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  • 豆瓣评分8.2!这部国产新片让我看到好演员的春天

    在讲今天这部新片前,厂长想先介绍两个人。2018年《我不是药神》的上映,成为华语电影类型片史上具有开创性的时刻。这部电影不仅让人们关注到医药改革当下的现状,也让更多的人记住了电影里那个沉默寡言却有着赤诚之心的“黄毛”。而在此之前,很多观众不知道,黄毛的扮演者叫章宇。章宇凭借这个角色入围第55届金马奖最佳男配角章宇其实不算一个新人演员了。在《我不是药神中》看上去只有20岁左右的他,实际上已经36岁了。在此之前,他演过多年话剧,电影还有电视剧。在青年导演胡波电影《大象席地而坐》里,他是睡了自己好朋友老婆的混混头子于成,台词念得极其有味道让人印象深刻。这部电影不但在柏林电影节获奖,也在今年First影展上大放异彩成为开幕影片。另一位,是任素汐。《我就是演员》里,任素汐火了。她在和左小青搭戏的那期里,用自己干净利落的表演,获得了导师们和观众的一度认可。那天,她收获了无数的赞扬:陈凯歌说她不简单;尤小刚说,她是现实主义表演方式的典范;邓超为此还发了条微博,只有三个字:任素汐。可演罢,任素汐却哭了。她哭着诉说自己为何站上这个舞台。她也直言不讳地在节目里说,来参加《我就是演员》,就是想让更多的人知道自己,和能够帮助到自己出演的新电影。因为那部电影真的是自己“很认真演的”。任素汐不是卖惨,而是当下很多优秀演员的现状。在这个更信奉流量与颜值的时代,演技不能作为剧组选择演员的最高标准。很多好的话剧演员在舞台上一遍遍磨炼演技,然后只能去各类影视剧里客串,当个有演技的背景。徐峥也有过这样的经历,从话剧舞台走到了影视圈,因为接不到好角色,决定自己拍戏,给自己安排适合的角色。这才有了《人在囧途》系列,还有《我不是药神》等等电影。这是一种悲哀。而好在徐峥在听完任素汐苦衷之后说的这句话,让我们对华语电影的未来有所期待。我们希望像章宇、任素汐这样的好演员们能被认可,有越来越多好的作品。我在看完节目之后,也更加期待任素汐这部“认真演”的新片。终于,这部新片在今天上映了。 就是它:《无名之辈》上映第一天,就口碑不俗。豆瓣打出8.2高分。这在国产剧情片里也是少有的分数。虽然片名叫《无名之辈》,但论这炸裂的演员阵容,绝不是“无名之辈”。这部电影除了集结章宇、任素汐之外,还有潘斌龙、王砚辉等完全称不上流量,却始终凭实力演戏的演员。以及当年凭《一个勺子》拿下金马奖最佳新导演奖与最佳男演员奖;又凭《军中乐园》拿下最佳男配角奖的老戏骨陈建斌。而近几年来一直活跃在话剧届的导演饶晓志,更是一位宝藏“男孩”。2014年,饶晓志执导的《你好,打劫!》获得第九届中国话剧金狮奖中最佳导演奖。他的银幕处女作《你好,疯子!》,一上来便在封闭的空间里挑战了难极大度的群戏。尤其是万茜在最后那长达4分多钟的长镜头,被众多网友评为封神般的演技。据说这个镜头拍了整整32遍电影讲的是章宇、潘斌龙这两个低配憨匪,策划了一起拙劣的抢劫行动,在抢劫的过程中被泼皮保安陈建斌盯上,又和坐在轮椅上的悍妇任素汐纠缠不清的故事。上映前,厂长受邀和导演饶晓志以及章宇聊了聊这部电影。这部电影在某些层面来说,也正是在他俩机缘巧合下的产物。 “听了很多遍尧十三的《瞎子》之后, 我决定拍一部关于乡愁的电影”同为贵州人,又同毕业于贵州大学艺术学院。作为师兄的饶晓志很早就认识了章宇。那时章宇没什么名气,但饶晓志看得出这个充满才气的男孩,对表演有着与生俱来的天赋。有一年饶晓志和章宇去爱丁堡艺术节,在从伦敦飞回北京的路上,两个人喝光了飞机上提供的所有威士忌和啤酒,章宇不胜酒力昏昏睡去,饶晓志因为恐机症,习惯听歌来驱逐想象力。听到的那首歌,是尧十三的那首《瞎子》。这不是饶晓志第一次听这首歌,他也不是一个时常怀念家乡的人。或许是酒精的作用,或许是尧十三缓缓低沉的嗓音带着引擎的轰鸣声,让饶晓志排山倒海般回忆起了家乡的往事。于是,他决定回到家乡,拍一个关于乡愁的片子。《无名之辈》的故事,就发生在贵州的一个小城,片中的人物说着一口西南官话。饶晓志还请来尧十三在电影中客串了一名民谣歌手。说客串,不如说就演的是自己,站在街边,唱着还是那首《瞎子》。 一场荒诞闹剧, 道出人生的悲欢离合。作为一位活跃在话剧届的导演,饶晓志对于剧本结构有着自己的想法。他善于对剧本结构做出某些限制,以此来让其他的分工能做到极致。《你好,疯子!》将故事限定在封闭的空间里。空间单一,这就让观众的目光聚焦中角色的性格塑造上,考验着每一个演员的演技。到了《无名之辈》,饶晓志又玩起了时间的限制。把故事发生的时间限定在一天里。这极大的挑战了整个剧本的完成度。尤其是在故事情节的设置,环境的设置,还有人物之间的关系设置,都需要在这一天的有限时间内,做到极致。从电影最终的呈现效果来看,饶晓志成功的做到了这一点。《无名之辈》的情节环环相扣,紧张的气氛直到最后一刻也没有放松下来。在一场荒诞的抢劫闹剧下,饶晓志带我们探讨着生活在城市里的小人物与整个社会的关系。故事,要从保安马先勇说起。马先勇(陈建斌 饰)是个落魄的工地保安,做梦都想要成为一名协警。他在工地意外发现一把枪,原本想交给警察邀功请赏,却不想被人早早掉包,变成了把玩具枪。为了证明没有说谎话,他开始寻找那把真枪。另一边,眼镜(章宇 饰)与大头(潘斌龙 饰)从老家来到城市闯荡。他们想要干一番大事业,出人头地。却走了歪路,干起抢劫的勾当。头盔遮面,机车开道,手拿真枪。看起来是一副悍匪的模样,却不想是俩笨贼。讲真,从没见过这么蠢的贼。两个人因为不敢去银行抢劫,转道儿去了隔壁手机店抢手机。抢没抢到先不说吧,没想到逃离现场时竟然一紧张把摩托骑到了树上?这操作简直6的飞起啊......为了逃命,他们闯入民宅。撞见了因为车祸高位截瘫,只有头还能活动的马嘉旗(任素汐 饰)。他们原本以为是个好对付的主儿。假装是杀人如麻的匪徒,却被马嘉祺彪悍的重庆话骂人怼的无地自容......这些身份地位八竿子打不着的人,也因为一把枪,被巧妙的串联了起来。听起来是一场笑料百出的喜剧,但当你看过之后你会明白,这场荒诞的喜剧背后,是一群小人物在残酷生存下的困境与救赎。《无名之辈》中的人物出场众多,却像片名一样,都是活在小城中的普通人。他们带着不同的身份标签活着,又在努力脱离这些标签,只为维护自己那点仅存的尊严。比如保安马先勇。他曾是最能干的协警,却因为犯了不可饶恕的错被开除公职。又因为擅自在按摩店办案,被女儿误会,还以为他嫖娼。马先勇不甘成为保安,更不甘被女儿看不起。他唯有拼尽全力甚至豁出性命找回那把枪,用来挽回作为父亲和男人的尊严。又比如"悍匪"眼镜。眼镜本质不坏,只是没有文化,又想出人头地。他怀揣着“做大做强”的信念准备和兄弟一起用这次惊天大盗,奠定自己江湖上的地位,却不料成了一场笑话。监控里他们的抢劫过程被网友做成鬼畜视频,满屏嘲讽。成了人们茶余饭后的笑料。他必须真的去做一回盗贼,找回被人玩弄的尊严。而全身瘫痪的马嘉祺,原本准备以此来嘲笑这两个误闯她家的小贼。却在瞬间面临着人生最没有尊严的时刻:尿失禁。如果说其他人还可通过努力找回尊严,那马嘉祺,却无可奈何。只能一心求死。片中出场人物很多,甚至一些对主线故事没有过多作用的角色,饶晓志仍然给了这些角色很多发挥的空间。欠下巨款无法给工人工资的开发商老板高明(王砚辉 饰)。原本准备带着情人跑路,却最终决定回来承担自己该负的责任。身在风月场所按摩小姐真真,却最终找到了真情。在电影制作过程中,有人担心过多的角色会分散观众的注意力。可饶晓志没有担心过这个问题。这不是一个人的故事,而是一群人。这一点在电影名的改动也有体现。电影原本叫《荒枪走板》,但饶晓志觉得不够点题。毕竟虽然是一把枪引发的“血案”,电影的内核,关心的还是人。在这个环环相扣的故事里,饶晓志让不同身份的人在这里都得到了表达的机会。诚然,《无名之辈》里的每一个人都是不完美的。他们失禁、失落、失意、失心。他们在残酷的现实与遥远的理想间,挣扎坚持着那些自己也不知为何胆敢坚持的活计。就像歌里唱的:“那黑巴巴的天,好大哦”——这是绝望的,勘破了人情冷暖和最终出路。但这也是真实的,在平凡的人间,这些生活在钢筋水泥下的普通人,同样有属于自己的理想和爱情。每个人活的都不容易,而只要活着,我们也无一不是拼尽全力甚至拼上性命的在活。感谢这些好演员让我们感受到平凡人身上的不平凡。徐峥说“好演员的春天到了”,希望好电影的春天,也该来到了。-end-

