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拍摄
  • 视频拍摄脚本怎么写?完整视频拍摄脚本范文实例分享

    写脚本?对于没有视频背景的朋友来说可能就会有疑问,脚本是什么?不应该是电影,电视剧才会用的到的东西吗?我们做一个短视频才一两分钟,还用得到脚本吗?再者说,我之前没有脚本,一样也能拍短视频,脚本的意义到底在哪?其实不是这样的。如果你真正掌握了怎么写视频拍摄脚本,你就会发现,原来视频的拍摄和制作竟如此简单。下面就为大家分享一篇完整的视频拍摄脚本范文实例给大家,希望给不会写脚本的朋友带来启发!《地铁兄妹》拍摄脚本短片以MV的形式展现“地铁兄妹”的立志辛路,用他们原创的励志歌曲,衬托出灰色都市中的阳光兄妹。引子哥哥和妹妹分别叙述旁白:北京地铁10号线,现已开通的一期全长32.9公里,共设车站28座,西起海淀区巴沟,沿元代土城径直向东,在芍药居和亮马桥之间转弯,向南经东三环路直到劲松站……(声音渐弱)(引子部分用一种平静而又有经历感的音乐)引子画面01:特写地铁站里旁白中的各种站牌。02:中景别车门开启,关闭,开启,关闭,重复几次。(报站名的声音)03:大全景别站台上流动的人群,兄妹站在原地不动等车的背影。04:中景别地铁涵洞,车灯亮,进站的车头。(前景挂妹妹的头发,音乐起)正文(原创歌曲高潮部分一个小节直接进入)画面01:中景别哥哥和妹妹在车厢内演唱。画面02:哥哥演唱特写。画面03:妹妹演唱特写。画面04:特写乘客表情。妹妹旁白:你有万千世界,(画面01:兄妹清晨走在无人的马路上)我有小小地铁,(画面02:中景别,一把吉他斜靠在地铁站的一个柱子旁。)北京承载了无数北漂的未来,(画面03:特写妹妹和哥哥灿烂笑容。)我们的梦想也交托给了这个地方。(画面04:特写哥哥的琴弦波动,妹妹的小话筒。)(此处进入原创歌曲最后段落)画面01:特写阳光从城铁的玻璃中透出,逆光中哥哥演唱的侧脸。画面02:特写妹妹长发中透出阳光。画面03:大全景别城铁列车驶向远方。哥哥旁白:三平米的小屋画面01:大全景别夜幕降临。十小时的奔忙画面02:中景哥哥送妹妹上车告别。妹妹过肩拍哥哥,车门关闭,地铁开动。虽然辛苦却无需可怜画面03:特写手机,妹妹接到哥哥的短信。嘱咐路上注意安全,妹妹脸上坚强的微笑。)结束:只要拥有理想生活就充满阳光。(结束画面:大全景别空荡的,空荡的地铁站。。。)分镜头画稿引 子手绘分镜头示意旁白旁白描述哥哥和妹妹分别叙述旁白:北京地铁10号线,现已开通的一期全长32.9公里,共设车站28座,西起海淀区巴沟,沿元代土城径直向东,在芍药居和亮马桥之间转弯,向南经东三环路直到劲松站……(声音渐弱)备注画面01:特写地铁站里旁白中的各种站牌。画面02:中景别车门开启,关闭,开启,关闭,重复几次。(报站名的声音)画面03:大全景别站台上流动的人群,兄妹站在原地不动等车的背影。画面04:中景别地铁涵洞,车灯亮,进站的车头正 文手绘分镜头示意旁白描述(原创歌曲高潮部分一个小节直接进入)备注画面01:中景别哥哥和妹妹在车厢内演唱;画面02:哥哥演唱特写;画面03:妹妹演唱特写;画面04:特写乘客表情;手绘分镜头示意旁白描述妹妹旁白:你有万千世界,我有小小地铁,北京承载了无数北漂的未来,我们的梦想也交托给了这个地方。备注画面01:兄妹清晨走在无人的马路上画面02:中景别,一把吉他斜靠在地铁站的一个柱子旁。画面03:特写妹妹和哥哥灿烂笑容。画面04:特写哥哥的琴弦波动,妹妹的小话筒。手绘分镜头示意旁白描述无备注画面01:特写阳光从城铁的玻璃中透出,逆光中哥哥演唱的侧脸。画面02:特写妹妹长发中透出阳光。画面03:大全景别城铁列车驶向远方。备注三平米的小屋画面01:大全景别夜幕降临。手绘分镜头示意旁白描述十小时的奔忙备注中景哥哥送妹妹上车告别。(妹妹过肩拍哥哥,车门关闭,地铁开动。)手绘分镜头示意旁白描述虽然辛苦却无需可怜备注特写手机,妹妹接到哥哥的短信,嘱咐路上注意安全,妹妹脸上坚强的微笑Ending只要拥有理想生活就充满阳光……结束画面:大全景别空荡的,空荡的地站……好了,以上就是为大家分享的视频拍摄脚本范文实例。对于视频拍摄来说,脚本是提高效率,保证主题,节省沟通成本的重要工具。创作脚本则要先明确主题,再一步步细化,直至形成能保证视频顺利拍摄的详细脚本。大家不要再被脚本吓到了,快行动起来,把自己的想法真正落实成故事和镜头吧!

