年大谈忘年恋,且暗藏一个不为人知的秘密。由于实在太过入戏,凯特·温丝莱特曾表示在电影杀青后,有长达两个月的时间她都无法走出低潮。《穿普拉达的女王》:米兰达•普雷斯丽 梅利尔•斯特里普在大屏幕上的精湛表演来自于方法演技。梅利尔•斯特里普向来是著名的方法派演员,其表演以精湛模仿以及完美诠释各种口音闻名,这种演绎方式也为她赢得无数大奖。不过当演员彻底投入方法演技时,煎熬的可不永远只是演员本人,举例在《穿普拉达的女王》中和她对戏的安妮•海瑟薇就很倒霉——因为梅利尔•斯特里普为了诠释片中的尖酸刻薄的女主管,整个拍摄期间都超难相处。回忆起开拍第一天,安妮•海瑟薇表示:“她说我非常适合这个角色,而她也很期待跟我合作,最后补一句:‘这是我对你说的最后一句好话。’直到电影拍完、进入宣传期,她才变回当初那个亲切的梅姨。”

  • 大阅兵直播还有这些幕后亮点你未必知道!

    这两天,举国上下都沉浸在祖国生日的欢乐氛围中。大街小巷都在放着那首《我和我的祖国》,以至于只要一听到“我和我的祖国”~,马上就能接出下句——“一刻也不能分割”~然而今天,在这个全体人民欢庆的新中国成立70周年庆典之日,在首都北京天安门广场上的阅兵盛典无疑成为了亿万人关注的焦点!大家不论身在何处,要么打开手机、要么坐在电视机前,都在不约而同地观看建国70周年大阅兵。不知道,你看哭了没?为了呈现出最壮观的大阅兵,从十月一号凌晨开始,受阅部队就已经开始集结;工作人员开始维护装备;环卫车辆持续清扫长安街;记者和电视台工作人员连夜拍摄准备盛典直播……正是他们的彻夜未眠,最终的阅兵仪式的顺利和圆满。在今年国庆前夕,俄罗斯就为我们送来了祝福的礼物——俄罗斯联邦档案部门提供的开国大典彩色修复影像资料。这是目前公开的关于开国大典的时间最长、内容最完整、画面最清晰的视频真实还原了这一伟大的历史时刻,没看过的让我们先来重温一下?70年过去了,此刻再回看,依旧心潮澎湃,内心激荡,热泪盈眶!可见科技的革命还能为历史、为国家、为我们每一个人留下珍贵的影像回忆。所以,此次建国70周年的阅兵大典不仅仅是祖国繁荣昌盛的最大体现,也是我国顶级电视和网络直播技术的集大成体现。大阅兵的官方直播单位中央电视台也早已向大家透露,今天的庆典活动,会通过电视、手机端向全球同步直播4K高清画面的国庆盛典,用高科技、高清晰的影像记录这一重要的历史时刻。早在9月29日央视就开始了70小时不间断的直播,栏目由70多路记者、90多个机位、30多个特殊视角无人值守机位、1600多个镜头精心为我们随时播报阅兵庆典的前前后后。据盛典直播项目中标的公告显示,央视为这次国庆活动采购的4K直播适配设备耗资千万元!其中,总控TICO编码设备2231万元、光缆和信号发生器63万、音频设备51万、帧同步设备754万、摄像机和镜头178万!下面就让我们来看看,本次大阅兵的直播,央视都用到了哪些技术、哪些设备以及哪些特殊角度:01 5G+4K直播此次,央视新闻携手中国移动咪咕公司带来了5G时代的阅兵盛典的全新看法,打造了历史首次4K超高清全景直播阅兵盛典。观众将获得拥有3840×2160的分辨率的4K超高清直播,全程始终保持在50帧/s(fps)的高帧率。高分辨率、高帧率和高动态范围让画面中接受检阅的人民军队飒爽英姿得以一览无余地展现在观众眼前!宽色域、高色深和三维全景声技术让强军风采得到了前所未有的真实呈现,得以让我们拥有身临其境般的震撼!值得一提的是,这也是5G正式商用以后,首次用以如此大型的盛典现场视频直播。5G传输速度带来的视听技术力量,展现给了大众,献礼新中国成立70周年。