  • 上周最受欢迎的十部作品 | 新片场周榜单

    新片场周榜单是由新片场社区推出的一项作品榜单。我们通过统计站内外各项数据综合得出排名,精选出每周社区里最受欢迎的10部作品,推荐给大家,让你不落下每一支好片子,也希望好作品能让更多的人看见!新片场周榜单 | 11.12-11.18上周在新片场社区,最受观众喜欢的10支作品,有温柔动人的旅拍短片,也有引人深思的故事短片。在精选的广告中,创意与故事并行,既有神脑洞的创意广告,又有励志故事短片,简直就是一场饕餮盛宴。1贝壳 | "人生还不一定 所以一定可以更好"不一定给人打工不一定朝九晚五什么时候睡觉 不一定什么时候结婚 不一定会成功吗 不一定下一站 不一定人生还都不一定就有机会更好2【激昂旅拍】惊艳枸杞岛 - GH5S没有香港迪拜富丽没有东京巴黎堂皇这只不过是朴素的舟山小岛但是同样能够让我们惊艳3短片电影《从头》这是一个从剪发开始的故事在时空重塑中讲述一个逃犯的救赎一个真正意义上的从头开始4京东电器220V带电新人类6分钟玩转30个脑洞大开的广告每个文案都6到飞起创意点让人称赞叫绝这才是广告该有的味道5天猫国际+Nikki动感与跳跃色彩与光影玩味时尚新潮流6中国如画II看过很多的延时摄影这绝对是你最意想不到的一种色彩斑斓的油画里有着时空悠悠的气息画里的中国别样的意境7这道创意小鸡炖蘑菇,可能会霸占你朋友圈的C位!鸡肉又嫩又软在蘑菇仔汤里一浸一泡一咬一股鲜汁经过大火烹煮文火慢炖油盐糖的融合葱蒜大料的调味还有榛蘑的增香提味这道菜才到达美味的巅峰8爱慕2018秋冬广告-“爱上拥抱”从无话不说变成无话可说盼你长大又怕你长大面对面变成有机会见面9京东 X One Show:各有不凡,让每个想法都值得我热爱的你觉得毫无意义我选择的你认为不切实际我的投入你怀疑它不合时宜我的想法在你的认知里显示404不被既有的标签归类不被套路预测结局一路走下去能抵达没人到过的新天地10你,是个敏感的人吗?用女性的视角捕捉女性敏感的瞬间职场新人不被领导承认大龄未婚文艺女青年未能被父母理解全职妈妈困顿在家庭和工作之间其实在这些看似矛盾的背后却有默默的关心-end-