  • 只懂远全中近特就out了,科普影视剧中的宝藏镜头

    镜头的种类有许多种,按照景别来划分,我们大致可分为五类:远景镜头、全景镜头、中景镜头、近景镜头、特写镜头。也就是我们日常经常提到的“远全中近特”。了解镜头,可以帮助你更好的认识影片,理解导演、拍摄者、剪辑者的意图。除了上面那几种大家耳熟能详的镜头外,下面给大家普及另外一些在影视剧中经常出现的镜头,不同的镜头表达的含义不同,掌握这些镜头手法,在自己拍摄的时候,画面内容也会更加丰富。下面就来增长一下知识吧~一、深焦镜头深焦镜头是远景或大远景的变形,用于展现镜头中的一切,对于细节把控要求很高。利用焦距将前景,中景,近景等全部景深融入到镜头到中,这种镜头同时捕捉被摄对象的远、中、近距离,也最能维持空间的完整性,导演可以观众的眼光在远近距离上移动。利用深焦镜头往往寻求最大景深,追求细节的最大化。电影《公民凯恩》中的深焦镜头影响着观众和画面之间的思想关系,使画面空间的张力得以增强。另外《公民凯恩》中也有更多值得学习的电影语言,感兴趣的小伙伴可以观看学习。电影《公民凯恩》深焦镜头二、变焦镜头变焦镜头,变焦是焦距的光学变化,它能够实现画面的放大或缩小而并不改变摄影机的位置。变焦镜头是在一定范围内可以变换焦距、从而得到不同宽窄的视场角,不同大小的影像和不同景物范围的镜头。1927年的电影《翼》(Wings)是变焦手法首次用于商业电影的里程碑,该片还获得了首届奥斯卡的最佳影片大奖。在电影《大话西游之仙履奇缘》中的朱茵眨眼经典变焦场景,更是给观众留下了深刻的印象。电影《大话西游之仙履奇缘》变焦镜头三、滑动变焦镜头滑动变焦镜头是一种非常有名的镜头拍摄手法,又称“希区柯克式变焦”,通过移动镜头位置同时进行变焦,相机一方面向前推进一方面同步使用变焦摄影,使主体在画面中一直保持大小不变,形成背景有压缩感的画面,从而有效地突出画面中的目标对象。电影《大白鲨》滑动变焦镜头四、荷兰式运动镜头荷兰式运动镜头,指的是剧烈晃动的纵摇移动镜头,这种镜头手法通常用来表示一种疯狂、紧张、神秘、不安的气氛,画面的角度通常都是倾斜的。往往一个斜角镜头的下一个镜头的拼贴最好是水平方向相反对称的镜头,比如一个向右倾斜的镜头经常后接一个向左倾斜的镜头,在视觉上很有动感。电影《盗梦空间》荷兰式运动镜头五、过肩镜头过肩镜头,就是摄影机位于一名角色背后并面向另一角色进行拍摄,这样一名角色的肩膀和背部会面对观众。过肩镜头也是电影电视中最常见的镜头之一,过肩镜头的作用在于给观众一个旁观者的角度,能为观众建立一条视线,引领我们进入一种亲密观察的视角。同时又通过肩膀和画面主体在镜头画框内的具体空间关系,分清楚主次。例如:电影《泰坦尼克号》中的过肩镜头,它用来表现两位人物角色间的亲密感。可以多多利用过肩镜头展现人物关系。电影《泰坦尼克号》过肩镜头六、横摇镜头横摇镜头,作为镜头经典手法推拉摇移中摇镜头的一种,摄影机架在三脚架上,主轴不动,仅镜头水平移动,从左到右,或者从右到左。横摇镜头通常用来拍摄移动中的汽车镜头,来体现汽车的高速移动。电影《头文字D》横摇镜头七、弧型运动镜头弧型运动镜头是摄影机以按照某个圆周以弧形运动所拍摄的镜头,可以为一个场面提供多变化的视觉层次,通常有三种作用:一是突出主体的重要性;二是增加场景的紧张情绪;三是增加画面的动感和能量。它是电影电视中高频率使用的镜头之一。电影《鲨滩》,主人公位于大海中的一块礁石上,用远距离环绕镜头拍摄主体,可以全方位地展示主人公孤立无援的处境。电影《蝙蝠侠:黑暗骑士》中,展现了蝙蝠侠与另外两人面对糟糕问题时的紧张情绪。电影《鲨滩》弧型运动镜头八、移轴镜头移轴镜头就是移轴镜摄影,泛指利用移轴镜头创作的作品,所拍摄的照片效果就像是缩微模型一样,非常特别。移轴镜头的作用,本来主要是用来修正以普通广角镜拍照时所产生出的透视问题,但后来却被广泛利用来创作变化景深聚焦点位置的摄影作品。移轴镜摄影是将真实世界拍成像假的一样,营造一种「人造都市」的感觉。英剧《神探夏洛克》移轴镜头通过以上的干货分享各位小伙伴对于镜头语言有了更多的了解,上面的许多镜头语言都是根据“推拉摇移升降”这些基本的镜头语言演变或者丰富而形成的,有些是通过前期拍摄形成,有些是前期与后期共同作用而形成的,每部影片都有自己极为标致的镜头语言,小伙伴可以在评论区留言说出给你印象最深的镜头语言吧~

  • 人物优先vs场景优先,你是哪种布光思路?

    照明可看作两件相互关联的事情——其一是为演员照明,特别要注意他们的脸;其二是为场景照明,我指的是房间或空间以及背景。主光(key light)是打在演员脸上最强的光,主光的位置是摄影指导在为场景布光时首先关注的事情。演员身上的主光怎么打,将受整个场景照明的影响,有可能空间的照明也要照顾到演员。然而,摄影指导决定从哪些方向给演员打光,很大程度也受演员在现场的面部朝向影响——他们转身朝哪个方向看,他们的头怎样倾斜。摄影指导和灯光师在排练期间要密切观察这些细节,并选择对于演员将来的走位和表演效果最好的照明方向。所以在大多数情况下,摄影指导首先为面部布光。有的时候,碰巧这盏灯照亮了场景,但一般情况下,这个光还得做一些改动,以使影像的各层分离开来。有时摄影指导会倒过来做——首先照明空间,只在必要的地方添加一些光,以保证演员面部的曝光量。这种方法往往很适合低调自然的场景。这类场景中,摄影指导有意识地努力避免过度的圆滑或做作,而偏爱自然和粗糙。强烈的“理想的”主光有可能将低调的场景照得过亮。采用这种“先场景后演员”的方法时,可能会使用一些非传统的照明角度,比如利用从下面反射的光或者用顶光来照明。摄影指导在多大程度上想采用这样的方式,主要取决于要拍什么类型的片子。在一些制作中,摄影指导必须持相当保守的态度,在用光角度上要一丝不苟;但对另一些影片来说,照明的自然主义倾向和表达情感的潜能则压倒一切。摄影指导构思一种照明策略,要考虑两件事:△即将拍摄的这个镜头的摄影机位置,选择的照明方向要最有利于拍摄;△在脑中思考现有的照明策略如何运用于未来要拍摄的其他角度。摄影指导希望花一点时间提前多想一步,想象一下在其他的角度下如何调整照明,以保证照明的连续性,避免陷入窘境。摄影指导要试着率先为场景做好整体的照明布置方案,因为它可能会影响到拍摄顺序以及与效率相关的其他方面。正如你看到的,摄影指导在开始一个照明设计的时候,就在考虑很多事情了。确定照明策略过程中的另一个关键因素是弄清场景的合理性光源(motivating light source)。合理性光源可能是现实存在的,也可能只存在于摄影指导和灯光师的想象当中。弄清合理性光源会使照明显得自然。场景中的合理性光源有可能是直射的阳光透过窗户倾泻进来,也可能是阳光从一个表面反射而形成的柔和的辉光。这些光可能来自天窗、餐桌上的蜡烛、台灯、路灯、月光、火把、仪表盘上的灯(飞机上、车辆上、宇宙飞船上、潜艇上)、城市公寓窗外闪烁的霓虹灯、救护车闪烁的警灯、过路车的大灯,或海滩上摇曳不定的篝火。对光的色彩(color)和光质(quality)予以控制,可以模拟出合理性光源。当然,当主光具有可以识别的光源时,光线也必须大致来自那个方向,尽管可以做很多手脚。正如前面提到的,通常通过对主光方向的准确控制,配合给定的演员走位和摄影机位,能够使演员的特征得到最佳的表现。大的合理性光源,比如太阳,可以用几个大灯透过不同的窗口照射来模拟。另一方面,也可以用许多不同的光源作为布景不同区域的合理性光源。例如,随着一名女演员从窗口走向壁炉前的沙发,她从窗户柔和的蓝光走出,进而走进闪烁、温暖的火光中。即便光源色彩和光质上有细微的差别,也会使照明更令人信服。将光源的色彩作为依据,也为摄影指导提供了一种将前景、中景和后景各层分离开来的方法,这叫做分色(color seperation)。荧光光源可能会略带蓝色或绿色,窗户的光可能会略带琥珀色(阳光)或略带蓝色(天光)等。在大多数情况下,如果可以通过摄影机看到合理性光源,例如有一盏道具灯,或者有光透过薄薄的窗帘照了进来,这时若光源足够照亮演员,光源本身就太亮了,就会白成一片,留不下任何纹理。假设演员坐在沙发上,旁边有一盏台灯,如果我们仅仅依靠这盏灯来对演员的脸曝光,台灯将大幅过曝。相反,如果我们将台灯的亮度调暗,灯罩就有了很好的细节,但却无法为演员的面部提供足够的照明。因此需要有一个单独的光源来为演员面部照明,这个光源要模拟台灯的金色柔和光质。这也使我们有机会在主光上“作弊”,以最好看的方式照亮演员的脸。重要的是光的品质,特别是主光光源的品质,要做到自然逼真,以假乱真。在灯的前面加一个漫射的菲涅尔透镜可实现这个目的。必须注意不要让光线溢出到灯身上,也不要让灯投下菲涅尔透镜的影子,否则将会破坏光来自灯的错觉。制片前期,摄影指导、美术总监和导演会讨论演员的移动与照明光源布置的相对关系。光自然而然会影响到行为。例如,下午时分,阳光的位置沿着我客厅的地板移动,我的猫每15分钟就跟着阳光动一下。人们阅读、工作和彼此交谈等日常作息活动也顺应光线的节律。因此,照明位置自然要与走位相配合而在某种程度上,导演和美术总监设置家具、门窗和照明光源的方式,也要方便为演员的行动提供照明。如果不存在有依据的光源来给演员提供照明,比如夜晚在一个黑暗的卧室里,就必须允许有一点戏剧性的方式。我的看法是,在外观上即使做不到完全自然,也要让观众在心理上认可。 例如,为一个假定没有灯光的夜景布光,可以营造一种无方向感的低基础照度的蓝光,并且要曝光不足。然后,非常选择性地添加一些零零碎碎的光斑,或者让演员隐没在黑暗的阴影中,只用微弱的逆光勾勒出演员的轮廓。成功营造这种效果是个精细活儿,需要经验丰富,有出色的眼力和判断力。对于一个给定的场景,摄影指导经常有许多不同的可能的合理性光源供选择。他会选择那些可以实现其场景照明目标的合理性光源。根据具体的走位、布景结构以及布景中道具灯的位置,摄影指导将决定哪个光源作为演员面部的主光,哪个光源将作为逆光,哪个光源可以用来照明背景等。你的惯用布光思路是什么?欢迎在评论中与我们分享。