同时,这次盛典,央视与全国十余个省份的70家影院合作,首次将直播信号引入院线,坐在电影院看“阅兵直播大片”,这还是历史上的第一次!02 7路特殊视角镜头的全景观看体验据了解,本次阅兵共59个方(梯)队和联合军乐团,总规模约1.5万人,各型飞机160余架、装备580台套,是近几次阅兵中规模最大的一次。央视为了呈现全景观盛典的体验,特意为大家从总台超过70路转播机位中,精选了7路特殊视角镜头。依托于多路直播信号,我们可以自由选择从高空看、从地面看、从远处观、近处看等多视角观看阅兵仪式,再现现场令人激动的氛围。通过观礼台视角我们可以从西平台透过华表看分列式:而最独家的视角应该就属长安街高点的中线视角了!这一视角用到的是,央视自主研发的具备两台二维索道摄像机的“天鹰”系统,设备横跨广场两侧,可上可下,可前可后,为我们带来了摇臂、人工、航拍都不一定能带来的观看视角!还有一个独特的镜头,是摄影师在阅兵开始前放置在长安街中线的地面4K摄影机。可以贴地观看铁流滚滚和呼啸而过的战车,也相当震撼!方阵北侧设置的近地仰视镜头也是一大亮点,可以看到势不可挡的战车隆隆驶过,格外有冲击力。当然,必不可少的还有空中航拍视角,据悉,这次央视投入了两架载有4K拍摄设备的直升机,进行空中360度无死角的拍摄,你看到的俯瞰天安门、飞机阵列的震撼画面就是从这些高度更高的空中直升机拍出的。最独特的视角,是这些藏在各种角落的微型摄像机。它们通过鱼眼镜头捕捉了舱内驾驶、舱外俯瞰阅兵、以及战车上的细节画面。除此之外,是常设的拍摄车、巨型摇臂和轨道等机位呈现的视角,从下面这张航拍图中,我们至少可以看出从天安门广场东华表至西华表之间,就架设了11-12个摇臂拍摄车机位、全程捕捉阅兵方阵的动态画面。所以,有心的朋友可以算一算,央视直播一场大阅兵,一共设置了多少个机位?03 AI剪辑此次国庆70周年庆典过程中,央视还推出了300+条的短视频,这么大视频制作量如何实现?其中一部分就是交由人工智能剪辑来完成的,这也是AI剪辑师的首秀!经过机器一个多月的“训练”,AI可以准确识别多路信号正在发生的内容并进行组合,这就使得AI剪辑有一个很大的优势——观众在电视机前看到每个方队、方阵的画面是现场导演切换剪辑的,大概只有20多秒;而AI剪辑能够充分利用每一路信号画面进行完整组接,从而展现每个方队、方阵经过天安门的全部过程,时长达到1分钟以上。而且,AI并不是简单的切条,它是有“灵魂”的剪辑师,远全中近特,手艺很讲究!相信AI处理过的视频足以让大众眼前一亮。只不过,他的剪辑工作不是对着视频画面,而是满屏的代码!这些全新的科技,协助展现了此次国庆大阅兵的多个“首次”和“之最”。04大阅兵幕后的电视人们除了AI之外,当然也少不了人力的投入和支持。震撼过后,我们可曾想过,是谁为我们带来的这些惊艳影像?这都应归功于那些在幕后默默奉献的电视人们,感谢你们起早贪黑,用汗水和心血为我们呈现的近乎完美的直播!让我们也同时向辛勤付出的你们表示诚挚的敬意!下面,让我们再次回顾一下整场阅兵盛典吧!(高能!震撼高清阅兵图来袭~)空中护旗方队仪仗方队陆军方队海军方队行进中的空军方队火箭军方队女兵方队其他各种徒步方队武警反恐突击方队tank方队信息作战方队战旗方队自行火炮方队反tank导弹方队东风-5B核导弹方队领队机梯队还有更多装备亮相——看不够?那就看一下这个超燃的混剪视频吧!100秒看完70多个装备方队领略中国制造!?从1949到2019两场阅兵,穿越70年!最后,让我们一起祝福新中国70岁生日快乐!-END-本文图片来自网络及人民日报官方微信微博

  • 为什么越来越多电影海报设计喜欢用插画?