  • 专访 | 好莱坞华人女导演洪诗婷:创作能跨越性别的限制

    和好莱坞华人女导演、新片场创作人洪诗婷开始交流时,正值2018年奥斯卡颁奖典礼前夕,她正在洛杉矶参加AMPAS(奥斯卡主办单位)的各项活动会议。这些年奥斯卡愈发重视种族和性别平等的议题,今年更是对女性格外关注。对于许多人批评奥斯卡过于“政治正确”,洪诗婷这位身在洛杉矶十几年的华人导演,也是种族平权的声音所呼吁要支持和保护、并多给机会的女性电影从业者,对奥斯卡的决定有她的理解和观察。「这些不同的意见与声浪,非常关键。我相信平权的声响会持续影响奥斯卡的决定,他们有自己的包袱。在接受批评的状况底下,AMPAS势必会更积极地做出对长远历史有意义的努力。」 她相信此时是难得的,更公平的起跑线确实会帮助更多华人与女性电影工作者拿到资金创作出好作品。而洪诗婷让自己的第一部小小电影被收录在了奥斯卡电影资料库(Academy Film Archive)里,本身就是个突破种族和性别限制成功获奖的佳例。洪诗婷出生于台湾台北市,本科在台湾师范大学美术系就读,而后攻读南加州大学电影学院动画学系硕士。期间她的毕业短片《维奥拉》赢得了第35届学生奥斯卡金奖,登上奥斯卡杂志封面,并获得奥斯卡提名资格。第35届学生奥斯卡金奖动画短片《维奥拉》短片讲述小女孩维奥拉提起旅行箱,一步步踏上漂浮的梯子,展开一段奇幻旅程。她逐渐长大,走过生命中的阴晴风雨,初尝爱情的甜蜜与失落,直到学会跟自己的每个生命阶段相处,彷彿经历一场爱丽丝梦游仙境。这部动画短片并不是一个童真的童话,相反,它抽象、美得沉重,像个暗黑的成人寓言。看完全片,会感受到某种生而为人的孤独和宿命感。洪诗婷表示自己深受大卫·芬奇与安东尼奥尼的影响,「 这两位导演风格很鲜明,对于人性的表达透彻,是我学生时期非常喜欢的电影风格。」含义深刻的影片往往富有争议性,《维奥拉》也是这样。有的人从每个影片设计中看出深意,也有不少人直言看不懂。不同的观众也可能会对同一个画面解读出不同的意思。比如在维奥拉遇到男生的房间之后,出现了一个小婴儿。很多人认为这代表她生的孩子。也有人认为是她返璞归真,回到了婴儿时代,回到一个很纯真的状态。开放宽广的解读空间,正是《维奥拉》的美感所在。「 观众的确需要动脑子才有办法了解这个片子在说什么。 我没有很刻意让短片好像有两个故事线,而是观众可以自己决定,就像《盗梦空间》一样,最后那个陀螺到底有没有倒下来?这个东西交给观众去想。」 从洪诗婷的处女作短片《维奥拉》已经可初窥她喜好的影像风格 ——抽象的隐喻,寓言式的奇幻故事,以及丰富的色彩设计。她在之后执导的作品中,逐渐将这一特色融进不同类型的影片中。她早期与格莱美提名歌手Katie Herzig合作的MV,取景自墨西哥超现实主义花园。她现在在上海北京拍片,常与不同的制作公司合作。去年执导的京东广告,短短45秒,惊艳复刻了充满东方色彩的赛博朋克科幻美学。洪诗婷的作品多探讨人类行为和潜意识,以高质量制作的超现实表现为主。因为相似的影像风格,她在2009年与雷德利·斯科特的电影制作公司RSA Films(制作过电影《异形》《银翼杀手》)区域性签约合作,值得一提的是,她还是旗下唯一一位亚洲兼女性导演。「小时候就做比较奇幻内容的梦 ,写实的故事也喜欢。 我感觉自己喜欢的题材有个共通点:都是以一个世界观很特别的主角为主轴发展的剧情片,与众不同的脑对我来说有无法抗拒的吸引力。还有,我热爱拍片,无论拍什么,每回到片场还是会兴奋地跳来跳去。」这样的题材风格,不同于很多人对于女导演所擅长拍摄内容的刻板印象。不少人都以为女性导演不能胜任商业大片,而更擅长拍美妆广告、或是细腻的爱情片。「 最近洛杉矶有个叫Free the bid的运动,提倡广告公司三个提案导演必须有ㄧ位是女的。性别差异在这个行当里遇到的困境,很多时候不是一个显性的东西,而是隐性的。意思是当对女生拍片擅长类型有先入为主的观念,这提案压根本不会想到提女性导演,作品也因此无法跨越某种类型限制。曾经有人跟我说,你是女生,我不觉得你适合拍摄车子。但我常想要争取的就是拍科幻剧情片,或是007这种动作片。原因很单纯,拍片是关于脑思考的决定,而不单只是性别的决定。」洪诗婷的第一部车广告,七天横跨印尼拍摄。此为组员于婆罗摩活火山之合照。对于洪诗婷来说,相比女性化的内容,她对拍有巨大张力的议题还更要如鱼得水。「这个可能跟我天生的性格有点关系,嘿,也受我求学的环境影响 。」洪诗婷就读的南加州大学电影学院虽是美国第一名的科系,但处于治安极差的区域。因此学校周围警卫戒备森严,半夜不时有直升机盘旋夜空追逐逃犯。「 直升机的探照灯不时会从窗户扫进我的小房间里,螺旋桨的声音从天上传下来轰隆轰隆的。难以入睡就躲在棉被里头一直工作到天亮。在这样的环境下学拍电影,兴奋感却没有消减,同学之间感情也更好。」乔治-卢卡斯也是南加州大学的知名校友,他曾向南加大的电影学院捐款重建电影学校。「 这就是为什么身为女生我却喜爱拍动作片,这些都真实地发生在日常生活中。」洪诗婷笑着说道。她认为无论男女都有能力处理不同风格的题材,需要的只是机会。但机会的降临,并非易事。好莱坞虽是个造梦的电影殿堂,却也是竞争尤为激烈的地方。洪诗婷在洛杉矶学电影的一路吃了不少苦,当年从零开始打拼的画面仍历历在目。她从克服语言沟通的异地学习开始,进了电影特效组,再从动画师和美术助理一步步做起。2008年经济崩盘时期,她曾为了开源节流拍片,住在朋友家的沙发上长达两年的时间。不过最难应付的,洪诗婷说,其实是「吃」这回事。 「家乡的味道这回事,是无法取代的,」她记得有一回工作过头发高烧,付不起医药费,一位同乡煮了一盘白粥配上一小片黑瓜,她低头盯着那盘捧在面前的粥,内心五味杂陈,哭了整晚,「还没吃下肚,泪水都弄成咸粥了」。尽管这么难,她一直在坚持,保持热情和专业的态度。《维奥拉》 在无资金的情况下独立完成,耗时两年半,完成后在各国国际影展播放了近250回。「我幸运地找到自己真正热爱的事情:电影。拍片的时候,是我最开心的时候。拍片允许我进到一个美好的世界,愿意牺牲人生中很多其他事去完成作品,好跟大家分享。虽然实在很辛苦,但这是我的决定。」洪诗婷导演的敬业和认真,我们在和她的几次线上交往中也深深体会到。在进行对《维奥拉》短片的中文翻译和字幕制作时,就反复校对修正了几版。她对每一封邮件的回复也都详细而礼貌,处处展现出严谨和细心。长达两小时的语音采访结束后,洛杉矶时间已到深夜,她也未展露丝毫倦意。她还很爱笑,聊起往事时不时发出爽朗的笑声,毫无掩饰的真诚透过语音传达而来。与格莱美提名歌手Katie Herzig合作的MV,取景自墨西哥市北区的超现实主义花园。好莱坞的电影工业长久以来存在严重的性别和种族歧视,近年来,人们对这一议题的关注度有所提升,但好莱坞还是白人男性的俱乐部。2016年的数据表明,好莱坞有84.8%的导演为男性,15.2%的女性,电影导演中的女性比例只有3.4%。所以女导演要获得拍片机会是非常不容易的。今年第一次执导的女导演格蕾塔·葛韦格 (Greta Gerwig) 得到了奥斯卡最佳导演入围,洪诗婷非常开心:「处女作非常不容易,在这之前没有人知道她可以做到。以商业的考量来说,跟第一次拍片的导演合作,是一个很大的赌注。愿意给她机会的人很棒,这些有决定权的人要非常相信自己的判断。她也很棒,这样的成功会改变世界!」第90届奥斯卡整个颁奖典礼的高潮,莫过于最佳女主角获奖者弗朗西斯·麦克多蒙德在发表获奖感言时,邀请全场的女性提名者起立。在接受致敬的同时,麦克多蒙德希望在场的投资人、制片人和一切掌握资源的从业者,可以多给这些女性艺术家们一些机会。随着业界性别平等的意识不断增强,女性才华的展露空间会越来越大,支持女性工作平权的男性也不在少数,她期望女性更能突破限制或固化定位,去发挥自己的优势和长处,而不是为了迎合别人的意见而拍; 女性在专业过程的挑战中,更需要学习聆听自己的声音,「我持续在练习的,是由内到外更仔细地聆听。以前觉得要看起来像个自己刻板印象中的男导演一样,要很强硬,可是我发现有时候其实不是很合适。该静下来的时候,勇敢地给自己思考修正的机会。 每个组员的特质不一样,有的需要被鼓励,有的组员需要鞭策,有的组员需要被激发他们对女生的保护,哈哈。不管你是什么招数,只要让组员能够发挥所长,那所有的方法都是好方法。」洪诗婷说她还一直在学习,也在拍片的过程中寻找优秀的合作伙伴们带进电影班底,不管电影也好,广告也好,毕竟是一个有商业有钱在里面的团体运作的事。拍片本身技术上的问题都可以克服,很多时候的困难是在人上,团队的整个协作,每个人带着不同的目的来,怎么样把大家的意志都结合到同一个方向,让大家所做的决定都是让片子好,是一个很难的最大的挑战。「所以不卑不亢地把片子拍好,一直是我希望能够做到的事情。」她现在在上海北京拍片,感觉大家对女生在影视行业里头工作的态度相对自然。她近期忙碌着的目标是结合东西方的团队进行国际制作。「 我相信电影能够让所有不同的人用情感沟通,这是最最纯粹真诚的交流方式 。 大家爱看电影,从电影中希望被娱乐,被撼动,能感受到世界越来越好。我喜欢商业娱乐与艺术够结合的片子,现在筹备的电影也朝这个方向努力。把片子拍好一定是团队的力量,大家一起集合起来,有一个好的工作环境一起奋斗,这是我的愿望。」洪诗婷与北京剧组ㄧ起拍摄现场幕后花絮Interview 制作维奥拉短片时有遇到什么困难吗?洪诗婷:我那时候申请要拍这部短片的过程是比其他学校还要难的。很多学校的情况是你付了学费就可以拍自己的片。但南加大不是这样的,它要判断你是不是有资格以一个导演身份毕业。南加大的硬件资源非常好,有最先进的设备,有自己的iMAX剧院,就是条件非常严苛。学生要完成毕业作品,需要去动用自己的资源,找到符合条件要求的制片和团队。学校会审核所有的组员,看符不符合标准。如果这些人够格的话,你才可以进行拍摄。当时除了被审核组员和剧本,为了符合各项要求条件,在学校里片场拍片的完整申请程序长达八个月,这段期间被拒绝过五次。维奥拉制作花絮加上我的主修不是电影系,是动画系。由于资源有限,学校对跨系学生的要求非常严格,会尽量不要让学生跨系上课。当时我经常直接冲去见院长和系主任,向他们请求让我修电影系的课。修课的同时,我再继续帮别人做美术等等,累积片场经验。这样才有机会拍出我的毕业短片。所以我当时破了学校的很多规范,其实是被列为不是很安分的学生哈哈。前几天回到南加大演讲,听说这些课开放给全电影学院的人,拍摄规范也有修正。挺好的。 有人会评价看不懂维奥拉,作为作者你怎么看观众的反应?洪诗婷:观众对维奥拉的反应很两极,喜欢它的人很喜欢,讨厌它的人又很讨厌。我遇到过波士顿电影节的一个影评作者,他花了一整篇去分析这部片为什么很烂。我觉得他的分析有部分挺有道理的,他有很强的意见。一部片拍出来的美感就在这。当片子放出去后,它已经不是我的了,是属于观众的。对我来说,拍片最主要的作用就是分享跟沟通。当观众告诉你,我觉得片子拍得很烂,他有完全的权利可以这样说,这是他们的感觉;当他们告诉你他们很喜欢,那份热情会留在你心里ㄧ辈子。这就像分手或表白ㄧ样,很讲缘分的。 我的发行商有做一个统计,他告诉我维奥拉在全球放映时收到的反馈。很有趣的是它在某几区的反应不是特突出,在某几个区的反应又非常好。这是一个很女性的片子,我以为大部分的男生可能会觉得这片子很无聊。可是在某几个国家反而是男性更喜欢这部片,比例高过女性。这非常有意思。观众的反映是很好的反馈,是很好的学习对象。身为一个创作者和导演,你对片子本身有个定位,你希望它是头号玩家,还是比喻类的mv?如果我希望这部片要达到头号玩家的沟通能力,那基本上对象是全球所有的观众,所有不同教育背景、年纪和性别的人。这个故事要说到十三岁的小朋友能够理解。但如果片子放出去后,大家说你怎么拍了一个比喻的东西,我都看不懂,这就是创作者的不对了。《头号玩家》在中国内地的票房迅速突破10亿元,受到大批观众的热捧,网络评分也一路领先,刷屏了各大社交网络。但如果这次我决定要拍比喻类的比约克mv,要挑战一个符号、某种气场。当片子放出去,被观众说这部片拍得太明白,啥新意也没有,那也不对。有的观众说维奥拉看不懂,我是觉得OK的,因为当时拍的设定就是把片子交给观众开放性的解读。有的观众自己写了很多含义,我自己都没想到,也很好玩。电影像人一样,有各式不一样的片子瞧瞧比较有趣,如果大家都ㄧ个模样不是很无聊?下回拍片也不见得拍这类型,老拍同样的我也会觉得没趣。相反我觉得最惨的,是一部片放出来后,完全没有人在意,没有人想看,想评论。独立创作自己的短片,基本上是把心挖出来,放在盘子上,要是大家都很冷漠地看待它,没有任何反应,那才可怕。当初为什么喜欢上电影?洪诗婷:高中时功课很不好,很认真地读,但就是学不来,那时候觉得压力好大。16 岁时看到mv黄金时期的音乐录影带,视觉与听觉的震撼力好强,我就知道了我爱拍mv;后来又看到阿方索·卡隆的烈爱风云,我感受到空前的自由与兴奋,这是当时升学压力底下很难得的快乐。我知道了我想创造结合影像跟声音的所有东西,电影是所有艺术的集大成,它的魅力太大、太迷人了。我想当时的电影救了我,我对电影充满着热爱。于是我也想做一样的事,希望有个遇到困难的人,在遇到低潮的时候,看了我们能做出的片,也能够振奋起来。这届奥斯卡对女性创作者很重视,比如瑞秋·莫里森是奥斯卡90年历史首位提名最佳摄影的女摄影师,你有什么看法?洪诗婷:我激动到头皮都在发麻,兴奋地睡不着。她同时也是好莱坞巨片《黑豹》的摄影,你说这是不是很酷? 《黑豹》全球票房目前已经超过了泰坦尼克号,《神奇女侠》全球票房超过八亿美金,是女导演拍的, 这证明女性电影工作者在大制作上也交得出漂亮的商业成绩单,这实在是太让人感到振奋了。再一次的,除了加倍的努力之外,我们需要的是机会,机会,机会。要做摄影师非常不容易,包含男生都一样,很多是师徒制做上来,从器材公司一路从摄助到摄影。当一个女生可以称自己为奥斯卡最佳摄影提名的时候,一定吃了很多别人看不见的苦,这是多么不容易的一件事情。 这是第一步,大部分人尊重奥斯卡, 这样的提名会渗入影响到很多未来的可能性,我很想和优秀的女摄影师合作。90年的历史第一次,太棒了!瑞秋·莫里森现在越来越多中国学生到美国念电影专业,对于他们未来的职业发展有什么建议或经验分享?洪诗婷:职业发展方面,我自己也还在学,所以实在不敢说什么建议,倒是有些犯过的错误经验可分享。拍片真的很苦,大多时候,对身心都是巨大的折磨。如果是真心喜欢,要有耐心地坚持下去,但是不要硬撑,需要的时候寻求支持与帮助。适当选择帮忙别人的梦想一起前进,对于毕业后有很大的助益。之前我去帮忙拍片的人,在后来我拍片的时候,也会乐于回来帮忙。能力不足的时候,犯错的时候,愿意互相拉一把。合作对象是谁真的很重要,不管在何处,每回拍片我都在寻找志同道合的伙伴,也想多与不同的人合作。我们或许会害怕将自己的一技之长分享给别人,在这个竞争激烈的社会中会失去机会,但我尊敬的前辈们,都有乐于帮助同行朋友的特质,所以我试着提醒自己也要这样做。外国学生身份不能支薪工作,我毕业前的实习机会不多,现在想起来很后悔。拍电影真的不是一个人自己可以办到的事,是一个团队的事。洪诗婷学生时期的同窗,到现在他们还是定期举行聚会,互相支持鼓励对方的梦想 各个地方工作都会面临文化差异的挑战,在不同国家拍片,常发现有些当地剧组拍摄方式非常特别,拍法是我从没体验过的,我也学到东西。练习理解尊重每个文化底下观念的不同,多认识各个国家的拍片朋友,持续国际性的交流,把好的技术跟观念传开来也很重要。另外,大多数的我们抱着导演梦来学拍片,一学发现导演并不是想像中的样子,透过念电影专业的过程好处在挖掘自己的潜能,许多人发现自己摄影,编剧,或是制片上头更能驾轻就熟,更能得到成就感,这样很好。这个行业我好多尊重的电影工作者不是导演,可以是声音设计,灯光师,或特效师。我看到宾哥李屏宾很紧张,手心会发汗。找到让自己发光发亮的职位实在很关键。