  • 斯坦尼康大师跟拍的四个技巧

    如果你能正确使用斯坦尼康,这种摄影方式能够让观众彻底沉浸在你的故事当中。斯坦尼康为电影人们提供了一种最为流畅的、拍摄动态的方式,但它远远不止你想象的那么简单——穿上装备,拿上机器,拍就是了?如果抱着这样的想法,也许你对斯坦尼康还有些许误解。《鸟人》的拍摄现场,斯坦尼康摄影师正在工作说到底,一切还是关于如何才能利用不同的手法和技巧讲好你的故事。使用斯坦尼康能够让创作者们以更加引人入胜的方式去完成整个故事的讲述。在大多情况下,斯坦尼康摄影能够将观众与场景中的人物放在一起,让他们站在角色的身边,去见证、去感受银幕上所发生的的一切。《好家伙》《闪灵》《赎罪》《敦刻尔克》……许多影片都为这项技术的开拓做出了贡献,探索出了一种突破极限的流畅拍摄方式。《闪灵》库克光学(Cooke Optics)用一个视频与大家分享了使用斯坦尼康摄影进行叙事的一些技巧。如何才能更加得心应手地使用斯坦尼康在视觉上讲好一个故事?看过视频也许你会拥有更深的心得体会。Cooke Optics邀请斯坦尼康摄影师彼得·罗宾逊(Peter Robertson)与我们分享了他的宝贵经验。罗宾逊是世界上最为杰出的斯坦尼康摄影师之一,他凭借《赎罪》(乔·赖特,2007)之中惊人的斯坦尼康长镜头获得了美国摄影机操作员工会奖的“历史性镜头”奖。《赎罪》他的其他作品还包括《波西米亚狂想曲》《哈利波特与魔法石》《安娜·卡列尼娜》《透纳先生》《异星觉醒》《热血警探》《无处的男孩》等。《安娜·卡列尼娜》《波西米亚狂想曲》《赎罪》中的这个镜头长达5分06秒。摄影机跟随詹姆斯·麦卡沃伊饰演的男主人公穿过敦刻尔克海滩,向观众展示了一幅由一千名演员共同组成的战时生活图景。这个镜头被誉为斯坦尼康摄影史上的最高成就之一,但同时也被许多人认定为一个不必要且过于浮夸的镜头。《赎罪》中的敦刻尔克海滩场景事实上,影片之所以选择这样的处理方式,一定程度上是出于成本和制片方面的考虑:客观上来讲,对于这样庞大的场面,影片的成本也无法支持进行多次的重复拍摄。在视频中,罗宾逊探讨了自己的摄影观念。一个成功的斯坦尼康镜头背后的哲学是什么?什么时候使用它才最为高效?罗宾逊指出了关键的一点——成为一名斯坦尼康摄影师,意味着成为一名“品味的裁决人”。“不要只是拿起机器四处乱晃,来制造一种低级的‘趣味’。”斯坦尼康摄影师需要与导演和摄影指导合作,帮助他们完善场面和段落,才能够更好地引领观众进入银幕中的世界。彼得·罗宾逊在片场无论哪一种摄影方法,一定都是为故事的推进而服务的。而对于斯坦尼康摄影而言,罗宾逊为我们提供了一些需要格外留心的要点。1、不要为了斯坦尼康而斯坦尼康如果你使用斯坦尼康,仅仅是为了获得一个很“酷”的镜头,那么这并不是一个明智的做法。那些“奢侈的炫耀式镜头” ,不仅不能使一场戏更加有趣,甚至还可能将观众的注意力从故事上转移开来。如果剧本里的这场戏需要用斯坦尼康来表现,那么很好;但如果情况不是这样,千万不要霸王硬上弓。2、用它为场面奠定基调当斯坦尼康摄影师开始运动的时候,场景中总有是有新的发展和变化的。斯坦尼康摄影师的工作不是追在演员屁股后边,而是帮助展示叙事或是人物上的重要线索和信息。《好家伙》在马丁·斯科塞斯的《好家伙》中,摄影机跟随亨利(雷·利奥塔饰)和凯伦(罗兰·布雷科饰)穿过排队的人群,从后厨进入到了夜总会之中。一路上,忙碌的服务生和后厨工作人员认出了亨利,他正娴熟地把小费塞给了对的人。这场戏的基调就此奠定:亨利很富有,他坐拥金钱和名利,并且毫不吝啬于使用它们。3、下意识地使用它最成功的斯坦尼康镜头,许多时候,恰恰是那些观众根本意识不到使用了斯坦尼康的镜头。当观众的注意力全神贯注在故事上时,他们也许根本没有多余的精力去留意到其中的精巧设计。4、将注意力集中在镜头上斯坦尼康能够帮助你在视觉上更好地去讲述一个故事,并让你的观众为之着迷。在拍摄前期设计好你的斯坦尼康镜头,保证它们有良好的拍摄计划和合理的排演。在《闪灵》《木兰花》和《鸟人》中,我们已经见识过了使用斯坦尼康的魔力。《汉娜》罗宾逊在《汉娜》的拍摄现场即使摄影师并未移动,也能够使用斯坦尼康的减震臂来制造摄影机的运动。你甚至能够将斯坦尼康与轨道或无人机结合起来,以获得更加平稳流程的镜头。这使摄影师能够将注意力完全集中在镜头的创作上,不会因移动的需要而分心。在获得更具独创性的镜头上,斯坦尼康是一种自带优势的工具。