    一提到电影海报设计大家第一时间想到的就是黄海吧从他的海报设计中虽然也是应用了很多的表现形式但是吸引大大君我注意的是像龙猫、千与千寻、小偷家族等海报都是用插画的手法去表现的那么——为什么插画的设计手法现在普遍应用在电影海报当中呢?大大君我给大家分析分析 插画的广度,增强了电影主题的传达性 现在市面上的商业插画普遍应用在各行各业例如餐饮、服装、美妆等领域从近期的品牌升级中我们也可以看到插画的应用例如前段时间虎牙品牌升级也是用了很多插画的元素去体现自己的品牌特色而电影海报用插画的表现形式打破了传统用剧照去传达电影主题的表现形式变的更加包容和艺术性而且一般来讲插画的表现形式跟作者的个人风格还是蛮相似的例如黄海的海报设计是以民族元素的冲击力意境之美的表现手法还有文化元素的搭配,都是黄海设计的核心而张渔画的电影海报设计善于采用水墨浓重的色彩、点彩的设计手法等去呈现将东方古典美学与近现代兴起的插画结合形成了自己独具特色的插画风格从插画师的角度去传达电影海报的主体以此打破了传统第一视角的角度从第三方去理解电影更能提高和受众的观感契合度例如下面的电影海报设计▼日月这部电影迪丽热巴和窦骁主演的故事整体颠覆了传统印记中的嫦娥和后羿▼嫦娥厌倦了小渔村枯燥平淡的生活一心想去探索外面的世界在她打算离开时,一场突如其来的龙王选妃盛典引发了一系列啼笑皆非的故事所以海报设计上主要以太阳伴随着星空的感觉一群人站在船上像着太阳挥手的背影从电影海报中给人无限的想象力其次,它的画面呈现更加有原创性在元素的体现上更加有艺术表达的空间让人觉得是经过了精雕细琢的艺术化处理而并非素材的堆积和滥用像下面《怒火》这部电影海报设计单单从海报的名称中就能感受到电影想表达的一种情绪所以在海报设计的处理上首先字体设计以毛笔字的书写形式将怒火这两个字以非常张力的笔画去呈现且画面用星星点火的元素去体现怒火的感觉除此之外另一张海报的画面设计用燃烧的人像去体现火焰遍布全身的感觉突出了怒火燃烧的概念而《春潮》的插画电影海报设计用三代人的合影为主画面体现了母亲与孩子之间的关系以肌理的插画手法进行表现体现了几代人的历史感除此之外插画应用在电影海报上的作用是 插画的设计打破了电影海报地域文化的局限性近几年我们发现很多电影在引进我们大陆的时候都会发布中国风的海报系列做相应的宣传最典型的莫过于美国冒险电影《神奇动物:格林德沃之罪》中用里面的角色为原型设计了一组中国风的电影海报还有像前不久上映的《蜘蛛侠:英雄远征》发布了一组中国风的概念海报不少网友纷纷直呼“蜘蛛侠的中国风概念海报也是很拼了”虽然这个海报非官方@Kwok盖 所以说,插画的表现形式跨越了地域的限制具有很强的包容性将自己电影的特色和当地地域文化相融合契合了各地域电影海报受众审美以此来达到很强而有力的宣传效果又例如《狮子王》之前恭贺新春的时候就发布了一张充满年味的海报▼下面这张海报设计采用了大面积留白的处理手法将狮子的眼睛局部提取出来用水墨的表现手法,将小狮子的放在眼球里面给人无限的想象力哈哈哈,看完之后大大君我只想补充一句正如CCTV6电影频道说的一样在没有PS之前,所有的海报都是手绘的例如之前的故事片《野火春风斗古城》的海报设计就是将人物特点以手绘的形式表现出来小兵张嘎霓虹灯下的哨兵51号兵站林海雪原洪湖赤卫队红色娘子军阿诗玛冰山上的来客那么——问题来了今日话题:以上没有PS年代的电影海报,哪一部你看过?欢迎留言评论哦

  • 案例分镜详解 | 科普动画之2019新版人民币!