  • 《大象席地而坐》:人生是片荒原

    《大象席地而坐》是青年作家、导演胡波(笔名胡迁)执导的首部电影,2017年10月12日,他在住处的楼梯间里用一根绳子结束了自己二十九年的生命。电影开始时,男人的画外音描述一只席地坐在动物园的围场里从不站起的大象,结尾时,听到大象在镜头外嘶喊。可是整部电影中完全没有任何大象的身影,也和大象无关,而是形形色色的各种人物生活片段,他们每日每日操碎了心,像在轮上奔跑的仓鼠一样艰辛奔跑,搏斗于金钱和权力的游戏。电影的拍摄地点应该是在中国北方的一个中型城市,这些人物彼此之间一开始毫无关联,可是慢慢地,他们各自的阳关道和独木桥汇集成了一幅萧瑟的众生像。在无爱的家庭中长大的中学生们在学校受恶霸欺凌,学校的恶霸则有个混帮派的哥哥,和最好的朋友的太太有了情爱关系。学校的老师为了让女儿进入好学校,花了市价三倍的价钱买了一间窄小的学区房,着急把自己的爸爸赶去养老院。在他们居住的城市街道上,他们都曾经偶然遇见过一个粗鲁的女人,焦灼地寻找她走失的大白狗。电影通篇充满了人物愤怒挫折和彷徨失望的心情,他们用谩骂嘲讽、绝望嘶吼和威胁咒骂作为表达,有些人物被诓骗欺诈,或者因为害怕被诓骗欺诈而先声夺人。这么强烈的戏剧张力和悲剧色彩一不小心就会变成洒狗血的电视剧,可喜的是《大象席地而坐》作为艺术电影,刻画敏锐、细节丰富,影像流动写意,灰色调和视觉风格也有2014年带着《推拿》参展柏林影展竞赛项目的娄烨之风,吉他独奏的配乐衬出孤寂清澈。稍微可惜的是,他写于电影之前的同名短篇小说《大象席地而坐》和《大裂》和《牛蛙》等其他文学创作中跳跃、抽象、诗意和充满超现实之美与天马行空的文字表达,在电影中被迫具象有形,也过度仰赖稍显僵硬苍白的对白,少了一些原本的魔幻魅力。死亡在这部黑暗却并非黑色电影(film noir)的电影中无所不在,在胡波的电影世界里,人们死于年老和孤寂,有的从阳台上一跃而下,有的摔下楼梯、也可能丧命于枪口下,就连狗,也被更大的狗咬死了。而且,人们看待死亡的方式如同电影里绵绵的阴雨湿冷天气一样不痛不痒,正面直击死亡也只是若无其事地淡然走开,因为死亡既然发生,有些人只执着于复仇本身,有些人为远离复仇者忙着逃命,另一些人则只想着上传影片或者继续在微信上瞎聊闲扯。这些漫不经心看待死亡的态度有时让人背脊发凉,不过《大象席地而坐》并非心存虚无主义。电影的最后,一部分心灰意冷的人们乘车前往沈阳,希望可以从那里转车抵达满洲里动物园,去亲眼看看席地而坐的大象。当他们的巴士稍停小憩时,大远景的长镜头捕捉他们沐浴在巴士车头灯光下的身影,在黑夜中围成一圈踢着毽子,就在此时我们听到大象嘶鸣,从深深黑夜中的远方某处传来。事实上,关于大象席地而坐的神秘传言是他们逃离蹈常袭故行尸走肉的一线希望,是他们希冀他方的渴求。大象之鸣划破夜空,如同“荒原”中萌芽的一抹嫩绿 ——“荒原”是胡波喜欢用来形容人生的一个词,在电影中藉由中学生之口说出,也写在他的小说《大裂》里:“我一直在思考自己为什么会在此处,并在荒原里寻找可以通向哪里的通路,并坚信所有的一切都不止是对当下的失望透顶。”作者:陈韵华转自歌德学院