  • 干货 | 学会这8招,教你拍出《布达佩斯大饭店》

    每一个优秀的摄影师或导演都有着他们标志性的画面风格,在学生阶段,你可以通过模仿大师作品来发展出你自己的独特风格,韦斯安德森就是一个理想的老师。从《瓶装火箭》到《犬之岛》韦斯安德森一直坚持着用他异想天开的幽默感和标志性的画面风格来取悦着观众。无论你是不是他的粉丝,都会注意到分析和模仿他的人不在少数,然而这些分析和模仿并非是华而不实的。安德森辨识度极高的场景设置是由充满致敬的构图和成熟的故事主旨共同成就的,而这种辨识度需要的是对摄影、色彩、风格的强烈感知与理解。1.平面构图图片来源:《水中生活》韦斯安德森摄影风格的一个重要方面就是明显的扁平构图,这也是受到他的第一摄影指导 Robert Yeoman的强烈影响。韦斯安德森创造了一个又一个整齐排列在他的面前的电影世界。这也是说,在他的电影中我们很少看到景深和角度。摄影机当然是可以移动的,但是只要它移动,就会构建出一个新的平面构图。2.构造直线图片来源:《布达佩斯大饭店》韦斯安德森在上一条中的平面构图里会随即构造一条平行于地平线的直线(这条直线则构造出对称,我们会在下一条中详述。)对于他的风格来说,最重要的就是使用广角镜头,将被摄物尽可能“直”地排列在一条直线上。这也是为什么,我们在他的电影中几乎无法找到畸变镜头。举个例子,在他最广为人知的电影《天才一族》和《布达佩斯大饭店》中,他最多地使用40毫米镜头。一旦我们在画面中找到了这条稳定的直线,我们就可以在这条直线上战略性地规划我们的构图。3.找到对称点开视频,用韦斯安德森治愈你的强迫症在对称这一方面,韦斯安德森可谓是前无古人。他是第一个如此沉迷于强烈的对称风格的导演,不过强烈对称也让他的电影获得了非凡的喜爱和极高的荣誉。(斯坦利·库布里克的画面其实不是对称,而应该称作单点透视。)为了追求对称,你需要注意以下三个方面:第一,就是我们提到的,避免任何与参考线不平行的角度;第二,拍摄近景长镜头,并且避免鱼眼畸变;第三,则是摄影三分法——韦斯安德森喜欢将他的被摄物完美地放置于画面中间,但是要注意,他同时也将画面中的信息平均地分配在了画面的两边。一旦你找到了这个对称,你就可以轻易地在自己的平衡画面中创造出富有张力的失衡感。这张截图就是很好的例子,在画面的右半部分他放置了一小队的侦察兵,与另外半边的两个角色形成了鲜明对比,造成了矛盾感。4.明亮色调组织完他的镜头后,韦斯安德森的个人风格开始真正地迸发。在《瓶装火箭》的各类采访中,我们可以窥见一些关于韦斯安德森的轶闻,据说他在影片筹备期曾花费数小时徜徉在杂志和画报的海洋里,只为给自己的影片找到一个完美的色调。从《瓶装火箭》开始,色彩也逐渐成为了韦斯安德森的标志性特点,他利用这些颗粒感的水粉色彩创造了许许多多永恒的经典画面。你也可以自己动手,打造属于自己影片的色彩风格。5.戏剧化的慢动作除了构图和色调,韦斯安德森在电影风格中灵活运用的慢动作也是值得关注的技术手段。不同于迈克尔·贝对慢动作镜头的滥用,韦斯安德森其实并没有频繁地让影片中出现慢动作镜头,但是他有着自己的办法,让每一部影片里都出现一次慢镜头,而位置通常是影片的结尾。另外他还会将一些镜头在影片开始以常速(视影片情况,一般为24fps)播放,之后再将其用慢动作回放,这其实是电影摄制中的一个复杂技术。当你拍摄数字电影时,你可以使用更高的帧数来拍摄一个场景或镜头,比如每秒60帧或每秒120帧乃至更高,然后在放映中增加镜头速率,以达到最终你想要的慢动作效果。韦斯安德森的这种做法就是我们通常在电影摄制中所称作的升格拍摄。6.俯瞰桌面图片来源:《天才一族》在某些小的细节上,韦斯安德森甚至可以说是Instagram的成功借鉴,大量韦斯安德森式的俯拍桌面流入这个APP,也是其在网络能够爆红的原因之一。从风格的观点看,将一些没有生机的物件摆放在桌子上其实是很简单的,真正困难的是构图中的空间、灯光、和对物品的挑选。然而在韦斯安德森的桌面上,所有的物品乃至桌子本身都是时间、地点、角色的象征。物品的摆放严谨地契合着场景和镜头,物品间的间隔则释放出对于细节的原始质朴的关注。7.定格动画另外一个难以复制的韦斯安德森的风格是他对于定格动画的狂热迷恋。没错,成熟的例子如《了不起的狐狸爸爸》以及今年上映的《犬之岛》,然而即便是他的早期作品,像是《水中生活》,也创造性地使用了定格动画来表现野外生活和各种动物。定格动画的制作过程是十分漫长而且艰难的,需要的则是导演的超强的计划性、天马行空的创造力还有过人的耐力。8.选对字体这就是韦斯安德森最爱的字体 图片来源:《达拉斯观察报》不同于定格动画的绝对难以模仿,韦斯安德森元素中的另一个极端,则是最容易模仿的,也就是他的字体选择。即便他不会用同一种字体贯穿全片,也会有一种最钟爱的字体会被他不断重复使用。他所使用的字体从最简单普遍的Helvetica体和Futura体,到略有装饰作用的Didot体和Tilda体。韦斯安德森对于排版和字体的敏锐与热爱,也让他的角色们获得了很多打字或书写的机会——当然,这样的场景在韦斯安德森的电影里也是不断出现的。简单8步,你是不是已经看懂了韦斯安德森呢?赶快行动起来,将这些小技巧用在自己的短片中,从现在开始就发展出你的专属风格吧!