    今年夏天,中国人民银行定于发行50元、20元、10元、1元纸币和1元、5角、1角硬币,新版人民币更安全、更亮丽、更易于识别。科普MG动画新版人民币创意点:无厘头喜剧形式or荒诞诙谐的趣味语言—引出新版人民币防伪知识及延伸内容设计框架:以二货假钞罪犯为主角,以第一视角为主要视角,用无厘头的喜剧形式展现故事情节,通过荒诞诙谐的语言增强趣味性,利用主角内心活动与观众视角所形成的反差制造笑料,二货主角沉浸在自己印假钞的发财美梦里,被超市老板揭穿假钞事实,并普及钞票防伪知识,最后出现银行工作人员说出新版钞票小贴士。正文:主角(内心独白式):我叫大力,毕业于山东五百强大学,挖掘机专业硕士,美容美发专业博士不要羡慕我的高学历,因为,这只是冰山一角你们绝对猜不到,我还是这个世界上最顶级的假钞专家仿制的假钞连我自己都认不出来多年来,我潜心研究印刷之道融合了西方的阿基米德、苏格拉底、柏拉图终极宇宙原理和东方的佛道儒墨法五家大成精华皇天不负有心人,终于,我只花了一万块,就做出了我人生中第一张假的一百元哈哈~我简直就是个天才如此天才的我要用一个天才的计划把这张一百元花出去(转场景)没错,就是这家超市,我准备发挥影帝级别的演技用这张假的一百元换出真的99元,我为何如此的优秀(进入超市)大力:老板,呃,内个,矿泉水怎么卖?老板(呆萌:参考张本煜):一元~大力:没错,就是它了,给你一百,找钱~老板(接过钱):朋友~你这张是假钱哦什么?怎么可能?一眼就发现我用的是假币?难道这个老板是隐藏的验钞高手?还是我的天才计划被人泄漏了?大力(心虚):不会吧,你是不是看错了老板(依旧呆萌):你看,真的一百元这里(画面展示:国徽、“中国人民银行”行名、毛爷爷头像、盲文、票面正面右上角面额数字、人民大会堂)会有明显的凹凸质感这里(画面展示:空白处,透光观察,可见毛爷爷头像)会有清晰的头像水印,还有这里(画面展示:安全线中正反交替排列“¥100”字样的镂空文字),也会有明显的镂空文字大力:我这张也有啊老板(还是呆萌):这些都不重要,重要的是你这张钱上为什么会有“样币”两个字呢,你这仿的也太认真了?就这样,我被毫不留情的抓走了,假钞界又损失了一颗巨星(转入法院审判场景)法官(面无表情一脸正经):你为什么要印假钞?主角(崩溃脸):我也想印真钞,但是实力不允许啊(主角夸张造型嘶吼)(两侧出现监狱大门猛然关闭)新版人民币科普出现上海银行人员形象:2015年第五套人民币100面值现已发行,中国人民银行定于2019年8月30日起正式发行50元、20元、10元、1元纸币和1元、5角、1角硬币,新版人民币更安全、更亮丽、更易于识别,在这里告诫大家,擦亮双眼,远离假币侵害;如有发现,请积极举报,有奖励的哦~分镜稿设计MG动画制作分镜线稿MG动画制作分镜线稿MG动画制作分镜线稿MG动画制作分镜线稿MG动画制作分镜线稿MG动画制作分镜线稿MG动画制作分镜线稿

  • 是杨紫王俊凯的流量救活《中餐厅》的吗?

    文/Wendy你知道酸是什么意思吗?你知道柠檬是什么意思吗?不管你从事什么行业,如果你的目标受众是95后、00后的年轻用户,而你此刻认知中的酸还只是一种味觉,柠檬就是一个水果的话,就要反思了,你并没有想象中和以为中那么懂年轻受众。继上周黄晓明与王俊凯、杨紫出现交流、沟通的世纪鸿沟之后,在本周更新的《中餐厅》中,王俊凯再次与秦海璐聊出了世纪鸿沟。屏幕中的黄晓明、秦海璐因年龄问题,无法融入杨紫、王俊凯的对话已经冰封,而屏幕外的大部分年轻观众却乐到肚子痛。这也让我们重新思考,王俊凯和杨紫的加入,对于《中餐厅》意味着什么?为何综艺节目总是热衷于当红的年轻艺人,仅仅是为了流量吗?1流量入局后的综艺,网络数据纷纷逆袭一直以来,流量都是娱乐市场争抢的对象,无论是电影、电视、综艺亦是如此,《中餐厅》也不例外。