  • 40年电影生涯,从国际大奖到商业巨制,“张艺谋和他的《影》”告诉你什么叫电影人的工作态度

    2018年国庆档,张艺谋新作《影》上映,距离他首部电影《红高粱》整三十一年。从影以来,张艺谋用一部部电影,践行着自己的电影美学,推动着中国电影行业的进步。柏林电影节金熊奖,威尼斯电影节银狮奖,戛纳电影节评委会大奖,金鸡奖最佳故事片,大众电影百花奖最佳故事片奖,两次刷新中国电影票房纪录、四次夺得年度华语片票房冠军。张艺谋,一位影响了当代中国电影进程的导演。 造型 《影》的世界首映在第75届威尼斯国际电影节,张艺谋亦获得威尼斯电影节“荣耀电影制作人”奖,这是张艺谋第五次与威尼斯电影节结缘。1991年,张艺谋执导的电影《大红灯笼高高挂》获得威尼斯电影节银狮奖。之后,他的《秋菊打官司》、《一个都不能少》均获得威尼斯最高奖金狮奖。2007年,张艺谋担任第64届威尼斯国际电影节评委会主席。自首部电影《红高粱》以来,张艺谋开启了中国电影走向国际影坛,并频频拿奖的时代。《红高粱》中大面积的红色调与对称构图,极具张力,影片以独特的造型语言展现出民族人格和民族精神,融叙事与抒情、写实与写意于一炉,成为中国电影史上的一座丰碑。1988年,《红高粱》继柏林国际电影节斩获最佳影片金熊奖后,相继拿下了11个海内外大奖,这是中国电影人首次在欧洲三大电影节上获得最高奖。《红高粱》剧照此后,张艺谋的《菊豆》、《秋菊打官司》、《活着》、《摇啊摇,摇到外婆桥》等电影多次获得国内外知名电影节奖项,以张艺谋导演为主的中国电影相继在国际影坛上大放异彩。千禧年前后,国内的电影市场份额大幅度下降,张艺谋的电影《英雄》问世。该片启用顶级演员、制作精美、视听一流,拉动了1100万观众进入电影院观看,内地票房2.5亿人民币(全球票房1.77亿美元),占全年总票房四分之一,开启了内地电影市场的“商业大片时代”。日后央视的一项调查显示,《英雄》的观众中,有八成已经多年没有进入过电影院。《英雄》后,张艺谋导演的《十面埋伏》、《满城尽带黄金甲》相继上映。三部电影均是以历史为背景,高饱和,高对比的颜色肆意挥洒,树立了中国历史文化融进电影艺术的三部里程碑式电影。与前作的浓墨重彩相比,《影》在影像风格上追求中国画般的水墨画风,全片以黑白灰三色为主,留白写意的构图形式,平远的透视关系,烟波浩渺的江湖中,人性在此厮杀与救赎。“我还是认为中国电影的形式太少了,我们有时候框框多,形式本身开掘得就不够。我很愿意去探索一些新形式的东西,对于电影形式,我有着天然的好奇心。”张艺谋说。 人性 回忆起自己千禧年之前拍摄的电影,张艺谋最喜欢的一是《活着》、二是《秋菊打官司》。两部现实主义题材的电影,均着力于展现“人”在社会环境下的不屈与奋斗,《影》亦是如此。《影》中,沛国都督子虞因负伤于敌国战将杨苍,病入膏肓,为保地位,启用与自己容貌极为相似的境州。子虞的妻子小艾,周旋在子虞与境州之间,陪境州一起行走朝堂。子虞、境州、小艾,三人的的关系你中有我,我中有你,各有鲜明的特质。此外,看似癫狂、实则老谋深算的沛王,至阳至刚的杨苍,深藏不露的田战,一幅幅鲜明饱满的人物群像各有各的光芒。人与人性,始终是张艺谋电影美学下的主题,与太极、八卦等片中的造型类似,《影》中的人物也在某种程度上呈现出阴阳相对的关系。“人心如影,这部影片是以水墨风格讲人的复杂内心和性格,把人性的复杂影影绰绰地浮现在光影之中。”张艺谋在谈到《影》的主题时说。《影》剧照剧本创作时,张艺谋遇到最难的是如何让替身境州活下来,真实的历史里,平民出身的影子多是失败者。“《三国》是帝王将相的故事,充满着权力、战争、谋略。这里的主角永远是皇帝和侯爵,是贵族阶层的游戏,没有老百姓。我觉得如果把一个老百姓设置成主角,那会很颠覆。”张艺谋说:“《影》的故事重点是平民,是草根,不管是草根逆袭,还是农民起义,还是反抗,求生,野心……,这是一个人的故事。它脱离了权谋,脱离了老一套古装戏的规范性主题,我喜欢这个。”《英雄》中,一统天下的理想可以让无数人为此丧命。《影》则将重点放在了朝野权谋斗争中的人,讲述哪些本如棋子一般的人,能够在命运的裹挟中被激发出怎样的能量。在张艺谋看来,替身境州的命运充满悲剧性和宿命感:“第一,你不能为爱情找个替身,基本上处在生死边缘的人才会找替身,成为替身的人则每天都活在死亡的阴影下;第二,“我是谁”,“我到底是谁”的追问。身份的确认是很有趣的,替身的身份焦虑肯定是有的,因为他越像主体,他自己的身份就越模糊。平民和贵族身份的落差值得挖掘。”《影》剧照关于电影 第九届中国电影导演协会表彰大会上,张艺谋获得特别表彰时感慨:我的很多朋友已经退休,我这些年坚持拍电影,不为名利,只是喜欢。“全世界喜欢张艺谋的,是张艺谋自己拍出来的东西。”在将于10月12日上映的《影》电影版纪录片《张艺谋和他的“影”》中,张艺谋如此说道。作为一位不断追求电影技术创新的大师,张艺谋用一部部作品开拓了电影语言的表现力范畴。追溯到张艺谋首次担任摄影师的电影《一个与八个》,片中的黑白逆光拍摄,极端倾斜不对称构图,雕塑般静默的人物,大远景与大特写突然剪切带来的原始能量,便极具创新性,该片揭开了第五代导演的序幕。从1978年考入北京电影学院至今,张艺谋40年的电影生涯与改革开放同步。这些年,从武侠、剧情、喜剧到悲剧等不同的电影类型,从古装、年代、现代等不同的电影内容,张艺谋不断突破已有的电影风格。“我没有什么其它爱好,除了拍电影,就是看电影”,近古稀之年张艺谋,依然精神抖擞,创作力无穷。在他看来,“真正好的电影,能打通情感上的隔阂,让人产生共鸣,应该作为超越国界、民族、文化的人类桥梁”。纪录片《张艺谋和他的“影”》中,张艺谋带领着几百人的摄制团队,将电影创意一步步从剧本、分镜头,转化成视听盛宴,打造出《影》中的一幅幅水墨丹青美学画卷。《影》中,境州是子虞的影子,一部电影的制作中,演员与导演等为大众熟知的主创外,美术、摄影、道具、执行导演,现场各个工种的的工作人员都是电影制作中的影子,辛劳甚多,知者不多。《张艺谋和他的“影”》以电影的幕后制作人员为主角,展现出他们的工作过程、心路历程,他们代表着中国电影人的坚守与付出。为了呈现水墨画风的影像质感,张艺谋选择实拍,在制作上进行了大量的努力,“这需要服、化、道、景等方方面面还原水墨味道,而且最重要的是结合现场下雨,得有一点儿湿漉漉的感觉。我们的演员永远在淋雨吹风,就连室内也大量吹风。就是这样一点一滴整体呈现出水墨画风。”“这是一部水墨画似的电影。水墨是什么?只是黑白灰吗?并不完全是。流淌着的水的晕染和黑白灰的结合,人在黑白灰的世界飘逸,就是一种水墨画的感觉。”为了达到拍摄的要求,张艺谋对片中的屏风与窗户上的纱布灰度与透光度,有着极为细致的要求,拍摄前发现不合适,全部撤掉重换。一场手持沛伞的“死士”与杨家军对战的戏份,演员提前进组训练,拍摄时很多演员因为剐蹭受伤。动作设计谷轩昭淡然说道:拍戏哪有不受伤的,正常。 剧组多数戏份都是雨中实拍,拍摄时为了保证演员的表演,采用多机位拍摄,雨戏需要兼顾到各个角度,难度巨大。张艺谋向现场特效师张涛施压,“逼迫”他找出更好的解决方法。充分调到剧组每一个成员的创造力,做到更好,张艺谋在这方面的能力无与伦比。“我觉得今年的影视圈,有很多负面的东西,这部纪录片让大家看看认真的电影人,他们用自己的工匠精神,努力去奉献作品给观众看。让这部纪录片上院线,记录这些幕后人的努力和辛苦,会对行业有很好的促进。”张艺谋在纪录片《张艺谋和他的“影”》的映后见面会上说道。

  • 【TECH】MORE VFX《一出好戏》视效解析Part1·大船视效制作

    自16年11月开始,MORE VFX从前期进组讨论拍摄和置景方案、跟组拍摄、后期资产制作,最后进入具体的镜头制作,历时一年九个月。后期视效主要围绕大环境和灾难氛围的烘托,制作了包括大黄鸭、风暴、鱼雨、断船等大大小小1400多个视效镜头,对于这种类型的电影来说,视效镜头制作体量是很大的。MORE VFX视效艺术家到底是如何把影片中体积如此之大的断船通过CG技术展现到大荧幕上的,请看文章解析。 《一出好戏》大船制作花絮↓【断船拍摄搭景】整部影片50%的场景都是在这艘被拦腰斩断而搁浅的大船内外发生的,是影片的主场景之一。涉及断船的场景是在两个完全不同的地方完成拍摄的。前期在太平洋的一个小岛上进行拍摄,断船场景全部用绿幕替代;后期转移至青岛拍摄,在拍摄现场搭建了倒扣在海滩上的断船部分。在所有使用绿幕拍摄的环节,MORE VFX视效艺术家都需要通过CG技术将整艘断船进行还原。 【断船模型】断船设计的体积相当大,制作级别要求也很高。拦腰斩断的大船,断面处暴露在外的舱室、断船的表面等都需要进行细化制作,这就给MORE VFX视效艺术家提高了难度。在进行大型的场景资产制作时,艺术家们会先划分好区域,分区制作,这样制作时思路就会清晰很多。而制作时难点在于现场的尺寸和实拍在CG场景里要怎么对接。这些都必须在制作开始前做好充分的准备和有效地沟通。【船皮制作】艺术家们在制作船皮时的思路是直接在原设计上拓扑,这样可以保证大型一样。而船皮则是参考现实中由大块铁皮焊接而成船皮,单独由几大块铁皮模型拼接,得出的效果会更好。接下来再作正面的房间大框架,做大框架之前先做单块铁皮,然后复制拼接组合成各种房间的样式。最后,把底部通过扫描文件,完整还原全部断船,船皮的制作就完成了。 【材质贴图阶段】MORE VFX视效艺术家结合现场大量实拍照片素材,进行断船材质贴图制作。材质的制作以现场实拍照片为准结合概念设计图和大量真实的搁浅残破大船为参考进行制作。小房间的材质制作以实拍房间为准,做好不同房间之间的衔接和房间与船体的衔接过度,最后拼接完整进行调整。断船的视效制作,从模型到材质的制作就耗时3个月左右,细节的处理可谓精益求精。MORE VFX的视效艺术家们都希望在大荧幕上呈现出的是最完美的效果,为观众提供最好的视觉体验。