  • 具有“电影感”的3种拍摄角度,建议收藏

    摄影镜位,是一门永远研究不完的学问。除了基本的远景、中景及特写外,摄影师更经常研拟新的镜头摆放方式,让画面别具心裁。多年来,好莱坞也发展出多种镜位,造就独具魅力的电影影像语言,本文将针对三种常见的斜角、低角度及上帝视角镜头介绍。01斜角镜头——表现失重、异常的视觉氛围“我们试图找到一种构图方式,创造与现实世界有区别的美感。”— — 《雷神索尔》导演 Kenneth Branagh好莱坞经典的电影镜头中,有一种称为“斜角镜头”(Dutch Angle Shot),刻意追求画面“不维持水平”的构图,经常用于惊悚、恐怖片之中,以倾斜的角度,表达人物不安疯狂的状态,或者滥用药物、失去方向感等情境。“斜角镜头”源于1930年代的德国表现主义电影,因此英文中的“Dutch”指的为德国而非荷兰(美国俚语常把“Dutch”称作德国)。而后传入好莱坞后,被《大国民》等经典电影使用,1960年代因常出现于蝙蝠侠系列电影、影集中,更有“蝙蝠侠镜头”之称。近年来,在Tim Burton、Sam Raimi(执导《蜘蛛人》三部曲)等大导演作品中,仍经常能看见“斜角镜头”的运用。《雷神索尔》首集的导演Kenneth Branagh,更与摄影指导Haris Zambarloukos以斜角镜头,呈现漫画为基础的影像宇宙。Branagh坦言,年轻时为漫威漫画的粉丝,因此想以倾斜20至40度、较不夸张的斜角镜头,强调剧中世界与现实的差异,并尊重漫画的原始氛围:“这种方式有助于表达与庆祝,这个世界与现实的不同,但又让人物合理地活在其中。”02低角度镜头——表现角色傲人的气势“如果你全心全意爱电影,而且有足够的热忱,你根本无法不去拍一部好电影!” ——《霸道横行》、《黑色追缉令》导演 Quentin Tarantino低角度镜头(Low-Angle Shot)通常采以低角度拍摄位置,向上“仰拍”的方式,凸显人物气势,使人看起来更为高大、具自信。而近年来更广泛出现于“英雄电影”中,强化角色在画面中的威严性。此镜头常使用于《黑暗骑士》里的“小丑”。摄影指导Wally Pfister拍摄剧情中,蝙蝠侠骑乘蝙蝠车快撞上小丑,后者仍不断前进、喊者“我要你快来撞我”时,剧组以低角度推轨镜头拍摄小丑,隐喻小丑“占上风”的情势——蝙蝠侠并不会真的撞上他。导演Quentin Tarantino亦是此镜头的爱好者之一,他常从“后车厢”仰拍角色。《霸道横行》中,三位抢匪掀开后车厢,盯着里头被绑架的警察时,摄影即自警察的主观视角(POV),捕捉三人不怀好意的神态。此手法更多次用于《黑色追缉令》、《追杀比尔》,被影迷戏称为“后车厢镜头”(Trunk Shot),成为Tarantino的注册商标。但其实此镜头执行困难度高,常需透过布景部门,调整后车盖位置,让空间变宽敞,容纳摄影器材(甚至是摄影师),并同时让部分车盖出现于画面中。不过,Tarantino显然仍对此镜头乐此不疲。拍摄《追杀比尔》的“后车厢镜头”时,他对现场混音师Mark Ulano说:“你能把一支收音麦克风放进车厢里吗?”正当众人疑惑时,他略带调皮兴奋地说:“当你把车厢门用力关上,里面收到的声音会听起来很酷!”03“上帝视角”镜头——凸显人与空间的关系“电影里的每个细节,都可以成就一颗很棒的镜头。”——《王牌冤家》导演 Michel Gondry“上帝视角”(God‘s Point of View),意味着以极端垂直高角度“俯拍”,仿佛人物的一举一动皆受制于上天,也常被称为“鸟瞰镜头”。入选奥斯卡外语片前9强的《今天跳舞不打仗》,描述一对夫妇收到儿子服役丧命噩耗时的难受心境,导演Samuel Maoz更借此镜头,提出对信仰、政治的质疑:“角色像小而无意义的棋子,由看不见的手所控制,无论那是神、或是政权当局。”拍摄“上帝视角”时,如何不让器材、空拍机或直升机的影子曝光,为一大难题。《怒火边界》中,此视角镜头仿佛自飞机上从高空拍摄,但实际上,导演Denis Villeneuve搭乘直升机拍摄,而后才经后制特效,制作出飞机的影子。此镜头的另一运用,则为《王牌冤家》主角躺在结冰湖上、仰望星空的浪漫场景。画面中的冰雪裂痕,常被影评人视为两人关系的裂缝,但导演Michel Gondry于多年后解释:“当时,只是希望让冰看起来不那么假,才在演员旁边多加了裂痕。”意外成就这颗留名影史的经典镜头。本文完如果本文对你有用欢迎点赞加关注

  • 拍出完美错觉相片的技巧

    你可能也有看过把人/东西于相片内变小变大的小把戏,一开始还以为是PS后制出来的,其实要拍出来不太困难,只需要留意以下一点点的小技巧,再加上你的个人想像力便可以了!一起来看看!(一) 避免与现实有对比要拍出像真度高的错觉相片,其中一样很重要的条件便是避免相中出现一眼便看出是假的东西,因此最容易拍出错觉相片的地方往往是很空矿的,例如是一大片草地、天空、沙滩、平原,甚至是近来很受欢迎的「盐湖」等等。(二) 前后距离 + 上下反转对于入门者,有两个很简单的技巧可以作尝试,一是利用「前后距离」来作错觉;二是利用相片上下反转来达到奇怪的效果。前后距离便是利用了「前大后小」的原理,在一个平面上,两个差不多身高的人一前一后的站立,远的人往往会在相片上看起来很细小。而上下反转便是在拍摄后利用软件把相片180度(或其他角度)反转,让相片中的人物或东西展现出不合常理的效果。(三) 避免浅景深浅景深可以令相片的主体更突出,在摄影技巧中重要又好用,但在拍摄错觉相片时却要避免了!因为浅景深会令人有着前后的方向感,令相片中的东西看起来「不是在同一平面上似」的。而要避免浅景深,我们可以尽量调小光圈(数字大,如f/16,f/22等),但务必要小心快门过慢导至手震的情况,有需要可以提升ISO,或是利用小DC、非全片幅的相机拍摄,有助降低浅景深的效果。(四) 善用道具道具可以大大增强相片的趣味性!拍摄时不妨多加利用汽球、水瓶、杯碟等常见的物件,甚至是远方的建筑物也可以利用,最重要的是相片中的「演员」投入,这样才会更加有趣!(五) 对焦点的选择若果有前后的距离(例如一前一后的站立),对焦点最好放在远处的一方,通常后方的人物也会显得很细小,若果有轻微浅景深可能已经会完全糊掉了,因此对焦点最好设在后方,务求令细小的人物也能清楚见到。