在第二季的《中餐厅》中,除赵薇外,苏有朋、舒淇、王俊凯、白举纲都是新加入的嘉宾。特别是王俊凯的加入,更是让粉丝们疯狂,有生之年看到顶级流量变身厨师、服务员,甚至有机会吃到偶像亲自做的饭,亲自端上的菜品,确实是一件幸福的事。第一季《中餐厅》固定嘉宾:赵薇、黄晓明、周冬雨、张亮、靳梦佳第一季播出平台:芒果TV、腾讯视频第二季《中餐厅》固定嘉宾:苏有朋、赵薇、舒淇、王俊凯、白举纲播出平台:芒果TV、腾讯视频而王俊凯也不负湖南卫视和整个节目组的众望,在几乎所有综N代都无法改写口碑、热度下滑的情况下,《中餐厅》第二季却是个例外。尽管第二季的收视率大幅下滑,但是其网播量稳住了,豆瓣评分由6.4上升到了6.6,热度值更是直线飙升。根据2017年、2018年腾讯娱乐白皮书数据显示,《中餐厅》第二季热度指数高达247万,比第一季时提升2.6倍。在网络播放量上,王俊凯的带动力也很明显。《中餐厅》第一季第一期,在腾讯视频其单期播放量为2.7亿,之后网络播放量数据下滑趋势明显,到第一季最后两期时,网播量已经下滑一半左右,分别跌至1.3亿、1.4亿。在观众对于明星经营餐厅失去新鲜感后,还没有成为综N代的《中餐厅》就已经疲态明显。可湖南卫视依旧决定启动第二季,但拯救下滑的数据,也成为了第二季必须面临的问题。于是,王俊凯来了,并且在开播时,显示出了强劲的“带货”能力。由于王俊凯的加入,《中餐厅2》第一期网播量再次回到2亿+领域。虽然与第一季一样,第二季后期同样面临了数据下滑的状况,但《中餐厅2》作为综N代来说,却是成功的,无论是单期网播数据,还是整体数据,都与第一季基本持平。第三季《中餐厅》,在已经拥有了顶级小鲜肉王俊凯之外,杨紫作为小花中的流量代表加入。或许《中餐厅》在邀请杨紫时,并没料到在今年的暑期档期,杨紫由一朵普通小花,上升到了与杨幂一样拥有“旺男主”体质的顶级小花位置,连续霸占各大艺人榜单榜首多日。在王俊凯继续担任固定嘉宾后,《中餐厅3》又赶上在杨紫大热之时开播,可谓是锦上添花。杨紫同样也不负众望,开播就贡献了多个热搜,就连“体重”“单只耳环”这样的话题都能登上了热搜榜。尽管在第三季开播时,因秦海璐的苛刻,国宴大师的挑剔,观众对于《中餐厅》的好感度直线下降,但前两期播放量却没掉,分别为1.3亿和1.1亿。针对《中餐厅》来说,流量对于节目网络相关数据的贡献很明显。而在《中餐厅》之外,很多综艺节目都是流量的受益者,特别是在综N代的节目中,因为有了对比,更可以看出流量加入后,对于网络相关数据的提升。《王牌对王牌》第一季的固定队长是王祖蓝、谢娜和白百何,作为一档综艺搞笑节目来说,王祖蓝、谢娜和白百何三位固定嘉宾与节目的基调十分契合,有梗、有话题、有绯闻,而且全民度很高。但在2016年的综艺节目网络播放量TOP榜单上,却榜上无名。《王牌对王牌》第二季,两位顶级流量王源和宋茜加入。在2017年的卫视季播综艺网络播放量榜单上,《王牌对王牌2》一跃成为了季军,并且成为了当年综艺节目热度排行榜榜单的冠军。流量对于网络数据的带动,在以流量小鲜肉、小花担任主要嘉宾的《高能少年团》和《花儿与少年》两档节目的市场表现上也很明显。根据数据显示,《高能少年团》、《花儿与少年》在当年的收视率排行榜上都未挤进前十的位置,但是其网络播放量和热度却排名靠前,特别是《花儿与少年》收视率排名位列41,但其网络播放量却是当年年度榜单的第六名。2流量不仅仅是数据为何鲜肉、花旦入局的综艺,网络相关数据纷纷逆袭?难道真的是因其自身所携带的流量而吸引了粉丝吗?确实,流量入局综艺之后,其部分粉丝必然会成为观众,为节目带来增量,但这种转化率并非是百分之百的,综艺节目作为全民娱乐性节目,想要在数据上逆袭,还是需要全民力量的加持。