  • 他想问的问题比《黑镜》更残酷!前4A创意人这样思考科幻丨 电影季展映周

    对于很多人来说除非是科幻片影展,常规电影节中科幻片想崭露头角可谓寥寥无几。但本届NEW ERA青年电影季就出现了几部科幻佳作,比如《杯子蛋糕》以及《伊莎贝拉》 。科幻片中的机器人,无论美剧还是好莱坞大片都承载了人类对于未来世界预言和猜想。魏齐鸿导演的《伊莎贝拉》,用13分钟的时间讲述了一个关于机器人细思极恐的故事 。科幻片:影展上的稀客《伊莎贝拉》开始于未来世界的一个清晨,女主角玛利亚早上被一通电话匆忙叫到了公司。原来玛利亚是一家智能机器人公司的员工,某天,公司售出的一台机器女佣发生了意外故障,唱起歌来。《伊莎贝拉》预告截图在影片的设定中,机器人听命于主人,是从来不会作出无指令的自发行为。所以,机器人唱起歌对于玛利亚来说十分意外。 就此,她以调查员的身份对机器人开始了考核,没想到自己却挖掘出了另一个秘密。Alpha Go 战胜李世石魏齐鸿说在Alpha Go战胜李世石后,他开始对AI产生更多兴趣,阅读了不少相关的文章,发现AI发展可能正在走向一个质变的阶段,并且AI技术几乎决定着我们的未来,甚至是人类到底会永恒还是消亡,这背后所蕴含未来世界演进的可能性,让他十分着迷。《大都会》《机械姬》海报的确,纵观科幻片的历史从科幻鼻祖《大都会》;到结构宏大的《星球大战》;再到充满复杂人性的《机械姬》等,机器人早已不是脸谱化的光纤电缆混合体,而越发人性化、复杂化。甚至有时候比人更像人!科幻片在影展上不受重视,在学校里也是一样。作为魏齐鸿的毕业作品,他向SVA(纽约视觉艺术学院)的老师提出了好几个创作思路,其中就有这个关于机器人的科幻题材。得到的反馈并不乐观,最主要的原因是,对于独立电影尤其学生电影来说,科幻片太难做好了。SVA同学合影魏齐鸿反而说了一句:那好,就这个了!“我的同学,还有以往历届的同学,拍摄悬疑题材的、宗教题材的、家庭题材的都有,但科幻题材没人碰,这很好!“《伊莎贝拉》预告截图敲定了故事后,学校在作品的创作和落实上提供了很多有效的帮助。“我们的剧本写作课老师是写《鸟人》的编剧,他不仅对每个学生的剧本结构提出了尖锐的修改意见,后期还利用自己的人脉,找到了很多业内人士帮助我们抠剧本细节。编剧课与导师以及客座嘉宾的合影 《伊莎贝拉》导演魏齐鸿与联合编剧 John Rivol在这部影片中魏齐鸿担任了导演、联合编剧和联合制片三个角色,其中另一位署名的联合编剧John Rivoli就是导师请到的专业人士,John在剧本上让英文台词更简练、更地道,也更符合英文的思考习惯,为一个出色的故事保驾护航。 “他可以说是把我的英文翻译成了英文。”《伊莎贝拉》拍摄花絮《伊莎贝拉》预告截图搞定了十多页的剧本,就开始张罗拍摄地点。最初魏齐鸿有好几个选择,其中一处是广告公司麦肯总部漂亮的大厦。可以免费提供拍摄使用权,但大厦需要一笔高额保险,超出学校可提供保额很多,之后他还找到另外两处理想的拍摄场地,但都因为预算无法承担,而不得不放弃,最终,他选择了自己居住的Building来拍摄影片内景,并通过美术、灯光设计以及摄影,来弥补未来感的不足。《伊莎贝拉》预告截图当人们提到科幻片,总会对影片的成本堪忧,魏齐鸿坦言整部影片的成本是10万人民币,在他这一批毕业的同学中算是中等水平。自己很幸运在很多方面都找到了专业人士加入,在制作上也幸运得到了帮助。魏齐鸿特别提到,在这个影片的制作过程中,他慢慢了解到,纽约其实是美国独立电影的一个重镇,这里聚集着一大批摸爬滚打在独立电影领域的人才,他们对电影的热爱,有时是不计较收入的。这样的土壤,让学生们能够以非常低的预算,找到有丰富经验的合作者,也大大提高了能做出好作品的可能性。《伊莎贝拉》拍摄花絮比如负责摄影的Jason Chau,他在拍摄前整整花了三天时间,到拍摄现场与导演沟通,确认每一个镜头的走位设计、构图等细节;而拍摄的3天时间里,他不需要看分镜头列表也不需要看脚本,每一个场景需要几个镜头,每个镜头导演是怎么设计的,他全都记在脑子里,不仅大大提高了工作效率,而且没有丝毫偏差和遗漏。完全符合魏导对镜头电影感、和准确体现目的性的要求。这一点给他留下了很深的印象!“要知道,前三天的准备时间我是不付他钱的。只有拍摄那几天才付钱”。真的很专业、也很敬业!《伊莎贝拉》预告截图还有影片中的女主角扮演者Mandy,因为档期的关系没有办法参加面对面的试镜,只是自行录制了一段casting video发送给剧组,但魏齐鸿还是从几十位候选者中果断地选择了她。在拍摄的3天时间里,她不但展现了导演所想要的专业性的表演,还奉献出了不少让人惊喜的微妙瞬间。4A广告公司出身,远赴重洋科幻电影在中国一直处于欠发展的状态,然而魏导一直以来最喜爱的影片类型就是科幻。在这一点上,与其小时候迷上科幻读物有很大的关系。魏导出生在大都市上海,大学毕业后进入了广告公司工作。出国前担任4A广告公司麦肯光明创意群总监一职。作为广告人,想法总是不受控制地往外涌。《伊莎贝拉》导演:魏齐鸿采访过程中,当厂长问到,对于科幻片来说,是“好概念”重要还是“好故事”重要的时候,魏导毫不犹豫地选择了好故事。2016年,魏齐鸿作出了出国留学的决定 。当时也有犹豫过到底要选择学习什么,在忧疑不决的时候,他的老板——广告教父莫康孙先生一句看似玩笑的话,让他下定了决心选择电影。“学什么将来都未必有用,所以为什么不选自己喜欢的呢?”麦肯光明同事合影(右一为莫康孙先生)至此,魏齐鸿开始了在纽约视觉艺术学院(SVA)学习的时光。后来回头想想,他很庆幸当初选择了纽约,因为纽约拥有世界上最好的艺术土壤,特别是拥有许多一流的博物馆和美术馆,这开阔了他的视野。 对于奖项,魏导并没有强求。开始学习电影之后,他发现世界上大大小小的电影节不计其数,不光是科幻片,大多数所谓“类型片”在得奖这件事上似乎都低人一等。《伊莎贝拉》拍摄花絮在观看了大大小小的电影节后,魏导半开玩笑地和同学们说了一下自己总结的一套“得奖攻略“。用三个子母概括是“C.S.I”,Contemporary(当代的)、Suffering(受着苦的)、Individual(个体)。总结一下,绝大多数电影节所钟爱的题材都是,反应当代个体人物,挣扎于各自不同苦难状态下的影片。有点拗口,但一语中的!科幻!也许是一则悲剧童话当人们都在问怎么证明AI具备人类智慧的时候《伊莎贝拉》想问的是“我们怎么证明自己是人?”《伊莎贝拉》中的很多细节都不是心血来潮,比如影片第二幕一开场,女主角与机器人问好的段落就是参照了图灵测试。通过《伊莎贝拉》这部影片,观众能够看到一个关于AI精彩的故事,但魏齐鸿希望大家能在观看过影片后发散出更多思绪。就像片尾字幕处,以十六进制数字的形式演绎的演职人员名单,谁才是真正的人类,谁才是AI? 想想都让人脊柱发凉!《伊莎贝拉》片尾截图科幻影片与现实题材影片的区别在于,科幻比较容易做到抽象化和去世俗化,这就让科幻片天生就有利于探讨一些更本质和更哲学的问题。 魏齐鸿所困惑的问题是:“人们都坚信自己是真实的,但我们如何证明呢?”对于人类的未来的发展,他说,自己相信就像《黑镜》某一集中讲述的一样,人类终将有一天都会被上传到服务器里。他打趣说,这很环保。细细想来,这也许是一个自幼对科幻着迷的电影人,既悲观又充满敬畏的回答了。-end-