  • 《首楞严演义》拍摄手记——摄影师田波

    《首楞严演义》拍摄手记——田波世界上首部佛学经教电影《首楞严演义》于2017年5月摄制完成,旨在于以电影这种大众喜闻乐见的方式,阐扬佛学经典著作中的深邃义理。当我拿到张迪导演数易其稿、精心打磨的剧本后,先是倍感压力;而后在赴福建宁德、云南西双版纳等地采风之后,就开始着手于参考资料的搜集和摄影阐述的工作。但在这个过程中,我发现:将佛学经典电影化、视觉化的道路上,我们非常缺乏前人可提供的有益参考,这既是艰巨的挑战,也是严重的障碍;如何能够做到不空驾电影技巧,而如实的表达经教义理,是我们的第一要务。这其中,张望先生的图片摄影作品,给了我艺术感觉上的启迪。 张望作品张望作品美学探索:遇见佛的庄严华丽这部影片并不仅仅是一部在情节上错综复杂而完整的故事片,所以不能贯以常规故事片的拍摄手法。它既包含着可观赏的戏剧冲突段落,又更须彰显出经教义理阐释的目的;它既有主观人物情绪延展的段落,又有客观规定情境表现的段落。因此,为了保持这部电影在美学上的“完整性”,我们就精粹出一个影像关键词——“庄严华丽”。在和导演及美术指导的沟通中,我们逐步垫定了实现“庄严华丽”的视觉基础:首先,一想到佛教,我们脑海中浮现的第一种色彩就是庄严的“金黄色”。我想,那就首先应当在宏观上赋予《首楞严演义》这种色彩倾向。而这种色彩倾向并不意味着全片都是金黄色调,而应是在摄影色彩匹配、场景美术设计、后期配光调色的创作过程中,有意识的运用和配搭色系的构成,让影片呈现出厚重感、史诗气质。基于这样的认识,我在每场戏的色调转换与环境、服装、道具的选择上,都是依照色彩表现性的需求,有层次、有设计的将其应用于画面之中,从而达到全片色彩力量的平衡与对比。在这个基础之上,我们也必然的选择了可供平衡视觉张力的其他元素,那就是黑、白、灰的表现。无论在哪个场景里,我们都通过曝光以及其他美术手段得到丰富的黑、白、灰——因为这是“庄严华丽”的铺垫。无论是以压暗前景的方式呈现出黑色、灰色的过渡(如图1),还是以后刻意曝光过度的方式呈现的白(如图2),乃至“七叶窟”场景中在压暗的纯黑山洞背景中只配以点点烛光(如图3)等等,都能更好的体现出主体区域不同明度、饱和度的色彩,也成为视觉上的一种“缓冲”。图1图2图3而反之,在“摩登伽家”(如图4)和“村落街道”(如图5)等场景中,我与美术指导王昱懿商量后,觉得大块土黄色墙体过于温润,而人物身着大量仿印度古制的鲜艳饱和、亮丽质感的服装,会显得“跳脱”。因此,我们把原本也是黄色系的木质门窗都刷成了青色、绿色,同时在大面积的墙上悬挂对比色强烈的沙丽、布幔,进行调和;又在后期调色的过程中,将土黄色统一往“金色”上靠,并加强补色的饱和度,以突出该场景的“魔幻感”。图4图5同时,为了在视觉上实现相应的“起、承、转、合”,我们还利用了将“大金塔”的外景和“曼听堡佛寺”的内景进行空间上的借位衔接——这样做不仅由于“大金塔”的红砖结构以及白色线条更符合佛陀时代的建筑风格特征,同时,这样做也同样能为前后饱和度较高的场景提供一个视觉上的“缓冲”。总而言之,我们做了很多努力,就是把多变的色彩关系搭配调和,从而达到浓而不艳、凝重庄严的色彩基调。光线:流光溢彩,身动心动作为摄影“灵魂”的光线造型元素,我还是着重以自然光线变化的体现,为内容、为背景空间提供有设计感的光线,来突出人物在空间当中的流动性——光的运动。运动,才是电影的本质。譬如“制止寺手术室”是影片中唯一的一场夜戏,墙壁上的光线,是用了一盏2.5K HMI灯加1/8CTB和一层硫酸纸从门外投射;在灯前还加了一截树的枝叶,用来修饰出青蓝色的月光,投射到般剌密谛法师身后的墙壁上。随着“血渍经卷”的取出,我让灯光师从大幅度晃动树枝到逐渐缓慢,那“月光”投射出的树影便由紧张的晃动转至安详的静谧,渲染出契合规定情境的气氛。电影《首楞严演义》截图再譬如,在拍摄阿难尊者托钵行至城外湖边,取水邂逅摩登伽女的场景时,导演坚持想要从阿难尊者的水中倒影上摇至人物实体,但当时被选作表演区的那片小水洼,布满水草且十分浑浊。我找了很久的角度,均发现,纯靠自然光,倒影几乎不可见。我最终选择在镜头起幅时,用一盏4K HMI灯过一层柔光屏做人物面光造型,再利用一盏6K HMI灯直打人物面部。依靠这样的强光,才算清晰的勾勒出了浑水中的人物倒影。但随着镜头摇起来,人脸就会过度曝光,我就让灯光师配合我镜头摇起的速率,顺势将6K HMI直射灯摇走,并提前设定好角度,通过光心打至水面形成水波的反光,作用在阿难尊者的脸上和身上,这便又成为了效果光。一灯两用,以光影和镜头的“动感”,来预示主人公即将遭遇的虚妄蛊惑。光的象征功能运用,能使光线的表现作用更为具体化,从而更便于将佛理禅意影像化、直观化。电影《首楞严演义》截图我曾经在堪景的时候问过张迪导演,片中“戏中戏时空”的外景气氛可不可以有“魔幻时刻的黄金光效”,导演回答我说,佛经上记载的这段故事,前后都发生在正午之前(依据佛制戒律,僧团托钵乞食必须在正午之前),过午不食有着严格的宗教意义和戒律精神,故不能轻易改动。但我说明了光线的变化对气氛渲染的重要性时,张迪导演重新思考出了一个更加有意思,并且更加系统的光线设计,那就是在“译经场”段落中,用光线来表达时间流逝的概念。我遂依从这个思路,经与美术部门沟通,在两侧的景片上都开了窗户,以定义场景的东西朝向和灯光的投射角度。这样,我们就形成了——译经从清晨开始,光线角度低,在后景有清晰的光影结构,色温相对较高;译经过程中,太阳升至空中,场景和人物以多角度、漫反射照明为主;时至下午,光线角度至另一侧,在人物身上形成逆光;傍晚时分,太阳尚有余晖,但人物面部已经形成小范围光区,色温降低——这样一系列的光线造型设计(如图11—图16)。图11图12图13图14图15图16在佛陀宣教的“祇洹精舍”场景,我们仍按照这个光线设计思路,完成了固定空间内光线和时间的变化。而更为有意思的是,在和张迪导演后来谈起这个创作点的时候,张迪导演说,我们的电影还论证了一个千余年来无人关注的问题,那就是:通过电影这门时间、空间具象化的艺术形式,验证了当年佛陀讲《楞严经》并不是在一天内完成的。因为我们按照太阳的轨迹设计光线,在本经第一卷讲完(即本系列影片的第一部临近尾声)时,正好夕阳西下——而实际并不可能通宵讲经,那么,后续的九卷经文,实际上就得一天一天的继续讲下去。这就是电影的魔力,她能打开很多美妙的宝藏。技术创新:返璞归真,重拾传统技艺其实,这样一部看似还原历史的“年代大戏”,实则是一部极低制作成本的影片。因此,导演还给我提出了能否在实拍中解决各种“特效”的难题,比如“佛陀放光”、“稻田彩虹”、“遭蛊迷幻”等等。我一开始实在愁城难解,但不知怎的,就突然想起了从小百看不厌的《西游记》,加上从各种媒体得知当时前辈们在极其简陋和艰苦的条件下,用“土法炮制”的质朴方法就能完成一些特技镜头,我就觉得没有什么是解决不了的问题,便想起了传统的滤镜系统和光学手段。比如,我将星光镜运用在了“佛陀放光”的殊胜场景中。这种特殊效果滤镜的原理是“在滤镜表面镀上横纹的镜头镀膜,或者直接在玻璃上蚀刻出不同类型的纵横线型条纹,即在点光源的作用下,可以使拍摄景物中的高光点产生衍射,以达到‘光芒四射’的效果。这种滤镜在曾经的胶片摄影时代,乃至广播级摄像机上都自带cross滤镜,经常运用在商品广告摄影中,以美化玻璃器皿或金属制品的高光,使画面熠熠生辉”。那么在“佛陀放光”的场景里,我就将自己定制的方形星光镜加在镜头前,再于演员身后放置一盏150w的特图利小灯,并摘掉遮扉,将光心直冲镜头打来,这样,在满足了星光镜点光源的要求后,就会呈现出七彩光芒,再辅以特图利调压器控制点光源的亮度,使得灯具不穿帮,又可通过对光心在画内的细微调节中,来控制星芒的最佳亮度和角度(如图18、图19)。 图18 图19反倒因为前期的手段是利用现有光线进行的创作,我认为这与后期再制作相比,则更具有自然的艺术温度和情感,即更加有机的了。再比如,我们在摩登伽施咒蛊惑阿难尊者的段落里,用三棱镜的反射角度,把实际在村口托钵乞食的阿难尊者和疯狂的摩登伽在摄影机里“合成”在了一个画面里(如图20),还有将梵天神像与摩登伽以同样的方式“合成”在一个画面里(如图21)。实际操作就是让“阿难尊者”站在三棱镜能够反射到的一个区域进行表演,而“摩登伽”直接在镜头前表演,通过这种美妙的光学手段实现了前期的“合成特效”。图20图21唯一在技术层面上的美中不足是,由于数码摄影的冲击,这些拙朴的滤镜已经鲜有人用,目前市面上能找到的滤镜口径也都很小,多为小口径照相镜头制作,不适配于我们的蔡司MP电影镜头。因此,我除了尽量找到大直径的滤镜外,还须通过配合中长焦端镜头,缩小视角,避免滤镜四角穿帮,并控制不同光孔,制造合适的景深来完成光学的特效手段。比如阿难尊者行走在大稻田中的场景,因为历史上是佛陀僧团结夏安居的最后一天,也就是雨季结束、解夏自恣之日,这里若出现彩虹,既合乎情理,又具有特殊的符号意义。为了前期能拍到这“稻田的彩虹”(如图22),我不可能让整个剧组跟我一起“祈祷”并等待天空上真有彩虹出现,所以就采用了法国高坚Cokin的彩虹镜,这款彩虹镜就必须用35mm焦距镜头,光孔F8来拍摄,这时的透视和色彩分布才不会太过失真。图22在前期拍摄中,我还利用了Pro Mist白柔滤镜来柔化正午强烈的直射阳光,晕开高光,避免“数码感”;用三棱镜置于镜头前,再局部裹上色纸,制造画面中的多彩炫光;甚至专门在自己购买的ND3滤镜上涂抹无色唇膏,以达到局部模糊演员面目特效化妆瑕疵的目的……所有这些手段,虽然简陋,效果也或许不那么“大片感”,但它让我在低成本制作中,找到了不妥协、不放弃,想办法、想解决的创作快感!在这样一部经费紧张、而又不能失去大格局的公益电影中,种种既成的障碍反倒成了我们创作的动力。因本文篇幅所限,还有许多关于机器镜头选择,长镜头的调度,摄影机的运动方法等,不能一一赘述。希望大家能感受到我们制作电影的快乐,而且无论是院线电影,电视电影,还是网络电影,广大电影从业者都应该从心出发,敬畏这份职业,那么,好的影片就一定会被更多人看到。 摄影师简介 田波,北京电影学院摄影系电影摄影创作研究生毕业。曾供职于凤凰卫视,拍摄百余部纪录片作品。担任摄影指导拍摄的电影长片有《首楞严演义》《特警云豹》;担任摄影拍摄康师傅优悦明星公益广告,获得长城广告节互动类银奖;短片《足战胡同》获得第三届“中华美.海峡情”两岸大学生摄影大赛金奖;短片《哈桑》获得第二十三届北京大学生电影节原创影片大赛剧情单元最佳摄影奖。