而从第三季《中餐厅》已更新的内容中,我们也发现看似流量担当的杨紫和王俊凯,其实在节目中承担着远远不止流量的功能作用。他们是90后、00后的受众代表,是年轻人的代表。即使两位都是少年出道,他们与屏幕前的年轻受众也有着共同的记忆,共同的成长经历,其笑点和HIGH点几乎是与90后、00后完全共振的。试想一下,如果节目中没有杨紫和王俊凯,而是两位与黄晓明、秦海璐年纪相当的艺人,那么整期的话题都可能是菜米油盐、孩子教育。但作为观众,并不是想要看父母辈艺人唠嗑一整期。而这也是所有综艺节目选择了老少配的重要原因,从《向往的生活》《亲爱的客栈》《花儿与少年》《花样姐姐》等无一不是如此。在第二期节目中,一段王俊凯和杨紫回忆童年记忆的片段,引发了大规模观众的认同,《数码宝贝》《四驱兄弟》《快乐星球》《巴啦啦小魔仙》这些王俊凯提到的动画片是属于90后、00后的童年记忆。特别是当王俊凯提到《快乐星球》“六种语言”的梗时,杨紫更是瞬间如被时光列车拖回了少年时代,笑翻了。而屏幕前的观众,也完全如身临其境般将无数“哈哈哈哈”投射弹幕,但就在杨紫和王俊凯旁边的黄晓明却完全GET不到点。之后,“和王俊凯杨紫同一片网络冲浪”“同龄人话题”等迅速冲上了微博热搜榜。该片段播出时,在网络平台上其弹幕条数肉眼可见的猛增,瞬间冷清的弹幕活了。而杨紫的那句“雨女无瓜”以及王俊凯的“小朋友要有小朋友的亚子”则有点像对于旁边黄晓明的讽刺。杨紫和王俊凯笑点和HIGH点与90后、00后的共振,不仅仅是“点”的相同,还包括“点”的高低也一致。诸如当王俊凯提到《黑猫警长》只有五集的时候,杨紫的反应是震惊+傻乐,而黄晓明则问出了“为什么”这样的问题,可这本来就只是王俊凯想要讲的梗而已。当黄晓明问出“为什么”的时候,作为90后、00后观众已经把“黄晓明式思维的老年人”踢出群聊了。而黄晓明自己在接受采访时,也曾经说道“我是一个玩游戏都很认真的词”。而在第三期节目中,当杨紫讲了一个关于长发的脑筋急转弯时,国宴大厨林老师竟然用“逻辑”指出,答案不成立,王俊凯只好夸到“小林哥是逻辑鬼才”。尽管被反驳了,但这并不影响旁边的杨紫笑成一团。因为对比答案,一根头发的长发女郎,在90后、00后的想象画面中,就是一个笑话。在《中餐厅3》中,王俊凯和杨紫不仅是搞笑担当,还是话题担当。“梳头姐弟”会在严肃的氛围中及时地找到话题点和乐趣点,帮调节工作氛围。杨紫和王俊凯贡献的不仅仅是与90后、00后共振的点,不仅仅是“酸”、“柠檬”这样的网络热词,还包括一种与年轻受众一样的心态。其实,在节目中,我们可以明显的感觉到, 年轻人对面问题和困境时的心态会比成年人更乐观。年轻人的心态是认真生活,快乐工作,而非“认真工作,快乐生活”。万事,不能伤了和气。在综艺节目中,尽管没有剧本,但一样需要与观众产生共鸣、共情,才能增加观众的粘性,降低弃片率。针对《中餐厅》来说,则是只有受众粘性增加了,才有可能挽回前两季都遭遇的“高开低走”的尴尬经历。而这些共同话题所吸引的年轻人,可不仅仅是粉丝,还包括的是粉丝在内的所有年轻受众的共鸣,而不断扩大和延伸年轻受众的比例范围,才是综N代可以持续续命的良药。结语无论是从《中餐厅》还是《王牌对王牌》《高能少年团》等综艺节目中,我们都可以看到,流量对于综艺节目的网络播放量及全网热度带动明显,但同时我们也发现流量仅仅只是对于网络相关数据具有强劲的“带货”能力,而一档综艺节目要想在收视率上实现逆袭,恐怕还是要从具有全民知名度的艺人以及全节目整体内容的创新和提升上下手。这也是为什么流量≈数据的原因,流量只能是为综N代续半条命。(麻辣娱投原创文章,未经授权不得转载)

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