  • 大学老师拍出了一部获奖长片,让你看到久违的东北市井

    为期一周的NEW ERA青年电影季展映周已经接近尾声,在明天的长片单元,我们将送上两部好评如潮的长片作品,其中一部是由香港国际电影节协会监制、优酷电影出品的黑色幽默方言电影《寻狗启事》,在不久前的上海国际电影节上获亚洲新人奖最佳编剧提名和最佳男演员奖,来自青年导演、新片场创作人蒋佳辰。 原汁原味的东北市井生活 影片讲述研究生张广胜即将毕业,却弄丢了教授的狗,害怕因为教授责怪影响自己留校的机会,想尽了一切办法找狗,却引出了一系列令人啼笑皆非的故事。 演员浓重的东北口音、家庭教师“上炕”讲课的桥段、澡堂子里“禁止池内搓澡”的标识、以振兴东北为主题的硕士论文,都给这部电影带上了浓重的东北色彩,却与人们所熟悉的二人转、春晚小品气质截然不同,贯穿始终的关键词是“焦虑”。 在蒋佳辰看来,这种焦虑是许多东北年轻人的常态。“东北近几年发展速度远远赶不上很多南方城市,很多东北年轻人都热爱自己的家乡,可是留在家乡却没有那么多机会,所以他们要么追求稳定工作,要么选择去外省发展。” 在《寻狗启事》中,主人公张广胜就是这样一个为了一份“铁饭碗”而绞尽脑汁的东北青年,因被暗示有留校机会而对教授言听计从,主动替教授照料宠物狗,狗丢了之后又因害怕教授怪罪而心急如焚。影片表面上讲的是一个寻狗的黑色幽默故事,其内核却在于反映东北青年真实的生活状态。 为了呈现男主角焦虑的情绪,全片使用纪实感强烈的肩抗镜头拍摄,而在表演上则追求不强调戏剧化地再现生活状态,镜头运动相对松动不拘谨,全片61个镜头,没有过多使用蒙太奇和剪切,而是用走位和机位转换来实现叙事。 “我希望让演员情绪持续不间断,让表演沉浸于真实,让观众沉浸于虚构的故事,希望观众看到的是相对完整的电影时间,真实再现客观影像”。 更值得一提的是,这部影片完全没有使用配乐来渲染氛围,而是只依靠故事本身打动观众,“不需要用配乐来做过多的烘托,所有声效都是环境音,‘够了’‘到位了’就行了。”公园干仗、小区碰瓷,连珠炮似的台词也许会让许多南方观众招架不住,其目的却也是为了还原一个真实的东北市井场景。“影片的背景是当代东北,东北方言对影片的地域性刻画起到重要作用,影片对白比较多,是与东北人日常对话词汇量大的习惯相同。用东北方言讲就是喜欢‘唠嗑’和‘磨叽’。所以要求演员表演时语言节奏密集,而这种节奏与真实发生的节奏也必须吻合。这些形式的使用,都可以为电影带来更加真实、生活化的观感。” 不甘寂寞的大学教师 青年导演的身份之外,蒋佳辰还是一名大学老师,在鲁迅美术学院任教。 和许多80后一样,蒋佳辰对电影的热爱从录像带开始。读高中时,一位学艺术的朋友向蒋佳辰推荐了《肖申克的救赎》,从此便一发不可收。 高考未能考入电影学院,蒋佳辰选择了曲线救国,进入鲁迅美术学院摄影系。在校时,他便展露出了导演的天赋。 2004年,还在读大一的蒋佳辰用DV拍摄了短片《伏》,讲述一个无所事事的东北青年喝可乐中了”南方五日游“的大奖,为此四处筹集旅费最后却鸡飞蛋打的故事,黑色幽默的市井气质已初见端倪。 短片当时便入围了北京798艺术节,给了蒋佳辰继续拍片的信心。次年,蒋佳辰又拍摄了模仿盖·李奇多线叙事风格的短片《家贼》,入围第五届北京电影学院国际学生影视作品展。 毕业后,蒋佳辰又进入北京电影学院研究生班,系统学习电影知识。随后北漂跟组,虽让蒋佳辰积累了不少经验,却也让他感受到了巨大的生活压力。 此时,母校鲁美向他伸出了橄榄枝,邀他回校任教。考虑到学校稳定的生活更有利于创作,蒋佳辰开始试着备课教书,“其实当你梳理自己以前所学过的知识时,也是一个思考和自我总结的过程。” 鲁美集中授课的特殊教学方式,让蒋佳辰有更多的机会带着学生拍短片积累经验,由蒋佳辰写好剧本,让学生们来拍。 2012年的《被禁锢的人》,讲述了一个男人因不满于日复一日平淡生活而背着老婆与女网友“偷情”,结果自食其果的故事,带有一丝奇幻色彩,获第20届北京大学生电影节第14届原创影片大赛最佳编剧奖。 2014年的短片《牛教授的秘密》则是关于一个四处偷腥的大学教授,在妻子的生日聚会上,“情人”们竟集聚一堂。作为一部学生作品,这部短片融合了动作喜剧等类型元素,制作水准也大大提高,获得了中国电影金鸡百花奖优秀微电影奖。 2015年的短片《32号寝室》则是封闭空间多线叙事的校园凶杀案,从不同人口中的供词展现出了“罗生门”,兼有悬疑反转讽刺元素,也获大连国际微电影节最佳编剧奖。 2013年的悬疑影片《迷途》时长达到了58分钟,几乎已经达到了电影的规格,时间早于“网大”概念的兴起,质量却远优于许多早期的网大,“没赶上,做早了”,蒋佳辰笑道。 “因为每一届学生的情况不一样,比如《被禁锢的人》那一届比较早,人比较少,所以做了比较小体量的;《迷途》那一届人比较多,就做得规模大一点,也加入了一些类型片的元素;《32号寝室》是因为周期紧,所以选择了封闭空间;《牛教授的秘密》时我们有了升格拍摄、航拍、达芬奇调色,技术上也可以达到了,所以就可以尝试拍一些动作戏,都是一点一点发展起来了”。 这些风格时长各异的短片项目的拍摄,让蒋佳辰认识了许多志同道合的朋友,也为他积累了宝贵的经验。其间,蒋佳辰的创作理念,也从对精致结构的追求,转向了更“耐看”的生活化影像。 一路曲线救国却从未放弃过电影梦的蒋佳辰,终于在2016年迎来了自己的第一部长片《寻狗启事》,影片的摄影指导蒋建兵、美术指导杨佳慧、副导刘赫,都是曾和他一起拍摄学生毕业短片的鲁美同事。 做好自己的事,让规则无话可说 《寻狗启事》的剧本起源于2016年中旬,蒋佳辰在饭桌上从朋友口中听说的一个故事:一个东北年轻人辞去了稳定的工作,将全部积蓄用作宠物繁殖,最后却赔到血本无归。这个极具地域代表性的故事,立刻吸引了蒋佳辰。 这部现实题材的电影,角色原型也来自于蒋佳辰身边形形色色的朋友。“他们从小在东北长大,都是平凡的百姓,像绝大多数的东北人,仗义、爱耍小聪明、爱吹牛,过稳定的慢节奏生活。大家聚会时,酒后总避免不了攀比工作、收入、猎艳等琐事,他们的生活状态与自我满足感是这部电影人物的灵感来源。” 在朋友当中,稳定与否是他们衡量工作优劣的一个重要因素。而到了适婚年纪,家庭背景和工作是否稳定,也是择偶的主要标准。“为什么东北近几年与中国其他地区,在经济发展、观念意识上的差距越来越大?为什么越来越多的青年人,离开东北而去北上广深发展?基于即将毕业选择工作的这一人生拐点,这个略带荒诞的找狗和找工作的故事思路就逐渐形成了。” 在那之前,蒋佳辰已经写完了剧本《不治之症》,并入选首届中国青年导演扶持计划全国15强,却因没能找到投资而只得搁置。蒋佳辰没有气馁,而是转而写其他剧本。 在饭桌上听到那个东北青年和狗之间的故事后,蒋佳辰当晚便开始写《寻狗启事》的剧本,次年春天完成了万字初稿,当时,这部剧本还叫《人模狗样》。 蒋佳辰把剧本初稿投到由合一影业和香港国际电影节联合举办,旨在发掘新导演的“早鸟计划”,在亚洲范围内的300多个项目中脱颖而出,获得了投资。 今年4月,这部由香港国际电影节监制、优酷投资的方言电影在香港电影节首映,并在随后的上海国际电影节上获得亚洲新人奖最佳编剧提名和最佳男主角。自己的导演处女作即得到了如此的肯定,让蒋佳辰倍感压力,却也使他备受鼓舞。这一路走来的种种,让蒋佳辰更加坚定了创作的信念,“会一直拍下去”。 对许多曾和他一样,不确定自己能不能做这一行的创作者,蒋佳辰也分享了自己的体会,“坚持很重要,虽然这是老生常谈,但的确非常有价值。你要相信这件事儿能成,它就一定能成,只是时间早晚的问题。” 相较于从前的深居象牙塔、两耳不闻窗外事,蒋佳辰如今也更积极地“走出校园”,建立了自己的电影工作室,参与到更多与电影创作有关的活动中去。今年,蒋佳辰带着《寻狗启事》参加了今年的长春电影节,影片也获得了很好的反响。采访前,蒋佳辰才在第五届丝绸之路电影节参加完看电影举办的“青蓝计划”,从西安回到学校。 面对今年影视行业的巨变,蒋佳辰的信心也并未受到影响,“就像你拍一部电影,你想让它能上映,你就得先拿到龙标,这就是规则,在自己还没有能力改变规则的时候,就别多想了,把东西做好就行了。不管风向如何变化,只要作品足够好,就一定会得到认可。” -end-