  • 国外知名电影院校会让新生完成哪些拍摄任务?

    对于刚刚起步的电影新人来讲,也许你还没找到适合自己的拍摄技巧,也没有在行业中找到属于自己的位置,那么下面这些拍摄练习就会对你有很大帮助。 很多知名电影人的经验告诉我们,许多大的收获都是通过他们在电影学院完成的一些任务(或练习)中获得的,从而提高了他们的电影制作技能。 这些拍摄任务能够教会你不同类型的电影制作基础知识,给了你作为一名电影制作人的挑战,并帮助你塑造属于自己的独特风格。下面就让我们来一起看一下到底是哪些任务吧!照片叙事 在大多数电影院校的课程中,第一个任务都是“用照片讲述一个故事”的练习。这个拍摄任务注重于构图及镜头选择(它对于任何基础的学生来讲都是相对简单的)。你所要做的就是使用一个可以拍摄静态照片的相机(无论是你的数码单反还是智能手机),拍摄15到20张照片来讲述一个故事。这个任务需要有初始的剧本和故事板创作,并且会涉及到演员招募、场地确认、以及灯光的使用——但是不会涉及到进一步的录音问题。通常这个任务都会以合作或是小组形式完成,但是你也可以自己进行创作。 这个任务还需要在一些引导步骤下来进行非线性编辑,因为你需要把你的照片放在一个有时间轴的剪辑程序上,然后选择每一个镜头的长度。你也可以给你的终版剪辑添加配乐(如果你想挑战自己的话也可以添加旁白)。完整动作 当你学完拍摄构图和剪辑的基础知识后,下一个任务通常是让学生去练习匹配剪辑和完整动作。这是一个简单的小任务,但是它却很重要,因为它可以帮助你练习拍摄不同角度的动作。比如做饭,包装一件礼物或是洗衣服。这对于你在一个房间内相同光线下的拍摄是很有帮助的。 而这里的挑战是选择要保留的照片,然后通过剪辑去呈现一个从开始到结尾无缝连接的完整动作。在刚开始的时候,你可能觉得这个任务看起来容易的多,但是它会迫使你仔细去思考所有关于拍摄和剪辑的细微差别。过程纪录片 拍摄任务会随着你的学习进程而更具挑战性。从场景拍摄,到纪录片的创作,以及捕获那些超出你直接控制范围的元素都会带来新的挑战。和完整动作拍摄任务相似,电影院校另一个常见的任务就是“过程纪录片”,这是一种最基本的纪录片制作。 对于这一任务,你需要选择一个纪录片主题,而这个主题要包含一个(或几个)完整的动作。例如,一个披萨店在准备披萨外卖、一个院子里的工人在修剪草坪,或是一个技工在换轮胎等都是很好的例子。重要的是,这个动作超出了你作为纪录片创作人的控制范围,因此,你必须去计划哪些镜头是你创建过程纪录片时需要拍摄的镜头。倒叙双人对话 一个比较有趣的任务也许是第一次要求你去拍摄对话——并且要把它和一个倒叙情节放到一起。双人对话是叙事电影的主要内容,它会教给你各种各样的原则和技巧。你可以添加特写镜头,过肩镜头,脸部特写镜头,这样你在剪辑时可以有更多的选择。 倒叙则增加了另一个有趣的元素:从一个对话跨越到另一个对话。当你拥有这两个对话的所有视频时,你的剪辑可以非常开放,有很多种方式可以用来整合所有素材,这会非常有意思。三幕结构短片 虽然在入门电影课程中这并不是常见的,但是经典的三幕叙事结构在微电影和剧情片里都是巨大的突破——实际上,你最喜欢的电影和电视节目都在某种程度上使用了这种结构。(如果你想知道历史上世界各地是如何使用一个相似的概念进行叙事的话,你可以看一下约瑟夫·坎贝尔的《英雄之旅》) 这个任务需要你编写剧本,创作故事板,然后进行拍摄并且剪辑一部以三幕叙事为背景的短片。你不需要涵盖到所有的知识点,但是从头到尾地完整地去展示一段“英雄之旅”可是一个有趣的挑战。

  • 食物摄影大揭密——10种“美化”食品的技巧

    你知道如何在拍摄广告时,避免冰淇淋惨遭灯具融化吗?你知道要怎么做,麦片才不会被牛奶泡得“湿湿烂烂”的吗?本文将分享10种“美化”食品的造型技巧,破解拍摄不同食材可能遇到的难题,带你成为视觉上的料理大师!1、拍出“热腾腾”的熟食蒸气——运用棉球、卫生棉条让画面里的食物散发腾腾热气,绝对是照片看起来诱人可口的关键!然而,不仅热食容易在拍摄过程中冷却,也并不是每道料理都含有大量水份,能够持续产生明显的蒸汽。但其实只要微波加热吸饱水的棉球(或卫生棉条),并将它们藏在要拍摄的商品后方,就能获得持久丰盛的水汽,使镜头前的美食就像刚刚煮好的一样。2、让冰淇淋不会融化的秘诀——使用马铃薯泥替代不起眼的马铃薯泥,一直是食物摄影幕后最给力的超级英雄。马铃薯泥容易塑形、不易变质,且能耐受摄影棚内炽热的灯光,不会因为长时间的拍摄变形崩坏。基于这些特性,马铃薯泥不但常被当作摆盘的配菜,或作为使肉品更加丰满的填料(例如烤鸡),甚至可以混合食用色素和各种装饰,伪装成色彩缤纷的冰淇淋,避免摄影师面临冰品融化的灾难。3、呈现浓、醇、香的牛奶——“白胶”不让麦片变软烂真正的牛奶在镜头前,质地总是显得有些稀薄、颜色也不够饱满;若是和老搭档“早餐麦片”一同入镜,更会在短时间内就把麦片给泡得稀烂。因此在拍摄鲜奶麦片时,通常会加工填充容器的底部,只留下几公分深的空间倒入白胶,再将麦片和配料铺排其上。如此一来,就能让麦片浮在浓醇的“牛奶”表面,并长时间维持新鲜松脆的卖相。4、完美牛排烹调密技——使用鞋油烧烤广告中大火烧烤、外酥里嫩的牛排,总是令人感到食指大动。然而要完美掌控火候,烤出內里鲜红多汁、外层焦香油亮的牛排并不容易,所以拍摄时通常不会真的动用烤架,而是透过平底锅或烤箱加热牛肉,再用鞋油于表面做出烤痕。这些加料牛排虽然不能真的吃下肚,但从视觉上看起来肯定超级美味!5、画龙点睛的鲜奶油——挤一坨刮胡泡用于装饰甜点、饮料的鲜奶油,在拍摄上几乎和冰淇淋一样棘手。真正的鲜奶油不但容易移位变形,在摄影灯具的高温照射下,短短几秒就会开始融化,难以撑过漫长的拍摄作业。幸好只要利用常见的刮胡泡,作为奶泡或鲜奶油的替代品,就能避免前述缺点并获得以假乱真的外观。不过现场工作人员得格外当心,别误喝加了刮胡泡的特调卡布奇诺!6、让蔬果像新鲜现摘——喷雾式除臭剂“滋润”外观超市里的许多水果,表面会覆有一层可食的薄蜡,以延长储放时间,并使卖相更加光鲜亮丽。但食用蜡带来的视觉效果,对摄影机的胃口来说远远不够!因此广告摄影经常利用喷雾式除臭剂,喷洒苹果、葡萄、青豆等任何蔬果的外皮,好让它们在画面里格外新鲜水润,就像刚刚才从果园里摘下来一样。7、浓郁美味的各色酱汁——以蜡来调色拍摄酱料最大的问题,是如何在照片里表现酱料的质地。若直接使用真正的酱汁,不仅容易看起来稀薄黯淡,有些酱料还会因为长时间的拍摄,产生原料沉淀、油水分离的情况。因此,在酱料中添加各种颜色的蜡,不但可以自由调整浓度和颜色,同时也能延缓原料分离变质发生,是个简单又有效的小技巧。8、汉堡诈骗的秘密——夹层加装厚纸板汉堡一直是食物广告界的诈骗集团。照片里的汉堡之所以能如此挺拔,是因为汉堡面包暗藏了一块厚纸板,让生菜、洋葱、酸黄瓜等各种配料,能以完美的角度,被大头针固定在坚实的基座上。此外,厚纸板也经常和切片甜点一同演出,只要在蛋糕与蛋糕层间夹上厚纸板、再于厚纸板外侧补上鲜奶油,就能获得俐落整齐的蛋糕切面!9、来杯冰凉饮料吧——假冰块与假水珠的呈现手法饮料里漂浮的冰块、杯外凝结的水珠,都是拍摄时难以掌控的大敌。拍摄冰饮的时候,最好改以市售的假冰块取代会融化的真冰,并用甘油和水的混合物喷洒在杯面,制造出水气冷凝的假象。如此一来,便能安心地透过镜头,慢慢享用眼前“沁凉保冰”的饮品。10、松饼糖浆的甜蜜诱惑——运用防水喷剂、机油伪装蓬松柔软的松饼淋上晶莹金黄的糖浆,多么美味诱人的组合!但如果你真的吃过松饼,就会知道糖浆很快就会被松饼吸收。为了呈现完美的画面,拍摄时通常会以织物防水喷剂喷洒松饼表面,另外再以机油取代糖浆,以免真的糖浆因为灯光温度融化变稀,把精心设置的摆盘给弄得一团糟。谢谢阅读本文完如果本文对你有用欢迎关注加点赞

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