  • 中国导演镜头下日本变态宅男的残酷之爱

    2018NEW ERA青年电影季,由张大尉导演、编剧的短片《杯子蛋糕》获得最佳导演、最佳摄影、最佳剧情片三项提名,这部影片因独特的日系风格、科幻题材而备受瞩目。明天,这部短片也即将在剧情短片单元展映。科技宅男的残酷之爱《杯子蛋糕》的故事发生在日本。长相可爱的女高中生广濑唯过着平凡而美好的高中生活,每天和熟悉的人打招呼,走在同一条上下学的道路上,兴趣爱好则是做蓝色的小甜点“杯子蛋糕”。土山茜 饰广濑唯 班里有个经常被霸凌的男生,叫荒井和彦。每次被欺负之后,荒井都会带上自制的VR眼镜,在虚拟世界中向欺负他的人施暴,用更残忍的方式。 山岡竜弘 饰 荒井和彦 某天,荒井又挨揍了,出于善意,广濑唯给了他一个亲手做的杯子蛋糕。扭曲而强烈的爱在荒井和彦的心中发芽生根,他要利用自己擅长的科技手段跟心爱的广濑唯永远在一起……2014年,火爆的VR技术引发了张大尉对于科技的思考:“我觉得科技有可能会有两面性。大多数人将VR都用在了文化、娱乐等好的方面,但VR带来的虚拟世界有可能会扰乱人们的生活”。由此,他写下了《杯子蛋糕》最初的剧本大纲。导演 张大尉14年就写完的剧本大纲因为一些原因就此搁置,直到17年回国之后,张大尉和编剧陈笑一起完善了故事,将剧本修改为站在女生角度去叙述,带着观众从受害者的角度探索一个男生对她执着的爱,才有了现在的《杯子蛋糕》。《杯子蛋糕》海报对于短片中呈现出来的日系风格,张大尉表示,“我想要表现出科技和男主角的心理变态,带给观众极致的心里的感受。我觉得科技和心理的结合来说,日语背景和日本演员是最能表现出来的。短片参考了《新世纪福音战士》《红辣椒》《攻壳机动队》等动画。”但此次去日本参加影展使得张大尉的想法发生了改变:"日本电影节的人说这不是日本电影界的风格的片子。可能是我融合了太多元素,这个风格是他们没有见过的。“《新世纪福音战士》《杯子蛋糕》以科技为外壳,讲述了一个独特的爱情故事:”男主角荒井的爱恋是孤僻而又深刻的,这份爱源于别人对他的一个善意,他像抓住一个救命稻草一样,认为虚拟世界是更好的,想给女主创造一个完全的虚拟的爱情。““我想讨论的是,爱情到底是百分之百的占有还是给你爱的人自由,哪怕她是想远离。利用技术手段,不顾一切,让爱人留在自己身边,就是真的爱情吗?如果整个世界都是假的,那么在虚假的世界里边的真的爱还是有意义的吗?”七天半的《杯子蛋糕》拍摄记《杯子蛋糕》拍摄历时七天半,辗转于东京、北京两地。”团队大约七八十人,大场面用两台双机位拍摄、小场面用单机位、还有照相机和VR摄像机。“为了找到合适的日本演员,张大尉与日本制片一起飞往东京,在三百多位演员中面试了一周。这些日本演员也的确在拍摄中带给他很大的惊喜:每天早上开工前提前半小时到场、为了让语言更口语化主动修改剧本、一字不差地全篇背下台词、每场戏都演出强中弱三种情绪……张大尉坦言:“这是我合作最愉快的一次,他们特别不愿意给别人添麻烦,所以自己会在私底下做很多功课,让我觉得很佩服,很值得。他们的敬业精神也会感染到其他部门。” 前段时间在《杯子蛋糕》中饰演男主角荒井和彦的山岡竜弘还获得了2018AFMA北美华人电影节最佳男主角奖。对于他的演技和敬业精神,张大尉提起来也是啧啧称奇:“有一场男主戴着眼镜,然后要打那些模特,他当时带着的道具VR眼镜是什么都看不见的,他就记住了所有的动作和走位,包括什么时候会打到自己、什么时候受伤,每条都演得一样。”“剧本第一,演员第二,没有这些演员,《杯子蛋糕》可能不会有现在的成绩”,张大尉坦言。拍摄过程中也有会有灵光一闪的创意。比如片尾字幕处的全景圆形画面,男女主角在圆圈中不断走动。这源于张大尉在朋友圈看到的一个VR摄影机的小视频。”VR摄影机拍摄后有一个3D转2D的功能,观众裸眼也能看到3D效果,是一个全景的2D画面。这个东西不是常规使用的,我想把它用到我的电影里边,但是实际上它的分辨率是很低的。所以我放到了片尾处,作为一个字幕设计。“全片拍摄完成后,张大尉自费做了后期,片子的剪辑、特效都在美国完成,有着偏美式的音效、声音及明朗的剪辑节奏。中国导演、日本演员、美国后期,形成了独特的《杯子蛋糕》。掌握世界元素的多面手本科毕业于中央戏剧院戏剧管理系的张大尉,后前往南加州电影学院学习电影制作,哥伦比亚大学学习编剧、制片。留学期间,他不光接触到英语文化,还有各国文化。“我觉得电影是一个世界语言,各国的电影人都需要具备共情能力,不应该只局限在一个文化背景下。应该像李安导演那样,可以驾驭不同题材不同故事背景。”实验性质的国语黑色幽默实验短片《爬树》、韩语古装片《银花公主》、日语科幻片《杯子蛋糕》,张大尉在自己的作品中试验着各国语言、元素。他利用这些不同的语言、不同元素的试验快速积累经验技巧。“我把韩语古装、日语科幻,西班牙现实主义全试了,这些元素、拍摄技巧我以后还可以组合使用。”《爬树》海报在与不同国家的人的合作中,他吸取着多元文化的优势,“美国有一套自己的工会制度,日本人很较真。韩国人很外向。可以把视点放大,看看世界上其他人怎么过。除此之外,张大尉还有着更长远的考虑:“出于国内的市场考虑,未来我拍摄外语片的机会很少,现在的这些经验很珍贵很重要。”即将成为一名职业导演的张大尉在2016年张大尉成立了“黑猪精工作室”,近期工作室与腾讯影视合作推出了网络电影《神笔奇侠传》,还制作了毛不易的MV《借》。毛不易《借》未来,张大尉想成为像斯托弗·诺兰那样的导演。NEW ERA青年电影季也将和大家一同见证许多像张大尉一样的青年导演的成长。-end-

  • 双11赚了2000亿:这些广告轰炸你能hold住吗?

    俗话说得好,躲得过初一,躲不过双十一~在各位电商爸爸的不懈努力下,双十一再也不是单纯的光棍节,俨然成了购物者的狂欢日。京东1598亿,淘宝2135亿的交易额,意味着无数少男少女已经为它出卖了自己的银行卡余额,甚至出卖了花呗白条信用卡~毕竟11·11如此声势浩大,又有几个人能侥幸逃过这次年终“剁手”盛典呢?下面为大家推荐几部双十一广告片,让我们共同体验一把双十一的魔力!一. 逆反派别去在意你的手机 创作人:鲸梦京东手机的双十一广告。看了这个标题,或许你已经认定这是一条劝我们放下手机,好好享受生活的广告了。手机经销商告诉大家别在意手机,这难道是要转行?当然不是。享受生活,注定离不开智能手机带给我们的一切便利。更何况作为“五毒俱全”的现代人,没人离开手机还能好好活着。预订精心烹制的晚餐与浪漫度假酒店,与爱人来一场说走就走的旅行。记录跑步时长与距离,计算消耗的卡路里。购物,为自己挑选完美“战袍”。跟朋友合照,在大雨天听着音乐一起放肆奔跑。手机可以帮你搞定这一切。“你只需要用手机让自己生活惬意,至于最低的价格、最快的物流、甚至以旧换新,不要在意,我们来帮你搞定!”这才是这部广告想传递给我们的信息。这种看似没有“职业操守”的标题正可谓反其道而行之,从侧面推销自己的优点,效果却出人意料的好。二. 偶像派KouBei APP 口&碑&网 双十一 创作人:李悦刘 Wayne Yueliu Li(摄影指导)1PA CHINA FLIM(出品人)董子愚(导演)霍蕊蕊(策划)这部广告片短小精炼,将“吃、喝、玩、乐”四个概念刻画十分鲜明,场景转换的后期处理也十分得当。双十一未必要抱着手机熬到凌晨抢优惠,出门潇洒一天,享受触手可得的快乐才是王道。虽然选择当红流量偶像团体为品牌代言,确实是带量的最佳方式,但拍摄思路与后期制作也是可圈可点。三. 嘻哈派京东美妆双十一|ICE《懂你的美》MV创作人:林璇翊Alexis(出品人/导演/编剧)贝尔(摄影指导)zjt210(剪辑师)老K(执行导演) 凌玲(演员)MOJO_昆仑(调色)YETI art studio(美术指导)SAMLOCK(执行导演) 派森创想PI(出品方/制片人)时尚造型师Karen(造型指导)苏杭(特效)乐思宏(执行导演)前段时间因为包装文案被diss的京东美妆,算是品尝了一番追求营销噱头带来的苦。不过这次他们为双十一准备的广告片,倒是刷了一波路人好感度。短片走带有复古情怀的Hip-Hop风,流光溢彩的华丽复古红为主色调,搭配口红皇冠等精心制作的道具,以近期十分流行的嘻哈歌曲方式将营销理念传达出来。女人天生美丽,妆饰让时间无法带走她们的美,也让她们美得更加与众不同。因为妆饰,她们从不畏惧岁月,更不畏惧岁月留下的痕迹。强行让女人变美是不科学的,把追求美变成每个女人的终身目标才最科学。四. 个性派黑羊时代 x 良品铺子 - 一镜到底的美食诱惑创作人:黑羊时代(制片人/策划/导演/制作方/剪辑师)田春鹏(导演)常丹妮(美术) MOJO_昆仑(调色)王哲(摄影)Charlie 夏雷磊(策划/导演)陈军(制片人)热爱嘻哈的妹子,性格爽朗,既能与你称兄道弟,又能独当一面。世俗说女孩子一定要乖巧柔顺,她偏个性张扬与众不同。受挫了,一碗自煮火锅即刻治愈,如果能加个鸡翅,人生再没有什么不圆满的了~细节处理十分处女座的严谨先生,摆盘位置丝毫不差,对食材挑剔到令人发指。完美不是要求事物的标准,而是一种高级的生活态度。最新鲜的生蚝,才是他的追求。美学主义摄影师,构图、色彩、惊艳的视觉效果,这都离不开合格的模特。丑?不存在的。能入他口的食物,必定内外兼修,色味俱全。热衷于经典口味的怀旧少女,味蕾只记忆最独特的味道。速食简餐不是她的目标,九蒸九晒的繁复工序才是最爱。真正的美食,必定经得起岁月洗礼。这部广告片将个性、内在、品味、底蕴融合,利用剪辑与特效实现了“一镜到底”的效果,用简单的方式将品牌理念传达给大众。五. 走心派青岛啤酒X天猫 《夜猫子的歌》奇幻短片创作人:肖田(导演/编剧)黄非红(剪辑师)张磊(摄影)这是一部浪漫奇幻的广告片。傍晚时分穿过泛着雾气的森林,与多年好友共赴这场跋涉于森林草原的夜猫子之旅。三五好友,十年之约,此时此刻怎么少得了酒?不矫揉做作,不标新立异,只单纯的讲故事,却恰好戳中了我们内心某个点,久别重逢的人痛饮一番,便是天地间最酣畅淋漓的事情。改造成黑猫造型的车,车内的mini bar,还邀请乐队原创了歌曲《夜猫子之歌》,如此契合产品不可谓不走心。 结语不论双十一值不值得,它作为购物狂欢节的概念都早已深入人心,其势头甚至远超各种传统节日,而剁不剁手也成为了热点话题。网络上无数文章从社会学角度、经济学角度甚至心理学角度对双十一进行了反思,我们作为普通人夹杂在褒贬不一的评论声中,判断的标准其实很简单——那就是你有没有从中得到快乐。

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